Le développement de la modernité picturale dans la seconde moitié du dix-neuvième siècle français est redevable à l'apport de la critique d'art qui en assura le rayonnement. Émile Zola, ardent défenseur de cette nouvelle esthétique, contribua par ses chroniques artistiques à de nombreuses publications tout au long de sa carrière d'écrivain, soit de 1866 à 1896. Ce mémoire met en lumière l'importance de la contribution de l'écrivain par l'analyse des descriptions du corps que l'on retrouve dans ses Écrits sur l'art. Le choix du corps comme sujet doublement représenté par la toile et le texte, souligne, d'un point de vue anthropologique, la relation intime unissant l'art et l'homme. Plus particulièrement, ce travail s'intéresse à la question de la métaphore alimentaire et de son inscription dans le texte. Afin d'appuyer cette hypothèse d'un lien unissant le descriptif et l'alimentaire, nous irons chercher des exemples à la fois dans les Écrits ainsi que dans deux romans de Zola, soit Le Ventre de Paris et L'OEuvre. Nous établirons une catégorisation des métaphores utilisées afin de rendre lisible ce parcours du sensible et de comprendre son ancrage à la fois dans le contexte de l'avènement de la peinture moderne et également dans l'histoire du développement gastronomique de l'époque. Ce rapport à l'alimentaire que l'on retrouve au coeur de l'écrit zolien est ainsi considéré comme étant représentatif d'une esthétique descriptive propre à l'auteur. Notre travail permet donc l'étude d'un corpus où les paramètres de la critique d'art impressionniste et de la littérature naturaliste se rencontrent par le biais de l'utilisation de la métaphore alimentaire dans la création d'une image corporelle. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Émile Zola, Dix-neuvième siècle, Gastronomie française, Métaphore, Critique d'art, Descriptif.

Sous la forme d'une installation interactive, cette recherche création est destinée à faire vivre au public en général l'expérience d'être dans la peau d'une personne non-voyante. Elle vise donc à mettre en valeur l'importance de chacun des sens et à faire voir comment ceux-ci réagissent et compensent lorsqu'un sens est déficient ou tout simplement manquant. La personne se déplace dans une pièce toute noire. Elle déclenche différents événements par l'entremise de divers objets qu'elle est appelée à découvrir au fil d'un parcours d'inspiration marine. Les personnes non-voyantes sont également invitées à en faire l'expérience. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Installation-interactive, Paysage sonore, Son, Sens, Vision, Non-voyant, Toucher, Tactile, Mer.

J'ai choisi le thème de l'interconnexion impliquant le rapport entre la conscience humaine et les fondements du réel qui créent notre environnement physique. Ces fondements, qui relatent la création de toute matière, ont été établis par la science moderne. Pour ce projet, ils ont été mis en relation avec le mythe de la Genèse dans une installation performative multi-écrans. L'objectif de cette rédaction vise à comprendre les tenants et aboutissants de certains des principes fondamentaux de la physique quantique, du point de vue de la responsabilité des arts, dans un cadre plus large de questionnement éthique et philosophique. La connaissance de la réalité a toujours été intégrée à l'évolution de l'art, celui-ci ayant un rôle clé dans la vision du monde véhiculée par la société. Ce texte élabore la thématique de l'interconnexion d'un angle plus analytique sous l'égide des principes de la physique. Ces derniers ont été la source sous-jacente d'inspiration pour cette installation médiatique performative, alliant les arts de la scène et les arts médiatiques. Les principes de base de la physique moderne furent assimilés le mieux possible, grâce aux ouvrages de physiciens-théoriciens ou de philosophes de la science, pour les besoins de cette présente étude. L'objectif est d'interroger leur impact sur la culture, en corrélation avec la thématique d'interconnexion des phénomènes, et d'émettre une réflexion sur la fonction de l'art en rapport avec ce thème. La création de l'installation performative ne fut pas axée sur la portée du mythe en soi, mais sur des thématiques constitutives de ce mythe qui permettaient d'explorer indirectement certains principes de la physique moderne reliés à l'interconnexion: la complémentarité des contraires; l'intrication des phénomènes; la temporalité non-linéaire; et l'évolution de la conscience. Certaines des lois émergeant de la physique quantique peuvent être étrangement corrélées avec des composantes mythologiques anciennes. L'art est le langage à travers lequel nous percevons les nouvelles relations qui parsèment l'environnement, à la fois physique et métaphysique. Il est l'instrument essentiel dans le développement de la conscience. (Youngblood, 1970, p. 47) La vie elle-même ne devient-elle pas de l'art quand il n'y a pas de différence entre ce que nous sommes et ce que nous faisons? (Youngblood, 1970,p.42) ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Interconnexion, Environnement, Expérience, Immersion, Installation performative.

