El desarrollo de esta Tesis aborda la obra cinematográfica de Lucrecia Martel en el marco de la cultura contemporánea argentina, definiendo a la cineasta como autora e intelectual de la imagen. Para ello, se propone por un lado, un análisis crítico de las estructuras estético narrativas que los films proponen, y se analizan las problemáticas emergentes en su lenguaje, relacionadas con las representaciones de la memoria histórico-cultural, los procesos socio políticos, los imaginarios y las sensibilidades sociales. Por el otro, se formula la pregunta en torno al mundo cinematográfico que construye la cineasta dentro del contexto comunicacional actual, con la promulgación y constitucionalidad de la Ley de Servicios de Comunicación Audiovisual (26.522) y que implicancia tiene en el proceso de conocimiento e identidad a través de los medios artístico – comunicativos, siendo su cine el resultado de una matriz cultural argentina y latinoamericana. Ambos ejes, se ponen en tensión y en diálogo para ubicar no solo la profundidad del cine de Martel, sino la complejidad de abordar el campo audiovisual como un lenguaje con características propias, que se constituye como una propuesta estética, política y cultural, que relaciona el presente con el pasado, que valoriza la construcción de mundos sensibles, y que pretende vivenciar y experimentar procesos identitarios, reales, simbólicos e imaginarios.

[pt] A tese propõe uma reflexão sobre a correspondência publicada do poeta Paulo Leminski (1976-1981) e o ciclo de biografias produzidas por ele entre os anos de 1983 e 1986. No quadro histórico-cultural das décadas de 1970 e 1980, o poeta realiza, por meio dessas duas práticas discursivas, um trabalho de desconstrução dos valores hegemônicos, tanto estéticos como epistemológicos. A leitura das cartas, organizadas no volume Envie meu dicionário, pelo poeta- destinatário e amigo de Paulo Leminski, Régis Bonvicino, e das biografias do volume VIda tem por objetivo acompanhar o percurso de subjetivação estético-literária do poeta. Tanto na correspondência quanto nas biografias sobressai um processo híbrido de construção textual, resultante das negociações entre matrizes populares, eruditas e midiáticas. A interpretação das cartas e das biografias utiliza-se da leitura de outros textos do escritor - poemas, crônicas, ensaios, resenhas, artigos de jornal, depoimentos - num amplo diálogo intertextual que assume, nesta tese, o estatuto de lugar teórico. O cenário textual da correspondência e das biografias sustenta a relação entre arte e vida, projeto estético e projeto político, e oferece traços para a composição de um autoretrato do escritor e intelectual, sob a forma de fragmentos. / [en] This dissertation proposes a reflection on the published correspondence (1976-1981) of the poet Paulo Leminski (1944- 1989) and the cycle of biographies he produced from 1983 to 1986. In the literary-cultural context of the 1970s and 80s, Leminski carried out, by means of these two discursive practices, the deconstruction of hegemonic aesthetic and epistemological values. The reading of the letters included in Envie meu dicionário, edited by the poet Régis Bonvicino, Paulo Leminski s friend and correspondent, and the biographies in the volume Vida, covers Leminski s process of aesthetic-literary subjectivization. A hybrid process of textual construction resulting from negotiations between low, high and media matrices is apparent in the correspondence as well as in the biographies. The interpretation of the letters and the biographies also relies on other texts by Leminski - poems, newspaper columns, essays, reviews, articles, interviews - in a wide-ranging intertextual dialogue that takes on, in this thesis, the status of theory. The textual context of the correspondence and the biographies supports the relation between art and life, aesthetic project and political project, and offers material for a selfportrait of the writer and intellectual in the form of fragments.

[pt] As formas de produção produção e consumo do pós -fordismo, sob o signo da multidão, assumiram um caráter e uma configuração imateriais. O esforço empreendido pela pela presente tese é o de discutir os aspectos linguísticos desta desta transformação e refletir sobre o papel da moda e das artes para a constituição dos regimes sensíveis de legibilidade. / [en] The forms forms of production and consumption of post-fordism, fordism, fordism, under the sign of the multitude, took on an immaterial character and configuration. The effort undertaken by this thesis is to discuss the linguistic aspects of this this transformation and reflect on the role of fashion and the arts in the constitution of sensitive legibility regimes.

