Cette thèse porte sur la citation dans l'imagerie contemporaine, plus exactement sur le transfert complet ou partiel d’images dans un lieu d’accueil de médium différent. L'objectif est de démontrer comment, en choisissant un médium autre que celui de l'image citée, l'artiste citant se présente et se représente comme «relanceur» des arts. L’hypothèse est la suivante: pour le citateur, l'acte citationnel repose sur deux objectifs qui se confrontent: celui de s'identifier à l'autre cité et de reconnaître la valeur exemplaire du modèle; celui de s'approprier l'image source et de la recomposer par le biais d’une pratique personnelle dans un contexte qui favorise les mélanges et les déplacements de tous ordres à distance des hiérarchies conventionnelles. L'étude s'appuie sur le concept d’«icono-logique» développé par le sémioticien Pierre Fresnault-Deruelle qui stipule que toute image fonctionne par rapport à d’autres images virtuelles. Cette notion est à la base de l'élaboration du schéma de la mobilité citationnelle qui guide les analyses de cas. La méthode spécifiquement axée sur les conséquences du changement de médium cherche à faire ressortir les écarts spatiotemporels et structurels entre les œuvres citantes et les œuvres citées, distanciations qui instaurent un système de déplacements liés à des facteurs d’expression (médium, style) et de contenu (genre et motifs). La thèse est divisée en deux parties: la première présente les états de faits, le type de corpus, les assises théoriques majeures et la méthodologie. La seconde regroupe les analyses de cas. Le Chapitre 1 aborde d’un point de vue critique les différentes théories sémiotiques portant sur la citation et élabore une réflexion sur les nouveaux paradigmes en regard de la pratique artistique aux XXe et XXIe siècles. Le Chapitre 2 porte sur les circonstances de prégnance des œuvres citantes en lien avec le concept de la doxa. Le postulat est le suivant: en citant le modèle dans un médium différent, le citateur bouscule les structures et les habitudes culturelles et, en cela, les images sont non seulement paradoxales, elles sont parodiques et ironiques. Cependant, considérant que l'acte citationnel est essentiellement imitatif, il est étroitement lié à la théorie de la mimêsis. Ainsi, en tant que re-production, la citation participe de la mouvance «icono-logique», en ce qu’elle sollicite l'activation de la mémoire du récepteur et fait appel à sa connaissance d’une vaste imagerie. Le Chapitre 3 réfléchit sur les constituants du schéma de la mobilité quant aux écarts spatiotemporels (mobilité horizontale) et aux écarts structurels (mobilité verticale) qui mettent en relief la manière dont les images citantes interrogent plus qu’elles ne renient les répartitions traditionnelles des genres et des thèmes et créent des lieux inédits de représentation. Les Chapitres 4 et 5 regroupent les analyses de cas rassemblées sous les rubriques Médiums courants en art et Médiums populaires. Afin de faire ressortir la complexité du remodelage, chaque couplage d’une ou de plusieurs œuvres citées et d’une image citante est systématiquement abordé sur le plan de l'expression et sur le plan du contenu. À la fin de chacune des analyses sont relevées les principales stratégies citationnelles reliées au transfert de médium. En conclusion et pour ouvrir la réflexion sur d’autres possibilités de transferts, deux cas très récents seront appelés à témoins. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : citation, médium, transfert, déplacement, appropriation.

The main topic of the thesis is the temporal dimension of aesthetic experience in its relation to memory and imagination. The initial approach to the topic is the concept of relationship between time and narrative of Paul Ricoeur, primarily contained in his three volume book entitled Time and Narrative. Gradually, the specificity of the time experience will be investigated, as well as operations of memory and imagination in narrative fiction. Attention is focused on a narrative as means to designate a coherent whole, respectively a meaningful concatenation of events. The main relationship explored is the interaction between the world of work and the lived world. The functionality of theoretical views is presented on the work of French director Chris Marker, especially on his two films La Jetée (1962) and Sans Soleil (1982).

