Submitted by Patricia Figuti Venturini (pfiguti@anhembi.br) on 2018-08-20T20:22:29Z No. of bitstreams: 1 447888.pdf: 1519462 bytes, checksum: 79ff97581776ee892b49d6d249b456b7 (MD5) / Approved for entry into archive by Patricia Figuti Venturini (pfiguti@anhembi.br) on 2018-08-20T20:27:11Z (GMT) No. of bitstreams: 1 447888.pdf: 1519462 bytes, checksum: 79ff97581776ee892b49d6d249b456b7 (MD5) / Approved for entry into archive by Patricia Figuti Venturini (pfiguti@anhembi.br) on 2018-08-21T13:29:57Z (GMT) No. of bitstreams: 1 447888.pdf: 1519462 bytes, checksum: 79ff97581776ee892b49d6d249b456b7 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-08-21T13:30:50Z (GMT). No. of bitstreams: 1 447888.pdf: 1519462 bytes, checksum: 79ff97581776ee892b49d6d249b456b7 (MD5) Previous issue date: 2017-02-21 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / This here text presents an investigation about changes in the percep- tion of time and space in contemporary society, which can be identified in the fields of Fashion Design and Architecture. For that matter, some of the changes that marked the turn of the 19th century with the Indus- trial Revolution are contextualized, and so are the changes on lifesty- les and on the production of subjectivities. Ephemerality emerges as a striking concept in the 20th century, from the consolidation of aspects such as acceleration and displacement. From this perspective, Hussein Chalayan’s Afterwords fashion collection and the architectural work Blur Building proposed by the Diller Scofidio studio are presented. Fi- nally, from Design for Difference, developed by Angela Luna, fashion designer, derives a brief discussion on wearables as a production of existence territories, contributing to broaden the dialogues between the fields of Fashion Design and Architecture. / O presente trabalho expõe uma investigação acerca de modificações na percepção de tempo e de espaço na sociedade contemporânea, possíveis de serem identificados nos campos do Design de Moda e da Arquitetura. Para tanto, são contextualizadas algumas mudanças que marcaram a virada do século XIX com a Revolução Industrial e que modificaram os modos de vida e a produção de subjetividades. A efemeridade emerge como conceito marcante no século XX, a partir da consolidação de aspectos como a aceleração e o deslocamento. Com base nesta perspectiva, são apresentadas a coleção de moda Afterwords, criada por Hussein Chalayan e a obra arquitetônica Blur Building, proposta pelo estúdio Diller Scofidio. Por fim, do trabalho Design for Difference, desenvolvido pela designer de moda Angela Luna, deriva-se uma breve discussão dos vestíveis como produção de territórios de existência, colaborando para a ampliação dos diálogos entre os campos do Design de Moda e da Arquitetura.

Submitted by Patricia Figuti Venturini (pfiguti@anhembi.br) on 2018-10-04T19:13:28Z No. of bitstreams: 1 Geraldo Coelho Lima Junior.pdf: 12870371 bytes, checksum: 6f5ca82eeceeb84a90f9a0a63819d609 (MD5) / Approved for entry into archive by Patricia Figuti Venturini (pfiguti@anhembi.br) on 2018-10-04T19:16:31Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Geraldo Coelho Lima Junior.pdf: 12870371 bytes, checksum: 6f5ca82eeceeb84a90f9a0a63819d609 (MD5) / Approved for entry into archive by Patricia Figuti Venturini (pfiguti@anhembi.br) on 2018-10-04T19:16:49Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Geraldo Coelho Lima Junior.pdf: 12870371 bytes, checksum: 6f5ca82eeceeb84a90f9a0a63819d609 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-10-04T19:17:03Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Geraldo Coelho Lima Junior.pdf: 12870371 bytes, checksum: 6f5ca82eeceeb84a90f9a0a63819d609 (MD5) Previous issue date: 2016-11-29 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / The aim of this thesis is to determine whether it is possible to establish a method based on a project-oriented development in fashion design, which takes account of the cognitive processes of people with visual impairment (PcDV) This method should also both allow them to be trained as fashion designers, while at the same time, fostering the learning of students with sight, and enable them to carry