Cette recherche se donne pour objectif de questionner la circulation du patrimoine au cœur de l’espace social dans un contexte de développement des politiques locales du patrimoine. Le label Villes et pays d’art et d’histoire conçu il y a trente ans par le ministère de la Culture et de la Communication fait office d’analyseur ; la ville d’Annecy de terrain emblématique. Une poétique du patrimoine urbain est mise au jour, dépassant la forme traditionnelle du centre historique pour révéler trois régimes d’opérativité symbolique : l’unicum, le typicum et le totum. Chacun et ensemble, ils fabriquent la dimension patrimoniale de la ville : le premier mobilise le monument historique, le deuxième le centre historique, le troisième la ville patrimoniale. L’analyse de la circulation du patrimoine est ensuite mesurée comme polychrésique à partir des discours produits sur le patrimoine par des acteurs locaux considérés dans toutes leurs diversités (associations, secteurs touristique, culturel, patrimonial). Elle montre que le patrimoine constitue, pour chacun, l’argument d’un discours d’accompagnement spécifique justifiant leur place dans le réseau local : chaque acteur se caractérise par la mobilisation de différentes facettes du patrimoine pour légitimer son activité. L’interrogation des médiations prend pour point de départ l’objet patrimonial. Elle se concentre sur des stratégies communicationnelles distinctes : les centres d’interprétation de l’architecture et du patrimoine construisent le discours en l’absence d’objet patrimonial et l’espace urbain est mis en exposition à partir des objets patrimoniaux in situ. Leur analyse combinée révèle deux régimes de patrimonialisation : au régime de la trace qui convoque une relation indicielle de l’objet avec son monde d’origine s’adjoint un régime de la ressemblance exprimant une relation iconique. À un second niveau, une circulation de la figure de l’objet de musée apparaît, tant dans l’espace d’exposition par le développement d’une méta-communication, qu’en dehors de celui-ci à travers la mobilisation des caractéristiques habituelles de cette figure. Ces résultats nous permettent d’établir une dimension métamorphique du patrimoine apparaissant tant dans les parts polychrésiques de l’objet que par ses transformations successives au sein des médiations. / This thesis questions how the idea of heritage disseminates among the social space in a context of increasing heritage policies, with a focus on the policy of “Villes et pays d’art et d’histoire” and the city of Annecy (France). The preliminary analysis of urban heritage goes beyond the traditional form of the historic district and reveals three forms (unicum, typicum, totum). Each one of them uses different operators to build the heritage of the city: historical monument for the first, historic district for the second and the whole city as heritage for the third. The analysis of this dissemination reveals a “polychresic” heritage through the study of multiple local actors’ discourses (associations, touristic business, cultural and heritage fields, etc.). These discourses about heritage allow each group of actors to insure itself a significant spot in the local network. Each actor distinguishes himself from the others by using its own perception of heritage to improve and secure its activity. The last part of the thesis interrogates two communicational strategies about cultural heritage focusing on the role of objects. On one hand the interpretation centres for architecture and heritage set up a discourse about local heritage and urban space through a documentary exhibition but without object. On another hand, objects (such as monuments) are parts of an in situ exhibition. From the combined analysis of these strategies results two processes of “heritagisation”: object as a relic (index) connecting its present days to its original age, and resemblance as a visual connection (icon). The features of an exhibit finally disseminate in the exhibition venue by initiating a meta-communication and by transferring its characteristics to heritage objects in the urban space. These results allow us to notice a metamorphic dimension of heritage in the various ways it is seen, transformed and featured.