[pt] A presente dissertação traz uma pesquisa acerca da moral evangélica que contempla o vestuário feminino como um importante elemento de distinção social. A partir da etnografia realizada em igrejas evangélicas na região metropolitana do Rio de Janeiro, procurei observar de que forma as subjetividades se manifestam nos discursos e como experiências religiosas e culturais operam nos distintos modos de vestir-se, performar-se e julgar o belo. Disso resulta que, entre o juízo de gosto e as práticas do vestir, há operações de agenciamento em que as mulheres investem na construção de uma identidade visual personalizada sem contrapor a moral evangélica, mas também evidenciando as múltiplas formas sobre como essas normas são incorporadas. Neste sentido, o diálogo entre os mecanismos de distinção e as relações entre performatividade e materialidade constroem uma ética corporal e comunal, contribuindo para o entendimento da regulação e inscrição desses corpos femininos, portadores de significados sociais. / [en] The present work brings a research about the gospel morality, which includes women s clothing as an important element of social distinction. From the ethnography in evangelical churches in the metropolitan region of Rio de Janeiro, I tried watching how the subjectivities are manifested in speeches and how religious and cultural experiences operating in distinct ways of dress up perform and judge the beautiful. It follows that between the judgement of taste and practices of dressing there are agency operations where women invest in constructing a personalized visual identity without opposing the evangelical morality, but also showing the multiple ways on how these norms are incorporated. In this sense, the dialogue between distinction mechanisms and the relations between performativity and materiality build a corporal and communal ethics, contributing to the understanding of the regulation and registration of these female bodies carrying social meanings.

Made available in DSpace on 2016-05-17T16:51:26Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2015-08-24. Added 1 bitstream(s) on 2016-05-17T16:55:02Z : No. of bitstreams: 1 000864541_20180910.pdf: 179947 bytes, checksum: 95effaa0d940a112633041873f772fc2 (MD5) / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) / Esta tese propõe que todas as peças escritas por Oscar Wilde (1854-1900), a saber: Vera or, The Nihilists (1880), The Duchess of Padua (1883), Lady Windermere's Fan (1892), Salomé (1892), A Woman of No Importance (1894), An Ideal Husband (1895) e The Importance of Being Earnest (1895), podem ser analisadas de acordo com a perspectiva teórica de base estética da qual Wilde foi um dos expoentes maiores. O embasamento teórico-crítico de tal análise consiste dos ensaios críticos de Wilde ‗The Truth of Masks' (1885), ‗The Decay of Lying' (1889), ‗Pen, Pencil and Poison' (1889) e ‗The Critic as Artist' (1890), que foram posteriormente compilados em seu livro Intentions (1891). O presente estudo tem seus alicerces em minha dissertação de mestrado intitulada Oscar Wilde: teoria e prática, defendida em abril de 2011. Nessa dissertação, a peça The Importance of Being Earnest foi analisada sob essa mesma ótica e permitiu a compreensão da coerência entre a teoria e a prática de Oscar Wilde, uma vez que, nos resultados que foram obtidos, pode-se perceber que os elementos estruturais da peça, bem como seus elementos linguísticos, contêm veios estéticos profundos. Dessa maneira, o trabalho aqui desenvolvido averigua se a transposição da teoria em prática se dá em toda a composição dramática de Wilde ou se The Importance of Being Earnest é apenas um caso específico e isolado. Uma vez provada que a coerência wildeana se mantém, foi instaurado, então, um questionamento sobre a medida em que sua composição dramática está associada às suas próprias ponderações estéticas / This doctoral thesis proposes that all the plays written by Oscar Wilde (1854 - 1900), namely Vera or, The Nihilists (1880), The Duchess of Padua (1883), Lady Windermere's Fan (1892), Salomé (1892), A Woman of No Importance (1894), An Ideal Husband (1895) and The Importance of Being Earnest (1895), can be analysed according to the aesthetic theoretical perspective of which Wilde was one of the major exponents. The theoretical basis for the analysis is to be found in Wilde's critical essays, ‗The Truth of Masks' (1885), ‗The Decay of Lying' (1889), ‗Pen, Pencil and Poison' (1889) and ‗The Critic as Artist' (1890), which were later published in Intentions (1891). The present study has its foundations in my MA dissertation, Oscar Wilde: