A presente dissertação se construiu sobre o pressuposto de que forma, técnica e poesia são premissas que embasam uma determinada visão de dança enquanto manifestação artística do corpo humano em movimento. Norteia também este estudo a perspectiva de que as relações que se estabelecem no momento de execução de uma dança instauram processos de significação. Desse modo, este trabalho teve como principais objetivos: - entender a dança enquanto uma atividade artística que se constrói no(s) corpo(s) em movimento; - refletir sobre a elaboração de possíveis significados quando da criação e execução de uma dança; - descrever a dança como uma ação criadora que se faz no corpo humano em movimento. Para atingir os objetivos propostos utilizou-se a fenomenologia como método de investigação, optando-se, assim, por realizar uma descrição da dança que já é, ao mesmo tempo, uma maneira de compreendê-la. Como conseqüência deste procedimento buscou-se demontrar que: - a dança dever ser entendida enquanto arte porque ela resulta de um processo de transformação de uma matéria-prima - o movimento humano - através do uso de procedimentos técnicos e formativos, que resultam em obras coreográficas que se dão a reconhecer através de seu intrínseco caráter de forma; - o movimento é o que toma visível os possíveis sentidos/significados de uma dança: a realização de sentidos coreográficos se dá no contexto de uma coreografia e só se efetua plenamente quando os sentidos são retomados e revividos pelos espectadores; - os processos de criação coreográfica baseados em ações formativas proporcionam o desenvolvimento de uma disponibilidade corporal para a dança. Tal disponibilidade corporal está alicerçada, principalmente, numa inteligência e numa memória corporais, que dispõem o dançarino a exercer suas potencialidades criadoras através da dança. A concepção da dança como forma, técnica e poesia do movimento aponta para uma possibilidade de recuperação, através da dança, de saberes relativos ao corpo, ao movimento e à sensibilidade. / The presente dissertation was built upon the presuposal that form, technique and poetry are premisses that are the base of a certain view of dance as an artistic expression of the human body when in movement. This study is also guided by the perspective that the relations established at the moment of the performance of a dance set up the processes of signification. In this manner, the main objectives of this work has been: - to understand the dance an an artistic activity, built in the body (ies), when in movement (s); to consider the carrying out of possible meanings when creating and performing a dance; -to describe dance as a creative action when in movement; In order to achieve the objectives proposed, phenomenology has been used as a method of investigation, opting for making a description of the dance which is, at the same time, a way to understand it. As a consquence of this procedure, the intention was to show that: - dance must be understood as art inasmuch as it results from a changing process of raw material - the human movement - through the use of technique and formative procedures that tum out to be, therefore, a choreographic play recognized throug its inherent form character; - the movement is what makes the possible senses/meanings of a dance become visible: the fulfillment of choreographic senses occurs in the context of a choreography and it is only performed throughout when the senses are retaken and revived by the audience; - the choreographic creation processes based on fonnative actions provide the developmente of a corporal availability to the dance. This corporal availability is mainly based on a corporal intelligence an memory, that allows the dancer to drill his creative potenciaIs through the dance. The conception of dance as fonn, technique and poetry of a movement points out to a possibility of recovery, through dance, of the knowledge concemig the body, movement and sensibility.

