Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão. Programa de Pós-Graduação em Letras/Inglês e Literatura Correspondente. / Made available in DSpace on 2012-10-20T21:32:30Z (GMT). No. of bitstreams: 1 191119.pdf: 1116283 bytes, checksum: 1c025fb56f4b4cbf5b45f2d61f6584c1 (MD5) / James B. Twitchell sugere que a arte do horror se desenvolve no momento de insegurança comunal. E este é o caso dos monstros ingleses do fim de século, que apareceram no momento de profundo questionamento da cultura da sociedade vitoriana (50). Os fantasmas de The Turn of the Screw podem ser incluídos nesse grupo, já que expressam um discurso anti-hegemônico que se opõe ao discurso da governanta, que é submetido ao discurso hegemônico e patriarcal do mestre. Minha hipótese é que a novela ilustra o confronto dessas

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Faculdade de Comunicação, Programa de Pós-graduação em Comunicação, 2015. / Submitted by Fernanda Percia França (fernandafranca@bce.unb.br) on 2016-01-21T19:26:21Z No. of bitstreams: 1 2015_ViníciusdeAraújoBarreto.pdf: 4301155 bytes, checksum: 867ea331be8b692677b4121ab6446413 (MD5) / Approved for entry into archive by Guimaraes Jacqueline(jacqueline.guimaraes@bce.unb.br) on 2016-05-03T14:23:03Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2015_ViníciusdeAraújoBarreto.pdf: 4301155 bytes, checksum: 867ea331be8b692677b4121ab6446413 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-05-03T14:23:03Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2015_ViníciusdeAraújoBarreto.pdf: 4301155 bytes, checksum: 867ea331be8b692677b4121ab6446413 (MD5) / Esta dissertação tem como objetivo estudar de que diferentes maneiras se modula a produção de sentidos na trilogia de filmes do diretor Pablo Larraín sobre a ditadura vivida pelo Chile entre 1973 e 1990: Tony Manero (2008), Post mortem (2010) e No (2012). Para tanto, assume como dado que é a partir da camada narrativa dos filmes que tais sentidos vêm à tona. Assim, procura-se, no marco teórico, estabelecer uma discussão sobre as imagens, a narração e a representação, colocando temas caros a tal debate, como a relação de identificação e distanciamento que o espectador estabelece para com o espetáculo cinematográfico. O método da análise fílmica compreende os longas-metragens enquanto um espaço de comunicação, em que se configuram diferentes relações entre o autor e o espectador. Tal relação é a própria condição de produção dos sentidos, na medida em que esses se dão no entrecruzamento entre a autoria e a espectatorialidade. Nossas conclusões apontam para: a dominância da alegoria em Tony Manero, com a veiculação de sentidos desambiguados por uma marcada instância autoral; o distanciamento e o uso paramétrico da decupagem, em Post mortem, gerando uma opacidade na produção de sentidos; e a abertura de um espaço de dissenso em torno da interpretação de No, pelo emprego da ironia e do pastiche. / This dissertation aims to study in which different ways the production of meaning in the film trilogy of the director Pablo Larraín on Chile’s dictatorship – Tony Manero (2008), Post mortem (2010) and No (2012) – is modulated. Therefore, it assumes that it is from the narrative layer of the films that such senses come to the fore. Based on the theoretical framework, it looks for establishing a discussion on images, narration and representation, placing themes most relevant to the debate, such as the relationship of identification and distancing that the viewer establishes with the cinematographic spectacle. The method of film analysis comprehends feature films as a space of communication, where different