Ce mémoire conçoit l'art comme rapport particulier au monde et mode de connaissance autre. Son objectif était de découvrir ce qui, dans la création comme dans la réception de l'oeuvre d'art, fait que nous sommes emportés ailleurs, que notre perception du monde s'en trouve ébranlée, et que son expérience provoque une transformation et un élargissement du sujet. Il visait à créer les conditions favorables à la réalisation d'un espace de liberté où nous pouvons enfin percevoir, éprouver, connaître le monde autrement. Liberté nécessitant une destruction et une reconstruction continuelle de soi: mouvement que produit le véritable rapport à l'altérité. Le premier chapitre ausculte quelques conditions artistiques essentielles à cette liberté telles qu'énoncées par le philosophe Theodor Adorno dans sa Théorie esthétique et auxquelles répondent certains artistes contemporains dans leurs pratiques artistiques respectives. Il circonscrit différents types de rapport à l'autre rendus possibles par l'art, notamment le rapport de l'art à la réalité empirique et à la rationalité, le processus de création de l'artiste ou l'artiste devant sa propre oeuvre, la confrontation acteur-spectateur, et la confrontation oeuvre-spectateur. La deuxième partie fait un retour sur la mise à l'épreuve scénique de cette réflexion. Elle relate, dans un premier temps, ses fondements, c'est-à-dire la praxis singulière des gens qui ont contribué à sa création, et donne un bref synopsis de la pièce créée. Elle expose, dans un deuxième temps, quelques méthodes de création utilisées au niveau de l'approche corporelle, musicale et symbolique, ainsi que les principes qui nous ont guidés et certaines problématiques soulevées par le processus. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Art, Altérité, Rationalité, Mimésis, Création.

Proposant une réflexion sur l'histoire de l'art et sur l'esthétique, l'hypothèse défendue par le présent mémoire tend à démontrer que la mimèsis joue un rôle central dans la définition de l'objet d'art contemporain. Si l'on croyait que l'ère moderne avait donné un coup définitif au concept d'imitation, il nous est toutefois possible de constater son incroyable force de renouvellement dans le contexte actuel. En effet, les attaques portées à l'art contemporain par les historiens de l'art, les critiques et les philosophes, même si elles se situent à des niveaux bien différents, s'organisent toujours en rapport avec la notion de mimèsis. Tous expliquent implicitement le statut controversé de l'objet d'art contemporain par son éloignement de la mimèsis. Ce regard porté sur l'art contemporain, entrevu à travers la lorgnette de la mimèsis, fournit un nouvel éclairage sur la crise qui fait rage depuis presque deux décennies dans la sphère artistique. Plus précisément, on reproche à l'art actuel de n'investir qu'un seul des deux pôles définis par le concept de mimèsis. Nous remarquerons que cette analyse souligne deux critiques aux discours contradictoires. D'un côté, on reproche à l'art contemporain de n'être plus que matière, fragment, chose sans aucun rapport à la transcendance. On souligne alors que l'oeuvre néglige son aspect idéal. Ceci aurait pour cause l'oubli de la mimèsis et du métier d'artiste. De l'autre côté, au contraire, on reproche à l'art contemporain de s'être éloigné de la mimèsis en se faisant pure idée, en devenant immatériel. Influencée, entre autres par les préceptes du romantisme et de la philosophie du XIXe siècle, c'est l'oeuvre et son aspect matériel et sensible qui seraient alors oubliés. Cette mise en parallèle des discours aura pour but de montrer que la mimèsis est un concept enraciné dans notre culture artistique occidentale, et ce depuis la Renaissance, voire l'Antiquité. À maintes reprises, elle a ressurgi, parfois là où on l'attendait le moins, afin de servir de caution esthétique aux productions artistiques. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Mimèsis, Critique, Art contemporain, Histoire de l'art, Esthétique.

Enthusiasmos in thinking of ancient Greece. - This disertation thesis analyzes the issue of enthusiasm in the context of thinking of the Ancient and Classical Greece. In a theoretical manner also tries to gain an insight into the semantical structure of enthusiasm basing on historical excursus (the Ancient Age, the Classial Age) to support its historical transformation. It was enthusiasmos and the way o mantical explanation, which enabled the poets to create pieces of art and gave rise to performing and poetry art. This thesis aims to explore the philosophical reflection of enthusiasm, because the gift of divine presence itself, such as the inspired poetic speech, was in the Archaic period certainly guarantee of the truthfulness, but in the Classical period, was all the more reason for doubt and questions. Selected works by prominent authors of ancient mindset are systematically analyzed in the context of enthusiasm.

