Cette recherche étudie l'effet de l'exploration de la création artistique sur l'identité professionnelle d'art-thérapeute, d'enseignante en art-thérapie et de psychologue avec une approche heuristique, c'est-à-dire en se plaçant au cœur de l'expérience sensible de la création. La question de recherche est la suivante : comment l'exploration de mon identité d'artiste à travers la création artistique modifiera-t-elle mon identité professionnelle? Cette recherche exploratoire vise à découvrir les processus et vécus présents lors de la création artistique, susceptibles de modifier l'identité professionnelle. La variante HSSI (Sela-Smith, 2002) de la méthode heuristique de recherche est utilisée. Nous retrouvons deux types de données : 11 productions artistiques et un Journal de processus créateur de 430 pages manuscrites. L'analyse des données comporte une analyse de la symbolique des œuvres artistiques, une analyse thématique du contenu du Journal de processus créateur, une analyse des étapes du processus créateur et une analyse de l'application de la méthode heuristique dans cette recherche. Les résultats obtenus concernent l'identité professionnelle d'art-thérapeute, celle d'enseignante en art-thérapie, celle de psychologue et celle d'artiste. Un intérêt secondaire de cette recherche est la formalisation de la méthode heuristique pour son application à l'art-thérapie.

Ce mémoire est consacré à l'étude de la trajectoire socioprofessionnelle de l'artisan relieur Pierre Ouvrard. Dans un premier temps, nous effectuons la synthèse des connaissances sur l'histoire de la reliure au Québec afin de montrer quelles sont les conditions d'émergence du métier de relieur au sein des métiers du livre et circonscrire les éléments d'une tradition en reliure d'art qui trouve ses origines au XIXe siècle. Cette première partie, qui aborde notamment les liens qu'entretient la pratique de la reliure avec les autres métiers du livre, les institutions et les collectionneurs, pose les éléments de réflexion sous-jacents à la deuxième partie du mémoire consacrée au parcours socioprofessionnel du relieur Pierre Ouvrard: la reliure comme oeuvre autonome (fonction utilitaire et fonction esthétique), le statut du relieur (artisan ou artiste), le rapport au texte (la reliure comme forme d'interprétation du texte), le marché et la diffusion de la reliure d'art. Ce sont là autant d'éléments qui permettent de montrer les transformations qui s'opèrent selon les conjonctures historiques et de situer la trajectoire du relieur Pierre Ouvrard au XXe siècle. Le coeur du mémoire étant consacré à dresser un portrait de la trajectoire socioprofessionnelle de l'artisan relieur selon une approche historique, cela nous permet de mesurer son apport à l'histoire du livre et de l'edition au Québec et au Canada au XXe siècle. Sa formation, l'accession à la carrière et à l'autonomie artistique, la diffusion de son oeuvre et sa production son abordés en ce sens.

