Notre travail de recherche porte sur la parole liée à un jeu apparaissant dans La bête lumineuse, parole imprégnée d'une praxis traditionnelle : la chasse. Comme cette parole ludique est confrontée à une parole « mythifiante », nous croyons que l'opposition en question est désirée par le réalisateur Pierre Perrault. Aussi, ce mémoire contient certains sujets comme la pensée essayistique de Perrault, son travail sur La bête lumineuse, l'univers carnavalesque du film, le fonctionnement du jeu et les interactions entre les personnages. Deux hypothèses sous-tendent le mémoire. Premièrement, dans La bête lumineuse, la volonté de Perrault de capter et de mémoriser le réel produit non pas un témoignage authentique mais un projet filmique créatif. Deuxièmement, le rapport de Perrault avec La bête lumineuse est lié à une quête de la mémoire. En ce qui concerne la première hypothèse, on verra que, dans sa pensée essayistique, Perrault s'inspire de Platon et élabore une vision dialectique où ce qu'il appelle un « témoignage » s'oppose à l'illusion mimétique du cinéma, son souci d'authenticité se trouvant dans la réalité, l'objectivité de la caméra et le documentaire. Or, si nous analysons son travail sur le film à l'aide des théories de François Niney et d'André Gaudreault, nous voyons que ce « témoignage » est le résultat de plusieurs manipulations. Il y a la mise en scène liée aux choix des personnages, du sujet et du lieu de tournage, la caméra qui participe à l'action et le montage qui fait que la parole sature l'image de sa présence. De plus, en suivant l'optique de Michèle Garneau sur le cinéma de Perrault, nous remarquons que ces manipulations ont un but : magnifier une parole qui n'est pas idéalisée socialement. Ainsi, par une vision indirecte libre, la parole des chasseurs sert à produire un récit épique, donc une œuvre d'art à la fois éthique et esthétique. Concernant la deuxième hypothèse, à partir du concept des conséquences textuelles d'André Belleau, nous analyserons les traces de carnavalisation dans La bête lumineuse. Puisque, au sens dumontien, le film est un objet second qui crée une distanciation face à la première culture, il offre la possibilité de réfléchir sur la culture. Chez Perrault, cette réflexion passe par une quête de la parole de source. Dans le film, cette parole est, certes, liée à la pratique de la chasse mais également au carnavalesque. Comme elle est porteuse de tradition et relativise les normes de la société, elle fait du film un objet qui permet de s'interroger sur le rapport à la mémoire. À l'aide du système de classification des jeux formulé par Roger Caillois, de la fonction sociale du jeu de Johan Huizinga et des fonctions du sacrifice de Guy Rosolato, nous remarquons que le jeu produit cette parole de source et sert de lieu de rencontre entre deux visions du monde : celles des habitués de la chasse et de deux néophytes. Ainsi, Perrault ne fait pas que magnifier cette parole ludique dans un récit épique, par le choix des personnages, il l'oppose à une parole qui idéalise la chasse, créant une dialectique qui offre une réflexion sur l'imaginaire et sur la mémoire à travers une activité traditionnelle. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : cinéma, documentaire, mimésis, réel, regard, voix, oralité, mémoire, jeu, plaisir, chasse, carnavalisation, poésie

Principalement analysée comme un retour à l’esthétique réaliste qui était celle de Virginia Woolf à ses débuts, la fiction tardive de l'écrivaine s’écarte radicalement de ses productions des années vingt et de leur modernisme affiché. La présente étude se propose de comprendre cet écart à travers le filtre de la mimésis : le basculement en jeu dans les œuvres tardives a à voir avec la représentation fictionnelle du réel et les inflexions que lui apporte Virginia Woolf au tournant des années trente. En effet, là où des textes comme Mrs Dalloway ou To the Lighthouse mettaient en scène un réel de l’intériorisation, un monde passé au crible de la conscience, les dernières œuvres de l'écrivaine adoptent une logique inverse et translatent l’intériorité à la surface même des choses et des événements. Ce déplacement inédit, qui « signe » la mimésis woolfienne tardive, nous semble par ailleurs devoir être mis en rapport avec un concept philosophique contemporain de la fiction tardive de Virginia Woolf, celui de « monde de la vie » ou Lebenswelt. Développé par Edmund Husserl dans son ultime ouvrage, La Crise des sciences européennes et la phénoménologie transcendantale, le Lebenswelt permet de penser une extériorisation de la vie subjective dans un monde qu’elle façonne à mesure qu’elle en fait l’expérience. À cet égard, les conceptions du réel qu’échafaudent au même moment Woolf et Husserl se révèlent être singulièrement proches. Cependant il s’agira moins ici d’appliquer le concept au texte, de comprendre le littéraire à travers le philosophique, que de mettre en place un dialogue « intertextuel » entre ces principes souvent concurrents : le Lebenswelt, loin de s’apparenter à une « réponse » aux questions soulevées par les textes de Woolf, peut au contraire nous