Resumo não disponível

Na prática do Ballet Clássico, diversos autores, como Tomes (1995), Guillot e Prudhommeau (1974), Bertoni (1992), Kostrovitskaya (1995), Vaganova (1941) e Baryshnikov (1976) priorizam a postura corporal através do alinhamento vertical do corpo, pressuposto este que é defendido por Kendall et al (1995). Contudo, esses pressupostos teóricos nem sempre são aceitos por outros estudiosos, como Solomon, Minton e Solomon (1990), Mckenzie (1985), Chaitow (1982), Denys Struyf (1995) e Malanga (2002), os quais não se fixam na premissa de que uma postura alinhada pode produzir menor gasto energético, ser mais confortável e prevenir lesões. Diante dessa controvérsia não encontrou-se um referencial teórico consistente que justificasse a postura adotada pelas bailarinas clássicas, mas sim apenas uma proposta postural defendida por maitres e/ou professores de Ballet Clássico utilizada no sentido de proporcionar às bailarinas aprimoramento técnico, benefícios estéticos e controle do número de lesões. Diante disso, este trabalho tem como objetivos: (1) verificar a coerência entre a postura solicitada pela maitre e/ou professor de Ballet Clássico e a postura adotada pelas bailarinas avaliadas; (2) descrever e analisar as características posturais específicas do grupo de bailarinas clássicas avaliadas, caso estas existam; (3) verificar a existência e o tipo de algias nas bailarinas clássicas avaliadas; (4) relacionar as características posturais específicas encontradas com os sintomas álgicos apresentados pelas bailarinas clássicas avaliadas; (5) verificar se as características posturais, adotadas pelas bailarinas clássicas avaliadas, lhes satisfazem. Para tal, a amostra foi dividida em um grupo formado por bailarinas clássicas (n=30; idade média=13,06 anos +1,98), um grupo de referência formado por não bailarinas clássicas (n=30; idade média=13,86 anos +1,61) e um grupo de maitres e/ou professores de Ballet Clássico (n=22). Foram aplicados os seguintes instrumentos: (1) questionário de aspectos posturais específicos em 3 versões - (1a) para o grupo de maitres e/ou professores de Ballet Clássico (r=1, p=0,0001), (1b) para o grupo de bailarinas clássicas (r=0,99, p=0,0001), (1c) para o grupo de não bailarinas (r=1, p=0,0001); (2) questionário de informações gerais; (3) questionário de dor (testado e adaptado por Souza e Krieger, 2000), (4) avaliação postural a partir de fotografia digitalizada, com três tomadas de intervalos de 2 horas, a uma distância de 3 metros. Os resultados mostraram que existem características posturais específicas para as bailarinas clássicas avaliadas e estas são coerentes com aquelas solicitadas por maitres e professores de Ballet Clássico; existem sintomas álgicos nas bailarinas, contudo estes não se relacionam com as suas características posturais específicas; o tipo de algias assinalado pelas participantes corresponde a algias leves esperadas na prática do Ballet Clássico; as bailarinas clássicas avaliadas encontram-se plenamente satisfeitas com a postura que adotam.

Tese (doutorado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Departamento de Artes Visuais, Programa de Pós-Graduação em Arte, 2016. / Submitted by Camila Duarte (camiladias@bce.unb.br) on 2016-10-03T16:33:20Z No. of bitstreams: 1 2016_TâniaCristinaCostaRibeiro.pdf: 8320738 bytes, checksum: 2e5cd3adeaefdf639e360c0f9882e03a (MD5) / Approved for entry into archive by Ruthléa Nascimento(ruthleanascimento@bce.unb.br) on 2017-03-30T14:38:48Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2016_TâniaCristinaCostaRibeiro.pdf: 8320738 bytes, checksum: 2e5cd3adeaefdf639e360c0f9882e03a (MD5) / Made available in DSpace on 2017-03-30T14:38:48Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2016_TâniaCristinaCostaRibeiro.pdf: 8320738 bytes, checksum: 2e5cd3adeaefdf639e360c0f9882e03a (MD5) / Esta tese versa sobre a Dança Portuguesa do Maranhão, uma pesquisa exploratória de caráter etnográfico, no período de 2012 a 2014, realizada na capital São Luís e na cidade de Pinheiro - Maranhão. Investiga e analisa esta dança a partir de suas formas de pertencimentos, seus processos de criação e as influências estéticas obtidas das manifestações maranhenses e das danças tradicionais de Portugal “Vira” e “Malhão” pertencentes as regiões do Minho. A Dança Portuguesa do Maranhão convive num contexto múltiplo de expressões culturais evidenciado