out collective projects. With this in mind, an investigation was undertaken of the Curricular Guidelines for Design Courses in Brazil. This was based on an analysis of the curricular benchmarks for Bachelor Degrees in Fashion Design, which were drawn up in accordance with pre- established parameters. The purpose of this was to establish a framework and explore the feasibility of admitting students with visual impairment. There was found to be a gap with regard to the teaching methods employed when carrying out projects related to PcDV. In another area, the study conducted a review of the literature with regard to the inclusion of this group in higher education and the availability of suitable teaching materials. In addition, the ¨inclusive¨ Program and the Brazilian Law for the Inclusion of Handicapped People were examined with the aim of establishing the rights of this group with regard to higher education. Running in parallel with this, the investigation was extended to the Neurosciences and the cellular basis of brain function, which is involved in teaching- learning processes, and likely to lead to the development of Fashion Design projects for students with or without visual impairment. The application of an Experimental Protocol emerged from these studies, which was subdivided into modules. These provided guidance for the way the Project- Oriented Development Methodology was conducted and allowed an assessment to be conducted of three groups of people, the first comprising porPcDV and the others formed of students with sight, who are doing Fashion Design courses at the University of Anhembi Morumbi. Among the results that validate the proposed thesis, the following stand out: (1) evoking memories potentiate the assimilation and learning of contents by students both visually impaired or not; (2) somatosensory stimulation provide access to courseware by students that are visually impaired, while enlarge the interest of the students with no impairements about the taught contents; (3) personal repertoires, when associated to the method of projective development, potenciate the learning for the enhancement of the skills of students with and without visual impairment. / Essa tese apresenta como objetivo verificar a possibilidade de se estruturar um método voltado ao desenvolvimento projetual em design de moda que considere o processo cognitivo de pessoas com deficiência visual (PcDV), e propicie sua formação como designer de moda e, concomitantemente, venha a potencializar o aprendizado do estudante vidente e, sua capacitação para o desenvolvimento de projetos de coleção. Para tanto, empreendeu-se uma investigação às Diretrizes Curriculares do Curso de Design no Brasil, de modo a fundamentar uma análise das matrizes curriculares de Bacharelados em Design de Moda, selecionados segundo parâmetros pré-estabelecidos, com o propósito de verificar suas estruturas e a factibilidade de ingresso de estudantes com deficiência visual. Identificada a existência de lacuna, referente aos métodos de ensino destinados ao desenvolvimento de projetos junto a PcDV, em outro âmbito, investiu-se em uma revisão da literatura relativa à inclusão deste grupo no ensino superior, e a existência de material didático acessível. Ainda, estudou-se o Programa INCLUIR (BRASIL, 2005) e, a Lei Brasileira de Inclusão da Pessoa com Deficiência (BRASIL, 2015), com o intuito de localizar os direitos desse grupo referente à educação superior. Em concomitância, a investigação estendeu-se às Neurociências e as bases de funcionamento do cérebro, envolvidos nos processos de ensino-aprendizagem, passíveis de contribuir para o desenvolvimento de projetos em Design de Moda, por pessoas com ou sem deficiência visual. Desses estudos procedeu-se à aplicação de um Protocolo Experimental, subdividido em módulos, os quais orientaram a condução de uma Metodologia de Desenvolvimento Projetual e avaliação de três grupos de pessoas, o primeiro composto por PcDV e os demais formados por estudantes videntes que cursam Design de Moda, na Universidade Anhembi Morumbi. Dentre os resultados que validam a tese proposta, destacam-se: (1) a evocação de memórias potencializa a assimilação e o ...