aider à dégager la logique propre de la fiction tardive de l’écrivaine – tant et si bien que l’analyse du monde de la vie husserlien sera d’abord pour nous l’occasion de faire émerger un monde de la vie authentiquement woolfien. / Mainly analysed as a return to the realist aesthetics of her first novels, Virginia Woolf’s late fiction stands in stark contrast with her “high modernist” works of the 1920s. The present study suggests that such a reorientation is best understood when looked at through the lens of mimesis: the change affecting Woolf’s late fiction has to do with the representation of reality and with its alterations at the turn of the 1930s. Indeed, whereas texts like Mrs Dalloway or To the Lighthouse defined reality as the internalisation of the world, sieved through the consciousnesses of fictional characters, Woolf’s late fiction reverses this process by exporting the self directly to the outside world of things and events. Moreover, our intuition is that this unprecedented displacement, which comes to define Virginia Woolf’s last works, is to be compared with a philosophical concept emerging at the same time: Edmund Husserl’s Lifeworld. The Lifeworld, or Lebenswelt, theorised by Husserl in his last work, The Crisis of European Sciences and Transcendental Phenomenology, provides a conceptual framework in which the externalisation of subjectivity and its shaping of the outside world become conceivable. In this respect, Woolf and Husserl’s contemporary conceptions of reality appear particularly close. Our aim, however, is not to use the concept as a key for the text – nor will we analyse Woolf’s fiction from a philosophical standpoint. Instead of this, we intend to set up an “intertextual” dialogue between the often opposing principles of literature and philosophy: the Lifeworld, far from solving the questions raised by Woolf’s texts, is better conceived of as a catalyst destined to expose the underlying logic of Woolf’s late fiction. We thus take Husserl’s Lifeworld into account only inasmuch as its analysis paves the way for the discovery of Woolf’s own Lifeworld.

À travers la mise en perspective des études actuelles sur la mimésis, ce travail se propose de démontrer qu'il y a dans le surréalisme l'effort d'établir de nouveaux paradigmes esthétiques qui, grâce à leur cohérence et pertinences formelles, systématiques et structurales, sont capables de produire un renouvèlement de la notion de vraisemblance. Pour mieux comprendre le processus entraînant le surgissement de cette autre vraisemblance, trois parties structurent mon argumentation. Dans un premier moment il s’agit de scruter la notion de mimésis en remontant à Platon et Aristote de façon à dégager les principes de la conception de représentation, en mettant en évidence les changements du concept au fur et à mesure des siècles. Dans un deuxième temps, certains aspects issus de la philosophie de l’art fournissent des éléments théoriques et analytiques concernant la notion de mimésis et soutenant l’hypothèse d’une vraisemblance organisée autour des poétique du surréalisme. L’importance de ce point repose dans ce qu’il permet de mettre en relief les préjudices causés à la compréhension du concept de mimésis et vraisemblance, préjudices influençant directement la réception de modes de représentation tels que le surréalisme. Ces deux premières parties préparent le chemins vers le point central à partir duquel s’organise la vraisemblance que je propose. Dans un troisième et dernier volet la théorie de la métaphore de Paul Ricœur permet de relier les premières conceptions de la mimésis à l’epiphora. La vraisemblance propre à certaines poétiques surréalistes repose dans ce rapprochement. Il devient possible alors d’intégrer la métaphore dans la conception même de la mimésis. La vraisemblance découle ainsi de la compréhension des imbrications des deux concepts. Un corpus poétique a été choisi dans une démarche comparatiste. Une sélection de Paul Éluard et Murilo Mendes permet d’analyser les fonctions des métaphores à partir d’une perspective analytique des fonctions occupées par les métaphores et les images produites. Ces analyses permettent de comprendre le fonctionnement de cette vraisemblance particulière, liée à l'indépendance discursive dont fait appel la poésie surréaliste d'Éluard et Murilo Mendes. Plus que démontrer les influences de la poétique du surréalisme parisien dans la relecture produite par le poète brésilien, le rapprochement de ces deux poétiques par la métaphore affirment un rapprochement discursif opérant dans le terrain formelle. C’est dans cet espace que la vraisemblance surréaliste se structure. / Through the perspective bring by the current studies on mimesis, this work aims to demonstrate that there is the surrealist movement an effort to establish new aesthetic paradigms. With their formal, systematic and structural coherence the poetics of surrealism are capable of producing a renewal of the concept of vraisemblance. To better understand the processes leading to the emergence of an other likelihood, three-part structure my argument. In a first moment it comes to