no período dos festejos juninos nas apresentações públicas. As reflexões teóricas foram pautadas a partir dos estudos culturais e da fenomenologia. Foram feitas pesquisas e diário de campo a partir da observação, entrevistas e conversas com os envolvidos nessas danças, registros áudio visuais e revisão bibliográfica sobre o tema em questão. / This thesis deals with the Portuguese Dance of Maranhão, an exploratory research based on ethnographic method, between 2012 to 2014, held in São Luis capital and the city of Pinheiro - Maranhão. Investigates and analyzes this dance from their forms of belongings, their creative processes and aesthetic influences obtained from Maranhanses dancers, demonstrations of the traditional dances of Portugal "Vira" and "Malhão" belonging to the regions of Minho. The Portuguese Dance of Maranhao coexists in multiple contexts evidenced by cultural expressions in the period of the "festas juninas" in public presentations. The theoretical reflections were guided by cultural studies and phenomenology. We made a research and diary from observation, interviews, and conversations with those involved in these dances, audiovisual records and literature review on the topic. / Cette thèse traite de la Danse Portugaise du Maranhão, une recherche exploratoire de caractère ethnographique réalisée dans la capitale São Luís et dans la ville de Pinheiro – Maranhão, entre 2012 et 2014. Elle investigue et analyse cette danse à partir de ses formes d'appartenance, de ses processus de création et des influences esthétiques reçues des manifestations culturelles de l'État du Maranhão et des danses traditionnelles du Portugal « Vira » et « Malhão » originaires des régions du Minho. La Danse Portugaise du Maranhão coexiste dans un contexte multiple d'expressions culturelles qui est mis en évidence pendant la période des fêtes de la Saint Jean dans les représentations publiques. Les réflexions théoriques se sont basées sur des études culturelles et la phénoménologie. Il a été fait des recherches et le journal de terrain à partir de l'observation, d'entrevues et de conversations avec les personnes impliquées dans ces danses, ainsi que des enregistrements audio-visuels et une révision bibliographique sur le sujet concerné.

Dissertação apresentada ao Programa de Pós-Graduação em Educação da Universidade do Extremo Sul Catarinense – UNESC, como requisito parcial para a obtenção do título de Mestre em Educação. / Falar da construção identitária de professores de dança, para compreender como o movimento, a memória e o corpo se articulam nas narrativas de três artistas educadores de dança clássica, a fim de problematizar o processo de construção identitária dos professores de balé, exige o desafio de articular conceitos de áreas diversas do conhecimento. Apresento aqui uma investigação sobre a experiência de três educadores de dança clássica no Brasil e suas implicações para o entendimento de corpo, memória e movimento. A intenção da pesquisa é compreender como esses três elementos se articulam nas narrativas de três artistas educadores de dança clássica, objetivando problematizar o processo de construção identitária dos professores de balé no Brasil. Sendo assim, busquei situar historicamente a dança clássica no Brasil e desenvolver um estudo teórico que permita compreender e aplicar o conceito de corpo, memória e dança que, no caso, é também movimento, dialogando com os teóricos dos estudos culturais sobre os processos de construção da identidade dos artistas da dança. Para isso, a metodologia utilizada foi de natureza qualitativa, aplicando entrevistas com roteiro semiestruturado e revisão bibliográfica conceitual para análise dos relatos de vida. Os professores entrevistados foram Maria Cristina Flores Fragoso, Ricardo Zanchi Sheir e Neyde Celesti Rossi Redorat. A partir da análise de entrevistas, sem pretensão de respostas finais, mas que possibilitem percepções e reflexões, foi possível perceber que falar em dança é falar de quem dança, das pessoas da dança. Em que pesem as heranças culturais e artísticas dos sujeitos envolvidos, a linguagem da dança funciona como instrumento para unir os artistas bailarinos e professores de dança em torno de um saber fazer o corpo dançar. A própria dança é uma forma de comunicação que vai além dos limites da palavra. Bailarinos são pessoas que traduzem seus gestos e sentimentos em movimentos.