This research was developed through the Research Line in Education and Arts of the Education Post-Graduation Program, in the Education Center at the Federal University of Santa Maria/RS/Brazil. This research investigated the non-formal education practice through the regional historical patrimony. This patrimony was located into a paleontological area called Chácara das Flores, in Santa Maria/RS, and the research used as basis the petrified tree fossils in the development of creative processes. These creative processes intended to create an alternative space where education and fashion design interacted and socially contributed to preservation and valorization of historical and practical-educative patrimony in design. The review of theoretical ideas was based on non-formal education theories (Freire 1981, 1983, 1992, 1993, 1996; Gadotti 1991, 1997, 2000, 2001; Gohn 1999, 2004), emphasizing the social inclusion, income generation and performance places. It also used the theories of Malfatti and Agostini (2006), Sommer and Scherer (1999), that are related to petrified tree fossils, Environmental Protection Laws and possible cultural, scientific and social contributions. In the same way, this research was based on the ideas of the following authors: Munari (1987, 1990), Redig (1983), Löbach (2001), Lipovetsky (2006) the concepts, visual languages, creative processes and applications. The research methodology was organized from qualitative approach and outlined through a case study with the collaborators of the research, women that live at Chácara das Flores District, in Santa Maria/RS/BRAZIL. This investigative process involved the comprehension and description of the context where they live, as well as the collective arrangement of the knowledge-making of fashion design, creating their engagement with possible changes in a shared and cooperative action. The instrumental used to collect data was composed by documental analysis, semistructured interviews, social-anthropological interviews, real observations, diary notes and portfolio. Through these qualitative-interpretative analysis it was intended to show that these acquirements can improve the society with the return of new possibilities of income generation, consciousness and patrimony preservation, reflecting the new view of fashion design built by the research collaborators in the constitution of their cultural identities. / Este estudo foi desenvolvido na Linha de Pesquisa em Educação e Artes do Programa de Pós-Graduação em Educação, do Centro de Educação, da Universidade Federal de Santa Maria /RS. A presente pesquisa buscou investigar a prática educativa não-formal através do patrimônio histórico regional, situado no sítio paleontológico Chácara das Flores em Santa Maria (RS), tendo como referência os fósseis de árvores petrificadas no desenvolvimento de processos criativos, buscando-se um espaço alternativo onde educação e design de moda interajam e contribuam socialmente na preservação e valorização do patrimônio histórico e prático educativo em design. No referencial teórico pesquisado buscaram-se pressupostos referentes à educação não-formal, Freire (1981, 1983, 1992, 1993, 1996), Gadotti (1991, 1997, 2000, 2001), Gohn (1999, 2004) destacando-se os espaços de atuação, inclusão social e geração de renda. Também os fósseis de árvores petrificadas, Malfatti e Agostini (2006), Sommer e Scherer (1999), leis de proteção ambiental e possíveis contribuições sociais, científicas e culturais. Do mesmo modo, o design com base teórica em Munari (1987, 1990), Redig (1983), Löbach (2001), Lipovetsky (2006), subsidiada nos conceitos, linguagens visuais, aplicações e processos criativos. A metodologia de pesquisa utilizada foi a abordagem qualitativa, através de um estudo de caso, onde se buscou a participação das colaboradoras da pesquisa, mulheres moradoras do Bairro Chácara das Flores, localizado em Santa Maria (RS), num processo investigativo envolvendo instrumentos pertinentes a compreensão e descrição do contexto em que vivem, assim como a organização coletiva do saber/fazer do design de moda, gerando um compromisso das mesmas com possíveis mudanças numa ação compartilhada e cooperativa, como também visando os processos criativos produzidos. Os instrumentos de coleta de dados utilizados foram a análise documental, entrevista semi-estruturada, entrevista sócio-antropológica, observação participante, diário de campo e portfólio. Por meio de análises qualitativas interpretativas pretendeu-se que estes saberes além de beneficiarem a sociedade através dos conhecimentos construídos retornassem à mesma em forma de novas possibilidades na geração de renda, conscientização e preservação patrimonial, refletindo num novo olhar no design de moda construído pelas colaboradoras da pesquisa na constituição de suas identidades culturais.