Faire une recherche sur l'histoire de l'art contemporain chinois implique la formation de deux questionnements essentiels. Tout d'abord, il est possible d'émettre un doute quant à la pertinence de l'emploi du terme contemporain. L'interminable débat sur la notion de contemporanéité a laissé place au second questionnement, d'ordre géographique. Existe t-il un art contemporain chinois ? De Ma Yuan à Dong Qichang, la première grande partie de cette recherche s'est employée à brosser le portrait de l'inclinaison prise par l'art chinois. Il sera intéressant d'observer comment les artistes actuels se sont emparés de la culture antique chinoise et l'ont ressuscitée à travers le prisme de leur réalité contemporaine. Il convient d'opérer une scission dans le schéma chronologique, matérialisée par l'avènement de la République Populaire de Chine. L'aversion pour l'art du Parti Communiste associée à la volonté d'asservir la production artistique de manière utilitariste fut la source d'une esthétique et de codes formels inédits, directement empruntés au réalisme socialiste russe et à la propagande nazi. / The research on the history of the Chinese contemporary art implies two essential questions. First of all, we may question the use of the word "contemporary". The never-ending debate concerning contemporaneity has lead to the second question which concentrates on a more geographical point. Does a contemporary Chinese art really exist? From Ma Yuan to Dong Qichang, the first part of this research aims at tracing the evolution of Chinese art. It will be interesting to see how current artists seized the traditional Chinese culture and resurrected this art through the prism of their contemporary reality. It is necessary to link this ascension to the rising of the Popular Republic of China. The hatred of the Communist Party for art, associated to the will of producing a new utilitarian art, were the source of innovative aesthetics and formal codes directly influenced by the Russian socialist realism and the Nazi propaganda.

L'objectif de cette thèse est de fournir une approche globale permettant de déterminer les stratégies de gestion optimales d'un réseau d'ouvrages. La démarche proposée est d'équilibrer les coûts liés à l'offre de l'infrastructure de transport avec les coûts liés à la demande de transport. Le coût de l'offre du réseau d'ouvrage d'art représente le coût des diverses actions de maintenance nécessaires pour obtenir un niveau de service des ouvrages adéquat. Le coût de la demande de transport représente le coût supporté par les usagers du fait de possibles pertes de niveaux de service. La performance des ouvrages est caractérisée à l'aide de deux approches probabilistes, une paramétrique basée sur la théorie de la fiabilité, et une non paramétrique basée sur un indice d'état qui donne une information sur l'état global de l'ouvrage. La méthodologie est proposée dans un premier temps lorsque les deux informations sont accessibles puis lorsque la seule information sur les ouvrages est l'indice d'état. La quantification de la demande de transport est effectuée en affectant le trafic sur le réseau de transport suivant les différentes configurations de l'état des ouvrages, puis en calculant la différence de coût pour chacune de ces configurations par rapport à une situation dite de référence où tous les ouvrages ont un niveau de service idéal. La détermination des stratégies de gestion optimales est effectuée à l'aide d'un algorithme génétique de manière à trouver d'une part les instants optimaux d'intervention et d'autre part les actions de maintenance optimales. Deux procédures sont proposées, une où la somme des coûts des usages et des coûts du gestionnaire est minimisée, une autre où ces deux coûts sont minimisé de manière séparée, un meilleur compromis étant recherché. La méthodologie proposée permet de déterminer les calendriers de maintenance optimaux d'un réseau d'ouvrages d'art pour un horizon donné, de répondre aux questions « quand » et « comment » intervenir, pour disposer d'un fonctionnement du réseau de transport le meilleur possible tout en ajustant les coûts d'intervention / In a context of scarce capital resources and to tackle the ageing of the bridge stock, stakeholders require and use decision making techniques. These tools prioritize at least maintenance actions and optimize allocation of funds eventually. However, all these bridge management systems have an individual strategy approach. They do not include the performance of the transportation network as a criterion in the decision process. The general principle is to find the most appropriate maintenance strategy for each bridge belonging to a network. This approach is not necessarily the best suited strategy for a transportation network. The aim of this thesis is to propose a methodology that provides optimal maintenance strategies for a network of bridges and not for each bridge taken as individuals. The proposed methodology consists in balancing supply costs provided by the infrastructure network with demand costs of the network users. The supply costs are those of all needed