Cette recherche repose sur l’interrogation suivante : qu’est-ce qui fait être amateur d’art contemporain ? Les amateurs d’art contemporain constituent un public envers lequel les études, même si elles sont porteuses d’indications utiles, sont peu nombreuses. On constate que la plupart des études présentent un profil qui rend compte du caractère solitaire, assidu, souvent diplômé du visiteur amateur d’art contemporain et de son comportement peu interactif. Nous savons ainsi très peu de choses sur ce rapport qui pourtant est souvent à la source de débat important sur l’art contemporain et notamment sur la question de l’accessibilité. Partant de la définition pragmatique, selon laquelle l’amateur est celui qui entretient un rapport suivi quels qu’en soient les médiums ou les modalités, notre recherche consiste à se démarquer d’une méthode quantitative qui se délimiterait à une pratique, à un type de public et à un seul lieu. Cette recherche repose sur une méthode qualitative dont l’objectif est de reconsidérer l’amateurisme en art à travers l’analyse d’entretiens. La position communicationnelle permet d’analyser ce rapport sous un rapport pluriel à l’objet. L’amateurisme est ainsi étudié, en dépassant d’une part le rapport sujet/objet, décrit et analysé par la philosophie esthétique, mais aussi la relation objet /système sur laquelle reposent de nombreuses études sociologiques, centrées sur le système des mondes de l’art. Dans cette optique nous avons cherché à observer cette pratique en mettant en lumière son caractère construit. En témoigne notamment les activités formelles, mais aussi celles issues des expériences anecdotiques et circonstancielles, liées à des processus d’appréhension qui révèlent la spécificité de cet attachement pour l’objet d’art et d’un goût toujours en exercice / This research rests on the principal interrogation: what makes contemporary art lover ? There is not a lot of studies on the practices of the art contemporary lovers. The art contemporary lovers constitute a public towards which the studies are very few but carrying useful indications. Most of the studies present a profile which presents the art contemporary lovers as a solitary character, assiduous, often graduate and not having a very interactive behaviour. On the basis of the pragmatic definition, according to which the amateur is someone who maintains, whatever are the mediums, a followed relation, our research consists in being dissociated from a quantitative method which would delimited too much a practice, a type of public and a place. In this purpose practices and specific posture in contemporary art are considerate differently. The discipline of communication makes able to analyse this practice by according a plural relation. The object of this research is too analyse different practices through a passion for contemporary art and to reconsider an experiment, not only according to a relation as subject/object, study by the aesthetic, but not also to a relation place/object, like in the sociologies research which analyse the worlds of art Accordingly, the purpose is to revaluate the taste like a construct movement. The lover’s formal and non formal practices demonstrate the presence of procedures revealing the specificity of this attachment and of a taste which is always in exercise

En quoi la notion de rupture permet-elle de comprendre ce qu'est un acte de création artistique ? Ce travail s'attache à montrer le lien entre trois figures de la rupture dans le domaine de l'art : au fondement de sa posture de créateur, il y aurait une rupture qui habite l'artiste ; comme principe de génération de l'œuvre, il y aurait acte de rupture ; dans la manière dont elle s'inscrit dans la civilisation, l'œuvre d'art ferait rupture. Faut-il ainsi penser que toute œuvre d’art reposerait sur l'exigence de rupture ? Et dans ce cas, pourquoi l'art serait-il déterminé par cette exigence ? / How can the notion of disruption enable us to understand what an act of artistic creation actually is? This study applies itself to showing the link between three aspects of disruption in the field of art. One may surmise that at the root of the artist's chosen position as a creator lies some form of disruption within him or her, that the principle which generates artwork is an act of disruption and that in the way in which artwork enters into the make-up of a civilization it represents a form of disruption. Are we then to consider that all artwork necessarily requires some form of disruption? And in this case, why should art be determined by this requirement?