Flag est une installation qui explore les concepts de choix, d'interprétation et d'identité. Elle établit une connexion intime entre l'artiste et le public à travers une expérience interactive. Le spectateur est invité à choisir parmi un ensemble de symboles et de mots et à les soumettre au regard d'un écran actif. L'environnement réagit en entrant dans une narration immersive où se manifestent tour-à-tour la surprise, le jugement et l'acceptation. Les signes choisis par le spectateur deviennent autant de petits écrans sur lesquels des fragments d'histoires, de personnages et d'impressions apparaissent, inspirés par les préconceptions, perceptions et souvenirs de l'artiste relativement au contexte d'exposition. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Réalité mixte, Expérience interactive, Processus, Assignation identitaire, Détournement.

Ce mémoire fait l'analyse du phénomène de réactualisation des collections fermées et de ses stratégies en se basant sur trois études de cas : le Isabella Stewart Gardner Museum, le Kettle's Yard Museum & Gallery et la New Art Gallery Walsall. Restreintes par des législations, ces institutions ont développé différentes stratégies leur permettant de réinscrire le contenu de leurs collections fermées à l'intérieur d'enjeux actuels. Dans un premier temps, de la présentation de nos trois études de cas sont apparues des caractéristiques que nous avons réunies pour exposer l'idée de collection fermée et souligner sa valeur esthétique, historique et artistique : les restrictions testamentaires, la vision du collectionneur, l'expérience du visiteur, le type d'accrochage et la mise en exposition des œuvres et des objets. Ces caractéristiques nous ont permis de cerner le contexte à l'intérieur duquel les conservateurs, les directeurs et les commissaires d'exposition interviennent pour réactualiser les paramètres temporels, narratifs et spatiaux de la collection fermée. L'idée de collection fermée est également développée à l'aide de propositions connexes provenant de 1'histoire de l'art et de la culture. Dans un deuxième temps, quatre des principales stratégies de réactualisation ont été dégagées de nos trois cas de figure : la construction d'une nouvelle architecture basée sur la collection fermée, la mise en place de programmes d'artistes en résidence, la création de programmes d'expositions temporaires et l'accumulation d'œuvres à l'intérieur d'une collection parallèle. Ces stratégies permettent une ouverture et une réorganisation des paramètres narratifs, spatiaux et temporels de la collection fermée à partir du présent actuel tout en respectant les restrictions protégeant son intégralité. L'analyse de ces stratégies permet non seulement de marquer les paramètres de la collection fermée sur lesquels la réactualisation s'opère, mais également de mettre en évidence les valeurs esthétiques et conceptuelles des projets d'artistes, architecturaux, d'exposition et de collection menés autour de la collection fermée. Dans un troisième temps, nous avons questionné la constitution et le fonctionnement temporel de la collection fermée et du phénomène de réactualisation pour pointer les changements qui s'opèrent dans le temps sur la collection fermée. De sa constitution par le collectionneur à sa relecture à partir des interventions du présent en passant par son legs restrictif, la collection fermée subit des changements malgré l'immobilité de sa mise en exposition. Enfin, notre recherche ouvre sur de nouvelles hypothèses. La réactualisation serait rendue possible à l'heure actuelle en relation avec une nouvelle conception de l'histoire basée sur une vision anachronique du temps. Cette vision anachronique et son potentiel pour la discipline de l'histoire de l'art développés par Georges Didi-Huberman (2000) nous ont permis d'explorer le phénomène de réactualisation non seulement dans la gestion muséologique des collections qu'il implique, mais également d'en traiter par rapport à la constitution de l'histoire de l'art et du rapport instauré avec le passé. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Collection fermée, Isabella Stewart Gardner Museum, Kettle's Yard Museum & Gallery, New Art Gallery Walsall, réactualisation, exposition