scrutinizing the concept of mimesis going back to Plato and Aristotle in order to identify the principles of representation that lies in the concept of mimesis, highlighting the changes in the comprehension of this concept trough the ages. Secondly, some aspects from the philosophy of art provide theoretical and analytical elements concerning the concept of mimesis and supporting the hypothesis of a likelihood organized around the poetic surrealism. The importance of this lies in what it allows to highlight the damage done to the understanding of the concept of mimesis and likelihood, damages directly influencing the reception modes of representation such as surrealism. These first two frames prepare the path to the central point from which organizes the likelihood that I propose. In a third and final part Paul Ricœur’s theory of metaphor makes possible the connection between the first conceptions of mimesis to epiphora. The particular likelihood structurally organized in some surrealist poetry lies in this link. It then becomes possible to integrate the metaphor in the very concept of mimesis. The likelihood is thus derived from understanding the concepts of the two nests. A poetic corpus was chosen in a comparative approach. A selection of Paul Éluard and Murilo Mendes poems demonstrate the importance of the analyze of metaphors functions from an analytical. These analyzes allow to understand the operation of this particular likelihood, related to the discursive independence. More than demonstrate the influences of the Parisian poetic surrealism in the replay produced by the Brazilian poet, the analytical approach of metaphors demonstrate a discursive pertinence of this surrealistic likelihood thesis. It is in this space that the surrealistic likelihood structure itself.

La thèse analyse les conceptions pré-modernes du laid en confrontant les traités philosophiques, rhétoriques, poétiques et artistiques italiens et français de la Renaissance à la première moitié du dix-septième siècle. En tant que difformité physique, le laid est considéré comme une transgression des normes du corps : il met en question la conception de la mimésis comme imitation idéalisante et permet de repenser la nature de la représentation. Le laid est en outre conçu comme le signe du vice : l’étude cherche à reconstituer le paradigme physiognomonique qui sous-tend cette interprétation traditionnelle du corps et s’interroge sur ses limites en examinant le paradoxe de la laideur de Socrate. Les interprétations morales de la difformité mettent en jeu différentes fonctions sémiotiques de la représentation. Dans la topique héritée de la scolastique, la mimésis du laid vise à stigmatiser les défauts moraux, comme le montrent les allégories des vices et les satires ; de son côté, la difformité paradoxale donne lieu à une herméneutique du texte et de l’image. Enfin, le laid tient à son effet sur le destinataire. Si le laid est traditionnellement appréhendé comme un objet repoussant, sa représentation vise à susciter l’effet inverse, selon les poétiques et les traités d’art inspirés d’Aristote. L’analyse de ce plaisir paradoxal met en lumière les qualités cognitives et esthétiques de la mimésis. Au seuil de la modernité, la question du laid est à la croisée des problématiques morales héritées de l’Antiquité, et des réflexions esthétiques qui se développeront pleinement du dix-huitième siècle à nos jours, notamment dans les théories de la fiction. / Through cross-analysis of French and Italian philosophical, rhetorical, poetic, and artistic treatises from the Renaissance to the first half of the seventeenth century, this study seeks to understand what the early modern period conceived of the ugly. In terms of physical deformity, the ugly is considered as a transgression of the norms of the body: it questions the concept of mimesis as an idealised imitation and allows a reconsideration of the nature of representation. Furthermore, the ugly is seen as the sign of vice: this study looks to reconstruct the physiognomical paradigm which underlies this traditional interpretation of the body and to question its limits through examining Socrates’ paradoxical ugliness. Moral interpretations of deformity bring different semiotic functions of representation into play. In the topic inherited from scholasticism, mimesis of the ugly aims to stigmatise moral defects, as they are represented in allegories about vice and satire. Paradoxical deformity, for its part, gives rise to hermeneutics of text and image. Finally, the ugly is concerned with its effect on its recipient. If the ugly is traditionally understood as a repellent object, its representation aims to arouse the inverse effect, according to the poetics and treatises on art inspired by Aristotle. Analysis of this paradoxical pleasure highlights the aesthetic and cognitive qualities of mimesis. At the brink of modernity, the question of the ugly is at the crossroads of moral issues that stem from the Antiquity, and of aesthetic reflections which develop more fully from the eighteenth century to the present day, notably in theories on fiction.