On se consacre dans ce travail à des aspects mal pris en compte par la méthodologie classique de la carte thématique. On a tout d’abord, en première partie, revisité les connaissances sur la manière dont la carte était perçue, interprétée puis comprise, en mobilisant les domaines de la perception visuelle et de la sémiotique. La sémiotique visuelle constitue une passerelle entre l’étude de la signification des formes visuelles, importante en cartographie, et les approches esthétiques qui mobilisent ces signes visuels selon des modalités bien plus variées. La deuxième partie s’est intéressée successivement à plusieurs approches disciplinaires. L’ontologie esthétique nous a apporté une définition utile, mais surtout une analyse de la génération des propriétés esthétiques. L’iconographie a ensuite permis de décrire le fonctionnement sémiotique visuel. Enfin, on a mis à profit les travaux de certains artistes et théoriciens du design graphique qui ont exploré la relation entre formes graphiques et propriétés esthétiques. La troisième partie propose une synthèse des idées-forces des chapitres précédents en un ensemble de propositions, dont l’efficacité a été testée par enquête auprès de 850 géographes. On étudie ensuite plus longuement la mise en pratique de deux idées : la visualisation de différentes complexités visuelles internes et la visualisation des proportions et des relations colorées d’une carte. Ce travail aboutit à justifier le développement de nouvelles approches dans la méthodologie de la cartographie thématique, en allant emprunter des concepts, des idées, des méthodes d’analyse et des outils d’évaluation de l’image-carte à des disciplines proches. / We dedicated this work to issues inadequately addressed by the standard methodology of the thematic map. In the first part, we revisited the knowledge about how the map was perceived, interpreted and understood by mobilizing the domains of visual perception and semiotics. Visual semiotics provides a bridge between the study of the meaning of visual forms, important in mapping, and aesthetic approaches that mobilize these visual signs in a much more varied manner. The second part focused successively on several disciplinary approaches. The aesthetics ontology gave us a useful definition, but also an analysis of the generation of aesthetic properties. Iconography provided then the means to describe the semiotical operation. Finally, we took into account the work of some artists and graphic design theorists who have explored the relationship between graphic forms and aesthetic properties. The third section provides a summary of the key ideas of the previous chapters formalized into a set of propositions, whose effectiveness has been tested by surveying 850 geographers. We examine then more specifically the implementation of two ideas: the visualization of different internal visual complexities and the visualization of the colors proportions and relationships on a map. This work leads to justify the development of new approaches to the methodology of thematic mapping, by borrowing concepts, ideas, methods of analysis and assessment tools of the map-image from related disciplines.

La thèse a pour objectif de réfléchir sur la possibilité d’appliquer la conception du langage développée par Wittgenstein dans sa philosophie des jeux de langage au langage esthétique. Cet intérêt pour la philosophie tardive du philosophe ne pouvait aboutir sans une confrontation avec la philosophie du Tractatus, l’auteur lui-même n’envisageant la possibilité de comprendre la seconde partie de sa philosophie qu’à la lumière de la première. En effet, le Tractatus détermine une conception du langage unique, dans laquelle ce dernier a pour rôle de représenter le réel, en en partageant la structure. Par conséquent, tous les jugements normatifs, y compris les jugements esthétiques, seront éjectés du domaine du sens dans celui de l’ineffable et du mystique dans la mesure où toute vraie proposition, c’est-à-dire sensée, par opposition aux pseudo-propositions doit impérativement porter sur des objets.Cette restriction du sens et donc du dicible le conduisant à une aporie, Wittgenstein détermine une autre conception du langage, plutôt, complémentaire de la première et ce, progressivement à partir des années trente, dans laquelle le langage devient pluriel parce que tributaire de plusieurs paramètres extra linguistiques en relation avec le contexte, la culture, la forme de vie… Et c’est justement le concept de jeux de langage qui va en montrer le fonctionnement de la signification comme usages.A partir de quelques exemples de tableaux, nous montrerons de quelle manière la peinture, sa compréhension et son interprétation se plient à cette conception du langage, mais aussi du sens de la philosophie post-Tractatus. / The aim of this thesis is to think about the possibility to apply the conception of language developed by Wittgenstein in the philosophy from language games to esthetic language. The interest for the late philosophy of the philosopher could not ended without a confrontation in the philosophy of the Tractatus. The author himself considers the possibility to understand the second part of his philosophy only at the light of the initial. In fact, the Tractatus establishes a conception of an unique language, in which the latter has the role to represent the real, and in sharing the structure. Consequently, all the normal jugements including esthetic jugements will be ejected from