O presente trabalho se interessa pelas formas de autorrepresentação e escrita autobiográfica tais quais elas vêm se apresentando em alguns exemplos significativos da cena teatral contemporânea. Seja dentro da vertente \"documental\", seja adotando nomenclaturas mais amplas como \"teatros do real\", proliferam as experiências em que os intérpretes em cena assumem a perspectiva autobiográfica. Desde Philippe Lejeune que sistematizou uma das primeiras pesquisas sobre o gênero até pesquisadores contemporâneos que trabalham sobre a noção de testemunho, temos abordagens diversas do que seriam as escritas do eu. Este trabalho busca tensionar a relação entre o par experiência e representação a partir do aporte fundamental da teoria literária - sobretudo a partir dos anos 1970, que pensa a representação autobiográfica associada à ideia de uma memória criativa - , e de disciplinas que tratam do problema da referencialidade como a história e a psicanálise. / The present research is interested in forms of self-representation and autobiographical writing as they have been presenting themselves in some significant examples found in contemporary theater scene. Rather as if in \"documentary\" style or adopting broader classifications, such as \"theater of the real,\" the experiments in which the performers on stage take an autobiographical perspective are proliferating more and more. Since Philippe Lejeune who first systematized the research on the genre, up to the contemporary researchers working on the notion of testimony, we have several approaches. This paper seeks to create a tension in the relationship between the pair: experience and representation, from the fundamental contribution of literary theory - especially since the 1970s, in which the autobiographical representation was very much associated with the idea of a creative memory - and also there are contributions from disciplines addressing the matter of referentiality, such as history and psychoanalysis.

Este estudo tem como objetivo rever o modo de produção textual em processos de criação para a cena performativa. Partimos, assim, do seguinte problema: seria possível engajar o corpo na atividade de escrita? A fim de responder a essa pergunta, traçamos uma breve história do corpo e de sua relação com a escrita desde a modernidade, utilizando estudos de teóricos como Georges Vigarello e David Le Breton. O intuito é demonstrar que a visão cartesiana do homem cindido - em que mente e corpo são instâncias separadas - é uma construção histórica e que pode, portanto, ser questionada e combatida. Nossa hipótese é que processos de escrita que envolvam uma experiência corporal farão emergir textualidades que se efetivam em gestos e implicam em gestualidades. Ou seja, textos cuja compreensão não se dá apenas de forma racional, mental, mas que também atingem o leitor, ou o ouvinte, em sua materialidade corporal. Com o objetivo de verificar essa hipótese relacionamos, então, diversas práticas de escrita e as obras delas resultantes - processos e textualidades que analisamos à luz da noção de gesto, tal qual concebida pelo crítico literário Dominique Rabaté. Dentre os artistas estudados, modernos e contemporâneos, estão: Charles Baudelaire, André Breton, Georges Perec, Cao Guimarães e Myriam Lefkowitz. O estudo das obras desses autores acabou por revelar transformações históricas: a transformação da relação do homem com seu corpo, assim como a transformação dos espaços da vida cotidiana desses homens. Assim, as práticas empreendidas pelos artistas estudados servem para mostrar tanto o resultado do \"progresso\" da visão racionalista do mundo, quanto a necessidade da invenção de novas estratégias para superá-la. Por fim, a partir dos estudos de caso, refletimos sobre a possibilidade de transpor tais práticas corporais na criação de textos para obras cênicas performativas. Focamos, então, na última etapa do trabalho, em experimentos feitos pela própria pesquisadora. É importante salientar que os resultados obtidos não pretendem formalizar ou cristalizar um modelo para a dramaturgia performativa, pelo contrário, têm como intuito abrir novos horizontes para que se invente outras formas de provocar, criar e fazer emergir textualidades para a cena. / This study aims to reconsider the text production in performative theater\'s creative processes, dressing the following question: would it be possible to consider the practice of the body in the writing activity? Using studies from Georges Vigarello and David Le Breton, we retraced the history of the connections between body and writing, from modernity to contemporaneity, in order to prove that the separation between body and mind is a historical construction that can be questioned and fought. Our hypothesis is that performative processes, which engage the writer\'s body in an experience, will generate performative texts, which accomplish gestures. That is, texts that wouldn\'t have only a rational comprehension, but would also touch the reader, or listener, in his corporeality. With the objective of verifying this hypothesis we connected different writing practices and their results - processes and textualities analyzed under the concept of gesture, as conceived by the author Dominique Rabaté. The analysis of works from artists such as Charles Baudelaire, André Breton, Georges Perec, Cao Guimarães and Myriam Lefkowitz, showed the transformation in the relation between human beings and their bodies, as well as the transformation of the everyday life\'s environment. Thus, the study of these artists\' practices evidence the result of the \"progress\" of the rationalist mentality, and the need of creating new ways to overcome it. Lastly, from these case studies we propose a reflection about the possibility of importing those practices to a performative theater creation process, focusing, in the last part of this work, in experiments made by the researcher. It is important, nevertheless, to emphasize that the results from this study are not to be considered as a crystalized format for the performative playwright, on the contrary, this research aims to open new horizons for the invention of other ways to provoke, create and make emerge textualities for the stage.