maintenance actions, performed by the bridge owner, to provide an adequate level of service for the bridges. The demand costs are those supported by the network users in case of inadequate level of service. The assessment of the supply costs requires to introduce performance of bridges. To take into account the uncertainties in the ageing process of bridges, the performance is calculated by using two probabilistic approaches : a parametrical one that is based on the reliability theory and that applies a failure mode for each bridge, and a non parametrical one that is based on a condition index that gives an information on the overall condition of the bridge. The methodology is proposed in a first time when both information are known, and in a second time when only the condition index is available. Besides, The demand costs are quantified by determining the traffic assignment if there is a traffic disruption for a combination of bridges, then by calculating the difference of user costs for these events with the reference when all bridges are in good condition and ideal performance. Optimal management strategies are determined by using genetical algorithms. First, optimal maintenance times are found for each bridge. Second, optimal maintenance actions are found. Two approaches are proposed. In a first one, the sum of user costs and maintenance costs is minimized. In a second one both user and maintenance costs are minimized separately and the best compromise is determined. Finally, the proposed methodology allows to determine the optimal maintenance actions planning for a given time period. It helps to answer the two questions : « when » and « how » take decisions in order to have the best network system by optimizing the different costs

Ces dernières années, la question de l'art dans les espaces publics enregistre une nouvelle actualité dans le domaine de la recherche appliquée. Les relations entre la création actuelle et les publics se déplacent des lieux artistiques vers l'espace public. Les mutations économiques et sociales, dans certains endroits, ont fait perdre aux villes leurs identités architecturales, culturelles ou historiques. L’action de la sauvegarde de l’identité devient nécessaire et elle nécessite l'intervention rapide pour assurer la continuité de l’histoire dans les sites anciens. En outre, l’intervention des professionnels du cadre bâti (aménageur, architecte, artiste, géographe urbain, urbaniste, …) devient indispensable pour rendre à la ville son âme et conserver son empreinte et son identité. C’est une tendance de fond de redonner sens aux espaces publics de la ville mais aussi de garantir une préservation de la mémoire commune à l’aide de sculptures publiques. Autour de cette réflexion, nous avons choisi d’étudier trois villes tunisiennes qui sont comme suit : Tunis, Sousse, et Moknine. L’action de sauvegarde de l’identité varie dans ces villes historiques puisque chaque espace définit sa propre structure urbaine et architecturale. Nous nous intéressons à l’intervention artistique comme étant un outil de communication-médiation qui facilite la transmission de l’histoire. La politique de sauvegarde tunisienne s’intéresse à la réanimation de sites anciens où l’art investit certains monuments pour assurer une réintégration du patrimoine dans le cadre contemporain / In the last few years, the relationship between art and public spaces has become one of the most important issues in the realm of applied research. The connection between contemporary creative works and publics is gradually migrating from artistic spaces to public spaces. Economic and social mutations have caused certain Tunisian cities to loose their cultural or historical identities, and thus, their originality. Consequently, saving these public sculptures in order to preserve the cultural heritage of the city has become a top priority that necessitates a quick intervention. The intervention of professionals (developer, architect, artist, urban geographer, town planner, etc…) is necessitated to bring back to the city its soul and its uniqueness to maintain its identity. It is an urge, as a matter of fact, to render to the city’s public spaces their weight to guarantee the perseverance of the country’s cultural heritage thanks to public sculptures. In the light of this reflexion, we have chosen to consider this subject taking three Tunisian cities as case studies, namely, Tunis –capital of Tunisia, Moknine and Sousse, situated in the region coast of the country. The necessitated policies to save the architectural and, thus, historical identity of historical monuments vary from one city to another since every space has got its inherent urban and architectural structure. We are interested in the artistic intervention as a means of mediation-communication that facilitates the transmission of history. In this regard, the Tunisian agenda is oriented towards the reanimation of historical monuments whereby art is deployed to modernize and update the Tunisian cultural heritage