the scope of sense in the one of the unutterable and the mystic insofar all true proposition is sensible by opposition to the pseudo-proposals must imperatively bear on objects.The restriction of the sense and dicible is leading him to a difficulty, Wittgenstein establishes another conception of language, rather complementary from the first one, and this gradually from the thirties in which the language becomes tributor from several parameters extra linguistic in relation with context, culture and shape of life and this is precisely the concept of language games which will show the working of the meaning as use.From a few examples of paintings, we shall demonstrate how the painting its comprehension and its interpretation are submitted to this conception of language but also to the sense of the philosophy post-Tractatus

Notre recherche s’inscrit dans le domaine du génie industriel et se positionne plus précisément dans le design. L’objet général de cette thèse est d’intégrer la Réalité Virtuelle immersive comme outil de représentation dans le processus de conception des produits nouveaux, afin d’améliorer la boîte à outils du designer, de le comparer et d’analyser son influence par apport aux outils de représentation Traditionnels (T) et Numériques (N), d’aide à la création et à la communication des idées utilisés en Design. Pour les outils T et N, nous analyserons plus particulièrement le dessin, la maquette physique et les logiciels de Conception Assisté par Ordinateur (CAO). Notre but est de proposer une méthode destinée à aider plus particulièrement deux acteurs de la conception (le designer et l’architecte) à mieux choisir leur outil de représentation durant le processus de design. Nous montrerons l’utilité d’intégrer la Réalité Virtuelle RV comme une nouvelle technologie à leur démarche de travail. Les expérimentations menées nous permettent ainsi de dégager les rapports de la RV dans le processus de design. Ainsi, de montrer : - une influence positive de la RV sur l’évaluation esthétique (selon la vision du designer) et technique (selon la vision des acteurs de la conception) du produit nouveau. - une meilleure compréhension de l’objet par les intervenants spécialistes (industriels, décideurs..) et les non-spécialistes (utilisateurs, consommateurs..). Notre recherche ouvre des perspectives pour élargir l’application de la RV dans d’autres projets et d’améliorer l’outil à travers de la naissance d’une série d’applications réservées au designer / Our research is in the field of industrial engineering and it is positioned specifically in the design. The general purpose of this thesis is to integrate the immersive Virtual Reality as a tool of representation in the process of new products design to enhance the toolkit of the designer, to compare and analyze its influence by providing the tools of traditional (T) and digital (N) and to support the creation and communication of ideas used in Design. For these tools of T and N, we will analyze in particular drawing, mock-up and software for computer aided design (CAD). Our goal is to propose a method to help especially the two actors of design (the designer and the architect) to choose the best tool for representation during the design process. We show the usefulness of integrating Virtual Reality VR technology as a new approach to their work. The experiments conducted allow us to identify the relationship of VR in the design process. Thus, to show: - A positive influence of VR on the aesthetic evaluation (according to the vision of the designer) and technology (according to the vision of those involved in design) of new product. - A better understanding of the subject specialists by stakeholders (industry, policy makers ...) and non-experts (users, consumers ...). Our research offers a potential to broaden the application of VR in other projects and improve the tool through the birth of a number of applications available to the designer

Faire du rapport des individus à leur apparence corporelle une véritable question sociologique, telle fut l'ambition de cette thèse. Prenant appui sur un étonnement intellectuel - relatif à la difficile constitution du champ de la sociologie du corps et au décalage fort entre l'omniprésence des enjeux esthétiques dans le monde social (notamment médiatique) et leur modeste considération dans l'espace des sciences sociales - cette visée s'est matérialisée par la mise en oeuvre d'une enquête qualitative, menée entre 2013 et 2014, auprès de 60 individus (32 femmes et 28 hommes), âgés de 21 à 52 ans. Cette étude, dont le fil conducteur a été de mettre en exergue les modalités de l'expérience esthétique des individus (coûts, bénéfices, vécus, stratégies, dans le rapport à soi et à autrui), s'est appuyée sur l'outil analytique du genre, véritable catalyseur de l'injonction à l'autonomie et à la réflexivité esthétique à l'oeuvre depuis la seconde moitié du XXème siècle. Les deux axes analytiques qui orientent la trame de cette thèse sont ainsi les suivants : (1) quels sont les enjeux des dimensions « intra-genre », « inter-genre » dans la construction d'une identité esthétique, (2) dans quelles mesures la dialectique entre rapport à soi et rapport à autrui constitue-t-elle le socle de l'appropriation esthétique d'un soi genré ? Effectivement, en étudiant l'apparence comme une théâtralisation du genre des individus, nous avons notamment pu mettre en évidence combien la consistance des corps et les pratiques esthétiques représentaient