Este estudo pretende usar conceitos relacionados a mídias de comunicação interativa e coletiva como ferramentas de análise e de proposição em um processo de criação dramatúrgica: um diagrama de peças potenciais que resultou no espetáculo Escuro. Em outras palavras, acompanhase o processo de criação do espetáculo, analisandoo através do transporte metafórico de conceitos propostos por Janet H. Murray ao descrever narrativas em ambiente virtual (imersão, agência e autoria procedimental) e comparandoo a outros dramaturgos contemporâneos que serviram de modelo à criação. A primeira parte deste texto trata do ambiente digital a partir principalmente das teorias de Janet H. Murray. A idéia é apontar terminologias particulares e descrever as principais características do ambiente digital, conceitos esses que serão utilizados como instrumentos de análise e metáforas para se falar de criação dramatúrgica. Na segunda parte, concretizase o transporte metafórico entre teatro e meio digital através de breves análises de fragmentos de dramaturgias contemporâneas que serviram de modelo à criação de Escuro, particularmente as excursões à linguagem cotidiana e as paisagens do francês Michel Vinaver; o texto híbrido, que transita entre a realidade e o lirismo, do argentino Federico Léon; e um registro cênico do Theatre de Complicitè. Chegamos a um terceiro momento e centro do trabalho quando, ao invés de usar conceitos do ambiente digital como ferramentas de leitura e análise, passase a utilizálos como ferramentas de proposição, ou seja, de escrita. Unindo a teoria apresentada à experimentação prática, descrevese o processo criativo do espetáculo Escuro. A pesquisa abrange não só a análise do texto teatral, mas também a análise de sua construção. Não se trata, é claro, da documentação de um espetáculo em fase de preparação, mas de uma reflexão teórica sobre um processo de criação. Por fim, é apresentado o mapa dramatúrgico criado em processo com a colaboração de dez atores e um possível agenciamento, isto é, uma possível organização do hipertexto dramático. / This study attempts to use concepts related to collective and interactive communication media as tools for analysis and proposition in a process of dramatic creation: a diagram of potential playwritings that resulted in the play Escuro. In other words, we follow the process of creating that play, analyzing it through the metaphorical transport of some concepts proposed by Janet H.Murray to describe narratives in virtual environment (immersion, agency and procedural authorship) and comparing it to other contemporary playwrights who have served as a model for the creation. The first part of this text deals with the digital environment, mainly from the theories of Janet H.Murray. The idea is to point out particular terminologies and describe the main features of the digital environment, these concepts will be used as analytical tools and metaphors to talk about creating drama. In the second part, we finalize the metaphorical transport between theater and digital media through brief analysis of fragments of contemporary dramaturgy that has served as a model for the creation of \"Escuro\", particularly excursions to the daily language and the landscapes of the Michel Vinaver; the hybrid text, which moves between reality and lyricism, of Federico Leon, and a textual record of a Theatre de Complicitès play. Then, we have reached a third time and the center of this work when, instead of using concepts of the digital environment for reading and analysis, we use them as tools of proposition, namely writing. Uniting the presented theory to the practice, the creative process of Escuro\" is described. The research covers not only the analysis of the theatrical text, but also the analysis of its construction. It is not, of course, the documentation of a performance in preparation, but a theoretical reflection on the process of creation. Finally, we present the map created in a dramaturgical process with the collaboration of ten actors and a possible agency, a possible organization to the dramatic hypertext.

