Mémoire numérisé par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal

Il est désormais commun de reconnaître que le cinéma, aujourd’hui, s’émancipe de son dispositif médiatique traditionnel, adoptant maintes formes liées aux champs culturels qui l’accueillent : jeux vidéo, web, médias portatifs, etc. Toutefois, c’est peut-être le champ des arts visuels et médiatiques contemporains qui lui aura fait adopter, depuis la fin des années soixante, les formes les plus désincarnées, allant parfois jusqu’à le rendre méconnaissable. À cet effet, certaines œuvres sculpturales et installatives contemporaines uniquement composées de lumière et de vapeur semblent, par leurs moyens propres, bel et bien reprendre, tout en les mettant à l’épreuve, quelques caractéristiques du médium cinématographique. Basé sur ce constat, le présent mémoire vise à analyser, sur le plan esthétique, cette filiation potentielle entre le média-cinéma et ces œuvres au caractère immatériel. Pour ce faire, notre propos sera divisé en trois chapitres s’intéressant respectivement : 1) à l’éclatement médiatique du cinéma et à sa requalification vue par les théories intermédiales, 2) au processus d’évidement du cinéma – à la perte de ses images et de ses matériaux – dans les pratiques en arts visuels depuis une cinquantaine d’années, et 3) au corpus de l’artiste danois Olafur Eliasson, et plus spécialement à son œuvre Din Blinde Passager (2010), qui est intimement liée à notre problématique. Notre réflexion sera finalement, au long de ce parcours, principalement guidée par les approches esthétiques et philosophiques de Georges Didi-Huberman et de Jacques Rançière. / It is now common to acknowledge that cinema, today, is emancipated from its traditional media figure, adopting various forms related to the cultural fields that welcome it : video games, web, portable medias, etc. However, it is perhaps the visual and media contemporary arts that have morphed it, since the late sixties, into the most disembodied forms, even sometimes beyond recognition. To this end, some contemporary sculptures and installations only composed of light and steam seem, by their own means, to have adopted, and simultaneously put to the test, some characteristics of the cinematographic medium. Based on this observation, this paper aims to analyze, on an aesthetic level, this relationship between media-cinema and the nature of these immaterial artworks. To do so, our analysis will be divided into three chapters focusing respectively on : 1) the expansion of the cinema and its requalification as seen by intermedial theories, 2) the cinema’s loss of its images and materials in some visual art practices since the last fifty years, and 3) the artistic corpus of Danish artist Olafur Eliasson, and more precisely his work entitled Din Blinde Passenger (2010), which is intimately related to our subject matter. Finally, our reflection will mainly be guided by the aesthetic and philosophical approaches of Georges Didi-Huberman and Jacques Rancière.

Wim Vandekeybus est l'un des chorégraphes majeurs de la nouvelle danse belge. Nous proposons à travers cette étude d'analyser son Œuvre sous l'angle de la démesure. Nous nous sommes attachés à un corpus limité d'œuvres appartenant à son travail chorégraphique et cinématographique. La fougue chorégraphique de ses débuts transparaît-elle toujours dans ses pièces les plus récentes comme Blush ou Sonic Boom, où la place de la narration est réévaluée ? Tout d'abord, nous nous sommes focalisés sur la violence du propos chorégraphique. Une temporalité de l'urgence ordonne les actions des interprètes. Les rapports humains sont eux-aussi emprunts d'une certaine tension, notamment les rapports hommes/femmes. Puis, nous nous sommes penchés sur les obsessions du chorégraphe, à la recherche d'un corps au comportement instinctif. La mise en scène d'un corps exacerbé, poussé jusque dans ses retranchements prédomine. Outre une recherche chorégraphique, Wim Vandekeybus s'intéresse à la création d'une image scénique, obtenue par les éclairages ou l'intrusion d'un écran de projection cinématographique. Au contact du médium audiovisuel le corps se déchaine et atteint un état dionysiaque. Le corps filmé dans Blush détient la même force, la même énergie excessive, qui caractérise sa scène. Enfin, la réintroduction du verbe, par les diverses collaborations avec des auteurs contemporains, comme Peter Verhelst, P. F. Thomèse ou Jan Decorte exacerbe les passions et ne conduit point à un assagissement du corps, ni même du propos chorégraphique.