des modalités essentielles de la recomposition contemporaine des existences genrées. Notre enquête nous a ainsi amenée à penser que la posture analytique la plus légitime pour une sociologie de l'apparence est celle qui envisage cet objet « apparence » avant tout comme une expérience réflexive à laquelle chacun se trouve confronté, le rapport au corps constituant un support identitaire central pour l'individu contemporain. En ce sens, l'étude du « bricolage esthétique de soi » des acteurs sociaux constitue à nos yeux une orientation pertinente pour les sociologues afin d'appréhender les contours de ce qu'être un individu (incarné) aujourd'hui dans notre société représente pour tout un chacun. / Studying the relationship of individuals with their own body and appearance as a real sociological question, such was the aim of this thesis. Building on an intellectual astonishment - the difficult constitution that marked the field of the sociology of the body and the huge gap between the omnipresence of aesthetic issues in the social world (including media) and their modest consideration in the Social Sciences world - this aim has been materialized through the implementation of a qualitative survey, conducted between 2013 and 2014, with 60 individuals (32 women and 28 men), aged from 21 to 52 years. The common thread of this study was to outline the terms of the aesthetic experience of individuals (costs, benefits, experiences, relationship with oneself and with others) and we used the analytical tool of gender, real catalyst of the autonomy and aesthetic reflexivity injunctions ongoing in our society since the second half of the twentieth century. The two analytical axes that guide the frame of this thesis are as follows: (1) what are the issues of the two dimensions: "intra-gender", "cross-gender" in the construction of an aesthetic identity, (2) to what extent the dialectic between self-relation and relationships with others could be the base of the aesthetic appropriation of a gendered self? Indeed, studying the appearance as a dramatization of the gender of individuals, has enabled us to highlight how the consistency of the body and aesthetic practices represente essential modalities regarding the contemporary restructuring of gendered lives. Our investigation let us think that the most legitimate analytical posture for a sociology of appearance is the one considering this item "appearance" first and foremost as a reflexive experience to which each individual is faced, relationship with the body constituting a central identity support for the contemporary individual. In this sense, the study of "self-esthetics handiwork" of social actors is in our opinion a relevant guidance for sociologists to grasp the framework of what being an (embodied) individual today in our society represents for everyone.

L'étude des phénomènes sociaux actuels passe nécessairement par la reconnaissance du rôle de la technologie électronique dans l'ensemble des pratiques sociales. L'on parle, par exemple, d'une révolution culturelle pour montrer l'impact de la technologie numérique dans la vie quotidienne, mais quelles sont-elles vraiment les transformations qu'amène cette technologie à la socialité ? Les formes de vivre ensemble se sont transformées pour l'utilisation de la technologie numérique ? Voici les questions qu'on discute dans ce travail. Dans l'étude que nous présentons, l'on interprète ces transformations culturelles à partir d'un regard intime de l'expérience numérique. Dès notre filiation à la pensée maffesolienne, l'on fait une revendication du rapprochement esthétique pour l'étude sociologique, tout d'abord, car les motifs rationnels sont loin de montrer la richesse du lien social ; ensuite, parce que l'auteur a bien montré la puissance de l'interprétation autour au quotidien, à l'espace, aux formes sociétales. Enfin, puisque seulement dans la douceur de l'image était possible une compréhension de la socialité contemporaine. Pour conclure, on présente les tendances sociétales qui montrent cela que l'on appelle « l'e-rationalité postmoderne » qui n'est autre que l'articulation de l'être ensemble électronique attachée aux valeurs postmodernes. / The study of the current social phenomena inevitably goes through the acknowledgement of the role of electronic technology in social practices as a whole. We speak, for example, about a cultural revolution to emphasize the impact of digital technology in everyday life, but which are the transformations that this technology brings to the sociality? The ways we live together are transformed by the use of the digital technology? These are the questions which we discuss in this work. In the study we present, these cultural transformations are interpreted from an intimate look to the digital experience. From our affiliation to the thoughts of Michel Maffesoli, we vindicate an aesthetic approach to sociological studies; first of all, because rational motives are far from showing the richness of the social link; and then, because Maffesoli ('the author' serías tú) has clearly showed its power of interpretation of daily life, the space and societal forms. Finally, because it is only in the sweetness of the image that is possible to comprehend contemporary sociality. To conclude, we present the societal trends which demonstrate what we call "the postmodern e-rationality" which is no other than the articulation of an electronic being together, attached to the postmodern values.