relations between the author and the viewer are engaged. Such relationships are the very condition of the production of the senses, as they occur in the intersection between authorship and spectatorship. Our findings point to: the dominance of allegory in Tony Manero, with the placement of senses disambiguated by a marked authorial instance; the distancing and the parametric use of découpage in Post mortem, generating an opacity in the production of senses; and the opening of a dissent space around the interpretation of No, by the use of irony and pastiche.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Faculdade de Comunicação, Programa de Pós-Gradução em Comunicação Social, 2013. / Submitted by Albânia Cézar de Melo (albania@bce.unb.br) on 2013-05-02T15:43:25Z No. of bitstreams: 1 2013_PatriciaColmeneroMoreiraAlcantara.pdf: 2642180 bytes, checksum: 285d75729af4201e3437f6703cdb6d10 (MD5) / Approved for entry into archive by Guimaraes Jacqueline(jacqueline.guimaraes@bce.unb.br) on 2013-05-03T12:28:05Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2013_PatriciaColmeneroMoreiraAlcantara.pdf: 2642180 bytes, checksum: 285d75729af4201e3437f6703cdb6d10 (MD5) / Made available in DSpace on 2013-05-03T12:28:05Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2013_PatriciaColmeneroMoreiraAlcantara.pdf: 2642180 bytes, checksum: 285d75729af4201e3437f6703cdb6d10 (MD5) / O amor é um dos assuntos mais recorrentes em todas as formas artísticas. Escritores, artistas e diretores se debruçaram sobre ele, como assunto e como musa. Diante de uma sociedade que abandonou antigos padrões, rompendo com casamentos, inaugurando novas aventuras sexuais e questionando que tipos de relação gostariam de viver, este trabalho investigou o panorama das relações amorosas no cinema contemporâneo. Para tanto, utilizou noções de Gilles Deleuze e partiu da crise da imagem-ação e do rompimento com o cinema narrativo clássico para examinar o cinema atual diante das características da imagem-tempo. Tendo imperado um cinema romântico do happy end até os anos 60, questionamos qual o amor que surgiu a partir desse momento. Os caminhos em busca dessa resposta foram traçados pelos estudos teóricos sobre o amor, os afetos e o cinema e por meio de análise fílmica de quatro filmes principais: “Uma mulher é uma mulher” (1961), de Jean-Luc Godard; “A Bela Junie” (2008), de Christophe Honoré; “Um lugar qualquer” (2010), de Sofia Coppola e “Os sonhadores” (2003), de Bernardo Bertolucci. ______________________________________________________________________________ ABSTRACT / Love is one of the most recurrent subject in all art forms. Writers, artists and directors have looked upon it as a theme and as a muse. Faced with a society that abandoned old patterns, breaking marriages, opening new sexual adventures and wondering what kind of relationship they would like to live, this study investigated the panorama of love relationships in contemporary cinema. For this purpose, we used concepts of Gilles Deleuze and started with the crisis of the action-image and break with the classical narrative cinema to examine the current cinema on the characteristics of the time-image. Having reigned a romantic cinema with happy ending stories, until the 60s, we questioned the love that emerged from that time on. The paths in search of this response were outlined by theoretical studies about love, affections and film and film analysis through four major films: "A woman is a woman" (1961), by Jean-Luc Godard, "La belle personne" (2008), by Christophe Honoré, "Somewhere"(2010), by Sofia Coppola's and "The dreamers" (2003), by Bernardo Bertolucci.