Este estudo pretende usar conceitos relacionados a mídias de comunicação interativa e coletiva como ferramentas de análise e de proposição em um processo de criação dramatúrgica: um diagrama de peças potenciais que resultou no espetáculo Escuro. Em outras palavras, acompanhase o processo de criação do espetáculo, analisandoo através do transporte metafórico de conceitos propostos por Janet H. Murray ao descrever narrativas em ambiente virtual (imersão, agência e autoria procedimental) e comparandoo a outros dramaturgos contemporâneos que serviram de modelo à criação. A primeira parte deste texto trata do ambiente digital a partir principalmente das teorias de Janet H. Murray. A idéia é apontar terminologias particulares e descrever as principais características do ambiente digital, conceitos esses que serão utilizados como instrumentos de análise e metáforas para se falar de criação dramatúrgica. Na segunda parte, concretizase o transporte metafórico entre teatro e meio digital através de breves análises de fragmentos de dramaturgias contemporâneas que serviram de modelo à criação de Escuro, particularmente as excursões à linguagem cotidiana e as paisagens do francês Michel Vinaver; o texto híbrido, que transita entre a realidade e o lirismo, do argentino Federico Léon; e um registro cênico do Theatre de Complicitè. Chegamos a um terceiro momento e centro do trabalho quando, ao invés de usar conceitos do ambiente digital como ferramentas de leitura e análise, passase a utilizálos como ferramentas de proposição, ou seja, de escrita. Unindo a teoria apresentada à experimentação prática, descrevese o processo criativo do espetáculo Escuro. A pesquisa abrange não só a análise do texto teatral, mas também a análise de sua construção. Não se trata, é claro, da documentação de um espetáculo em fase de preparação, mas de uma reflexão teórica sobre um processo de criação. Por fim, é apresentado o mapa dramatúrgico criado em processo com a colaboração de dez atores e um possível agenciamento, isto é, uma possível organização do hipertexto dramático. / This study attempts to use concepts related to collective and interactive communication media as tools for analysis and proposition in a process of dramatic creation: a diagram of potential playwritings that resulted in the play Escuro. In other words, we follow the process of creating that play, analyzing it through the metaphorical transport of some concepts proposed by Janet H.Murray to describe narratives in virtual environment (immersion, agency and procedural authorship) and comparing it to other contemporary playwrights who have served as a model for the creation. The first part of this text deals with the digital environment, mainly from the theories of Janet H.Murray. The idea is to point out particular terminologies and describe the main features of the digital environment, these concepts will be used as analytical tools and metaphors to talk about creating drama. In the second part, we finalize the metaphorical transport between theater and digital media through brief analysis of fragments of contemporary dramaturgy that has served as a model for the creation of \"Escuro\", particularly excursions to the daily language and the landscapes of the Michel Vinaver; the hybrid text, which moves between reality and lyricism, of Federico Leon, and a textual record of a Theatre de Complicitès play. Then, we have reached a third time and the center of this work when, instead of using concepts of the digital environment for reading and analysis, we use them as tools of proposition, namely writing. Uniting the presented theory to the practice, the creative process of Escuro\" is described. The research covers not only the analysis of the theatrical text, but also the analysis of its construction. It is not, of course, the documentation of a performance in preparation, but a theoretical reflection on the process of creation. Finally, we present the map created in a dramaturgical process with the collaboration of ten actors and a possible agency, a possible organization to the dramatic hypertext.