Cette thèse présente sur un plan sémantique la notion de lʼintime en tentant de circonscrire son champ dʼaction. Elle explique comment les acceptions du mot « intime » fluctuent historiquement, déplaçant les limites et les enjeux de lʼopposition entre sphère publique et sphère privée, entre lʼindividuel et le collectif, entre le personnel et lʼuniversel.Cette mise au point théorique a pour but dʼenvisager ensuite comment lʼintime devient lʼorigine et lʼobjet dʼun art. Les oeuvres dʼAnnie Ernaux et de Chloé Delaume ici analysées permettent de comprendre comment lʼintime modélise un texte littéraire ; les travaux de Sophie Calle et de Nan Goldin font apparaître la relation particulière entre lʼintime, le texte parfois et la photographie. Le langage verbal et le langage iconique sont interrogés afin de déterminer comment le style de lʼoeuvre sʼimprègne de la dimension intime. Au-delà du risque ou de la provocation, lʼon voit comment lʼoeuvre intime sʼancre profondément dans le temps, dans un rapport privilégié à la mémoire. Il est aussi question de montrer combien lʼart intime relève dʼune lutte pour exister, se faire reconnaître en tant quʼart. Les notions de valeur et dʼeffet, dans le cadre dʼune théorie de la réception, éclairent cette dimension polémique. Enfin, cette thèse sʼintéresse àdécouvrir dans quelle mesure lʼart de lʼintime sʼinscrit contre une ancienne éthique et en faveur dʼune nouvelle. Il sʼagit également de définir les grandes lignes dʼune esthétique de lʼintime, ravivant les questions du réalisme, de la beauté,du sublime. / This thesis presents a semantic notion of the intimate attempting to limit its scope. It explains how the meanings of theword "intimate" fluctuate throughout history, thereby moving the boundaries and challenging the opposition between thepublic and private spheres, between the individual and the collective, and between the personal and the universal. Thistheoretical development is intended to consider how the intimate is both the source and purpose of art. The works ofAnnie Ernaux and Chloe Delaume analyzed here can illustrate how the intimate shapes a literary text ; the works ofSophie Calle and Nan Goldin show the special relationship between the intimate, sometimes the text, and photography.The verbal and the iconic languages are examined to determine how the style of the work is imbued with the intimatesphere. Beyond the risk or provocation it entails, we see how the work intimate is deeply rooted in time with a specialrelationship with memory. It is also about showing how the intimate art is a struggle for existence, for being recognizedas art. The concepts of value and effect as part of a theory of reception, illuminate this debate. Finally, this thesis isinterested in discovering how the art of the intimate severs from former ethics to build a new one. The purpose of thisstudy is also to define the outline of an aesthetics of intimacy, rekindling issues of realism, beauty, and the sublime.