Made available in DSpace on 2014-06-12T18:05:48Z (GMT). No. of bitstreams: 2 arquivo496_1.pdf: 16690677 bytes, checksum: fce1325d535479c5f91eb1ea86d9af51 (MD5) license.txt: 1748 bytes, checksum: 8a4605be74aa9ea9d79846c1fba20a33 (MD5) Previous issue date: 2010 / Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico / Compreendendo o lugar como a porção do espaço estruturado e ordenado, constituído a partir das experiências dos seres humanos; e o bairro como uma realidade material a partir da qual se torna possível compartilhar a existência do lugar, a presente dissertação procura desvendar e analisar as relações que individualizam o bairro de Água Fria no contexto da cidade do Recife. Unidade urbana imbuída de sintomáticos enredos, conceituados como determinados conjuntos de experiências comuns e intrínsecas do bairro, responsáveis pelas ocasiões mais propícias ao envolvimento mútuo das pessoas, e, por conseguinte, pelo pulsar mais intenso da vida local. É a conversa e o jogo de cartas e dominó na calçada, o encontro na padaria no final da tarde, na feira livre ou no mercado público, a festa do padroeiro, a folia de momo, os rituais do terreiro de xangô... Práticas comuns que revelam a trama de relações de Água Fria, e que permitem demarcar com maior precisão seu coração simbólico caracterizado pela concentração dos principais pontos de encontro da população (a igreja, o mercado, a feira livre e etc.). Também entendidos como verdadeiros abrigos ou refúgios de laços identitários, que regem a experiência do morador e lhes possibilita perceber a fluidez e as coisas comuns do lugar. Daí que se apreende as particularidades da vivência local, e, doravante, a personalidade do bairro, que outrora chamava-se Chapéu do Sol devido uma antiga estação de trem ali existente no limiar do século XX

Orientador: Paulo César Andrade de Silva / Banca: Elizabete Sanches Rocha / Banca: Valteir Benedito Vaz / Resumo: O presente estudo tem como objetivo analisar a alegoria e a carnavalização no drama épico O santeiro do Mangue: mistério gozoso em forma de Ópera (2012), assim como a multiplicidade de vozes que, por meio de contradições, saltos e fragmentos, subvertem os ensinamentos didático-pedagógicos cristãos que estão inseridos na formação da sociedade brasileira desde o início da catequese. O autor pretende um teatro de massas, em que a carnavalização e a alegoria convivem em duplicidade, ou de forma dialética, como instrumentos de revelação do pensamento autoral. Se por um lado temos o clima de festa e o riso ambivalente trazendo cenas carnavalizantes, temos, por outro, a revelação melancólica que traz os ecos da modernidade para a obra. Tanto uma quanto a outra são estratégias discursivas que inserem o texto no contexto de sua produção. O messianismo, tão criticado por Oswald de Andrade em sua tese A crise da filosofia Messiânica, está também presente na obra, pois, de uma forma dialética e contraditória, as vozes dos subalternos esperam por uma salvação, porém ela não vem dos céus, mas do mundo concreto, vem do aspecto político. Por meio da busca utópica do Matriarcado de Pindorama a antropofagia deglute a velha sociedade em termos estéticos e políticos. Desse modo, podemos pensar que não existe a ruptura com todos os messianismos, mas apenas a substituição de um por outro, ou, como na tese do autor: o messianismo religioso pelo messianismo político, que seriam as duas faces da mesm... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo) / Abstract: The present study aims to analyze the allegory and the process of turning human actions into a 'carnival' in the epic drama O santeiro do Mangue: a luxurious mystery novel structured as an opera (2012) with multiple voices, that by means of contradictions, jumps and fragments, subverts the Christian didactic-pedagogical practices that constitute the values of Brazilian society since catechism. The author intends to create a popular theater where carnival and allegory coexist in duplicity, or dialectically in the work as instruments of authorial thoughts revelations and if on the one hand we have the atmosphere of partying and ambivalent laughter bringing carnival scenes, on the other hand we face the melancholic revelation that brings the echoes of modernity to the work. Both are discursive strategies that insert the text into the context of its production. Messianic believes, so criticized by Oswald de Andrade in his thesis 'A crise da filosofia Messiânica' (The Crisis of Messianic Philosophy), are also present in the work, as in a dialectical and contradictory way the subalterns voices hope for salvation, does not come from heaven but from concrete world, the political side. Through the search of the utopian 'Matriarcado de Pindorama' anthropophagy swallows the old society in aesthetic and political terms. Thus, one could think there is no rupture with all messianic believes, but only the substitution of one for another, or as in the author's thesis: messianic religion for ... (Complete abstract click electronic access below) / Mestre