Motivée par le constat d’une absence de consensus en linguistique des langues des signes quant aux propriétés symboliques et systémiques des pantomimes des langues signes, cette thèse s’intéresse aux enjeux épistémologiques liés à l’étude des articulations entre les facultés mimétique et langagière. Partant de l’hypothèse développée par le cadre sémiologique de la théorie de l’iconicité de l’existence d’un va-et-vient structurel de l’iconicité linguistique, impliquant notamment un potentiel à la plasticité sémiotique en contexte adaptatif, le corpus vidéo d’interactions spontanées sur les terrains du contact en langue des signes émergente et en langue des signes internationalisée donne à voir le déploiement de stratégies mimées non conventionnelles. L’analyse qualitative de l’annotation confronte la structure linguistique des productions à leurs éventuels fondements pragmatiques mimétiques en identifiant la présence de simulations performatives d’action et de perception et de stratégies tactiles. Y sont également observées des dynamiques sémiotiques interactionnelles qui relèvent de la mimésis, tels que des effets miroir et des effets de synchronisation. Ces matériaux théoriques et empiriques permettent d’approfondir la réflexion relative à la problématique du continuum de l’agir au dire. Ils proposent également que le concept de mimésis soit légitimé en sciences du langage, comme matrice ontologique et sociale, liée à la construction cognitive, psychique et culturelle, et comme force double, entropique quand elle est porteuse de créativité (dimension poétique), néguentropique quand elle est porteuse de conventionnalisation (dimension imitative). / Motivated by the fact that sign linguistics found no consensus concerning the symbolic and systemic properties of pantomimes in sign languages, this PhD study focuses on the epistemological issues at stake concerning the way mimetic faculty and language faculty intertwine. With the iconicity theory as semiological frame, we sought to observe the moving behavior of linguistic iconicity within structures and its semiotic plasticity for adaptive needs. We built consequently a video corpus of spontaneous interactions on the field of linguistic contact in emerging sign language and in internationalized sign language. Our qualitative analysis of our annotation, where linguistic structures were linked with their eventual pragmatic mimetic anchor, shows a great diversity of performative simulations of action and perception and a great diversity of tactile strategies, which all serve mimetic semiosis. Our research also shows interactional semiotic dynamics that deal with mimesis, such as mirror effects and synchronization effects. This PhD study finally offers a rich amount of theoretical and empirical data which deepen the issue of a continuity between doing and saying and which tend to integrate the notion of mimesis within language sciences as an ontological force for cognitive and psychic construction and as a social force for cultural construction, including a entropic side dealing with creativity through poetics, as well as a neguentropic side dealing with conventionalization through imitation.

Ce mémoire porte sur le renouvellement de la notion de métaphore comme modalité d'indécidabilité. Partant de la définition qu'en donne Paul Ricoeur comme « synthèse de l'hétérogène » et Jacques Rancière comme « composition de l'hétérogène », nous montrerons qu'un déplacement de la métaphore vers sa fonction poético-philosophique et non plus rhétorique, telle qu'elle apparaît depuis Aristote, est essentiel pour comprendre comment il est possible aujourd'hui de la considérer comme façon d'appréhender le monde. Trois hypothèses sont à l'origine de cette étude. La première tient à la différence que pose Ricoeur entre le muthos du récit et celui de la métaphore qui nous a permis d'articuler l'importance de remplacer le modèle rhétorique aristotélicien. La deuxième, reprise du symptôme et de l'image dialectique chez Georges Didi-Huberman, concerne le déplacement de concepts vers d'autres disciplines. Non seulement l'écriture de plusieurs philosophes et historiens de l'art témoigne du jeu de la métaphore, mais les notions auxquelles ils ont recours se voient elles-mêmes déplacées, transférées, métamorphosées, les rendant aussitôt métaphoriques. Cette hypothèse, nous a permis de constater que la reconceptualisation de la métaphore touche aussi bien à l'art actuel qu'aux discours contemporains sur l'art. Enfin, la troisième hypothèse a pour point de départ un basculement entre réalité et fiction que nous observons chez plusieurs artistes actuels. Pour expliciter ce basculement, nous sommes retournés aux fondements de la mimésis (Aristote, Ricoeur, Schaeffer) pour tenter de revoir la structure de ce procédé non pas en fonction du concept de représentation, mais du concept de métaphore. C'est ce qui nous a amené à considérer la métaphore comme modalité d'indécidabilité. Le mémoire comporte trois chapitres. Le premier revient aux fondements de la définition aristotélicienne de la métaphore d'après la lecture de Paul Ricoeur afin de reconsidérer la notion d'après sa conception herméneutique. Après avoir montré l'importance théorique du tournant herméneutique de la métaphore, nous exposons, dans un deuxième chapitre, sa prégnance dans les écrits de philosophes et d'historiens de l'art contemporains, où elle est utilisée en son sens poético-philosophique pour décrire des concepts autrement insaisissables: le jeu (Hans-Georg Gadamer), la mimésis (Jean-Marie Schaeffer), le mythe (Ricoeur), le double et l'empreinte (Didi-Huberman), la fête et le jouet (Giorgio Agamben), le pli et le mystère (Jacques Rancière). Enfin, les cas de figures analysées au chapitre trois mettent en lumière la modalité d'indécidabilité de la métaphore qui, comme image même de la dialectique, produit des glissements entre réalité et fiction: par la métamorphose chez David Altmejd, la répétition chez Claudie Gagnon et l'incarnation chez Carsten Höller. C'est donc à partir de l'art actuel et des discours contemporains sur l'art que nous proposons une définition renouvelée de la métaphore comme dispositif de passage entre la réalité et la fiction et comme modalité d'indécidabilité produisant du mystère. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Art actuel, Métaphore, Narrativité, Récit, Mimésis, Jeu, David Altmejd, Claudie Gagnon, Carsten Höller.