Submitted by MARCOS NOGUEIRA GOMES null (marcosncv@hotmail.com) on 2017-07-17T21:45:59Z No. of bitstreams: 1 Marcos Nogueira Gomes.pdf: 1082427 bytes, checksum: 42234af9dad12dcdff68cf2d20eb4374 (MD5) / Approved for entry into archive by Luiz Galeffi (luizgaleffi@gmail.com) on 2017-07-19T16:53:29Z (GMT) No. of bitstreams: 1 gomes_mn_me_ia.pdf: 1082427 bytes, checksum: 42234af9dad12dcdff68cf2d20eb4374 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-07-19T16:53:29Z (GMT). No. of bitstreams: 1 gomes_mn_me_ia.pdf: 1082427 bytes, checksum: 42234af9dad12dcdff68cf2d20eb4374 (MD5) Previous issue date: 2017-06-19 / A proposta desta dissertação é analisar textos de dramaturgos contemporâneos paulistanos, entre os anos de 2005 e 2015, tendo em vista a relação entre texto e cena no interior dessas dramaturgias, identificando e refletindo sobre a presença de elementos incorporados de uma gramática cênica que evocam materialidades em suas estruturas textuais. A análise parte do debate sobre a mudança de status do texto ao longo do século XX, considerando o duplo movimento de emancipação do texto e da cena em relação à tutela do gênero dramático, o que configura novas possibilidades de escrita e encenação mais permissíveis entre si. Com base nas referências teóricas cotejadas no primeiro capítulo, cria-se uma grade de análise para o exame das dramaturgias selecionadas, com o objetivo de posicioná-las, no terceiro capítulo, entre dois polos: mythos e opsis – e posteriormente serem consideradas polaridades recorrentes entre dispositivos dramatúrgicos encontrados nos textos. O corpus desta dissertação, analisado no segundo capítulo, é composto por textos de autores vencedores do Prêmio Shell de Teatro em São Paulo na categoria de Melhor Autor no período de onze anos – até o início desta pesquisa. Este recorte é retomado no final do terceiro capítulo com o objetivo de estabelecer conexões entre o processo de legitimação de bens culturais por instâncias de consagração, segundo a conceituação do sociólogo Pierre Bourdieu, e as estruturas dramatúrgicas analisadas, pensando sobre os desdobramentos entre teoria e prática na contemporaneidade, bem como sobre a função do autor e da noção de autoria no contexto do novo status do texto teatral – e do lugar do dramaturgo – no processo de criação. / The purpose of this dissertation is to analyze texts written by contemporary playwrights from the city of São Paulo, between the years of 2005 to 2015, considering a relationship between text and the scene within the dramaturgies, identifying and reflecting on a presence of incorporated elements of a scenic grammar that evoke materialities in its textual structures. The analysis starts from the debate about the change in the state of the text throughout the twentieth century, considering the double movement of emancipation of the text and the scene in relation to the tutelage of the dramatic genre, which sets up new possibilities of writing and staging more permissible among themselves. Based on theoretical references in the first chapter, an analysis evaluation is created for the examination of selected dramaturgies, with the aim of positioning, in the third chapter, between two poles: mythos and opsis - and later considered recurrent polarities between devices found in the texts. The corpus of this dissertation, analyzed in the second chapter, is composed of texts by authors who won the Shell Prize of Theater in São Paulo in the category of Best Author in the period of eleven years - until the beginning of the research. This methodological cut is resumed at the end of the third chapter with the aim of establishing connections between the process of legitimation of cultural goods by instances of consecration, according to a conception of the sociologist Pierre Bourdieu, and the dramaturgical structures analyzed, on the unfolding between theory and practice in contemporaneity, as well as on the function of the author and the notion of authorship, in the context of the new state of the theatrical text - and in the place of the playwright - in the process of creation.