Ce mémoire explore la place de l’interartialité, des relations entre les arts, dans le cinéma de Peter Greenaway, et les fonctions qu’elle y remplit. À l’occasion de l’analyse de deux films qui centralisent la figure du peintre et la forme du contrat - The Draughtsman’s Contract et Nightwatching – et prenant comme point de départ théorique les travaux de Walter Moser, nous identifions et analysons quelques-unes des relations interartielles à l’oeuvre dans ces films, pour montrer que la mise en relation des arts de la peinture, du théâtre et du cinéma, dans leurs rapports biartials et pluriartials, constituent la trame fondamentale des films de Greenaway, dans une « interartialité non hiérarchique ». Nous concluons que le recours au dialogue interartiel permet au cinéaste d’esquisser, en filigrane, une posture critique sur l’art et l’artiste, une « théorie de l’art », par laquelle il exprime un point de vue sur le rôle et le statut de l’artiste au sein de la société. / Taking its theoretical starting point from the work of Walter Moser in interartiality, this thesis explores the place and function of interatiality (relationships between the arts) in the cinema of Peter Greenaway. The Draughtsman’s Contract and Nightwatching, two films that focus on the figure of the painter and the form of the contract, are examined for the purpose of identifying and analysing some of the interartial relationships at work in them and thereby demonstrating that the interconnecting of painting, theatre and cinema in bi- and pluri-artial relationships constitutes a basic framework of “non-hierarchical interartiality” in Greenaway’s films. The conclusion is reached that reliance on interart dialogue allows the filmmaker to assume an implicit critical stance in regard to art and the artist – a “theory of art” that expresses a point of view on the artist’s role and status in society.

Les années 1950 et 1960 apparaissent comme deux décennies d’intense effervescence dans le champ du cinéma thaï. L’adoption, à l’issue de la Seconde Guerre mondiale, du format 16mm par une nouvelle génération de cinéastes donna lieu à l’essor d’une production cinématographique très populaire dans le royaume. Alors que les comédies musicales réalisées par les fondateurs pionniers de la compagnie Phaphayon Siang Si Krung jusqu’en 1941 semblaient promettre la pérenne hégémonie d’un véritable « Hollywood du Siam », ces fictions joyeusement rhapsodiques, filmées avec des moyens de fortune et accompagnées en direct par la légendaire faconde de doubleurs professionnels, rencontrèrent un vaste public de Bangkok aux plus lointains villages de province, dans le cadre de projections en prolongement direct avec les spectacles mixtes d’antan. La disparition accidentelle, le 8 octobre 1970, de l’acteur Mit Chaibancha au cours du tournage d’Insi thong [« L’aigle d’or »] mit cependant un brusque terme à cette expérience, singulièrement tardive, de cinéma oral. La récente constitution d’un fonds d’archives à la Cinémathèque thaï a permis la mise à jour de riches vestiges de cette bien nommée « ère du 16mm ». Cette recherche se propose comme une première tentative historiographique pour exhumer ce patrimoine visuel, à la fois ancré dans la tradition dramatique siamoise et apparu dans le contexte d’une dictature militaire placée sous la complexe influence de son allié américain en ces années de Guerre Froide. / The 1950s and 1960s appear as two decades of intense effervescence in the field of Thai cinema. In the immediate aftermath of the Second World War, the adoption of the 16mm format by a new generation of filmmakers gave rise to a very popular cinematic production in the kingdom. Whereas the musicals directed by the pioneer founders of the Phaphayon Siang Si Krung company until 1941 seemed to promise the perennial hegemony of a real ‘Hollywood of Siam’, these joyously rhapsodic fictions, filmed with makeshift means and accompanied live by the legendary loquaciousness of professional dubbers, encountered a broad public from Bangkok to the most remote provincial villages, within a screening framework stemming directly from earlier mixed shows. Nevertheless, the accidental disappearance of the actor Mit Chaibancha on the 8th of October 1970, during the shooting of Insi thong [« The golden eagle »], put an abrupt end to this singularly belated experience of oral cinema. The recent composition of an archival fund at the Thai Film Archive permitted the bringing to light of rich vestiges from this well-named ‘16mm era’. This research is a first historiographical attempt to exhume this visual patrimony, both embedded in the Siamese dramatic tradition and generated in the context of a military dictatorship that came under the complexe influence of its American ally during these Cold War years.

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L’œuvre du poète autrichien Georg Trakl (1887-1914) passe pour incontournable dans le contexte de création littéraire d’avant-guerre. Mais comparativement à sa portée expressionniste, la dimension intermédiale est peu mise en avant alors que la musique connaît dans cette poésie des formes de médiation originales. Il est donc question d’approcher la manière dont la musique est indirectement intégrée dans le texte trakléen. En faisant le choix d’élargir cette investigation de type musico-littéraire à l’ensemble de la création des années 1910-1925, il est également question d’élaborer une vision de l’époque moderne où la musique occupe, notamment en peinture, une place de choix dans les pratiques interartistiques. / The work of the Austrian poet Georg Trakl (1887-1914) is said to be essential in the context of creative writing before the war. But compared to his expressionist reach, intermedial dimension is not put forward whereas music features in this poetry original forms of mediation. It is therefore a question of approaching how music is indirectly included in the literary work of Trakl.By choosing to expand the investigation of musico-literary type the whole of creation 1910-1925 years, it is also about developing a vision of the modern era where the music plays, including painting, a first-order part in the interartistic practices.