Submitted by Luiza Kleinubing (luiza.kleinubing@udesc.br) on 2018-03-12T18:06:16Z No. of bitstreams: 1 NASTAJA ROUSSENQ BREHSAN.pdf: 2574874 bytes, checksum: ad8364dbb53dd171ca0060ce21ac3e1f (MD5) / Made available in DSpace on 2018-03-12T18:06:16Z (GMT). No. of bitstreams: 1 NASTAJA ROUSSENQ BREHSAN.pdf: 2574874 bytes, checksum: ad8364dbb53dd171ca0060ce21ac3e1f (MD5) Previous issue date: 2014-11-10 / This dissertation investigates under the perspective of the concept of dramaturgy the shifting relationship with the field of dance and objectively detects issues and draws a path of transformation of this concept. This dissertation investigates the concept of dramaturgy and the shifting relationship with the field of dance and objectively detects issues from the perspective of dramaturgy and draws a path of transformation of this concept. For that, I trace a parallel between theater and dance, and establish relationships to develop and broaden the understanding of the concept and practice of dramaturgy in these two fields. The selection of artists used to develop this thought, is not intended as generic, but punctual, and helps to visualize and create relationships on the dramaturgical practice and its evolution. The main artists that I use to guide the idea of dramaturgy in theater and dance are Gotthold Ephraim Lessing, Jean-Georges Noverre, Mary Wigman, Kurt Jooss, Martha Graham, Doris Humphrey, Véslovod Meyerhold, Jerzy Grotowski, Tadeusz Kantor, Pina Bausch, Bertold Brecht, Merce Cunningham, Anna Halprin. Thus point to an understanding of dramaturgy that exists prior to its introduction as a concept in dance, through concern for the production of meaning in the experience of dance. / Nesta dissertação investiga-se, sob a perspectiva do conceito de dramaturgia, a relação movediça com o campo da dança e, de forma objetiva, detecta questões, desenhando um percurso de transformação deste conceito. Para tanto, é traçado um paralelo entre o teatro e a dança, estabelecendo relações para desenvolver e ampliar a compreensão do conceito e da prática da dramaturgia nesses dois campos. Entre os principais artistas utilizados para nortear a ideia de dramaturgia no teatro e na dança estão Gotthold Ephraim Lessing, Jean- Georges Noverre, Mary Wigman, Kurt Jooss, Marta Graham, Doris Humphrey, Véslovod Meyerhold, Jerzy Grotowski, Tadeuz Kantor, Pina Bausch, Bertold Brecht, Merce Cunningham e Anna Halprin. A utilização destes artistas nos dá amparo para ampliar o pensamento que auxilia o leitor na visualização e na criação de relações sobre a prática dramatúrgica e sua evolução, apontando para um entendimento de dramaturgia anterior ao da sua introdução enquanto conceito na dança, através da preocupação pela produção de sentido na experiência daquela.

Orientador: Kathya Maria Ayres de Godoy / Banca : Karen Astrid Müller Pinto / Banca : Milton Terumitsu Sogabe / Resumo: O objetivo desta pesquisa é fundamentar como os Princípios da Eutonia e os Fatores do Movimento de Laban se conectam em um processo criativo da dança contemporânea, não visando a conclusão de uma obra artística, mas proporcionando uma reflexão a respeito do processo criativo e da articulação de duas teorias. A pesquisadora/dançarina investiga os Princípios da Eutonia (pele- tato consciente, espaço interno e volume corporal, ossos - transporte, contato consciente e movimento eutônico) e os Fatores do Movimento (peso, espaço, tempo e fluência) e estabelece suas conexões durante o processo criativo da dança. Utiliza o elemento pedra com o intuito de alcançar a simbiose Pedra/Osso, possibilitando o encontro de novas células de movimentos expressivos que são realizadas com o equilíbrio do tônus e com menos desgaste de energia. Para tanto foi adotado a metodologia do estudo de caso: uma investigação das duas teorias em que a pesquisadora vivencia e interpreta os seus movimentos criativos realizados nos laboratórios de dança, definindo quatro momentos de Captura e posteriormente aplicando-os em três colaboradoras para fidedignar o processo criativo da dança em particular. Dessa maneira a pesquisadora justifica a importância do estudo das duas teorias, Princípios da Eutonia e Fatores do Movimento, e das conexões estabelecidas entre elas, para um processo criativo da dança contemporânea como meio de alcançar o movimento qualitativo e expressivo. / Abstract: The purpose of this research is to determine how the Principles of Eutonie and the Laban Movement Factor connect to a creative process of contemporary dance. The focus is not on the artistic work but promotes a reflection on the creative process and in the interaction of the two theories. The researcher/dancer investigates the Principles of Eutonie (skin - consciously touch, internal space and corporal volume, bones - transport, consciously contact