Este estudo tem como objetivo rever o modo de produção textual em processos de criação para a cena performativa. Partimos, assim, do seguinte problema: seria possível engajar o corpo na atividade de escrita? A fim de responder a essa pergunta, traçamos uma breve história do corpo e de sua relação com a escrita desde a modernidade, utilizando estudos de teóricos como Georges Vigarello e David Le Breton. O intuito é demonstrar que a visão cartesiana do homem cindido - em que mente e corpo são instâncias separadas - é uma construção histórica e que pode, portanto, ser questionada e combatida. Nossa hipótese é que processos de escrita que envolvam uma experiência corporal farão emergir textualidades que se efetivam em gestos e implicam em gestualidades. Ou seja, textos cuja compreensão não se dá apenas de forma racional, mental, mas que também atingem o leitor, ou o ouvinte, em sua materialidade corporal. Com o objetivo de verificar essa hipótese relacionamos, então, diversas práticas de escrita e as obras delas resultantes - processos e textualidades que analisamos à luz da noção de gesto, tal qual concebida pelo crítico literário Dominique Rabaté. Dentre os artistas estudados, modernos e contemporâneos, estão: Charles Baudelaire, André Breton, Georges Perec, Cao Guimarães e Myriam Lefkowitz. O estudo das obras desses autores acabou por revelar transformações históricas: a transformação da relação do homem com seu corpo, assim como a transformação dos espaços da vida cotidiana desses homens. Assim, as práticas empreendidas pelos artistas estudados servem para mostrar tanto o resultado do \"progresso\" da visão racionalista do mundo, quanto a necessidade da invenção de novas estratégias para superá-la. Por fim, a partir dos estudos de caso, refletimos sobre a possibilidade de transpor tais práticas corporais na criação de textos para obras cênicas performativas. Focamos, então, na última etapa do trabalho, em experimentos feitos pela própria pesquisadora. É importante salientar que os resultados obtidos não pretendem formalizar ou cristalizar um modelo para a dramaturgia performativa, pelo contrário, têm como intuito abrir novos horizontes para que se invente outras formas de provocar, criar e fazer emergir textualidades para a cena. / This study aims to reconsider the text production in performative theater\'s creative processes, dressing the following question: would it be possible to consider the practice of the body in the writing activity? Using studies from Georges Vigarello and David Le Breton, we retraced the history of the connections between body and writing, from modernity to contemporaneity, in order to prove that the separation between body and mind is a historical construction that can be questioned and fought. Our hypothesis is that performative processes, which engage the writer\'s body in an experience, will generate performative texts, which accomplish gestures. That is, texts that wouldn\'t have only a rational comprehension, but would also touch the reader, or listener, in his corporeality. With the objective of verifying this hypothesis we connected different writing practices and their results - processes and textualities analyzed under the concept of gesture, as conceived by the author Dominique Rabaté. The analysis of works from artists such as Charles Baudelaire, André Breton, Georges Perec, Cao Guimarães and Myriam Lefkowitz, showed the transformation in the relation between human beings and their bodies, as well as the transformation of the everyday life\'s environment. Thus, the study of these artists\' practices evidence the result of the \"progress\" of the rationalist mentality, and the need of creating new ways to overcome it. Lastly, from these case studies we propose a reflection about the possibility of importing those practices to a performative theater creation process, focusing, in the last part of this work, in experiments made by the researcher. It is important, nevertheless, to emphasize that the results from this study are not to be considered as a crystalized format for the performative playwright, on the contrary, this research aims to open new horizons for the invention of other ways to provoke, create and make emerge textualities for the stage.

O presente trabalho se interessa pelas formas de autorrepresentação e escrita autobiográfica tais quais elas vêm se apresentando em alguns exemplos significativos da cena teatral contemporânea. Seja dentro da vertente \"documental\", seja adotando nomenclaturas mais amplas como \"teatros do real\", proliferam as experiências em que os intérpretes em cena assumem a perspectiva autobiográfica. Desde Philippe Lejeune que sistematizou uma das primeiras pesquisas sobre o gênero até pesquisadores contemporâneos que trabalham sobre a noção de testemunho, temos abordagens diversas do que seriam as escritas do eu. Este trabalho busca tensionar a relação entre o par experiência e representação a partir do aporte fundamental da teoria literária - sobretudo a partir dos anos 1970, que pensa a representação autobiográfica associada à ideia de uma memória criativa - , e de disciplinas que tratam do problema da referencialidade como a história e a psicanálise. / The present research is interested in forms of self-representation and autobiographical writing as they have been presenting themselves in some significant examples found in contemporary theater scene. Rather as if in \"documentary\" style or adopting broader classifications, such as \"theater of the real,\" the experiments in which the performers on stage take an autobiographical perspective are proliferating more and more. Since Philippe Lejeune who first systematized the research on the genre, up to the contemporary researchers working on the notion of testimony, we have several approaches. This paper seeks to create a tension in the relationship between the pair: experience and representation, from the fundamental contribution of literary theory - especially since the 1970s, in which the autobiographical representation was very much associated with the idea of a creative memory - and also there are contributions from disciplines addressing the matter of referentiality, such as history and psychoanalysis.