[pt] Esta tese tem como tema a relação entre o ensino e a indústria de moda, no Brasil. Parte do pressuposto que existe uma distância entre eles impactando o setor da moda brasileira como um todo. O trabalho se apresenta como um desdobramento da dissertação de mestrado cujo enfoque se dava sobre a moda praia no contexto das relações entre design e corpo, na cultura de praia carioca. Na tese, o recorte no segmento de moda praia é mantido, mas o estudo se volta para o âmbito do ensino de moda. A moda praia é considerada um exemplo de sucesso da indústria nacional, por seu diferencial em termos de qualidade e design atrelados à cultura local. Verificou-se, entretanto, que o conhecimento relacionado à moda praia brasileira, embora ela seja reconhecida internacionalmente como referência, se encontra fragmentado e disperso. Há dificuldade na busca por profissionais bem preparados para este segmento, evidenciando a distância entre a sala de aula e o chão de fábrica. Uma distância que tem impactado o fortalecimento da percepção de valor conquistada nas últimas décadas em diversos aspectos para o setor da moda brasileira. Para entender como ocorrem as articulações entre o ensino e a indústria, buscou-se ouvir os atores envolvidos - representantes da indústria, do ensino de moda, designers, estudantes e empresários – a fim de propor, a partir da pesquisa de campo e de experimentos, recomendações para a elaboração de iniciativas estratégicas, utilizando processos de design, que aproximem a indústria e o ensino, impulsionando o setor e consequentemente o mercado de trabalho. / [en] This thesis aims to deepen understanding about the relationship between teaching and the fashion industry in Brazil. It begins with the assumption that it does exist a gap in between both that consequently impact negatively in the whole sector. This theses presents itself as a deployment of a master degree dissertation, in which the focus was on the beach fashion in the context of the relations between design and body, in the Carioca beach culture. The standards of beachwear design is maintained, but the study turns to the scope of fashion learning processes. The beachwear segment is considered a successful case study for the national industry mainly for its innovation in design, quality blended with the local beach culture. Even though it is rooted as a strong reference both nationally and internationally, it has been found that the knowledge and intelectual content it is still well fragmented. There are several issues finding skilled professionals, showcasing the distance still to be narrowed between the classroom and to become hands-on in the factory floor and production. This gap has not contributed to the strength of the added value perception that the segment acquired in the last decades. In order to understand how the articulations between teaching and industry occur, we sought to listen to the actors involved: representatives of industry, fashion teachers, designers, students and entrepreneurs. The goal is to propose field researches and experiments, recommendations to prepare strategy initiatives utilizing design processes that could have real impact to shorten the relations of the learning centers and the market, creating incentives to accelerate the sector and ultimately contributing to the skilled job market.

[pt] Esta pesquisa trata das questões ergonômicas da relação da idosa com o vestuário do dia-a-dia. Com o envelhecimento da população mundial, os avanços da medicina, das novas tecnologias e a expressiva diminuição da taxa de natalidade em todo o mundo, torna-se necessário um estudo da relação dessa nova idosa com o vestuário, uma vez que sua vida profissional e social permanece por mais tempo. A visão que se tem hoje dos idosos é bem diferente da anterior, inclusive a percepção deles próprios, principalmente em relação ao comportamento. Entretanto, acredita-se que o vestuário pronto para vestir existente no mercado não contempla as transformações do corpo da mulher idosa. Com as transformações decorrentes da idade, essas mulheres acabam apresentando um corpo diferenciado dos padrões de vestuário existentes no mercado. Além disso, as idosas da faixa de 60 a 75 anos ainda participam de uma vida social ativa, o que requer roupas adequadas para elas se sentirem bem. Contudo, por essa demanda, ainda não se conhece, de fato, as necessidades reais do vestuário para tais consumidoras. O objetivo desta pesquisa é definir recomendações de design para a criação e confecção de vestuário para a nova idosa. Para isso, foram utilizadas técnicas como a de grupos de foco com as novas idosas, e a de entrevistas semiestruturadas com estilistas, cujas marcas foram citadas por essas mulheres. Constatou-se que realmente os vestuários disponíveis no mercado nem sempre atendem a elas, principalmente no que se refere aos modelos oferecidos, que não favorecem o novo corpo, e à modelagem, que não é desenvolvida para as mulheres dessa faixa etária. / [en] This research deals with the ergonomic issues of elderly woman regarding the daily clothes. With the aging of the world population, combined with medical advances, new technologies and significant decrease in the birth rate in the world, a study about the relationship of the new elderly woman with her clothes becomes necessary, since their professional and social lives remain longer. The way elderly people are seen today is quite different from before, including their own perception of themselves, particularly when it comes to behavior issues. However, it is believed that the ready-to-wear clothing on the market does not consider the body transformations of the elderly woman. With the changes due to age, these women end up presenting a differentiated body of existing clothing standards in the market. In addition, the elderly woman of 60 to 75 years old still participate in an active social life that requires appropriate clothing for them feel well. However, this demand and the real needs of clothing for these consumers are not yet known. The objective of this research is to define design recommendations for designing and making clothing for the new elderly. For this, techniques such as focus groups, with the new elderly, and semi-structured interviews with designers, whose brands were cited from these women, were conducted. It was noted that the clothing available on the market do not always satisfy them, especially with regard to the models offered that do not favor the new body changes and the modeling pattern that is not developed for a women of this age group.