L'histoire des premières décennies du XXe siècle est marquée par l'essor industriel et économique de la société montréalaise. Le milieu des arts montréalais participe au mouvement d'industrialisation et croît au même rythme que la ville qui l'accueille. Les associations artistiques multiplient leurs interventions dans l'espace public et les institutions d'enseignement, appuyées par l'intervention du clergé et de l'État, mettent l'art au service du progrès de la nation. Chacune de ces actions, tant institutionnelles qu'artistiques, trouve des échos dans les périodiques culturels et dans les journaux populaires. À partir d'une sélection d'articles publiés en 1910 dans les quotidiens La Presse, Le Devoir et l'hebdomadaire Le Nationaliste, ce mémoire propose une réflexion méthodologique sur les écrits sur l'art avant la Première Guerre mondiale, afin d'identifier les types d'écrits présents et la nature des discours qu'ils véhiculent. En nous inspirant de la théorie des mutations journalistiques développée par le Groupe de recherche sur les mutations journalistiques de l'Université Laval (GRMJ), nous avons d'abord fait ressortir différentes typologies d'écrits sur l'art. Ces typologies ont révélé certaines particularités formelles et discursives liées aux nouvelles contingences qu'impose l'industrialisation de la presse au tournant du XXe siècle. Ensuite, en nous intéressant aux écrits, nous avons repéré certaines préoccupations du milieu des arts montréalais en 1910 : la valorisation de l'enseignement, l'encouragement des artistes canadiens-français et une certaine volonté de professionnalisation du discours sur les arts - tant critique qu'historique. Finalement, le dépouillement systématique des quotidiens de notre corpus a permis d'identifier plusieurs journalistes artistiques locaux et internationaux et de mettre en relief leurs préoccupations. Dans le contexte d'effervescence du milieu des arts montréalais, où le discours sur l'art oscille entre la notion de progrès et de beau idéal, nos recherches dressent ainsi un portrait riche et complexe des écrits sur les arts dans les quotidiens et soulignent le potentiel historiographique de ce type d'écrit. ______________________________________________________________________________

Ce mémoire traite du phénomène des femmes ayant fondé et géré une galerie d'art à Montréal entre 1941 et 1963. L'objectif de cette recherche est de déterminer le rôle que ces galeristes ont joué dans la diffusion des arts visuels à Montréal et si leur condition féminine a influencé ce rôle. Nous supposions alors que les femmes de notre corpus avaient participé à la diffusion de l'art moderne canadien en éduquant les publics aux esthétiques modernes. Mais encore, nous émettions l'hypothèse que le fait qu'elles soient femmes ait eu une double influence sur la gestion de leurs galeries, en les limitant au plan législatif et en leur imposant socialement un certain nombre de valeurs dites féminines. Pour cette étude à caractère historique, nous avons choisi d'emprunter une approche théorique davantage sociologique développée par Max Weber, soit l'individualisme méthodologique, qui explique les phénomènes sociétaux à partir des gestes individuels. Cette approche nous a permis de considérer les femmes de notre corpus en tant que personnes dont les actions ont pu participer au développement de l'histoire de l'art au Québec. Cette approche propose que, pour comprendre une action dans sa globalité, il s'avère nécessaire d'en comprendre l'environnement ainsi que ses effets et répercussions. Nous avons donc étudié le contexte socio-historique de la période de notre étude, en portant une attention particulière à la situation des femmes sur les plans social et législatif ainsi qu'au milieu des arts visuels. Ensuite, nous avons analysé plusieurs éléments biographiques des femmes de notre corpus afin de déterminer quelles étaient leurs motivations à ouvrir et diriger une galerie d'art, mais également afin de constater s'il y avait eu certaines expériences communes chez ces femmes qui auraient pu les orienter vers l'exercice de cette fonction. Puis, nous nous sommes intéressés aux stratégies de diffusion que ces galeristes avaient entreprises afin d'évaluer comment elles ont répondu aux objectifs de promotion artistique que ces femmes s'étaient fixés. De plus, nous avons analysé plusieurs articles de la presse écrite afin de définir les effets véritables et la réception de ces stratégies. Finalement, nous avons constaté que les galeristes de notre corpus ont participé à la diffusion de formes d'art n'ayant pas encore de public établi, mais aussi que leur condition féminine aura eu une influence significative sur cette participation. Ce mémoire constitue un ouvrage descriptif et historique dont le travail de défrichage documentaire était nécessaire pour entamer notre projet doctoral. Le phénomène ici étudié n'avait encore jamais été développé, outre par l'étude de cas uniques; c'est pourquoi il était indispensable, à l'intérieur de ces pages, de procéder au regroupement des informations préexistantes que nous allions complémenter de nos propres recherches. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Galeries d'art, Stratégies de diffusion, Montréal, Femmes