teoria e prática, concluded in April 2011. In that work, Wilde's play The Importance of Being Earnest was analysed from the same perspective, which made it possible to perceive the consistency between Oscar Wilde's theory and practice, as the results proved that both the structural and the linguistic elements of the play contain deep aesthetic features. The work developed here is thus intended to verify whether the transposition from theory to practice occurs in Wilde's dramatic work as a whole, or whether The Importance of Being Earnest is a specific and isolated case. Since it was possible to demonstrate that Wilde's plays are indeed consistent with his aesthetic principles, the study goes on to investigate the extent to which his dramatic composition may be associated with his own aesthetic precepts

[pt] O tema da autoria docente permanece atrelado a um viés instrumental, relacionado à educação a distância ou à atuação do professor para o uso das tecnologias ou elaboração de material didático. O foco da presente pesquisa recai então sobre a autoria enquanto ato ético-estético, sobretudo a autoria de textos poéticos enquanto produção artística e literária. Este trabalho tem como objetivo investigar o que revelam as narrativas de um grupo de professores a respeito de sua constituição enquanto professores poetas e que elementos de reflexão seus textos e narrativas podem fornecer para se pensar sobre a autoria e a poesia na escola. Busca-se verificar que concepções de poesia os professores poetas pesquisados trazem consigo e conhecer como a poesia se faz presente na prática docente desses professores, bem como identificar experiências com a poesia que afetaram os sujeitos pesquisados e que podem servir de reflexão para se pensar sobre a autoria e a poesia na escola. Mikhail Bakhtin constitui o principal referencial teórico-metodológico deste estudo. As reflexões desenvolvidas pelo filósofo da linguagem, especialmente os temas voltados a uma filosofia da alteridade, compõem o fundamento basilar e orientam o percurso teóricometodológico adotado na investigação. Outros autores cujas reflexões amparam este estudo são Paul Celan, Cristóvão Tezza, Roland Barthes, Michel Foucault, Roger Chartier, Sir Ken Robinson. A pesquisa, de cunho qualitativo, ancora-se em uma metodologia marcada pelo viés narrativo, em que sujeito pesquisado e pesquisadora narram suas experiências a fim de construir sentidos em uma teia de significados que, coletivamente, vai se (entre) tecendo por meio das narrativas e poemas dos sujeitos constituintes do estudo, como uma rede. Os dados da pesquisa foram coletados a partir de dois principais procedimentos metodológicos: questionários online e narrativas autobiográficas, em uma costura que visa assumir a forma dialógica de vozes poéticas que, juntas, compõem um colar de poesia, arte e resistência, que traz à tona vozes e gritos silenciados, fiosmissangas das memórias dos professores poetas sujeitos da pesquisa, vozes que se colocam em diálogo e, unidas, costuram sentidos. As informações apreendidas nos enunciados dos professores oferecem elementos que conduzem a relevantes caminhos de reflexão, tais como o processo de formação do leitor-autor, as relações humanas que perpassam as práticas de formação, bem como o lugar da afetividade e da sensibilidade na constituição de uma aprendizagem significativa. Percebe-se, a partir dos relatos dos professores e das análises empreendidas, a importância do desenvolvimento de uma educação para a sensibilidade, em que se potencializem a multiplicidade de leituras, a metaforização, a imaginação, a criatividade, o pensamento divergente, componentes indispensáveis para um agir ético e estético que interrogue a realidade de forma crítica e criativa. A pesquisa aponta que o trabalho com a poesia na escola torna-se fundamental na medida em que é capaz de aguçar a sensibilidade, a criatividade, a vertente ética e estética, a ampliação do pensamento crítico-reflexivo e a aquisição de novas formas de empoderamento através do poder libertador da palavra. A investigação conduziu à conclusão de que a autoria é uma forma de resistir e a poesia é uma manifestação de resistência contra a reificação do homem e uma forma de in(ter)venção no mundo, propiciando o não anestesiamento dos sentidos. / [en] The theme of teaching authorship remains tied to an instrumental bias, related to distance education or to the teacher s performance for the use of technologies or the elaboration of didactic material.The focus of this research is then on authorship as an ethical-aesthetic act, especially the authorship of poetic texts