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão. Programa de Pós-Graduação em Literatura. / Made available in DSpace on 2013-07-16T02:35:07Z (GMT). No. of bitstreams: 1 224232.pdf: 700627 bytes, checksum: 3aacfa0872cd1cc443f925a3ed22a557 (MD5) / Entre os anos de 2001 e 2002, com a telenovela O Clone, transmitida pela Rede Globo de televisão no chamado horário nobre, o debate sobre clonagem deixou a Academia e ganhou os espaços públicos, invadiu a vida do cidadão comum. Esta inserção nos espaços públicos, motivando discussões e posições frente à clonagem, demonstra que embora a telenovela seja um produto da cultura de massa, pode desencadear o debate público de temas importantes para o desenvolvimento social. Durante mais de oito meses a população brasileira acompanhou o drama, as aflições e as conseqüências da clonagem de um ser humano. A problemática deste estudo concentrou-se na análise de como a temática da clonagem foi trabalhada no enredo da telenovela escrita por Glória Perez. Partindo desta problemática, a pesquisa teve como objetivo principal analisar como foi trabalhada a temática da clonagem no enredo de O Clone. Como objetivos específicos, foram verificados: o encadeamento das partes constitutivas do enredo de O Clone (apresentação, desenvolvimento, clímax e desfecho); a caracterização dos personagens principais da trama envolvendo a temática da clonagem (Albieri, Diogo,Lucas, Léo); distinguidas as "falas reais" das falas fictícias frente ao tema da clonagem. A análise concentrou-se nos personagens Lucas, Diogo, Albieri e Léo e, indiretamente, Jade, Leônidas e Ali, uma vez que o foco de análise foi justamente a inserção da temática da clonagem no enredo. A partir da caracterização desses personagens, suas falas e atuação, fez-se então a reflexão sobre as "soluções narrativas" adotadas por Glória Perez, verificando de que modo o discurso científico entrou na novela, onde ocorreu a junção entre a ficção científica e a divulgação da ciência.

Orientador: Luciane de Paula / Banca: Maria da Penha Casado Alves / Banca: Rosineide de Melo / Resumo: Este trabalho se volta à análise discursiva do curta metragem francês La Majorité Opprimée, dirigido por Eleonore Pourriat e lançado da rede social Youtube em 2010. A obra selecionada como corpus desta pesquisa explora as relações entre os gêneros masculino e feminino a partir da inversão das performances de gêneros na sociedade contemporânea. A inversão que embasa a narrativa critica e ironiza a desigualdade de gêneros naturalizada nessas relações no mundo contemporâneo, em específico, a sociedade francesa do século XXI. Ao destacar a inversão e a ironia da obra como objetos de análise, nos aprofundamos no estudo dos estereótipos de feminilidade e masculinidade representados em La Majorité Opprimée, bem como nos voltamos à análise da crítica ao patriarcado que é feita no curta a partir da inversão das performances de gênero. O aprofundamento dessas questões leva em consideração a constituição histórica dos gêneros masculino e feminino, que se articula, ao longo do texto, com a contextualização dos sujeitos masculino e feminino sob um olhar cultural ao longo da história. O trabalho se fundamenta nas materialidades verbivocovisuais que compõem o enunciado em questão, com base teórica nos estudos do Círculo de Bakhtin sobre enunciado, signo ideológico, sujeito, dialogia e gênero discursivo, além de ter como referência escritos de Judith Butler e Simone de Beauvoir. A partir do arcabouço teórico bakhtiniano, olhamos para os sujeitos semiotizados na obra como representações dos s... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo) / Abstract: This work turns to the discursive analysis of the french short film La Majorité Opprimée, directed by Eleonore Pourriat and released on the social network Youtube. The video selected as corpus of this research explores the female and male gender relations from the inversion of the gender performance in the contemporary society. This inversion that bases the critical narrative and ironizes the gender inequality naturalized in this relations in the contemporary world, in specific, the twenty-first french society. By hightlitening the inversion and irony in the video as the object of the analysis, we go deeper in the studies of femininity and masculinity stereotypes represented in La Majorité Opprimée, and we turn to the analysis of the patriarchy critical that is made in the short movie from the gender performance inversion. The dedication to this problems consider the male and female gender historical constitution, that is articulated to the cultural and historical contextualization throughout the history. This work is fundamented in the verbocovisual materialities that are part of the enunciate analyzed, with theoretical basis in the Bakhtin Circle studies about enunciate, ideological sign, subject, dialogy and discursive gender, in addition to references from Judith Butlers and Simoe de Beauvoir studies. From the bakhtinian base, we consider the subjects semiotized in the video as male and female representation from the contemporary world, and we understand them as historica... (Complete abstract click electronic access below) / Mestre

