Cette recherche dresse le portrait d’un nouveau genre sur le Web, la websérie. Il s’agit d’analyser la websérie québécoise afin d’en comprendre les influences, particulièrement les influences télévisuelles. Dans le premier chapitre, les théories de l’intermédialité, de la remédiation et de la convergence sont abordées afin de bien comprendre les différents types d’échanges entre les médias d’aujourd’hui. Dans le second chapitre, une vue d’ensemble, en ce qui a trait à l’histoire de la websérie au Québec, est donnée. Ensuite, quatre caractéristiques principales de la télévision sont analysées : le contexte de réception, la programmation, l’esthétique et la sérialité. Il est ensuite démontré que ces caractéristiques sont également présentes dans la websérie et il est expliqué de quelle manière elles le sont. Finalement, dans le dernier chapitre, des analyses de webséries sont faites afin d’exemplifier les différents liens entre les émissions de télévision et la websérie. / This research seeks to illustrate a new genre present on the Web, the webseries. Its goal is to analyse Quebec webseries in order to understand its influences, particularly those of television. In the first chapter, theories of intermediality, remediation and convergence are explained to clarify the actual context of exchanges between media. In the second chapter, a quick historical panorama of quebec webseries is set. Then, four caracteristics of television are explained: watching context, schedule, aesthetics and seriality. In addition, this work demonstrates that those four caracteristics are present in the webseries and it explains how they are developped. Finally, in the last chapter, we analyse webseries to exemplify different existing links between TV shows and webseries.

L’ambition de cette thèse n’est pas de poser objectivement les rapports qu’entretient À la recherche du temps perdu avec le cinéma(tographe), pour la simple et bonne raison que ceux-ci sont à peu près inexistants, du strict point de vue de l’objectivité. N’ayant jamais mis les pieds dans un lieu qui projette ce type bien particulier d’images en mouvement, Proust n’est pas un écrivain intéressé par ce qu’on nomme aujourd’hui « cinéma ». On ne trouve que peu souvent son nom dans les anthologies faisant état des écrivains du début du siècle dernier qui ont commenté le spectacle des vues animées. Si par hasard il y est, on cite généralement les passages du Temps retrouvé, où est assez sévèrement critiqué le « défilé cinématographique des choses ». Que la critique de Proust à l’endroit du cinéma(tographe) soit une critique essentiellement négative n’est pas en soi gênant et ne contredit pas nécessairement le besoin de faire le point sur cette question. Il nous faut seulement adopter une vision plus artiste du problème, ou du moins accepter que le cinéma n’est pas limité à un seul mode d’existence stable : « cinéma » est en fait un pot-pourri d’idées, de concepts et de pratiques qui est voué au changement, et c’est précisément ce changement qui est digne d’intérêt. Une telle relativisation de l’idée de « cinéma » nous permettra d’explorer les différentes séries d’images et les séries techniques qui parcourent le roman de Proust et ses adaptations écraniques, afin de voir si elles sont en mesure de recouper l’une ou l’autre des fonctions que l’on a pu attribuer au cinéma au cours de son histoire. La présente thèse est donc en quelque sorte le procès-verbal des définitions du cinéma qu’a pu nous offrir notre lecture de Proust. Elle est aussi celui des différentes lectures que le cinéma nous permet de faire de la Recherche, des lectures « cinématographiques ». / This thesis does not objectively study ongoing relations between In Search of Lost Time and the cinema medium for the simple reason that, from the strict point of view of objectivity, they are almost non-existent. Having never set foot in a place that shows this particular type of moving images, Proust is not interested in what is now called “cinema”. At best, his name infrequently appears in anthologies of the early 20th century’s writers who commented this kind of spectacle. If by chance he is, the excerpts generally selected are the ones of Time Regained where the “cinematic parade of things” is quite severely criticized. But Proust’s criticism of cinema, albeit an essentially negative one, is not that much inconvenient and does not particularly contradict the need to investigate the matter. We just have to think the problem in a more artistic way, or at least to accept that cinema is not limited to a stable, single mode of existence: “cinema” is – and should be – a potpourri of ideas, concepts and practices that is bound to change, and it is precisely that change that is worth investigating. Such a relativization of the idea of “cinema” will allow us to explore different series of images and series of techniques that run in Proust's novel and its screen adaptations, while letting us see if they are able to match some functions that have been attributed to cinema during its history. This thesis therefore intends to be a record of cinema’s definitions that our reading of Proust’s work could offer. It is also a record of the many readings of In Search of Lost Time that cinema allows us, “cinematographic” readings.