Submitted by Renata Lopes (renatasil82@gmail.com) on 2016-04-26T10:36:18Z No. of bitstreams: 1 renataangelopernisa.pdf: 1293575 bytes, checksum: e0de4fc244e20689e9267efcb7f3db4c (MD5) / Approved for entry into archive by Adriana Oliveira (adriana.oliveira@ufjf.edu.br) on 2016-05-02T00:49:29Z (GMT) No. of bitstreams: 1 renataangelopernisa.pdf: 1293575 bytes, checksum: e0de4fc244e20689e9267efcb7f3db4c (MD5) / Made available in DSpace on 2016-05-02T00:49:29Z (GMT). No. of bitstreams: 1 renataangelopernisa.pdf: 1293575 bytes, checksum: e0de4fc244e20689e9267efcb7f3db4c (MD5) Previous issue date: 2016-02-26 / CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / Esta tese pretende questionar a relação entre o pensamento, a poesia e o sagrado ocorrida a partir da interpretação heideggeriana da obra de arte como o “colocar em obra da verdade do ser”. Com o desdobramento desta relação, reportamos-nos à proximidade de uma ambiência originária, aberta ao sagrado. O caminho para esse horizonte, nós o buscamos através de um modo de ocorrência do pensamento apropriado como rememoração da origem. No rememorar, podemos auscultar aquilo que constitui o pensamento. É por meio da rememoração, que o nosso pensar pensa o pensamento no mesmo caminho em que a poesia poetiza seu dizer. É no horizonte dessa relação, resguardado por um modo de ser como abertura, que podemos entrever o sagrado ressoado na origem. / Cette thèse prétende questionner le rapport entre la pensée, la poésie et le sacré qui si produit à partir de l’interprétation heideggeriene de la oeuvre d'art comme “le mise en oeuvre la vérité de l’être”. Avec le développement de ce rapport, nous emmenons à proximité dans un horizon original ouvert au sacré. Le chemin vers cet horizon, nous le cherchons à travers une manière de l’occurrence de la pensée appropriée comme souvenir de l’origine. Dans la rememoration, nous pouvons ausculter cela qui constitue la pensée. C’est pour la rememoration que notre penser pense la pensée au même chemin dont la poesie póetise son dire. C’est dans un horizon de ce rapport, protégé par une façon d’être comme ouverture, que nous pouvons entrevoir le sacré résonné dans la origine.

Notre travail consiste en une étude de l’ekphrasis dans l’écriture de Claude Simon. Il part de l’hypothèse selon laquelle la compréhension de sa nature et de son rôle permettrait d’éclairer des aspects fondamentaux du fonctionnement du texte, révélateurs de l’esthétique du roman simonien dans son ensemble. Pour ce faire, nous commençons par mettre en évidence le caractère ambivalent, paradoxal et subversif de l’ekphrasis simonienne, qui ne constitue pas systématiquement une interruption de la narration, ni une description d’oeuvre d’art. Tirant les conséquences du changement de perspective qu’impose le texte de Claude Simon, nous démontrons qu’il est tributaire du rôle crucial joué par le regard dans la détermination des objets ekphrastiques, objets investis de tout le punctum projeté en eux par le sujet. L’importance du motif du passage du temps, de son incidence sur l’ekphrasis en ce qu’il oriente le choix de ses objets et infléchit sa forme, constitue l’étape suivante de notre étude. Nous précisons le lien ontologique unissant temps et ekphrasis en analysant le caractère ruiniforme de cette dernière. Ce cheminement nous conduit enfin à faire apparaître les collisions entre différentes temporalités suscitées par l’ekphrasis, la nature auratique de l’objet ekphrastique ainsi que la façon dont l’ekphrasis crée tout un système de mises en résonnance entre différentes parties du roman. Ainsi se révèle le rôle essentiel de l’ekphrasis dans la structure, la dynamique et la forme du récit. / This work focuses on ekphrasis in Claude Simon’s writings. It is based on the assumption that by analyzing the nature and role of ekphrasis in Simon’s texts, one could reveal some fundamental aspects of the texts’ functioning and shed light on the esthetics of Simon’s novels as a whole. To do so, this thesis first analyzes the ambivalent, paradoxical and subversive nature of Simon’s ekphrasis, which does not necessarily consist in an interruption of the narrative flow or in the description of a work of art. The thesis goes on to try and identify how Simon’s writing forces us to depart from traditional perspectives on ekphrasis. The change is shown to reside in the importance of the subject’s eye when it comes to determining ekphrastic objects and to granting them a certain emotional load, the punctum. Subsequently, the motif of the passing of time is studied, from the point of view of how it impacts ekphrasis, influencing the choice of ekphrastic objects as well as its formal design. The essential relationship between time and ekphrasis is therefore investigated, with emphasis on its connection to ruins and decay. Finally, exploring the clashes between the various temporalities simultaneously called by ekphrasis allows us to identify the element of aura in the nature of ekphrastic objects. This reveals ekphrasis as a coherent system of echoes and relationships between different parts of the novel, a system which plays a crucial role in terms of the structure, the dynamic and the form of the narration.