Ce mémoire, divisé en trois chapitres, analyse le réalisme, l'effet de réel et l'illusion dans le roman Sphinx d'Anne Garreta. Cette oeuvre oulipienne met en place une contrainte de l'asexuation : les personnages principaux, Je et A •• sont dépourvus d'identité sexuée. La question principale posée par celle étude émane du paradoxe suivant: comment un roman oulipien, appliquant une telle dissimulation, peut-il entraîner l'illusion du réalisme? Celui-ci peut-il admettre un tel indiscernable? À l'ambiguïté sexuelle se superpose celle de la nature générique du roman qui met alors en parallèle deux définitions de genre: sexuel et romanesque. Le premier chapitre effectue un survol de certaines idées et notions qui, depuis Platon et Aristote jusqu'aux auteurs du Nouveau roman, ont participé à construire une définition évolutive du réalisme. Cette partie montre entre autres comment s'articulent le vraisemblable, l'effet de réel, la mimésis, l'illusion réaliste et la représentation de la réalité en littérature. Ce chapitre permet aussi de poser certaines balises théoriques qui serviront à l'analyse littéraire de la partie suivante. Le deuxième chapitre sera appliqué à l'étude du réalisme dans le roman. Plusieurs éléments mettent en place des effets de réel qui font adhérer le lecteur à la mimésis et au vraisemblable. À partir d'éléments romanesques précis, de certaines scènes et du travail sur la langue, nous verrons comment Sphinx joue avec les codes traditionnels du réalisme. Dans ce chapitre, seront entre autres analysés la mimésis formelle et diégétique, les effets de vraisemblance et la référentialité, autant d'éléments qui accréditent la lecture réaliste de l'oeuvre. Bien que d'apparence réaliste, le roman révèle, tant dans la forme que dans la diégèse, un puissant illusionnisme. Le dernier chapitre sera donc consacré à l'étude de la déconstruction du réalisme. La contrainte, qui empêche le lecteur d'accéder à l'identité des personnages principaux, impose une méthode descriptive elliptique, contraire aux codes traditionnels du réalisme. Les jeux de reflets et de miroirs, les illusions et les artifices amènent le réel à se déréaliser, à se dédoubler, donnant naissance à un leurre qui entrave la lecture réaliste de l'oeuvre. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Oulipo, Contrainte, Genres, Asexuation, Anne Garreta, Sphinx, Mimésis, Réalisme, Réalité, Vraisemblable, Effet de réel, Illusion, Artifice, Simulacre, Représentation, Référentialité, Hybridité.