De nombreux artistes interrogent aujourd'hui le phénomène de la démolition et de la disparition de bâtiments dans la ville. En éveillant la mémoire du disparu, en évoquant l'esprit des lieux, en provoquant une douce nostalgie ou en critiquant la modernisation effrénée des villes, leurs œuvres composent des récits qui orientent nos expériences du temps et de l'espace. Ce mémoire porte sur les représentations artistiques de la démolition et de la disparition urbaines et sur les récits qu'elles mettent en forme. À partir de l'étude d'un corpus de trois œuvres d'art contemporain, The Writing on the Wall de Shimon Attie, Souvenirs de Berlin-Est de Sophie Calle et Phantom Shanghai de Greg Girard, j'examine la dynamique narrative de ces représentations et interroge les conceptions du temps et de la ville qu'elles reproduisent. Les traces, les fantômes et la nostalgie sont les trois éléments centraux autour desquels s'organise le sens des œuvres. Ces figures de l'absence configurent un temps où le passé ne disparaît jamais tout à fait, mais où il survit dans les lieux du quotidien. Les œuvres mettent ainsi en forme des récits de la survivance et du retour qui reproduisent une pensée moderne du temps, c'est-à-dire une conscience du contemporain et du passage, qui, à travers sa propre critique, provoque son continuel renouvellement. En activant les traces du disparu et en faisant émerger les fantômes de nos mémoires nostalgiques, les artistes participent aussi à rendre les villes contemporaines habitables et à montrer la diversité qui les anime dans le contexte de leur « mégapolisation ». Les œuvres d'art transforment ainsi le regard que nous portons sur nos espaces de vie, en nous apprenant à voir les fantômes dans la ville. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Œuvres d'art contemporain, récits, temps, ville, démolition, disparition, traces, fantômes, nostalgie, modernité, mégapole.

Cette thèse création comporte d'abord la réalisation artistique d'un miroir interactif, Les Errances de l'écho (2003-2005), pouvant réagir aux caresses des spectateurs en leur faisant entendre les voix entrelacées de six personnages. Cette oeuvre expérimentale visait à mettre à l'épreuve une approche ayant pour objectifs notamment: de concrétiser le pouvoir magique que l'on attribue symboliquement aux miroirs ou aux écrans; de suggérer au spectateur une expérience introspective inhabituelle par la simulation d'une rencontre intersubjective; de développer une interface personne-machine inusitée impliquant directement le corps du spectateur dans sa relation avec une oeuvre d'art; d'imaginer une navigation hypertextuelle inédite reliée à la manipulation et au contexte d'un objet du quotidien. Dans un deuxième temps, en plus de décrire en détail la structure et le fonctionnement de l'oeuvre d'art réalisée, le travail de recherche a surtout consisté à expliciter les fondements artistiques que je présume à l'origine de cette création. Il s'agit alors d'identifier et d'analyser les connaissances et les expériences qui ont principalement influencé mon cheminement artistique que je considère, en partie, comme une réaction spontanée et intuitive à mon environnement social et à mon époque technologique. Cet univers culturel se trouve ainsi à la croisée de différents domaines qui me passionnent et que j'ai choisi de restreindre à : l'art de l'installation médiatique au tournant du XXIIe siècle (Rafael Lozano-Hemmer, David Rokeby, Jeffrey Shaw, Charles Sandison, Luc Courchesne, Max Dean...); l'esthétique et au design des interfaces personne-machine (Lev Manovich, Sherry Turkle, Mike Weizer, Brenda Laurel, Louise Poissant, Edmond Couchot, Jean-Louis Boissier, Joseph Weizenbaum, Jean-Pierre Balpe ...); l'imaginaire des récits fantastiques et de science-fiction touchant l'hypermédialité du livre et de l'écran Jorge Luis Borges, Isaac Asimov, Stephen Spielberg, George Orwell, David Cronenberg... ). Tant pour les aspects pratiques que théoriques, mon champ de recherche se situe alors dans un territoire interdisciplinaire partagé entre les arts, l'informatique et les sciences humaines. On peut voir apparaître ainsi, sporadiquement, des évocations touchant des considérations plus philosophiques telles que le panoptisme chez Michel Foucault, la culture narcissique chez Christopher Lash, le détournement du quotidien chez Michel de Certeau, la co-textualité chez Yehoshua Bar-Hillel ou l'interactionnisme symbolique chez Herbert Mead. Sans faire l'objet d'une analyse approfondie, ces thèmes suggèrent quelques pistes d'interprétation supplémentaires. Le cheminement de ma réflexion intègre des éléments historiques, artistiques et théoriques dont j'ai pris connaissance avant, pendant et après la réalisation de l'oeuvre. J'ai retenu ceux que j'estime avoir le plus influencé ma pratique en général et la création des Errances de l'écho en particulier. Afin de lier l'ensemble, la notion d'interface a été choisie comme fil conducteur permettant ainsi de resserrer la diversité du propos. La méthode d'investigation que j'ai choisie s'inspire de la démarche du praticien réflexif de Donald Shan et vise expliciter a posteriori une partie du savoir tacite impliqué dans la création de l'oeuvre. Même si ma démarche est très subjective, elle tente néanmoins d'articuler de manière rationnelle les arguments en les mettant directement en relation avec la nature de l'oeuvre proposée. On peut y voir alors une démarche de recherche sous l'art plutôt que sur l'art, qui a tendance à analyser ce qui se retrouve en amont de la réalisation plutôt qu'en aval. Le premier chapitre décrit avec précision les différents aspects de l'oeuvre et les étapes de sa réalisation. Étant donné que Les Errances de l'écho ne peut pas être expérimentée tout à fait de manière intégrale ni de la même façon d'une fois à l'autre, cette analyse permet d'en comprendre l'ampleur combinatoire et le fonctionnement aléatoire. Le scénario se retrouve en appendice afin de permettre un survol complet des répliques. Les quatre chapitres suivants abordent un aspect important de la création de l'oeuvre. Le deuxième chapitre met l'accent sur les hantises que suppose l'imaginaire de l'écran et montre comment mes travaux artistiques sont influencés par cette préoccupation. Le troisième chapitre aborde l'émergence des interfaces corporelles en informatique et en art. On y voit également comment les membres du groupe de création Interstices intègrent cette facette à leurs réalisations médiatiques. Le quatrième chapitre souligne la notion d'intersubjectivité en arts interactifs en montrant comment certaines créations intègrent le thème de la rencontre dans les situations qu'elles proposent. On y voit alors comment cette approche accompagne historiquement l'apparition de la socialisation dans les réseaux numériques. Le cinquième chapitre relie l'imaginaire fantastique de Borges à la spatialité suggérée par l'hypertextualité rattachée au Web et à certaines installations interactives abordant la relation entre texte et contexte. En conclusion, on peut constater comment ma pratique a évolué par la suite, de même que sous quel angle elle pourrait se poursuivre. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Art, Interface, Installation, Rencontre, Hypertexte, Interactivité, Création, XXe siècle, XXIe siècle.