Louis Figuier (1819-1894) est un scientifique français qui s’est orienté vers la publication d’ouvrages de vulgarisation destinés au grand public du XIXe siècle. Parmi les inventions scientifiques qu’il a traitées dans ses publications depuis la fin des années 1840, figure à plusieurs reprises la photographie. Le corpus principal de notre réflexion porte sur des ouvrages de Figuier publiés entre les années 1840 et 1880, et à des publications d’autres auteurs de cette époque, abordant chacune la photographie. Notre recherche vise d’abord à analyser comment Figuier a envisagé la relation entre l’art et la photographie. Elle examine ensuite l’influence des idées de Figuier sur le regard porté sur la photographie par la société de son époque. Puis elle étudie l’impact de son analyse concernant la valeur artistique de la photographie, sur une nouvelle façon d’aborder la vulgarisation de la science. La première partie porte sur l’étude approfondie des ouvrages de Figuier et d’articles de revues, à partir de l’invention de la photographie jusqu’au début des années 1850. Elle a pour but de décrire les impacts sociaux de cette invention et d’étudier les remarques de Figuier sur ce procédé, dans ses premières publications. La deuxième partie examine la controverse sur la valeur artistique de la photographie dans les années 1850 et la contribution des ouvrages de Figuier à cette discussion. La troisième partie aborde des ouvrages de Figuier publiés à partir des années 1870 et analyse la manière dont Figuier a cherché à dépasser le cadre traditionnel de la science et à lui donner une nouvelle définition / Louis Figuier (1819-1894) is a French scientist and scientific popularizer who published many works for the general public in nineteenth-century France. Since the late 1840s, one invention in particular with which Figuier involved himself was photography. The main corpus of our research covers Figuier’s works printed between the 1840s and 1880s, along with publications on photography by contemporary writers. First, our research aims to analyze how Figuier envisioned the relationship between art and photography. Second, it examines Figuier’s opinions and their influence on society’s views of photography, and how his analyses concerning the artistic value of photography influenced him in his own efforts to revitalize the notion of science.The first section examines Figuier’s works and journal articles written by his contemporaries, starting from the invention of photography and leading up to the 1850s. It also considers the social impact of photography at the time, and Figuier’s early works in which he remarks about the process.The second section explains the controversy surrounding the artistic value of photography during the 1850s, and the works Figuier contributes to this discussion. The third section explores Figuier’s works published since the 1870s, and explains how Figuier aimed to exceed the traditional definition of science and offer a new interpretation

Depuis les années 1980, la critique d’art du XIXe siècle a bénéficié d’un regain d’intérêt dans l’historiographie contemporaine. Malgré cela, la période du Second Empire reste encore mal connue. Notre thèse est consacrée à l’un des critiques d’art de cette période : Théophile Silvestre (1823-1876). Après une approche biographique de son parcours, notre travail montre comment, dans son grand œuvre critique intitulé Histoire des artistes vivants, Silvestre choisit d’étudier les peintres et sculpteurs les plus célèbres de son temps pour examiner la validité de leur notoriété. Confronté à ce qui lui apparaît comme un monde malade, en perte d’idéal, Silvestre est à la recherche des artistes qui sauront régénérer l’art et la vie. Ainsi Delacroix, dont l’imagination puissante transfigure le réel, est-il consacré comme « le plus grand artiste du XIXe siècle ». Après la mort de Delacroix, Silvestre dirige ses préférences vers les peintres de l’école de Barbizon qui, comme lui, tournent le dos au monde nouveau qui s’élabore selon les directives du progrès et de l’industrie, et dont la peinture semble un remède possible aux maux de la société moderne. Chargé à la fin de sa vie de rédiger le catalogue de la collection d’Alfred Bruyas, Silvestre s’attachera à faire entrer le romantisme dans l’histoire, employant le musée comme un rempart à la décadence de l’art moderne. De l’Histoire des artistes vivants au catalogue de la Galerie Bruyas, notre thèse montre quels vestiges de son temps Silvestre a voulu laisser aux historiens futurs et comment il s’est fait le gardien moral de l’histoire de l’art en donnant à son siècle la forme d’une pièce de musée, déjà classée et déjà jugée. / Since the 1980s, there has been a renewed interest in contemporary historiography for the art criticism of the