as artistic and literary production. This work aims to investigate what the narratives of a group of teachers regarding their constitution as poet teachers and what elements of reflection their texts and narratives can provide to think about authorship and poetry in school. It seeks to verify what conceptions of poetry the poets researched bring with them and to know how poetry is made present in the teaching practice of these teachers, as well as to identify experiences with the poetry that affected the subjects researched and that can serve as reflection to think about authorship and poetry at school. Mikhail Bakhtin is the main theoretical and methodological reference of this study.The reflections developed by the philosopher of language, especially the themes focused on a philosophy of otherness, make up the basic foundation and guide the theoretical-methodological course adopted in the research. Other authors whose reflections supported this study are Paul Celan, Christopher Tezza, Roland Barthes, Michel Foucault, Roger Chartier, Sir Ken Robinson.The qualitative research is anchored in a methodology marked by narrative bias, in which researched subject and researcher narrate their experiences in order to construct meanings in a web of meanings that collectively will be (through) weaving through the narratives and poems of the constituent subjects of the study, as a network. The data of the research were collected from two main methodological procedures: online questionnaires and autobiographical narratives, in a seam that aims to take on the dialogic form of poetic voices that, together, make up a necklace of poetry, art and resistance, which brings up voices and silenced cries, beads of the memories of the professed poets of the poets, voices that put themselves in dialogue and, united, stitch senses.The information seized in teachers statements offers elements that lead to relevant ways of reflection, such as the process of reader-author formation, human relations that permeate the practices of formation, as well as the place of affection and sensitivity in the constitution of meaningful learning. From the reports of the teachers and the analyzes undertaken, the importance of the development of an education for sensibility, in which multiplicity of readings, metaphorization, imagination, creativity, divergent thinking, and indispensable components are potentiated to an ethical and aesthetic action that interrogates reality critically and creatively.The research points out that work with poetry in school becomes fundamental in that it is able to sharpen sensitivity, creativity, ethical and aesthetic aspects, the expansion of critical-reflexive thinking and the acquisition of new forms of empowerment through the liberating power of the word. Research has led to the conclusion that authorship is a form of resistance and poetry is a manifestation of resistance against the reification of man and a form of in (ter) venation in the world, providing for the non-anesthetization of the senses.

[pt] Neste estudo, busca-se investigar o projeto curatorial e expositivo de quatro mostras coletivas articuladas por integrantes dos povos originários: ReAntropofagia: coletiva de arte contemporânea com artistas indígenas brasileiros (2019); Véxoa: nós sabemos (2020); Moquém_Surarî: arte indígena contemporânea (2021) e Hahãw: arte indígena antirracista (2022). A expressão Arte Indígena Contemporânea (AIC), proposta por Jaider Esbell (2018), é discutida conceitual e historicamente, pois demarca a insurgência de exposições indígenas que buscam dialogar com as instituições de arte brasileira (galerias e museus). Nesse sentido, é fundamental estudar noções que contribuem para a reflexão sobre as obras de autoria indígena presentes nessas mostras, tais como relacionamento (Casé Angatu, 2021); alianças afetivas (Ailton Krenak, 2016); txaísmo (Jaider Esbell, 2021); racismo anti-indígena/etnogenocídio (Geni Núñez, 2019); pilhagem epistemológica (Henrique Freitas, 2016); opacidade e transparência (Édouard Glissant, 2021), entre outras. Assim, trabalha-se com as perspectivas estéticas e políticas das expografias, em consonância com as vozes intelectuais indígenas, que cada vez mais se difundem e debatem sobre o próprio fazer artístico em diferentes suportes para além do texto escrito. A investigação realizada constrói uma pesquisa predominantemente qualitativa, de caráter bibliográfico, que recorre às múltiplas línguas e linguagens utilizadas por essas comunidades para expressar o pensamento. O trabalho demonstra que os critérios hegemônicos do campo da arte têm sido