La critique adornienne du jazz fait parfois l’objet de débats. Ces derniers ont généralement pour objet la nature dite élitiste de ses propos. Cette position critique par rapport au jazz et à la culture de masse, qu’Adorno nomme Kulturindustrie, ainsi que sa théorie esthétique semblent être à l’origine de cette accusation d’élitisme. Ce mémoire a pour objet de mettre en lumière le fondement de cette critique d’élitisme qui s’avère être une incompréhension du rôle que joue sa critique du jazz pour sa philosophie. Il est impératif d’analyser la critique adornienne du jazz en lien avec la dialectique de la raison ainsi que sa théorie esthétique afin d’en saisir la nature exacte. Une analyse de la dialectique de la raison ainsi que les concepts de l’idéologie, de mimésis, d’autonomie et de Kulturindustrie révèle le non fondement de la critique faite à l’égard des propos d’Adorno à l’endroit du jazz. / Adorno’s critique of jazz music is subject of a debate regarding his elitism or lack thereof. More often than not, Adorno is considered to be elitist on account of his aesthetic theory and his critical position on jazz and mass culture which he refers to as Kulturindustrie. This memoir posits that the allegations of elitism directed towards Adorno are the result of a misunderstanding of Adorno’s overall philosophy and the role which his critique of jazz music plays within this whole. The fact of the matter is that Adorno’s critique of jazz can best be analyzed by a philosophical approach that includes an analysis of his dialectic of reason as well as his concept of ideology which Adorno links to his concept of Aufklärung. Furthermore, an analysis of the concept of autonomy and its importance for his critique of jazz and the Kulturindustrie as well as his aesthetic theory is essential to this end. Such an analysis leads to the conclusion that the accusation of elitism is inadmissible.

La première partie de ce mémoire consiste en une réécriture en prose, sous forme de roman, de la pièce Antigone de Sophocle. Antigone habite, sous le nom de Marie-Ange Gobeil, une résidence pour personnes âgées, en compagnie d'une aide-ménagère, Geneviève. Le récit commence avec le retour de Hémon, qui emménage dans un immeuble près de chez elle. Réapparaissent ensuite les personnages qui entouraient Antigone dans la tragédie. Ces retours n'ont cependant pas d'importance pour Antigone puisque la réapparition des siens ne change rien à la mort de son frère. Le retour d'Ismène, toutefois, a cela de particulier qu'il ramène non le passé mais le présent; ainsi la sœur d'Antigone lui apparaît toujours jeune, croyant que la prise de Thèbes et la mort de leur frère se sont produits le jour précédent. Le roi Créon réapparaît pour justifier sa rancœur et déployer contre Antigone sa hargne. Prise entre une souffrance renouvelée et la mort passée de son frère, Antigone ne choisit ni l'une ni l'autre. La seconde partie prend la forme d'un essai tenant compte de l'apport du travail créateur dans une réflexion sur l'écriture. Ainsi, en premier lieu, j'aimerais proposer une réflexion méthodologique sur ce que peut représenter un essai réflexif en lien avec une pratique de création, de façon à ce que l'essai puisse éclairer la nature même de sa démarche réflexive. En second lieu, j'aimerais envisager une interrogation plus grande qui remet en question l'indépendance, en création littéraire, de la poièsis et de la mimésis, c'est-à-dire des activités de fabrication et d'imitation. En rapport avec ces deux théories, je développerai ce que mon propre travail m'a appris sur l'imitation en fonction de la réécriture. Ce travail me permet d'avancer trois thèses : a) l'écriture est essentiellement une suite de choix, b) en écriture, l'imitation porte sur un modèle absent et intérieur et c) l'écrivain est toujours seul avec l'écriture. Ces trois thèses seront au centre d'un travail réflexif qui interrogera la théorie littéraire sur les notions d'imitation, de réécriture et de solitude. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Antigone, Hémon, Tragédie, Réécriture, Théorie de la création littéraire, Imitation, Mimésis, Solitude.