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Faculdade de Comunicação, 2009. / Submitted by Jaqueline Ferreira de Souza (jaquefs.braz@gmail.com) on 2010-06-22T17:26:17Z No. of bitstreams: 1 2009_KarinaGomesBarbosa.pdf: 1145067 bytes, checksum: b9756178275abf8f50ac5d8cdb6396fe (MD5) / Approved for entry into archive by Daniel Ribeiro(daniel@bce.unb.br) on 2010-06-22T18:26:53Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2009_KarinaGomesBarbosa.pdf: 1145067 bytes, checksum: b9756178275abf8f50ac5d8cdb6396fe (MD5) / Made available in DSpace on 2010-06-22T18:26:53Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2009_KarinaGomesBarbosa.pdf: 1145067 bytes, checksum: b9756178275abf8f50ac5d8cdb6396fe (MD5) Previous issue date: 2009-03 / A partir de um histórico do amor no Ocidente e de discursos teóricos produzidos contemporaneamente, a pesquisa busca criar uma tipologia amorosa e fazê-la dialogar com uma série de filmes de amor produzidos em Hollywood entre as décadas de 1970 e 2000. O principal objetivo do trabalho é buscar os conceitos e imagens de amor representados no cinema a partir do estruturalismo e das teorias da narrativa, que trabalham com o estabelecimento de modelos ou sistemas. O trabalho é ancorado ainda na compreensão de como o cinema ressignifica esses discursos e práticas amorosos ou se apropria deles para erigir uma idéia de amor baseada em valores e regras sócio-culturais relativos à família e ao casamento, por exemplo. _________________________________________________________________________________ ABSTRACT / From a history of love in the Occident and from contemporary theoretical discourses, this research aims to create a love typology and engage it in dialogue with some love movies produced in Hollywood between the decades 1970 and 2000. The analysis main goal is to try to find the concepts and images of love on the cinema, based on structuralism and theories of narrative, which work with models or systems of analysis. The thesis is also funded in the comprehension of how the cinema resignifies these love discourses and practices or takes them up to build an idea of love based on social and cultural values and rules related to family and marriage, for instance.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Departamento de Teoria Literária e Literatura, 2011. / Submitted by Shayane Marques Zica (marquacizh@uol.com.br) on 2011-09-30T18:40:30Z No. of bitstreams: 1 2011_MariadoSocorroAguiarPontes.pdf: 953370 bytes, checksum: 791cde1732c79271117a0835a44e4045 (MD5) / Approved for entry into archive by LUCIANA SETUBAL MARQUES DA SILVA(lucianasetubal@bce.unb.br) on 2011-10-04T16:49:22Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2011_MariadoSocorroAguiarPontes.pdf: 953370 bytes, checksum: 791cde1732c79271117a0835a44e4045 (MD5) / Made available in DSpace on 2011-10-04T16:49:22Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2011_MariadoSocorroAguiarPontes.pdf: 953370 bytes, checksum: 791cde1732c79271117a0835a44e4045 (MD5) / A presente dissertação trata de como o cinematográfico e também o não-cinematográfico convergem para a poeticidade da obra em análise. No primeiro capítulo, procuro trazer à baila os conceitos atinentes à linguagem cinematográfica; no segundo, estabeleço uma definição do cinema de poesia a partir de teóricos como Pier Paolo Pasolini e Luis Buñuel e, por fim, faço uma análise interpretativa de Filme de amor de Julio Bressane, à luz das teorias trabalhadas nos dois primeiros capítulos e também de três obras de Gaston Bachelard, quais sejam, Aágua e os sonhos, A poética do espaço e A poética do devaneio. Teço uma argumentação demonstrando em que medida Filme de amor se aproxima e se dista do conceito de cinema poético, de modo que a obra em análise acaba por ampliar e conferir novos matizes a este. _______________________________________________________________________________ ABSTRACT / This dissertation deals with the way the cinematographic and also the non-cinematographic converge to the poetics of the movie called Filme de amor (2003) by Julio Bressane. In the first chapter, I try to show the concepts related to cinematographic language; in the second chapter, I establish a definition of poetic cinema regarding theorists such as Pier PaoloPasolini, Luis Buñuel; and, finally, in the third chapter, I make an interpretative analysis of Filme de amor. To do so, I, also, take for granted three works by Gaston Bachelard, namelyWater and Dreams, The poetics of space and The poetics of the reverie. I pose an argument demonstrating that Filme de amor is close to the concept of poetic cinema, so that Bressane’s work gives new nuances to this concept.