La métamorphose envisagée comme principe révélateur du nu laisse apparaître la réalité ambiguë de son existence plastique, la situant dans un entre-deux permanent oscillant entre accès et détournement, monstration et effacement. Corps photographique ou pictural, il devient signe d’une trace, d’une sensation par son incorporation au sein de livres photographiques. Ces recueils intimistes, dévoilant les identités multiples du corps féminin, proposent une intensification du désir par la mise en suspens d’une étreinte métaphorique. Lié à des récits mythologiques, poétiques et artistiques, le nu métamorphosé offre une entrée particulière où la mise en doute de son aspect présente sa suspension dans une immensité le dépassant. Etendu, morcelé, établit dans toute sa fragilité, il compose tout autant de paysages à arpenter qu’à contempler, où le toucher répond à l’excitation visuelle. L’infime apparence du corps sous-tend la peau, transperce le regard en se déployant dans un érotisme éblouissant. Par l’inscription de cette surface-peau, le nu métamorphosé est cette forme en dissolution qui survient dans un éclatement du corps et propose une véritable géographie épidermique, qui s’articule entre révélation de l’intimité de l’être et pluralité des sensations. / Transformation considered as a revealing principle of the nude shows the ambiguous reality of its plastic existence, putting it an everlasting in-between place that wavers between access and diversion, showing and fading. Photographic or pictorial body, it becomes the sign of an impression, a feeling by its incorporation into photography books. These intimist collections, revealing the numerous identities of the feminine body, offer an intensification of the desire by having a figurative embrace to await. Being linked to mythological, poetical or artistic tales, the transformed nude presents a peculiar entry where questioning its aspect displays its suspension in a vastness that goes beyond it. Stetched, broken up, fully settled in its frailty, it forms landscapes to be stridden across just as well as gazed upon, where the sense of touch responds to the visual excitement. The minimal appearance of the body underlines the skin, enhances its grain, enshrouds it and gives life to the unspeakable. Burning, biting, the picture and especially one of the skin, pierces through the glance by unfolding in a dazzling eroticism. By the inscription on this skin-surface, the transformed nude is this form in dissolution which occurs thanks to the breaking of the body and which presents a real epidermal geography that is made of a mix between the disclosure of the intimacy of the self and the multitude of feelings.

This thesis aims to provide the first complete study of the poetics of Pierre Reverdy, who, although famous and influential during his lifetime, has not been widely published or researched. This thesis hopes to change this, as his complete works are just now being republished. The first chapter lays the basis for his conception of reality as something in which man is trapped, and which calls for a distance that, in Reverdy's eyes, only poetry can offer. His association of the image and lyricism, is presented and analysed. The second chapter aims to provide a linguistic understanding of the poetic image called for and devises the new concept of “illumination”, to give an account of the phenomenon at work in his verse. The third chapter focuses on lyricism, as Reverdy tries to reinvent it for the twentieth century: independent of the self, dealing only with expressing the affective tonalities of the poet and acting as a catalyst for the image. The last chapter defines the visual qualities of Reverdy's poetry by first re-examining the title of cubist poet that had been attached to him, before focussing on the many forms that the image takes in his work (imagery, but also typography, mental imagery), and finally providing the first analysis of the relationship between paintings and poems in the famous Livres d'artistes that the poet created, in collaboration with Picasso, Matisse, Juan Gris and others. It establishes that while the poems can indeed be read without the illustrations with which they were conceived, these editions deprive the reader of the opportunity to remind himself that poetry is an experience rather than a quest for meaning and also of an introduction to the unique visual qualities of Reverdy's poetry.

In this essay, I study how the artist is portrayed in the works of August Strindberg and Ingmar Bergman. I compare Strindberg’s novels The Romantic Organist (1888) and By the Open Sea (1890) with Bergman’s The Hour of the Wolf (1968) and Fanny and Alexander (1982). It should be noted that I’m focusing on the film manuscripts (“Filmberättelser”) of Bergman rather than the films.  My aim is to study how the works of Strindberg and Bergman correspond in regards to the artist motif. Strindberg’s influence on the works of Ingmar Bergman has been wildly recognized among scholars and critics for decades, but no extensive study has before been made on the subject of the artist.

Mémoire numérisé par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal. / Pour respecter les droits d'auteur, la version électronique de cette thèse ou ce mémoire a été dépouillée, le cas échéant, de ses documents visuels et audio-visuels. La version intégrale de la thèse ou du mémoire a été déposée au Service de la gestion des documents et des archives de l'Université de Montréal.