La critique adornienne du jazz fait parfois l’objet de débats. Ces derniers ont généralement pour objet la nature dite élitiste de ses propos. Cette position critique par rapport au jazz et à la culture de masse, qu’Adorno nomme Kulturindustrie, ainsi que sa théorie esthétique semblent être à l’origine de cette accusation d’élitisme. Ce mémoire a pour objet de mettre en lumière le fondement de cette critique d’élitisme qui s’avère être une incompréhension du rôle que joue sa critique du jazz pour sa philosophie. Il est impératif d’analyser la critique adornienne du jazz en lien avec la dialectique de la raison ainsi que sa théorie esthétique afin d’en saisir la nature exacte. Une analyse de la dialectique de la raison ainsi que les concepts de l’idéologie, de mimésis, d’autonomie et de Kulturindustrie révèle le non fondement de la critique faite à l’égard des propos d’Adorno à l’endroit du jazz. / Adorno’s critique of jazz music is subject of a debate regarding his elitism or lack thereof. More often than not, Adorno is considered to be elitist on account of his aesthetic theory and his critical position on jazz and mass culture which he refers to as Kulturindustrie. This memoir posits that the allegations of elitism directed towards Adorno are the result of a misunderstanding of Adorno’s overall philosophy and the role which his critique of jazz music plays within this whole. The fact of the matter is that Adorno’s critique of jazz can best be analyzed by a philosophical approach that includes an analysis of his dialectic of reason as well as his concept of ideology which Adorno links to his concept of Aufklärung. Furthermore, an analysis of the concept of autonomy and its importance for his critique of jazz and the Kulturindustrie as well as his aesthetic theory is essential to this end. Such an analysis leads to the conclusion that the accusation of elitism is inadmissible.

This thesis deals with the topic of narrative (or ´diegetic´) theatre plays. It aims to map out the processes which emerge after the mimetic mode of representation is partly or wholly replaced with the diegetic one., i.e. the decline in their ´dramatic´ quality and the structural changes which are being conceptualized mainly within a narrative framework. The thesis consequently looks at specific historic moments which propelled strong contemporary presence of diegesis on theatre stage; namely the theatre of Bertolt Brecht, the performative turn and postdramatic theatre and the storytelling movement. With these circumstances in mind, the author reflects on his practical theatrical work: The Ritual Slaughter of Gorge Mastromas (DISK Theatre, Prague) and Illusions (DJKT Theatre, Pilsen.)

Qu’advient-il lorsqu’un dramaturge à succès se glisse dans la peau d’un chroniqueur? Comment se manifeste alors l’influence du modèle théâtral sur sa prose narrative? À une époque où la question des genres canoniques semble dépassée et où les notions d’intergénéricité et d’hybridation paraissent plus aptes à expliquer les pratiques esthétiques contemporaines, nous avons choisi de nous intéresser aux différentes modalités d’inscription de la théâtralité dans les « Chroniques du Plateau Mont-Royal » de Michel Tremblay. Notre premier chapitre se penche sur les manifestations ostensives de la théâtralité dans les six récits. Grâce au recours à des figures comme l’hypotypose et à certains procédés de distanciation comme la mise en abyme, l’adresse au lecteur et l’aparté, le lecteur assiste à une mise en œuvre récurrente du dispositif spectaculaire. Notre deuxième chapitre porte sur les procédés de dramatisation du romanesque. À travers un mouvement impétueux qui fait alterner et même cohabiter le comique et le tragique, le réel et le fantastique, le sublime et le grotesque, l’excès et le manque, l’auteur pratique non seulement le mélange des genres et des tonalités au sein de son œuvre, mais fait appel à divers procédés qui visent à produire la catharsis chez le lecteur. Notre troisième chapitre dégage les modalités de théâtralisation de la parole romanesque. Par la mise en place d’un double régime discursif, qui oscille entre l’effacement de l’énonciation auctoriale et la pulsion rhapsodique, l’auteur donne à voir une parole romanesque qui reflète les grands enjeux de l’écriture dramatique contemporaine. / What happens when a successful playwright attempts to play the part of a chronicler? How does the influence of the theatre manifest itself in his narrative prose? At a time when the question of the canonic genres seems to have become obsolete and where the notions of intergenericity and hybridism seem more apt at explaining modern esthetical practices, we chose to target the various ways in which theatricality inscribes itself in Michel Tremblay’s Chroniques du Plateau Mont-Royal. Our first chapter looks at the ostensive manifestations of theatricality in the six stories. Through recourse to figures such as hypotyposis and other distancing processe, like mise en abyme, the address to the reader and the aside, the reader witnesses a recurrent manifestation of the spectacular device. Our second chapter targets the dramatization process of the novelistic. Through an impetuous movement that makes comic and tragic, reality and fantasy, sublime and grotesque, excess and lack alternate and even cohabit, the author claims not only a mix of genres and tonality within his works but he also provokes an outbidding of processes which aim at triggering a catharsis within the reader. Our third chapter outlines the theatricality modes of the novelistic voice. Through the implementation of a double discursive regime which oscillates between the author’s self-effacement and enunciation and rhapsodisation, the writer’s novelistic word reflects the great stakes of contemporary playwriting.