Cette thèse création explore la temporalité et la spatialité de l'image en mouvement ainsi que celles du son à travers une expérience de création en arts médiatiques. Mon hypothèse interroge la forme narrative de l'œuvre à partir de la notion d'intervalle. J'y expose les indices visibles du corps-adolescent comme lieu et signe de l'intervalle. Cette hypothèse découle d'un questionnement du lien (présumé) entre les possibilités de réalisation offertes par les technologies audio vidéo numériques et les transformations de la forme narrative observées principalement dans les arts médiatiques. Dans le cadre de ce projet je présente l'installation Genre : Ado à la galerie d'art contemporain Les territoires, à Montréal, du 6 au 20 décembre 2008. Cette œuvre audio vidéo multiécran propose deux dispositifs installatoires: Genre: Ado - Polyptyque et Genre: Ado - Portrait. La dynamique des éléments mis en espace présente une cohabitation du réel et du virtuel ainsi que différentes formes de langage et de narrativité. À partir d'études préliminaires audio et vidéo j'explore les écarts de sens situés entre le geste et le dire dans le corps-adolescent. Par la suite, je conçois des protocoles de tournage pour souligner le rapport intime qu'entretient l'adolescent face à son propre corps et dans son rapport à l'autre. Ces protocoles opèrent comme un cadre fictif à l'intérieur duquel la nature intrinsèque de l'adolescence se révèle, comme dans un documentaire. Méthodologiquement, mon parcours s'accompagne d'un journal de la pratique, témoin et acteur dans le quotidien de mon processus de recherche création. Le concept d'intervalle, tel que développé par le philosophe Henri Bergson et repris par Gilles Deleuze dans ses travaux sur l'image-temps et l'image-mouvement, est le principal élément actif dans ma pratique. Ce concept me sert pour approfondir le lien entre le dispositif d'installation et la forme narrative en questionnant la virtualité et la matérialité de la mise en espace. L'intention étant d'atteindre l'entre-deux, l'espace d'hésitation, d'oscillation. J'ai constaté l'ampleur du rôle du corps dans les œuvres médiatiques et l'intérêt, dans les recherches actuelles, pour la circularité et le rhizome. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : arts médiatiques, corps-adolescent, dispositif, forme narrative, installation, intervalle, mise en espace, narrativité.