L’autoportrait de Paul-Émile Borduas, unique expérience de ce genre artistique dans sa carrière, s’avère représenter une étape charnière dans sa construction personnelle et artistique. Notre étude s’amorce par la description formelle du tableau, l’identification du processus de création, l’analyse du problème de datation et la réflexion sur les influences et assimilations stylistiques. Les nombreux indices détectés sont exploités pour mettre en évidence la mutation des statuts intime et professionnel. À partir d’une introspection et d’un itinéraire spirituel, Borduas tente d’extérioriser sur la toile la complexité de sa personnalité et sa quête d’identité. Le tableau est révélateur de l’établissement d’un Moi accompagné d’un code d’expression personnel du peintre. Par ailleurs, il s’inscrit au démarrage d’une œuvre qui va participer à l’émergence progressive de la modernité artistique et sociale du Québec à partir des années 1930. L’artiste semble affirmer son statut professionnel en développant des stratégies qui allient, d’une part, tradition et modernité, et, d’autre part, incertitudes et volonté d’émancipation. En choisissant de se représenter lui-même dans son propre langage pictural et son code d’expression personnel, Borduas pose les jalons de son identité et s’impose comme artiste-peintre dans une société québécoise en voie de modernisation. / The self-portrait of Paul-Émile Borduas, unique experience in this artistic genre in his carrier, represents a milestone in his personal and artistic career. This work begins by the formal description and the study about stylistic influences and assimilations. Many key points are detected and exploited to bring out the mutations of intimate and professional status. From introspection and spiritual itinerary, Borduas tries to externalize on canvas the complexity of his personality and his quest for identity. The canvas is indicative of the establishment of an “ego” accompanied by a personal code of expression as a painter. Moreover, he built a canvas that will participate in the gradual emergence of the artistic and social modernity of Quebec from 1930. The artist seems to assert its professional status by developing strategies that combine on the one hand, tradition and modernity, and, on the other hand, uncertainty and desire for emancipation. By choosing to represent himself in his own pictorial language and his personal code of expression , Borduas lays the foundation of his identity and stands out as a painter in Quebec society in the progress of modernization.

Ce travail vise à questionner les outils méthodologiques et les fondations théoriques de l’activité de restauration afin de les appliquer à un corpus d’œuvres souvent laissé aux marges des discours de ce champ disciplinaire : le film d’artiste et le film expérimental. On se focalisera sur les années 1960-1980 pour traiter, entre autres, du travail de Bruce Conner, Carolee Schneemann, Anthony McCall, Paul Sharits. Conçu et organisé comme un dialogue possible entre les exigences de systématisation théorique et les spécificités des œuvres, ce travail défend une méthodologie ouverte et dynamique, à l’instar des objets considérés. Dans le parcours esquissé, qui s’appuie sur des recherches en archives, on traitera de questions de reconstruction textuelle (à partir de la philologie d’auteur), de la performance et de l’installation, de l’intervention sur la matière des œuvres (en problématisant les positions du théoricien de la restauration Cesare Brandi), ou encore de l’obsolescence technologique. En mobilisant des concepts issus de champs différents mais qu’on aimerait considérer ici comme complémentaires (histoire de l’art, esthétique, histoire technique du film), cette recherche tente de décrire l’activité herméneutique sous-jacente à toute entreprise de restauration. C’est à partir de cette hypothèse des liens entre théorie et pratique que l’on envisagera les enjeux spécifiques qui accompagnent la transmission des objets filmiques. / This dissertation aims to question the methodological tools and theoretical foundations of the practice of restoration in order to apply them to a body of work often left at the margins of this disciplinary field: experimental and artists’ film. Focusing on the years 1960-1980, it will examine works by Bruce Conner, Carolee Schneemann, Anthony McCall, and Paul Sharits, among others. Conceived and organized as a possible dialogue between theoretical assessment and the practical necessities of specific works, this research defends an open and dynamic methodology of restoration much like the objects herein considered. Through archival research, this dissertation will confront issues of textual reconstruction (starting from literary philology), performance and installation, scholarly debates concerning the materiality of artworks (problematizing the positions of restoration theorist Cesare Brandi), and the question of technological obsolescence. Mobilizing concepts from different fields considered as complementary (art history, aesthetics, the technological history of film), this dissertation seeks to describe the hermeneutical activity underlying any restoration process. It is starting from this hypothesis, which links theory and practice, that it will consider the specific issues accompanying the life of filmic objects. / Il lavoro si propone di mettere in discussione gli strumenti metodologici e le basi teoriche dell’attività di restauro, al fine di volgersi a un corpus spesso considerato come marginale nella letteratura scientifica inerente alla disciplina: il film d’artista e sperimentale. Ci si concentrerà in particolare sugli anni 1960-1980 per analizzare, tra gli altri, la produzione di Bruce Conner, Carolee Schneemann, Anthony McCall, Paul Sharits. La tesi, concepita e costruita come un possibile dialogo tra l’esigenza di sistematizzazione teorica e le caratteristiche specifiche delle opere, promuove una metodologia aperta e dinamica, adattandosi dunque agli oggetti considerati. In un percorso che si vuole teorico, ma ugualmente frutto di ricerche in archivio, si tratteranno problemi di ricostruzione testuale (basandosi sulla filologia d’autore), questioni riguardanti la performance e l’installazione, interventi sulla materia delle opere (sulla scorta di una rilettura critica della Teoria del restauro di Cesare Brandi), o ancora il problema dell’obsolescenza tecnologica. La ricerca tende a includere e adattare concetti provenienti da diverse discipline (storia dell’arte, estetica, storia tecnologica del film, qui considerate come complementari), per poter infine descrivere l’attività di restauro come operazione ermeneutica. Muovendo da un’ipotesi di lavoro che unisce teoria e pratica, la ricerca affronta i problemi specifici relativi alla “trasmissione al futuro” delle opere filmiche.