RésuméEn raison des bouleversements qui ont eu lieu dans la seconde moitié du XXe siècle, le monde a connu une accélération notable de l'histoire. Cette accélération s'est manifestée sur plusieurs fronts – l'historique, le scientifique, le technologique – mais aussi sur le front littéraire, changeant à jamais la façon dont nous représentons notre monde et notre passé. Cette thèse porte sur les nouveaux modes de représentation ou mimesis dans l'œuvre d'art. Comment les événements, qui se déroulent en dehors du roman, ont-ils affecté la forme même, la technique et la langue du roman contemporain ? Comment la violence qui a été infligée au monde extérieur s'est-elle reflétée dans le récit littéraire ? Du fait que la forme narrative est en soi un moyen de « rassembler » les événements dispersés et les incohérences de la réalité, la forme traditionnelle manipule violemment cette réalité dans le but de lui donner un sens, quand elle est souvent inexplicable. En mettant en question les conventions naturelles et données du récit, les romans expérimentaux du XXe siècle ont tenté de mettre en place des formes originales, en mesure de représenter des expériences différentes. Notre thèse traite principalement de ces nouvelles conceptions de la représentation dans le roman contemporain et de la manière dont, en dépit de leur fragmentation, de l'expérimentation et de la rupture violente avec les traditions du passé, ces romans innovants ont néanmoins réussi à produire des «représentations» de la réalité qui captent fidèlement notre histoire contemporaine, caractérisée par l'accélération et la fragmentation. Pour justifier cet argument, nous avons comparé les récits de fiction avec ceux des deux autres domaines à partir desquels nous tirons la connaissance de notre passé, à savoir l'histoire et la mémoire. Où est la place de la fiction aux côtés de ces deux piliers de connaissance souvent totalisants et totalitaires ? Enfin, que peut faire la littérature pour ces sujets de l'histoire, systématiquement exclus de l'écriture de l’histoire dominante ? En prenant la plume pour écrire leur version de l'histoire, ces «autres» du document historique dominant ont inscrit leur histoire particulière sur le palimpseste existant de l'histoire dominante et ont également obligé les canons littéraires, auxquels ils appartiennent, à développer leurs limites esthétiques et éthiques. / SummaryAs a result of the changes that have occurred in the latter half of the twentieth century, the world has witnessed a noticeable acceleration of history. This acceleration has manifested itself on many fronts – the historic, the scientific, the technological – but also on the literary front changing forever the way we represent our world and our place in it. This paper deals with the new modes of representation or mimesis in the work of art. How have the events happening outside the novel affected the very form, technique and the language of the contemporary novel? How has the violence that has been inflicted on the outside world being replicated and perhaps resolved in the literary narrative? Because narrative form is in itself a way of ordering and “bringing together” the fragmented events and incoherencies of reality, the very traditional form often violently manipulates this reality with the aim of giving meaning to an often inexplicable reality. By bringing into question the natural and given conventions of narrative, the experimental novels of the twentieth century have tried to realize original and unique forms that are able to represent different experiences. Our paper deals with primarily with these new conventions of representing reality and how, despite their fragmentation, experimentation, and violent rupture with the traditions of the past, they have nonetheless successfully produced “representations” of reality that faithfully capture our contemporary history characterized by acceleration as well as fragmentation. In order to justify this argument, we have compared narratives of fiction with the other two domains from which we derive the knowledge of our past, namely history and memory. Where is the place of fiction alongside these two often totalizing and totalitarian pillars of knowledge? Finally, what can literature do to those subjects of history who have systematically excluded from the writing of their dominant History? By taking the pen to write their side of the story, these “others” of the dominant historical document have both inscribed their particular stories on the existing palimpsest of dominant history, but have also forced the literary canons in which they belong to expand both their aesthetic and ethical boundaries.