nineteenth-century. The Second Empire era remains nevertheless little-known. Our thesis is devoted to an art critic of that particular time : Théophile Silvestre (1823-1876). After a biographical approach of his career, our research will focus on his criticism masterpiece, Histoire des artistes vivants. We will attempt to show that, when Silvestre chooses to study the most famous painters and sculptors of his time, it is in order to investigate the legitimacy of their popularity. Confronted to a world he deems sick and deprived of faith, Silvestre is looking for artists that will revive art and life. He thus considers Delacroix, whose powerful imagination transcends reality, as "the greatest artist of the 19th century". After the painter's death, Silvestre focuses his interest on the painters of the Barbizon school who, just like him, disapprove of the emerging new world based on the principles of progress and industry, and whose painting appears as a potential cure against modern society. Being towards the end of his life assigned the writing of the Alfred Bruyas' collection's catalog, Silvestre endeavours to give romanticism a rightful place in history, using museums as a frontline against the decay of modern art. From Histoire des artistes vivants to the Galerie Bruyas' catalog, our thesis shows which memories of his time Silvestre decided to pass on to future generations of historians, and how, by shaping his century like a museum item, already classified and already judged, he made himself the moral guardian of history of art.

Cette thèse sur travaux vise à reconstituer la cohérence d’une trajectoire de recherche caractérisée simultanément par : 1) le souci d’inclure l’histoire de l’art dans un cadre interdisciplinaire qui fait une place de choix à la dimension sociale et communicationnelle des formes sans toutefois l’y réduire ; 2) le projet d’interroger à nouveaux frais les rapports entre centre et périphérie artistiques à travers les textes les plus significatifs d’une carrière attachée à la conservation et la monstration. C’est la raison pour laquelle le mémoire s’ouvre sur une réévaluation de la portée heuristique des notions de centre et de périphérie. L’article fondateur d’Enrico Castelnuovo et Carlo Ginzburg est l’objet d’une relecture informée par la logique de recherche que les divers travaux révèlent. Dans un deuxième temps la grille analytique ainsi renouvelée est appliquée à un objet, la Provence. Cette région est à la fois un objet esthétique et un lieu de production. Son paradoxe est d’être un lieu de haute valeur symbolique en même temps qu’une périphérie, quelquefois même stigmatisée. Le troisième chapitre s’appuie sur une comparaison des artistes qui ont accompagné le parcours du conservateur. A cette occasion, les notions d’art, d’institution et de marché sont réinterrogées en accordant une importance particulière aux fonctions de l’exposition et de la critique d’art dans le processus de reconnaissance d’un artiste. Enfin, l’importance relative de la photographie et de l’art vidéo dans le travail de conservateur conduit à mettre à l’épreuve la notion d’« art moyen » développée par Pierre Bourdieu. On peut repérer les dynamiques propres à ces domaines qui visent à les faire sortir de la situation de relégation relative où ils se trouvent. / This dissertation based on works aims to reconstruct the cohesiveness of a research trajectory both characterized by: 1) the attempt to include art history in an interdisciplinary frame that gives a significant weight to its social and communicative dimension without being reductionist; 2) the will to question afresh the relationships between center and artistic periphery through published texts during a career devoted to curating and exhibiting. This is why the original text starts with a reassessment of Enrico Castelnuovo and Carlo Ginzburg famous article based on the research logic that different published texts reveal. Then the renovated analytical grid is applied to an object, Provence. This region is both an aesthetical object and a site of production. Its paradox leads it to be a place of high symbolic value as well as a periphery, sometimes stigmatized. The third chapter is based on a comparison between the artists that have been exhibited during the curator’s trajectory. By doing that, the notions of art, institution and market are revisited with a special attention given to the functions of exhibition and art critique in the process of artistic recognition. Last the relative importance of photo and video art in the curator’s trajectory leads to reassess the notion of middle-brow art (art moyen) developed by Pierre Bourdieu. One can thus identify the dynamics specific to those domains that aims to end the situation of relegation that has for long trapped them.