Réputée pour son obscurité, la poésie de Friederike Mayröcker n’est cependant pas hermétique. Bien au contraire, la poétesse développe une œuvre ouverte d’une extrême densité,multipliant les possibilités d’interprétation. Elle réalise une écriture du dialogue, fondée sur l’alliance de tendances opposées ainsi que sur l’intertextualité et l’intermédialité, créant des textes en mouvement. L’étude des poèmes rédigés entre 1939 à 2003, au cœur de ce travail, révèle alors successivement toute l’importance de l’union entre l’inspiration et le calcul, le rêve et le montage,l’autobiographie et la poétique, voire la poétologie, la poésie de la nature et la poésie engagée,enfin la littérature, les arts et la musique. Quête du « texte total », ancrée dans la modernité par rapport à laquelle elle se situe, la poésie de Friederike Mayröcker tente de rendre son autonomie à la langue sans renoncer pour autant à toute forme de lyrisme. Ainsi se distingue-t-elle des productions du Groupe de Vienne, auxquelles on l’associe néanmoins fréquemment, et occupe une place si particulière dans le paysage littéraire germanophone de la deuxième moitié du XXe siècle. / Renowned for its obscurity, Friederike Mayröcker’s poetry ishowever not abstruse. On the contrary, the poetess develops an open work, extremely dense, whichmultiplies the interpretative possibilities. She elaborates a dialogical writing, based on thecombination of contraries as well as on intertextuality and intermediality, creating texts that areconstantly on the move. The poems that are the heart of this study, written between 1939 and2003, show therefore the great importance of the union, respectively, between inspiration andcalculation, dream and montage, autobiography and poetic, indeed poetology, nature poetry andmilitant poetry, finally literature, art and music. In search for the « total text », a search rooted inthe modernity vis-à-vis which it positions itself, Friederike Mayröcker’s poetry tries to liberatelanguage without renouncing all lyrical form. In this it distinguishes itself from the works of theVienna Group, to which it has been nevertheless frequently associated, and hence takes a quietparticular place in the German-speaking literary scene of the second half of the twentieth century.

Cette thèse explore, selon une perspective intermédiale, le rapport entre les phénomènes de remédiation et le problème de la disparition à partir d’œuvres littéraires et filmique : Un cabinet d’amateur de Georges Perec (1979), Dora Bruder de Patrick Modiano (1997) et The Prestige, réalisé par Christopher Nolan (2006). Partant du postulat qu’il existe un lien signifiant entre l’hétérogénéité énonciative des œuvres étudiées – qui convoquent différents genres, modes d’expression et médialités – et le motif de la disparition qui s’y dessine, nous posons l’hypothèse que les œuvres produisent un métadiscours traduisant le fonctionnement d’un régime d’interaction particulier que la disparition aurait la possibilité d’induire : l’hypermédiateté. En tant que contrepoint de l’immédiateté, l’hypermédiateté qualifie ce régime où les seules relations possibles ont lieu par et dans la médiation, à la manière de ce qui se joue dans les œuvres du corpus témoin. La particularité de cette approche est de considérer la disparition comme ayant une valeur productive indissociable des valeurs négatives d’absence, de retrait ou d’effacement auxquelles elle est plus généralement rattachée. La première partie pose les bases conceptuelles du projet en revisitant les théories des médias à l’aune du tournant performatif qui détermine la période « postmédiatique » de l’intermédialité. Est alors explicité en quoi il est possible de concevoir les particularités formelles des œuvres du corpus comme informant une poétique de la remédiation. La deuxième partie s’appuie sur ce cadre conceptuel pour conjuguer le problème de la disparition à celui de la remédiation, et ce, dans le but d’articuler une définition de l’hypermédiateté. Finalement, des analyses en diptyques orientées autour des concepts d’authenticité, de survivance et d’institution composent la dernière section. Le corpus témoin participe d’abord à l’édification du cadre conceptuel, contribue ensuite à problématiser l’idée de disparition et permet en dernier lieu les articulations et approfondissements qui émergent des analyses. Trois buts sont ainsi poursuivis. La visée méthodologique, d’abord, est celle de diriger notre attention vers les actions et processus plutôt que vers les objets (ce qui favorise une pensée de la médiation au détriment de celle, plus figée, du média). Le but théorique consiste à revisiter les théories intermédiales dans le contexte épistémologique actuel pour produire un discours inédit sur le phénomène formel en tentant de dépasser les logiques de l’imitation, du transfert et de la représentation. Finalement, l’objectif général est de concevoir, à partir du motif de la disparition, le rôle de la médiation dans les processus dynamiques de singularisation des objets du monde, et ce, hors du paradigme de la représentation. / This thesis will explore, with an intermedial perspective, the relation between processes of remediation and the issue of disparition drawing on three literary and filmic works: Un cabinet d’amateur by Georges Perec (1979), Dora Bruder by Patrick Modiano (1997) and The Prestige, directed by Christopher Nolan (2006). Based on the premise of the existence of a meaningful connection between the heterogeneity of the examined works’ structure of enunciation – convening different genres, forms of expression and medialities – and the pattern of disparition they delineate, the hypothesis we propose is that these works give rise to a metadiscourse inferring a particular mode of interaction induced by disparition: hypermediacy. Conceived as immediacy’s counterpoint, hypermediacy refers to a mode in which the only possible relations occur through mediation, as played out in the works of the sample corpus. The distinctive feature of this approach lies in the interpretation of disparition as possessing a productive aspect, indissociable from the negative aspects of absence, withdrawal or obliteration, to which it is more commonly associated with. The first part establishes the project’s conceptual bases, revitalizing media theories in the light of the performative turn, which launched the post-mediatic period of intermediality. From there is explicated in which ways the corpus’ formal properties can be considered as informing a poetics of remediation. The second part builds on this conceptual framework to conjugate the problem of disparition with that of remediation in order to articulate a potent definition of hypermediacy. Finally, the last section presents three diptych analyses oriented around the concepts of authenticity, Nachleben and institution. The sample corpus primarily contributes to the enlightenment of the conceptual framework along with problematizing the idea of disparition. Lastly, it allows in depth articulations to emanate from the analysis. Three goals are thereby pursued. Firstly, the methodological goal is to direct our attention towards actions and processes rather than objects, favoring an idea of mediation over the more static perspective of media. Secondly, the theoretical goal consists of revising theories of intermediality in the current epistemological context to create an original discourse on the formal phenomenon, with efforts to overcome the logics of imitation, transfer and representation. At last, the general objective is to produce a discourse about the way mediation participates to the dynamic processes of singularization applied to people and objects. Disparition is the prisma through which these processes are conceived in a manner that is contrapuntal to the representational paradigm.