Esta pesquisa tem como objetivo analisar o período compreendido entre a metade do século XIX e o começo do século XX a fim de identificar que aspectos e componentes da estética e valores culturais japoneses teriam sido eventualmente integrados aos movimentos artísticos europeus e ao design de moda. O interesse ocidental pelo Oriente sempre existiu, porém, foi intensificado após a abertura dos portos japoneses em 1854, depois de mais de dois séculos em reclusão. O encontro entre duas culturas tão distintas causou grande entusiasmo na Europa, com diversos autores que defendem que esta aproximação influenciou o rumo das artes, do design e de outros diversos campos, resultando em um movimento estético denominado Japonismo. Desse modo, esta pesquisa de natureza qualitativa, na modalidade histórica, gerada a partir de estudos bibliográficos e estudo de campo em museus e exposições, pretende expor exemplos e tecer reflexões sobre a importância do intercâmbio cultural entre o Japão e a Europa do final do século XIX e início do século XX, mais especificamente nos campos da arte e da moda / The aim of this research is to study the period between mid-19th century and beginning of 20th century to identify which aesthetic and cultural values aspects and components would eventually have been integrated to European fashion design and art movements. The occidental interest towards the orient have always existed, although, it was intensified after the opening of Japanese ports on 1854, after more than two centuries of seclusion. The encounter of such different cultures triggered enthusiasm in Europe, and several authors suggest that this gathering led the way of art, design and many several fields, resulting in an aesthetic movement called Japonism. Therefore, this qualitative research, on history, generated from bibliographical and field study in museums and exhibits, intends to bring into thought the importance of cultural exchange between Japan and Europe on the end of 19th Century and beginning of 20th century, specifically on art and fashion

Esta pesquisa tem como objetivo analisar o período compreendido entre a metade do século XIX e o começo do século XX a fim de identificar que aspectos e componentes da estética e valores culturais japoneses teriam sido eventualmente integrados aos movimentos artísticos europeus e ao design de moda. O interesse ocidental pelo Oriente sempre existiu, porém, foi intensificado após a abertura dos portos japoneses em 1854, depois de mais de dois séculos em reclusão. O encontro entre duas culturas tão distintas causou grande entusiasmo na Europa, com diversos autores que defendem que esta aproximação influenciou o rumo das artes, do design e de outros diversos campos, resultando em um movimento estético denominado Japonismo. Desse modo, esta pesquisa de natureza qualitativa, na modalidade histórica, gerada a partir de estudos bibliográficos e estudo de campo em museus e exposições, pretende expor exemplos e tecer reflexões sobre a importância do intercâmbio cultural entre o Japão e a Europa do final do século XIX e início do século XX, mais especificamente nos campos da arte e da moda / The aim of this research is to study the period between mid-19th century and beginning of 20th century to identify which aesthetic and cultural values aspects and components would eventually have been integrated to European fashion design and art movements. The occidental interest towards the orient have always existed, although, it was intensified after the opening of Japanese ports on 1854, after more than two centuries of seclusion. The encounter of such different cultures triggered enthusiasm in Europe, and several authors suggest that this gathering led the way of art, design and many several fields, resulting in an aesthetic movement called Japonism. Therefore, this qualitative research, on history, generated from bibliographical and field study in museums and exhibits, intends to bring into thought the importance of cultural exchange between Japan and Europe on the end of 19th Century and beginning of 20th century, specifically on art and fashion