and Eutonic movement) and stabilizes its connections during the process of creative dancing. The researcher uses the rock element with the aim to achieve the conjunction of Rock/Bones giving the possibility to meet new cells of expressive movements that are realized with balance of tonus and less use of energy. The case study methodology was used to reach these results: an investigation of the two theories in which the researcher experienced and interpreted the creative movements realized during dance labs, defining four capture moments and applying them to three co-workers to sustain the creative dance in particular. In this way, the researcher justifies the importance to study the two theoriesd: the principles of Eutonie and the movement Factor, and the connection between them for a creative process of contemporary dance as a way to reach the expressive and qualitative movement. / Mestre

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, 2006. / Submitted by Fernanda Weschenfelder (nandaweschenfelder@gmail.com) on 2009-10-06T18:42:39Z No. of bitstreams: 1 2006_Cinthia Nepomuceno Xavier.pdf: 2313464 bytes, checksum: 66669bc7b51e9abcd002f56ec0cc7818 (MD5) / Approved for entry into archive by Gomes Neide(nagomes2005@gmail.com) on 2010-10-14T14:04:56Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2006_Cinthia Nepomuceno Xavier.pdf: 2313464 bytes, checksum: 66669bc7b51e9abcd002f56ec0cc7818 (MD5) / Made available in DSpace on 2010-10-14T14:04:56Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2006_Cinthia Nepomuceno Xavier.pdf: 2313464 bytes, checksum: 66669bc7b51e9abcd002f56ec0cc7818 (MD5) Previous issue date: 2006-08-07 / O presente trabalho apresenta a dança do ventre como tema válido para uma pesquisa acadêmica, partindo da constatação de que essa manifestação artística foi pouco estudada nos meios universitários brasileiros, já que não constava de monografias, dissertações ou teses existentes nas principais bibliotecas do país quando iniciei minha investigação. Essa invisibilidade e o silêncio sobre o tema, no meu entender, se devem a um preconceito sobre essa dança e aos equívocos relacionados a sua prática. Devido à escassez de referências bibliográficas sobre a dança do ventre, o primeiro passo dessa pesquisa foi o desenvolvimento de uma metodologia para abordar o tema, apoiada em entrevistas e pesquisa de campo, bem como em dados teóricos disponíveis nos poucos livros encontrados e em páginas eletrônicas publicadas na internet. Essa metodologia teve como suporte a leitura de outros textos escritos por autores como Gaston Bachelard, Antonin Artaud, Gilles Deleuze e Felix Guattari, Michel Foucault, Clifford Geertz, Luigi Pareyson, Homi Bhabha, entre outros. E ainda que tenha havido o apoio nos discursos de alguns teóricos de outras disciplinas, o objetivo foi criar uma metodologia própria para abordar a dança (do ventre), construindo um saber artístico sobre ela, buscando romper com uma tendência parasitária e superficial, muito comum entre os estudiosos das artes em geral. Num primeiro momento faço uma contextualização teórica da dança do ventre na atualidade. Em seguida, localizo as tentativas infrutíferas de se traçar uma história linear que remeta às supostas origens dessa dança e percebo que o panorama onde está inserida se assemelha a um rizoma – termo emprestado da botânica pelos filósofos Gilles Deleuze e Félix Guattari, para desenvolver um conceito de rede conectiva de vários sentidos. Assim, concluo que é mais importante validá-la como prática artística do que reescrever uma história que dê conta do trajeto percorrido por essa dança no oriente e no ocidente. Como um dos resultados desse trabalho está em processo de composição a performance “Impressão Corporal”, com base nas impressões recolhidas durante a pesquisa de campo nas cidades do Cairo e Alexandria, no Egito, em novembro de 2005. A proposta consiste em resignificar a dança do ventre como prática performativa. Dentre as descobertas realizadas no percurso dessa pesquisa, destaco a constatação de que a dança do ventre não é uma prática exclusivamente feminina e que apesar da filtragem sexual que criou a idéia de que seus movimentos não eram adequados ao corpo masculino, a resistência cultural faz com que a prática masculina sobreviva até hoje. Também acredito que essa dança pode auxiliar a ruptura da fragmentação no treinamento de artistas, bem como abrir possibilidades de reflexão sobre arte, corporeidade e nossos próprios limites e preconceitos. Por fim, afirmo que dança do ventre é uma arte híbrida, misturada, o que segundo os conceitos de Homi K. Babha faz com que ela não seja oriental nem ocidental, mas um “além”, que não se encaixaria em nenhuma definição essencialista. / This work presents belly dance as a valid subject for academic research, finding out