Cette thèse explore la transgression et la mise en lumière des mécanismes de la pulsion scopique dans l’œuvre plastique et littéraire d’Ana Clavel ainsi que d’autres auteurs latino-américains contemporains : Mario Bellatin, César Aira et Jorge Alberto Gudiño, avec qui nous allons établir une similitude esthétique d’écriture. Le domaine pulsionnel, tel qu’il est étudié à travers la littérature, s’inscrit dans une tradition psychanalytique qui vise à élucider la question du désir. Au cœur de ce travail autour des enjeux du « regard » qui s’emparent des corps artificiels des poupées et de l’écriture du désir, nous examinons la transformation des esthétiques du corps : Ana Clavel, dans son corpus, présente trois dimensions distinctes : le corps pulsionnel, le corps artificiel et le corps genré. Par le biais de la lecture de ces textes, nous découvrons que les corps s’enferment dans une réalité intelligible qui nous renvoie à une conventionnalité asphyxiante. C’est dans cette perspective que nous allons repenser une philosophie des corps du désir qui contribue à déstabiliser notre pensée des dichotomies corporelles à travers la mise en œuvre de mécanismes comme la transgression et la métaphore. Notre démarche cherche à éclaircir l’énigme de la pulsion scopique psychanalytique et ses applications dans une perspective esthétique qui rapproche la littérature de la psychanalyse : comment l’écriture du désir et la création littéraire se réinventent-elles à travers les enjeux de certains mouvements d’avant-garde ? De quelle manière le lecteur d’aujourd’hui perçoit-il ces mécanismes et dans quelle mesure son propre regard peut-il se transformer ? La pulsion est une force irrépressible qui rassemble des dualités présentées comme antagonistes qui pourraient s’harmoniser dans une lecture transgressive. Les idées de Ricœur et de sa métaphore « voir comme » peuvent se percevoir en lien avec celles de Lacan et sa catégorie de la pulsion scopique, tout en se rapprochant des réflexions de Barthes pour ce qui est du domaine de la jouissance. Selon notre analyse, le mécanisme du regard, pris en tant qu’artifice esthético-sémantique, permet une expression poétique du désir en repensant les espaces et la notion de frontière : l’imaginaire, organisé comme un langage, et la réalité textuelle, qui, d’après Lacan, échapperait à la représentation d’une autre réalité parallèle et s’associerait à l’impossibilité de la jouissance. Nos interprétations nous amènent à formuler le déploiement d’une évolution vers l’idée d’une « neutralité » des corps, qui concrétise une altérité transformant des réalités jusqu’à présent pensées en tant qu’opposées, comme peuvent l’être le biologique du corps et une corporalité qui concilie des catégories langagières tels que la pudeur et l’impudeur à travers la métaphore avec la pulsion scopique. Au cours de ce travail, les travaux d’Elisabeth Badinter, Pierre Bourdieu et Françoise Héritier font écho à une possible évolution des catégories sociales et génériques dans les domaines de l’art et de la littérature. Grâce aux héritages de l’avant-garde, nous avons les moyens, en tant que lecteurs, de décrypter, au-delà du langage formalisé, une nouvelle réalité où, pour le moment, l’énigme de la pulsion scopique propose, à travers l’écriture, de concilier les opposés. L’art et la littérature demeurent de véritables moteurs de réflexion qui remettent en cause l’inertie dans laquelle nous maintient le binarisme, et nous amènent à envisager l’hypothèse d’une neutralité source de créativité, et contenant en son sein l’essence d’une révolution artistique qui repense l’altérité. / This thesis explores the transgression and sheds light on the mechanisms of scopic drive in the plastic and literary work by Ana Clavel, as well as by other Latin American contemporary authors: Mario Bellatin, César Aira and Jorge Alberto Gudiño, with whom we are going to establish an aesthetical similarity of their writing styles. The pulsional domain, such as it is studied through the literature, lies into a psycho-analytical tradition that targets the clarification of the concept of desire. At the heart of this work, built around the stakes of the « gaze » which takes hold of the dolls’ artificial bodies and the desire’s writings, we are analyzing the evolution of the body’s aesthetics. Ana Clavel, in her corpus, introduces three different dimensions of it: the pulsional body, the artificial body and the gendered body. Through the reading of these texts, we figure out that the bodies imprison themselves into an intelligible reality that leads us to an asphyxiating conventionality. In this perspective, we are going to redesign a philosophy of desire’s bodies which contributes to destabilize our way of thinking about dichotomies (corporal, generic and linguistic) through the implementation of mechanisms such as transgression and metaphor. Our approach tries to shed light on the psychoanalytical scopic drive’s enigma and its applications in an aesthetical perspective that brings the literature closer to the psychoanalysis: how do the desire’s