questionados por artistas indígenas que tanto denunciam a exclusão histórica dos seus corpos nesse cenário quanto convidam o público ao deslocamento estético e à reflexão crítica. Assim, esta pesquisa contribui para ampliar as investigações no âmbito das artes indígenas contemporâneas e ressaltar a força do movimento de as próprias pessoas indígenas estarem reconstruindo imagens sobre os povos originários no Brasil por meio de diversas expressões artísticas. / [en] The aim of this study is to investigate the curatorial and exhibition project of four group shows organised by members of indigenous peoples: ReAntropofagia:contemporary art collective with Brazilian indigenous artists (2019); Véxoa: weknow (2020); Moquém_Surarî: contemporary indigenous art (2021) and Hahãw:anti-racist indigenous art (2022). The term Contemporary Indigenous Art (AIC),proposed by Jaider Esbell (2018), is discussed conceptually and historically, as it demarcates the insurgence of indigenous exhibitions that seek to dialogue with Brazilian art institutions (galleries and museums). In this sense, it is essential to study notions that contribute to reflecting on the works of indigenous authorship present in these exhibitions, such as relationship (Casé Angatu, 2021); affective alliances (Ailton Krenak, 2016); txaism (Jaider Esbell, 2021); anti-indigenous racism/ethnogenocide (Geni Núñez, 2019); epistemological pillage (HenriqueFreitas, 2016); opacity and transparency (Édouard Glissant, 2021), among others.In this way, we work with the aesthetic and political perspectives of expographies,in line with indigenous intellectual voices, which are increasingly spreading and debating their own artistic endeavours in different media beyond the written text.The research carried out is predominantly qualitative and bibliographical in nature,drawing on the multiple languages used by these communities to express their thoughts and ideas. The work demonstrates that the hegemonic criteria of the art field have been questioned by indigenous artists who both denounce the historical exclusion of their bodies in this scenario and invite the public to aesthetic displacement and critical reflection. In this way, this research contributes to expanding research in to contemporary indigenous arts and emphasises the strength of the movement in which indigenous people themselves are reconstructing images of native peoples in Brazil through various artistic expressions.

[pt] Não garanto que é bonito, mas é incontestavelmente vivo reflete sobre o exercício, na escrita literária de Clarice Lispector, do imperativo de perder o medo do feio, anunciado pela protagonista de A paixão segundo G.H. (1964). Propõe-se uma aproximação entre este romance e A via crucis do corpo (1974), com ênfase nos diferentes modos como ambos os escritos mobilizam um mesmo sentimento feio: o nojo. A dissertação investiga como as diferentes maneiras de avivar o nojo empregadas por Clarice Lispector são capazes de conferir a um texto um lugar de prestígio e relegar o outro ao estatuto de obra menor, mobilizando aspectos como a recepção e as circunstâncias que envolvem a publicação dos dois livros, o uso da linguagem e os aspectos sociais neles abordados, e os jogos que se encenam entre texto e leitor. Por fim, a dissertação se volta para aquilo que os dois livros têm em comum – o fio que os conecta, não como obras que se pretendem finais, mas como exercícios de aproximação do que é vivo – e, consequentemente, orgânico, inacabado, imperfeito, feio. / [en] I am not sure it is beautiful, but it is undeniably alive reflects on the exercise, in Clarice Lispector s literary writing, of the imperative of overcoming the fear of the ugly, as announced by the protagonist of The passion according to G.H. (1964). It proposes an approach between this novel and The via crucis of the body (1974), emphasizing the different ways in which both writings mobilize the same ugly feeling: disgust. The dissertation investigates how the different ways of arousing disgust employed by Clarice Lispector are capable of conferring a place of prestige to one text and relegating the other to the status of a minor work, mobilizing aspects such as reception and the circumstances surrounding the publication of the two books, the use of language and the social aspects addressed in them, and the games enacted between text and reader. Finally, the dissertation turns to what the two books have in common – the thread that connects them, not as works that claim to be final, but as exercises in approaching what is alive – and, consequently, organic, unfinished, imperfect, ugly.