that this artistic manifestation has been barely studied by brazilian schollars, as I could not find this subject in any academic works when I begun my investigation. This sort of invisibility and the silence surrounding this dance, in my opinion, derive from a prejudice about it and all misunderstandings related to it. As the available bibliography about belly dance was insufficient, the first step I took on this research was to develop a methodology to approach the subject, supported by interviews, fiel research and the available information collected on a few books and websites. Indeed, this methodology was based on texts of Gaston Bachelard, Antonin Artaud, Gilles Deleuze, Felix Guattari, Michel Foucault, Clifford Geertz, Luigi Pareyson, Homi Bhabha, and others. This methodology has been created to build an artistic knowledge about dance and belly dance, instead of thinking about it through the vision and meanings of other fields, as it usually happens when we depend on anthropology or sociology to understand dancing issues, for example. In the beginning of this work I present a theoretical context about belly dance today. After that, I point out that it is very difficult to define a linear history of this dance because of the multiplicity of facts and meanings related to this manifestation. Therefore, I conclude that it is better to validate belly dance as an artistic practice instead of trying to define its origins and its Eastern and Western roots/routes. The performance “Impressão Corporal” (Body Prints) is being composed as one of the effects of this investigation, based on the impressions collected during the field research conducted on Cairo and Alexandria – Egypt, on November, 2005. The aim of this performance is to give new meanings for belly dance as a performative practice. During this research I found out that belly dance is not performed exclusively by women. Despite of the sexual restrictions imposed on the male practice, there are belly dancing man performing until today. I also believe that belly dance is an option to break the fragmentation tendency of artistical practices. Indeed, it stimulates reflections about art, corporeality and our own boundaries and prejudices. Finally, I claim that belly dance is a hybrid, mixed art form which, in the concepts of Homi K. Babha, means that belly dance is neither eastern nor western, but is a “beyond”, and does not fit in any restricted definition.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Pós-Graduação em Arte, 2008. / Submitted by samara castro (sammy_roberta7@hotmail.com) on 2010-03-09T18:18:16Z No. of bitstreams: 1 2008_LudmilaMachadoMelo.pdf: 3123997 bytes, checksum: 3cdeed1618ee071d00abcab20c1a0497 (MD5) / Approved for entry into archive by Lucila Saraiva(lucilasaraiva1@gmail.com) on 2010-03-10T01:07:53Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2008_LudmilaMachadoMelo.pdf: 3123997 bytes, checksum: 3cdeed1618ee071d00abcab20c1a0497 (MD5) / Made available in DSpace on 2010-03-10T01:07:53Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2008_LudmilaMachadoMelo.pdf: 3123997 bytes, checksum: 3cdeed1618ee071d00abcab20c1a0497 (MD5) Previous issue date: 2008 / Esta dissertação desenvolve uma pesquisa de criação coreográfica e montagem em vídeo a partir de um estudo de caso realizado com as fiandeiras de Anápolis, Goiás, com base numa observação ativa. Assim, este trabalho pretende tecer reflexões acerca do entrelaçamento do fazer artesanal, da performance e das mídias digitais (áudio e vídeo) na construção de uma poética que surge através de uma trama interdisciplinar fomentando um processo criativo na dança. A metodologia utilizada se apóia em três momentos: em primeiro lugar, a observação ativa da cultura gestual de trabalho das fiandeiras, em segundo a sistematização descritiva dos gestos observados, a partir dos princípios da Corêutica e da Eucinética, desenvolvidos pelo método Laban e posteriormente, sua tradução para a dança. _______________________________________________________________________________ ABSTRACT / This dissertation presents a research of choreographic creation and video making based on a study case done with the spinners of Anapolis, Goias, through active observation. Thus, this work intends to weave considerations on the interlacing between the handmade work, the performance and the digital media (audio and video) in the construction of a poetic, which arises through an interdisciplinary plot which fosters a creative process in the dance. The methodology used stands on three moments: first, the active observation of the gesture culture of the spinners’ work, second the descriptive systematization of the observed gestures, based on the Coreutic and Eucinetic principles, developed by the Laban method and later its translation to the dance.