writings and the literary creation reinvent themselves through the issues of certain avant-garde movements? At which extent does the contemporary reader perceive these mechanisms, and at which extent can their own gaze be transformed? Drive is an unstoppable force that brings together dualities, introduced as antagonistic, which can be harmonized in a transgressive reading. Ricœur’s ideas and his metaphor can be perceived as connected to Lacan’s and his scopic drive’s category, while approaching to Barthes’ reflections about the domain of enjoyment. According to our analysis, the mechanism of gaze (seen as an aesthetic-semantic artifice) allows a poetical expression of the desire that rethinks the spaces and the notion of boundary: the imaginary, organized as a language, and the textual reality that, according to Lacan, escapes the representation of another parallel reality and matches the impossibility of pleasure. Our interpretations lead us to draw the deployment of an evolution towards the idea of a “neutrality” of the bodies, which concretizes an otherness which transforms realities until then thought as opposite, such as the body’s biology and a corporality that reconciles linguistic categories like the reticence and the shamelessness through the metaphor with the scopic drive. During this thesis, the works of Elisabeth Badinter, Pierre Bourdieu and Françoise Héritier echo a possible evolution of social and generic categories in the domains of art and literature. Thanks to the heritages of avant-garde we are provided with the means to decrypt, as readers and beyond the formalized language, a new reality where the enigma of scopic drive proposes to reconcile the opposites. Art and literature host some real engines of reflection, that reconsider the inertia where the binarism holds us and lead us to contemplate the hypothesis of a neutrality which is source of creativity, containing on its own the essence of an artistic revolution that redesign the alterity.

L’œuvre photographique de Sebastião Salgado, qui focalise la condition de vie des personnes affectées par la souffrance sociale causée soit par la guerre, soit par l’exploitation et la misère, prime par la qualité de la composition esthétique, mais ses images ne sont pas produites dans le contexte de la photographie d’art. Elles s’inscrivent dans la catégorie de la photographie documentaire et leur finalité discursive est la dénonciation sociale. Une part des spécialistes de l’image et des sciences humaines et sociales estiment que ses images ne peuvent pas servir à un tel propos, car leur caractère artistique déforme la vérité de la réalité représentée. L’autre part, en revanche, considère que c’est justement de la forme esthétique qu’elles tirent leur force de communication sociopolitique. Il s’agit du vieux débat sur le rapport entre esthétique et politique réactualisé par la question contemporaine du rôle sociopolitique des représentations médiatiques de la souffrance sociale. Pour constituer notre corpus analytique nous nous sommes servis d’un échantillon d’articles des spécialistes, publiés dans la Presse, dans lesquels on trouve un discours argumenté pour ou contre l’approche photographique de Salgado. La mise en confrontation des argumentations d’opposants et de partisans a permis non seulement de faire une sorte de mise en épreuve de la pertinence des concepts théoriques évoqués en soutien, mais aussi de mettre en évidence les apriori éthiques, sociologiques et politiques qui sont à la base des jugements qui indiquent si l’on doit considérer l’approche énonciative de Salgado comme une bonne ou mauvaise façon de représenter la misère du monde. / The photographic work of Sebastião Salgado focuses on the living conditions of people affected by social distress resulting from civil wars, exploitation, and misery. The pictures are characterised by the quality of their aesthetic composition but they are not primarily works of art. They are rather documentary pictures that represent a social denunciation of intolerable living conditions. Some social scientists specialised in photo interpretation think that his pictures still exhibit too many characteristics of art work and might therefore deform reality. However, others are convinced that just this aesthetic approach constitute its particular strength in sociopolitical communication. The contrasting views reflect the old debate on the relation between politics and aesthetics recently revived by the discussion on the socio-political role of the media in the presentation of social distress. This thesis is based on a representative sample of articles published in print media in which arguments for and against the photographic approach of Salgado are presented. The analytic comparison of the opposed arguments allows an evaluation of the related theoretical concepts. It also reveals an a priori basis of the related ethics, aesthetics, sociology, and politics indicating whether the denouncing character of Salgado pictures is representing an adequate approach to communicate the misery of the world.