[pt] A presente pesquisa busca refletir sobre a origem e o percurso do princípio estético nas Diretrizes Curriculares Nacionais para a Educação Infantil (DCNEI) de 2009. Tal documento possui como eixos norteadores as interações e a brincadeira e, como princípios, a ética, a estética e a política. A intenção é compreender sua construção, os conceitos por detrás do princípio estético e a formulação do texto final que aparece no documento. Ao abordar o princípio estético, cabe refletir sobre as infâncias que o documento prioriza, as linguagens artísticas, a formação do professor de educação infantil, a estética elaborada para as instituições que recebem crianças tão pequenas. Para tanto, buscamos o diálogo e reflexão com referenciais que abordam os temas presentes neste trabalho, como Sarmento, Larrosa, Carvalho, Duarte Junior e Vigotski. Esta pesquisa tem como metodologia a abordagem qualitativa, a partir da análise documental, uma vez que esta pesquisa fez uso de dois documentos para apresentar a gênese do princípio estético: Subsídios para Diretrizes Curriculares Nacionais para a Educação Básica - Diretrizes Curriculares Nacionais Específicas para a Educação Infantil e as Práticas Cotidianas na Educação Infantil - Bases para a Reflexão sobre as Orientações Curriculares, ambos de 2009. Também compõe a metodologia a entrevista semiestruturada, para guiar a conversa entre as duas consultoras que atuaram no planejamento, elaboração e escrita dos dois documentos escolhidos para análise. A pesquisa chega a alguns achados sobre como o princípio estético foi concebido e como acontece a sua recepção entre os professores, apontou caminhos que podem nos convidar a repensar a maneira como os professores se apropriam deste princípio em sua prática pedagógica. A partir das entrevistas concedidas, foi possível vislumbrar uma estética cuidadosamente pensada para as infâncias brasileiras que são muitas e a urgência em trazer a estesia, a educação dos sentidos e afetos para uma docência entre as crianças. A pesquisa também indica que há muito o que escavar sobre o princípio estético e sua interpretação por parte daqueles que atuam com crianças, apontando que o próprio conceito de estética pode suscitar dúvidas entre os docentes. Assim, a pesquisa não se assume como findada, antes indica outros caminhos frutíferos para se pensar a estética na educação infantil. Um dos caminhos seria pensar a própria estética para as infâncias e, mais especificamente, uma estética para as infâncias brasileiras. / [en] This research seeks to reflect on the origin and path of the aesthetic principle in the National Curricular Guidelines for Early Childhood Education (DCNEI) of 2009. This document has as its guiding principles interactions and play and, as principles, ethics, aesthetics and the politics. The intention is to understand its construction, the concepts behind the aesthetic principle and the formulation of the final text that appears in the document. When approaching the aesthetic principle, it is worth reflecting on the childhoods that the document prioritizes, artistic languages, the training of early childhood education teachers, the aesthetics designed for institutions that receive such young children. To this end, we seek dialogue and reflection with references that address the themes present in this work, such as Sarmento, Larrosa, Carvalho, Duarte Junior and Vigotski. This research has a qualitative approach as its methodology, based on documentary analysis, since this research made use of two documents to present the genesis of the aesthetic principle: Subsidies for National Curricular Guidelines for Basic Education - Specific National Curricular Guidelines for Education Children and Everyday Practices in Early Childhood Education - Bases for Reflection on Curricular Guidelines, both from 2009. The methodology also includes a semi-structured interview, to guide the conversation between the two consultants who worked on planning, preparing and writing the two chosen documents for analysis. The research reaches some findings about how the aesthetic principle was conceived and how it is received among teachers, pointing out ways that can invite us to rethink the way in which teachers appropriate this principle in their pedagogical practice. From the interviews given, it was possible to glimpse an aesthetic carefully thought out for Brazilian childhoods, of which there are many, and the urgency in bringing esthesia, the education of the senses and affections to teaching among children. The research also indicates that there is a lot to explore about the aesthetic principle and its interpretation by those who work with children, pointing out that the concept of aesthetics itself can raise doubts among teachers. Thus, the research is not considered finished, but rather indicates other fruitful ways to think about aesthetics in early childhood education. One of the paths would be to think about the aesthetics for childhood and, more specifically, an aesthetic for Brazilian childhoods.