L'objet d'étude de ce mémoire est le « geste esthétique », c'est-à-dire la valeur de l'acte gestuel dans le domaine des arts. L'idée du « geste anthropologique » est le point de départ pour comprendre son caractère utilitaire, social et dialogique. Sa faculté d'être, à travers le « mimage », un moyen de connaissance par l'appréhension du réel a permis à l'homme de créer au fil de son existence des outils et des techniques efficaces. Le geste est donc un moyen qui a facilité le développement de nos connaissances en matérialisant l'évolution du savoir-faire humain. Cependant, en plus de cette fonction utilitaire, il possède également une valeur affective qui manifeste l'expression de l'être humain. L'homme se communique avec ses semblables en s'exprimant par le langage autant que par son corps, à travers le geste. L'interaction par le dialogue, qui se compose aussi bien de la parole que de l'engagement corporel, nous transforme en une espèce sociale et nous différencie des animaux. Je définis le « geste esthétique » comme un acte possédant une valeur expressive auquel s'incorpore une dimension créative. Dans ce sens, le geste n'est plus seulement un accomplissement communicatif envers quelqu'un d'autre ou bien un acte utilitaire pour produire quelque chose, mais un « vouloir faire » innovateur, une intervention artistique qui nous met en représentation et établie un dialogue avec le spectateur. Le « geste esthétique » peut fonctionner de plusieurs manières dans le contexte de la production de l'oeuvre d'art. Je distingue trois modes d'engagement gestuel: 1) la représentation libre et spontanée qui n'est pas définie a priori par un sujet; 2) la représentation mimétique du geste qui est résolument construite a posteriori par une idée; 3) et un troisième processus qui se situe dans une synthèse de « l'entre-deux ». Afin d'exemplifier ces trois modes expressifs, je reprends diverses manifestations artistiques qui exposent le fonctionnement de la gestuelle esthétique. En premier lieu, je reprends l'idée de la libération expressive du geste à travers l'automatisme pictural dans la peinture moderne de Jackson Pollock, passant par le style performatif de l'automatiste québécois Marcel Barbeau pour arriver à l'interprétation dansée du geste pictural d'Henri Michaux par la chorégraphe Marie Chouinard. Ensuite, je travaille sur la question de la fonction mimétique de la gestuelle chez le mime. D'abord je précise le concept de la « mimésis » chez Platon et Aristote et postérieurement je l'applique aux conditions des deux figures principales du mime contemporain: Marcel Marceau et Étienne Decroux. Finalement, j'analyse le cas de la danse contemporaine à partir de la mise en scène « Luna » de la chorégraphe Ginette Laurin, comme une synthèse de l' « entre-deux » gestuel, car la danse se situe entre le geste « aisthétique » qui explore les capacités kinesthésiques du corps et la théâtralisation du geste dansé. Julia Kristeva a signalé la domination du discours verbal qui exclut la portée expressive du geste, ce mémoire tente précisément de constater l'importance du système sémantique gestuel à partir d'une étude interdisciplinaire sur l'art. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Geste, Esthétique, Expression corporelle, Automatisme et mimésis.

Le phénomène du transfert intergénérationnel sous-tend la construction identitaire puisque, derrière elle, se dissimulent les marques signifiantes de l'histoire filiale, familiale et personnelle de 1'héritier. La structuration individuelle dépend grandement de l'aptitude des prédécesseurs filiaux à élaborer et à assimiler les entraves qui ont ponctué leur expérience de vie. D'une défaillance dans la mécanique d'introjection à l'incorporation entière d'un deuil, en passant par l'enkystement de fantômes, les expériences traumatiques ingérées contaminent tous les individus procédant de cette filiation. Puisqu'il est principalement inconscient, le legs psychique qui s'opère entre les diverses générations d'une même lignée filiale, expose la progéniture à s'adapter à quelconque héritage reçu, aussi déformateur qu'il soit. L'étude de la mécanique de transmission implique, ici, à la fois le phénomène générateur de passation et le processus de réceptivité qui résulte du défaut dans le transfert intergénéalogique. Dans Borderline (2000) puis dans La lune dans un HLM (2006), l'auteure Marie-Sissi Labrèche se penche sur la dynamique complexe que recèle l'héritage filial au féminin et sur les répercussions intrapsychiques qui en découlent. Prédéterminées par une hérédité psychique en défaillance, c'est au sein d'un microcosme féminin terré dans la mélancolie, que les protagonistes sont mises en scène dans les œuvres de Labrèche. Ancrées dans une problématique identificatoire depuis l'enfance, celles-ci se voient confrontées soit au bienveillant sacrifice, se risquant ainsi à être entièrement sacrifiées, soit à la quête de l'inconnu, s'exposant alors à une insoutenable culpabilité. En quête de sens, elles oscillent ainsi entre la contrainte de réciprocité filiale et la négation des origines. L'écriture introspective jalonnée d'émotions résiduelles liées à l'enfance et de fantasmes d'autocréation est tout à fait symptomatique de l'antinomie qu'avive la transmission psychique. S'inventer en métaphorisant son histoire de vie appose à l'identité de l'auteur une estampille de singularité, d'originalité, d'autoformation et de rupture tout en participant à la continuité et à la pérennité par l'acte de création lui-même. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : héritage, intergénérationnel, féminin, Marie-Sissi Labrèche, psychisme, dette, mimésis, emprise, autoformation, création.