Submitted by Ana Lúcia Moraes (analucia.moraes@mackenzie.br) on 2016-10-21T11:58:06Z No. of bitstreams: 2 Jorge Wilson da ConceiçãoP.pdf: 4542407 bytes, checksum: 6adb4d39afccb7cc5aa7f980976809ba (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Made available in DSpace on 2016-10-21T11:58:06Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Jorge Wilson da ConceiçãoP.pdf: 4542407 bytes, checksum: 6adb4d39afccb7cc5aa7f980976809ba (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Previous issue date: 2016-08-22 / Secretaria da Educação do Estado de São Paulo / Universidade Presbiteriana Mackenzie / This doctoral thesis describes and analyses four collaborative creative processes of dramaturgy by Grupo XIX de Teatro from Sao Paulo, namely: Hysteria, Hygiene, Marcha para Zenturo e Nada aconteceu, tudo acontece, tudo está acontecendo. The basis of this study are the concepts of collaborative process and polyphony, as a set of voices which resounds from a play. The goal was to investigate the hypothesis that there are three different polyphonic modus which characterizes the productions of the group. In order to confirm that, the study analyzed the contribution of the artists, the public, as well the researches of the group. Besides, it has mapped the writing strategies used by the group to create the play Nada aconteceu, tudo acontece, tudo está acontecendo (Nothing has happened, everything happens, everything is happening) in relation to Vestido de noiva (Wedding dress), by Nelson Rodrigues. In this case, the objective was to understand the relevance of the dialogue of the work by Nelson Rodrigues as a basis for the contemporary dramaturgy by Grupo XIX de Teatro. The final hypothesis concerns the ineffectiveness of labels like adaptation of or freely inspired by in the tentative of naming creative processes of complex nature. The research has interviewed two actors of the group and gathered other contributions from other artists of the group. Besides, the research has analized the texts of the plays, documents, videos, reviews and other writings upon them, as well as some records from our own observation as audience. The results have confirmed our hypothesis about the different polyphonic processes, stating that the ones which are totally based on collaboration present more evidence of polyphony. Regarding the process of retelling Vestido de noiva, it was found evidences of a totally original work created by the group. To complete, the study suggests that contemporary dramaturgy produced by many theater groups should be seen as a rhizomatic one, due to its complexity and the dialogue with a variety of literature genders and Art languages, as well as different authors / Esta tese de doutorado descreve e analisa quatro processos colaborativos de criação dramatúrgica do Grupo XIX de Teatro, da Cidade de São Paulo, a saber: Hysteria, Hygiene, Marcha para Zenturo e Nada aconteceu, tudo acontece, tudo está acontecendo. Para isso, o estudo partiu dos conceitos de colaborativo e de polifonia para investigar a hipótese de que há três modos polifônicos distintos nessas produções do grupo. Para confirmar isso, o estudo analisou a contribuição de atores e atrizes, do público e da pesquisa do grupo, bem como analisou as estratégias de escrita empreendidas pelo grupo para criar o espetáculo Nada aconteceu, tudo acontece, tudo está acontecendo a partir de Vestido de noiva, de Nelson Rodrigues. O objetivo foi entender qual a relevância da obra de Nelson para o teatro que se pratica hoje e a contribuição do Grupo XIX para o teatro contemporâneo a partir do diálogo com essa obra. Uma última hipótese deste estudo diz respeito a insuficiência de nomenclaturas, como adaptação e livre inspiração para nomear processos criativos de natureza complexa. O estudo realizou entrevistas com dois atores, além de contar com a contribuição de outros artistas do grupo. Além disso, foram analisados os textos das peças, documentos, vídeos e críticas sobre elas, bem como anotações de observações do espectador-pesquisador. Os resultados confirmaram a hipótese sobre os diferentes modos polifônicos, indicando que os processos de caráter exclusivamente colaborativo-coletivo apresentam maior incidência de polifonia do que aqueles que tiveram um dramaturgo envolvido na criação. Sobre o processo de releitura, constatou-se que o grupo conseguiu criar uma obra original a partir de uma peça clássica. E, por último, o estudo sugere que a dramaturgia contemporânea produzida pelo teatro de grupo da Cidade de São Paulo, seja pensada como rizomática, devido à sua complexidade e o diálogo com uma variedade de gêneros literários e linguagens artísticas, bem como diferentes autores