Tese (doutorado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Pós-Graduação em Artes Visuais, 2013. / Submitted by Albânia Cézar de Melo (albania@bce.unb.br) on 2014-04-17T15:07:16Z No. of bitstreams: 1 2013_AnaCarolinaSouzaSilvaDantasMendes.pdf: 22928209 bytes, checksum: 431006767ff4337499865133a6f761f8 (MD5) / Approved for entry into archive by Guimaraes Jacqueline(jacqueline.guimaraes@bce.unb.br) on 2014-04-17T15:16:02Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2013_AnaCarolinaSouzaSilvaDantasMendes.pdf: 22928209 bytes, checksum: 431006767ff4337499865133a6f761f8 (MD5) / Made available in DSpace on 2014-04-17T15:16:02Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2013_AnaCarolinaSouzaSilvaDantasMendes.pdf: 22928209 bytes, checksum: 431006767ff4337499865133a6f761f8 (MD5) / Esta tese investiga as formas de conexão da dança contemporânea com as tecnologias digitais e o jogo, e tem por objetivo propor uma metodologia de análise de tais conexões que favoreça a percepção de suas possibilidades de potencialização da autonomia da dança. Tem por motivação inicial os jogos eletrônicos de dança, em particular, a Máquina para Dança (MpD), considerando a dança produzida no modo estilo livre desse jogo como exemplo de conexão entre dança, jogo e tecnologia que é otencializadora da dança. Para a construção dessa metodologia de análise, esta pesquisa fundamenta-se na filosofia contemporânea, com ênfase no pensamento de Michel Serres e coteja-o com o fazer da própria dança, retirando dessa reflexão o ferramental analítico a ser usado na visita que faz ao jogo, à tecnologia digital e às conexões estabelecidas entre eles e a dança. Como resultado, são destacados da dança os conceitos de alongamento, pré-movimento e composição, e junto aos conceitos de impulsos fundamentais, modus operandi e finalidade, constituem a base metodológica da análise dos campos e das conexões. De posse desse referencial, retorna à MpD para exercitar a metodologia de análise desenvolvida, e identifica na dança alí feita uma conexão que tende ao híbrido entre jogo e dança, sem, contudo, hibridizar esteticamente com a tecnologia; essa é utilizada como instrumento a potencializar o jogo-dança. Finaliza estabelecendo um diálogo entre os resultados obtidos na análise da dança na máquina e a própria dança contemporânea, identificando pontos de reflexão potencializadores desse fazer. ______________________________________________________________________________ ABSTRACT / This thesis investigates the connection forms of contemporary dance with the fields of game and digital technologies, and aims to propose a methodology for analysis of such connections that favors the perception of their ability to potentiate dance autonomy. It is initially motivated by the dance electronic games, in particular, the Dancing Machine, considering the dance produced in freestyle mode of that game as an example of connection between dance, game and technology that is potentiator of dance. It is grounded in contemporary philosophy, with emphasis on the thought of Michel Serres, and collates it with the making of the dance itself. From this reflection, it gets the analytical tools, to be used during the visit that makes to game, to digital technology and to the connections between them and the dance. As a result, the following dance concepts are highlighted: stretching, pre-movement and composition, and along with the concepts of fundamental impulses, modus operandi and purpose, constitute the methodological basis of the analysis of fields and connections. Armed with this framework, this thesis returns to the Dancing Machine in orther to exercise the analysis methodology developed, and identifies the dance performed there as a connection that tends to hybrid between game and dance, without, however, aesthetically hybridize with technology. The technology is used as a tool to enhance the game-dance. Finishes establishing a dialogue between the results obtained in the analysis of the Dancing Machine and contemporary dance itself, identifying points of reflection enhancers of this dance.