Notre thèse porte sur François Sabatier (1818, Montpellier – 1891, Lunel), époux de la cantatrice Caroline Ungher, traducteur de Goethe et Schiller, connu comme critique et mécène fouriériste à travers la publication de son Salon de 1851 à la Librairie phalanstérienne et la commande du décor de son palais florentin à des artistes fouriéristes (Bouquet, Ottin, Papéty). L'utilisation de sources inutilisées, ses manuscrits et la reconstitution de sa bibliothèque léguée à Montpellier permettent de reconsidérer les rapports à l'art de François Sabatier. Sa formation, entre fréquentation des artistes (Courbet, Hébert, Ricard, Lefuel, Lessore), voyages, séjours et résidences (Allemagne, Grèce, Italie), lectures et rencontres des auteurs est ainsi mieux connue. Ce que sa critique doit à celle-ci est éclairé de même que son ambition théorique. Enfin, sa participation pratique à des débats artistiques et historiques contemporains, le réalisme, l'attribution du palais de la Zisa à Palerme et les techniques de restaurations des mosaïques en Sicile, font apparaître d'importantes contributions. Les réseaux qui constituent sa sociabilité et ses engagements révèlent des auteurs comme Amari, Di Marzo, Michelet, Villari, Schnaase, Gregorovius, et des acteurs de la conservation des œuvres, Salinas, Riolo. La démarche suivie, qui s'est appuyée sur le catalogage de sa bibliothèque et le relevé des dédicaces et notes en marge des ouvrages, permet donc de préciser la nature de ses rapports à l'art, plus étendus que la critique, le mécénat et la collection / This thesis focuses on François Sabatier (1818, Montpellier - 1891, Lunel), husband of the singer Caroline Ungher and translator of Goethe and Schiller, known as a patron and Fourierist critic through the publication of his Salon de 1851 in the Librairie phalanstérienne and his selection of the decor of his Florentine palace by Fourierist artists (Bouquet, Ottin, Papety). The utilisation of previously unused historical sources, of his manuscripts and the reconstruction of his library, which was bequeathed to Montpellier, allow one to reconsider Sabatier's relationship to art. As a result, his formation, which includes his association with artists (Courbet, Hébert, Ricard, Lefuel, Lesscore), his journeys and residencies (in Germany, Greece, Italy), his readings and meetings with authors is now better known. Consequently, his critique and his theoretical ambitions appear in a new light. Finally, his engagement in contemporary artistic and historical debates, realism, awarding of the Zisa palace to Palermo and techniques for restauring mosaics in Sicily all exemplify his important contributions. The networks constituting his sociability and engagements include authors such as Amari, Di Marzo, Michelet, Villari, Schnaase, Gregorovius, and such conservators of art works as Salinas and Riolo. The approach followed here is based on the cataloging of his library and the recording of his inscriptions and marginal notes in books, and allows one to specify the nature of his relationship to art, which goes far beyond critique, patronage and collection