L’autoportrait de Paul-Émile Borduas, unique expérience de ce genre artistique dans sa carrière, s’avère représenter une étape charnière dans sa construction personnelle et artistique. Notre étude s’amorce par la description formelle du tableau, l’identification du processus de création, l’analyse du problème de datation et la réflexion sur les influences et assimilations stylistiques. Les nombreux indices détectés sont exploités pour mettre en évidence la mutation des statuts intime et professionnel. À partir d’une introspection et d’un itinéraire spirituel, Borduas tente d’extérioriser sur la toile la complexité de sa personnalité et sa quête d’identité. Le tableau est révélateur de l’établissement d’un Moi accompagné d’un code d’expression personnel du peintre. Par ailleurs, il s’inscrit au démarrage d’une œuvre qui va participer à l’émergence progressive de la modernité artistique et sociale du Québec à partir des années 1930. L’artiste semble affirmer son statut professionnel en développant des stratégies qui allient, d’une part, tradition et modernité, et, d’autre part, incertitudes et volonté d’émancipation. En choisissant de se représenter lui-même dans son propre langage pictural et son code d’expression personnel, Borduas pose les jalons de son identité et s’impose comme artiste-peintre dans une société québécoise en voie de modernisation. / The self-portrait of Paul-Émile Borduas, unique experience in this artistic genre in his carrier, represents a milestone in his personal and artistic career. This work begins by the formal description and the study about stylistic influences and assimilations. Many key points are detected and exploited to bring out the mutations of intimate and professional status. From introspection and spiritual itinerary, Borduas tries to externalize on canvas the complexity of his personality and his quest for identity. The canvas is indicative of the establishment of an “ego” accompanied by a personal code of expression as a painter. Moreover, he built a canvas that will participate in the gradual emergence of the artistic and social modernity of Quebec from 1930. The artist seems to assert its professional status by developing strategies that combine on the one hand, tradition and modernity, and, on the other hand, uncertainty and desire for emancipation. By choosing to represent himself in his own pictorial language and his personal code of expression , Borduas lays the foundation of his identity and stands out as a painter in Quebec society in the progress of modernization.

Mémoire numérisé par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal / Pour respecter les droits d'auteur, la version électronique de cette thèse ou ce mémoire a été dépouillée, le cas échéant, de ses documents visuels et audio-visuels. La version intégrale de la thèse ou du mémoire a été déposée au Service de la gestion des documents et des archives de l'Université de Montréal.