Valentine Penrose est une poète, romancière et collagiste surréaliste moins connue que certaines de ses homologues telles Frida Kahlo ou Claude Cahun. Si les quelques études qui lui ont été consacrées reconnaissent l’omniprésence du féminin et le caractère inquiétant de certaines manifestations de la femme dans son œuvre, les sources de ces représentations n’ont guère été explorées. Pour combler cette lacune, notre mémoire s’applique à analyser l’œuvre de Penrose afin d’y mettre en lumière la présence textuelle et picturale du saphisme littéraire et du roman gothique, deux influences majeures de l’auteure-artiste. En plus d’étudier en détail les collages insérés dans le recueil de poèmes Dons des féminines, nous explorerons également les nombreuses images in absentia du corpus, car nous constatons que l’écriture penrosienne a très souvent recours aux effets de style « picturaux ». Par conséquent, au fil de nos analyses, nous allons osciller entre une étude littéraire et une approche intermédiale des rapports texte/image, afin de mettre en relief la réactualisation polymorphe de deux traditions ; la présence du saphisme et du gothique transparaît à travers l’emploi de certaines figures de femme, les partis pris thématiques de Penrose, le choix des décors et des trames narratives. Au terme de la présente étude, nous aurons mis en évidence trois figures de femmes propres à l’univers penrosien : la femme-nature, la fugueuse et la rebelle exemplifient, à nos yeux, la manière dont l’œuvre de Penrose se situe à la croisée du saphisme littéraire et du roman gothique. / Valentine Penrose was a surrealist poet, novelist and collagist, less well-known than many of her female counterparts such as Frida Kahlo or Claude Cahun. Albeit few, there are studies on Penrose that recognize both the omnipresence of women and their often disquieting portrayal. The origins of these representations remain, however, largely under-explored. In order to fill this considerable lacuna in existing knowledge on Penrose’s work, this thesis will analyze her œuvre, highlighting the textual and pictorial presence of two major influences: literary Saphism and the Gothic novel. In addition to analyzing the collages that accompany the poetry in Dons des féminines, we will also study the corpus’ many images in absentia, as we believe that Penrose’s style very often has recourse to “pictorial” literary devices. Consequently, throughout our analyses, we adopt both a literary and an intermedial approach, looking closely at both textual and pictorial representations of women in order to demonstrate the polymorphous borrowing of two traditions; Saphism and the Gothic appear via the representation of certain characters, Penrose’s thematic biases and the choice of particular spatial environments and narrative structures. The present study thereby sheds light on the representation of three female figures specific to Penrose’s universe: the woman of nature (la femme-nature), the fugitive (la fugueuse) and the rebel (la rebelle) each exemplify the way in which Penrose’s œuvre is located at the crossroads of literary Saphism and the Gothic novel.