[pt] Esta pesquisa investiga o processo de criação cinematográfico a partir da experiência teórico-prática da Escola Livre de Cinema de Nova Iguaçu (ELC), localizada no bairro de Austin, na região da Baixada Fluminense. Trata-se de um estudo realizado durante o ano de 2014, a partir de uma aproximação com a metodologia da escola e da observação das aulas de uma das turmas - especificamente dos dispositivos de criação que culminaram na videodança Montão de Coisa. A empiria apresentada está pautada nos registros das oficinas de audiovisual ministradas pelos mediadores da escola, nas anotações em caderno de campo, em registros fotográficos e vídeos feitos pela pesquisadora, no material publicizado pela ELC e também em duas entrevistas com a produtora, concedidas ao longo da pesquisa de campo. Advindas dos conceitos norteadores da metodologia da ELC, as categorias corpo, palavra e território aparecem nesta tese como chaves de leitura do processo de criação a fim de evidenciar as relações que permeiam o fazer cinematográfico na experiência da escola e mobilizam a criação da videodança em questão. A análise empreendida revela como o encontro destes sujeitos com o cinema, atravessado por processos criativos e subjetivos, permite que estes vivenciem uma experiência de alteridade, ou seja, de encontro com o outro e o mundo. Ao mesmo tempo, as tensões que permeiam este processo potencializam o encorajamento estético, dando, pois, a essa experiência também um caráter estético. Enquanto a palavra aparece como forma de expressão, enfatizando um campo simbólico, valorizando as singularidades linguísticas e gestuais dos alunos e mediadores, o corpo surge com suas tensões (aquele que opera a câmera e aquele que é filmado por ela) e a gestualidade extraída, trazida e trabalhada pelos alunos e mediadores. Por fim, é com e no território que essas ações se efetivam, tornando-o uma peça fundamental para entender como as ações de criação da ELC acontecem. Assim sendo, pensando o cinema expandido como aquele que ultrapassa os limites do cinema convencional (aquele cristalizado pelo cinema industrial e de entretenimento) e se projeta em outras telas, em outros espaços, conclui-se ser este o cinema vivenciado em Austin. Visto pelo viés de uma expansão, em meio às ações que são frutos dos dispositivos e das tensões que permeiam o processo de criação, ele [o cinema] se constitui em meio à inventividade do cotidiano daquele espaço e à criatividade dos sujeitos envolvidos. / [en] This research investigates the cinematographic process of creation from the theoretical-practical experience of the Free Cinema School of Nova Iguaçu (ELC), located in the neighborhood of Austin, in the Baixada Fluminense region. It is a study carried out during 2014, based on an approach to the school methodology and observing the lessons of one of its classes - specifically the tools that culminated in the creation of the Montão de Coisa (Heap of Thing) videodance. The empirical research presented here is based on the records of the audiovisual workshops given by the school mediators, notes in field notebook, photographic records and videos made by the researcher, on the material publicized by ELC and also on two interviews with the producer, given during field research. Originating from the concepts of ELC methodology, the categories body, word and territory appear in this thesis as keys to the reading of the creation process in order to highlight the relations that permeate the cinematographic making in the school experience and that mobilize the creation of the aforementioned videodance. The undertaken analysis reveals how the encounter of these subjects with the cinema, crossed by creative and subjective processes, allows them to experience an experience of otherness, that is, of encounter with the other and with the world. In addition, the tensions that permeate this process potentiate the aesthetic encouragement, thus giving to this experience also an aesthetic character. While the word appears as a form of expression, emphasizing a symbolic field, and valuing the linguistic and gestural singularities of students and mediators, the body emerges with its tensions (the one that operates the camera and the one that is filmed by it) and the gesture extracted, brought and addressed by the students and mediators. At last, it is with and in the territory that these actions take place, making it a fundamental piece to understand how the actions of creation of the ELC happen. Thus, thinking of the expanded cinema as one that goes beyond the limits of conventional cinema (that one crystallized by industrial and entertainment cinema) and that is projected on other screens, in other spaces, it is concluded that this is the cinema experienced in Austin. Seen by the bias of an expansion, amid the actions that are outcome of the dispositif and tensions that permeate the process of creation, it [the cinema] is constituted amongst the inventiveness of the daily life of that space and the creativity of the involved subjects.