Dissertação (mestrado)-Universidade de Brasília, Faculdade de Comunicação, Programa de pós-graduação em Comunicação, 2010. / Submitted by Jaqueline Ferreira de Souza (jaquefs.braz@gmail.com) on 2011-05-09T00:32:03Z No. of bitstreams: 1 2010_MichaelPeixoto.pdf: 8954661 bytes, checksum: 6dc65cafded412927c96dc0f9a4870a3 (MD5) / Approved for entry into archive by Jaqueline Ferreira de Souza(jaquefs.braz@gmail.com) on 2011-05-09T00:32:44Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2010_MichaelPeixoto.pdf: 8954661 bytes, checksum: 6dc65cafded412927c96dc0f9a4870a3 (MD5) / Made available in DSpace on 2011-05-09T00:32:44Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2010_MichaelPeixoto.pdf: 8954661 bytes, checksum: 6dc65cafded412927c96dc0f9a4870a3 (MD5) / O presente estudo teve como objetivo remontar o percurso histórico do conceito de autoria cinematográfica a partir da noção de circuito autoral estabelecido entre diretor e receptor e tendo como eixo central a obra audiovisual. Para tanto, buscou-se aprofundar nas múltiplas leituras e adaptações que o conceito sofreu no decorrer da história do cinema, centrando o foco em três principais momentos: a nouvelle vague (enquanto tentativa de transpor para a prática os pressupostos da “política dos autores”), o cinema novo brasileiro (que adaptou o conceito de autoria do cenário europeu para o contexto brasileiro) e o “cinema de poesia” (o manifesto pasoliniano no qual o autor era a figura central). Priorizando a obra como fonte autoral, a pesquisa, de abordagem reflexiva e exploratória, investiga as estruturas proposicionais da mise-en-scène que atravessam todos os processos do filme na tentativa de transpor um pensamento para as telas e refletir sobre a multiplicidade do pensar, fazer e experienciar cinema. _________________________________________________________________________________ ABSTRACT / The present study aims at tracing the historical background of the concept of cinematographic authorship from the notion of “authorial circuit” which is established between director and receiver, having the audiovisual work as a centerpiece. This is why, we dug into multiple readings and adjustments of the concept in the course of film history, focusing on three important moments - the nouvelle vague (as an attempt to put into practice the assumptions of the “authors´ politics”), the Brazilian New Cinema (which adapted the authorship’s conception from the European scene into the Brazilian context) and the "poetic cinema" (the ‘pasolinian’ manifest, in which the author was the central figure), in order to put it into perspective for contemporary usage. Prioritizing the cinematographic work as a source or authorship, the research itself is more reflective and exploratory than conclusive ones, it investigates the propositional structures of mise-en-scene, going through all the processes of the film in an attempt to put all thoughts into the screen and reflects about the multiplicity of thinking, doing and experiencing cinema.