A presente dissertação reflete sobre a produção de dramaturgia contemporânea brasileira a partir do horizonte desvelado por duas obras em especial, Agreste, de Newton Moreno, e BR-3, de Bernardo Carvalho. O foco nos dois textos não anula o diálogo pertinente e necessário também com a esfera espetacular quando necessário. Através da ideia de deslocamento, analisamos, primeiramente, o devir errático associado às obras em duas instâncias; errar para além de sua própria esfera de gênero em busca do outro e do surgimento de novos de campos de subjetividade; errar como parte de uma demanda interna e estrutural através de personagens em constante movimento e da exploração de um Brasil longínquo e extenso. Em seguida, empenhados na investigação da atuação crítica de tais obras, tendo como hipótese sua relação não documental com o presente, analisaremos o tratamento da subjetividade na elaboração das personagens, e o tratamento da ideia de território. Para além da dualidade entre realidade e representação, descortina-se a possibilidade de narrativas imagéticas, ou seja, em que os espaços autorais e imaginários possuem grande importância. Tais considerações guiam, por último, o questionamento a respeito da dimensão política de tais obras, percorrendo, primeiramente, algumas divergências que marcam o chamado teatro político. / This work reflects on the production of Brazilian contemporary dramaturgy from the unveiled horizon by two works in particular: Agreste, by Newton Moreno, and BR-3, by Bernardo Carvalho. The focus on both texts does not annul the relevant and necessary dialogue with the spectacular realm when required. Through the idea of displacement we analyze first the erratic becoming associated with the works in two instances; err beyond their own sphere in search of others and the emergence of new fields of subjectivity; err as part of an internal and structural demand, characters in constant motion, exploring a distant and extensive Brazil. Then engaged in research the critical role of the works under the hypothesis of their non-documentary relationship with the present, we will examine the treatment of subjectivity in the development of the characters, and the treatment of the territory ideia. In addition to the duality between reality and representation, it becomes visible the possibility of imagery narratives, where the authorial and imaginary spaces are of great importance. Such considerations guide, lastly, the question about the political dimension of such works, browsing, first, some differences that mark the so-called political theater.

A presente dissertação reflete sobre a produção de dramaturgia contemporânea brasileira a partir do horizonte desvelado por duas obras em especial, Agreste, de Newton Moreno, e BR-3, de Bernardo Carvalho. O foco nos dois textos não anula o diálogo pertinente e necessário também com a esfera espetacular quando necessário. Através da ideia de deslocamento, analisamos, primeiramente, o devir errático associado às obras em duas instâncias; errar para além de sua própria esfera de gênero em busca do outro e do surgimento de novos de campos de subjetividade; errar como parte de uma demanda interna e estrutural através de personagens em constante movimento e da exploração de um Brasil longínquo e extenso. Em seguida, empenhados na investigação da atuação crítica de tais obras, tendo como hipótese sua relação não documental com o presente, analisaremos o tratamento da subjetividade na elaboração das personagens, e o tratamento da ideia de território. Para além da dualidade entre realidade e representação, descortina-se a possibilidade de narrativas imagéticas, ou seja, em que os espaços autorais e imaginários possuem grande importância. Tais considerações guiam, por último, o questionamento a respeito da dimensão política de tais obras, percorrendo, primeiramente, algumas divergências que marcam o chamado teatro político. / This work reflects on the production of Brazilian contemporary dramaturgy from the unveiled horizon by two works in particular: Agreste, by Newton Moreno, and BR-3, by Bernardo Carvalho. The focus on both texts does not annul the relevant and necessary dialogue with the spectacular realm when required. Through the idea of displacement we analyze first the erratic becoming associated with the works in two instances; err beyond their own sphere in search of others and the emergence of new fields of subjectivity; err as part of an internal and structural demand, characters in constant motion, exploring a distant and extensive Brazil. Then engaged in research the critical role of the works under the hypothesis of their non-documentary relationship with the present, we will examine the treatment of subjectivity in the development of the characters, and the treatment of the territory ideia. In addition to the duality between reality and representation, it becomes visible the possibility of imagery narratives, where the authorial and imaginary spaces are of great importance. Such considerations guide, lastly, the question about the political dimension of such works, browsing, first, some differences that mark the so-called political theater.