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Les liens qu’entretient le cinéma avec les journaux illustrés ont été perçus très tôt par les observateurs. Or, si les historiens semblent s’accorder sur une « influence » de la presse illustrée sur la production comique du cinéma français, les journaux humoristiques s’intéressent peu au cinéma de manière générale et ignorent complètement, ou presque, les films comiques. Comment expliquer ce phénomène ? Cette thèse propose de développer trois pistes de réflexion. En premier lieu nous tentons d’appréhender la manière dont la presse illustrée a perçu l’émergence et l’essor du spectacle cinématographique au tournant du XIXe siècle jusqu’au milieu des années 1910. Pour la plupart des chroniqueurs le spectacle cinématographique apparaît comme un intrus parmi les spectacles scéniques parisiens, déportant en quelque sorte la rivalité entre théâtre et cinéma dans la presse illustrée. Puis, en nous intéressant aux proximités entre films et journaux, il apparaît que le cinéma emprunte aux journaux autant qu’il recycle leurs histoires comiques, les modernise. Cela nous conduit enfin à envisager les deux médias sous l’angle de leurs divergences, à la fois idéologiques et politiques, empêchant une rencontre qui semblait pourtant à première vue inévitable. / The links between the cinema and the illustrated press were perceived very early by the observers. Now, if historians seem to agree on an "influence" of the illustrated press on the comic production of French cinema, humorous newspapers are not very interested in cinema in general and completely, or almost completely, ignore comic films. How to explain this phenomenon ? This thesis proposes to develop three lines of thought. First, we try to understand the way in which the illustrated press saw the emergence and growth of the film show at the turn of the 19th century until the mid-1910s. For most chroniclers the cinema appears as an intruder among the Parisian stage shows, deporting in a way the rivalry between theater and cinema in the illustrated press. Then, by looking at the proximity between films and newspapers, it appears that cinema borrows from newspapers as much as it recycles their comic stories, modernizes them. This leads us finally to consider the two media from the angle of their differences, both ideological and political, preventing a meeting that seemed at first sight inevitable.

La représentation de médias non littéraires dans un roman est un phénomène encore peu étudié, voire marginalisé, au sein des études intermédiales. La difficulté de rendre compte des moments où le texte crée des effets empruntés à d’autres médialités est souvent relevée, parmi les travaux d’analyse. Ce mémoire vise donc la construction d’un modèle qui puisse servir d’outil pour l’analyse des phénomènes intermédiaux, en littérature. Revisiter certaines propositions théoriques pour mieux les mettre en relation permet, dans un premier temps, l’élaboration d’un modèle syncrétique précis et fonctionnel pour l’étude de textes qui présentent une dynamique intermédiale. Dans cette optique, le roman Océan mer, d’Alessandro Baricco, constitue un terrain fertile pour sa mise en pratique. L’application du modèle proposé au roman de Baricco permet donc, dans un deuxième temps, de tester sa fonctionnalité. Ce mémoire se veut ainsi une contribution aux recherches portant sur l’intermédialité littéraire contemporaine. / Non-literary media representation in novels is a phenomenon that has drawn little attention so far within intermedial studies – almost being marginalized. However, difficulty in setting out cases where a text creates effects borrowed from other medialities is often discussed in analysis works. This thesis thus aims for the development of a model that could be used as a tool to analyse intermedial phenomena, in literary texts. This analysis first of all goes back to some theoretical propositions, relating them better to each other, and by doing so, allows the development of a functional and accurate syncretic model for the study of texts with intermedial dynamics. In this perspective, Alessandro Baricco’s novel Océan mer constitutes fertile ground for practice. Applying the proposed model to Baricco’s novel thus allows, secondly, testing its functionality. This thesis would therefore be a contribution to research on contemporary literary intermediality.

Ce travail se divise en deux volets. Le premier volet, théorique, étudie la musique comme sujet dans le cinéma narratif, occidental et contemporain, soit des années 1960 à aujourd’hui. Il s'agit du présent document. Le deuxième volet, pratique, consiste en un film fictionnel de trente minutes portant le titre d'A Capella, dont le scénario se trouve ici en annexe. SYNOPSIS : Né avec un handicap vocal, Hubert a développé au fil du temps une nouvelle technique de réadaptation : la physiophonie. Sophie, une jeune danseuse blessée, essaie cette nouvelle méthode... Le volet théorique propose tout d'abord un état de la question en se basant sur les réflexions de Michel Chion et Claudia Gorbman. Ensuite, une première ébauche d'une typologie sur le sujet selon quatre catégories est présentée : le musicien, le groupe de musique, le lieu de la musique et la matérialisation de la musique. Cette dernière catégorie incarne bien le volet pratique de ce projet et est développée davantage dans la troisième partie. L'intérêt de ce travail est principalement de créer des ponts entre la théorie et la pratique, ce qui est l'objet de la quatrième partie. La matérialisation de la musique est analysée à partir de la voix du personnage principal, les mouvements de la danseuse ainsi que la technique de réadaptation, la physiophonie. Les défis rencontrés sur le plan de la scénarisation, de la réalisation et de la composition de la musique sont aussi expliqués. / This work is divided in two parts. The first one, theoretical, studies music as the subject in the narrative, western and contemporary cinema, i.e., from the 1960s until today. The second part is a fictional movie of thirty minutes titled A Capella. The scenario is included here in appendix. SYNOPSIS: Born with a vocal handicap, Hubert developed as time goes by a new technique of rehabilitation: the physiophony. Sophie, a young wounded dancer, tries this new method... This document, consisting in the theoretical part, first summarizes the reflections of Michel Chion and Claudia Gorbman on the subject. Then it presents the first draft of a typology on the subject organized around four categories: the musician, the music group, the place of music and the materialization of music. This last category echoes well the practical part of this project and, as such, it will be developed furthermore in the third section. The interest of this work lies mainly in the bridges between theory and practice it creates, which will be treated in the fourth section. The materialization of the music is analyzed from the voice of the main character, the movements of the dancer as well as the technique of rehabilitation, the physiophony. The challenges faced while screenwriting, directing the movie and composing the music will also be explained.

Mémoire numérisé par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal

Cette thèse propose une étude inédite sur un auteur négligé par l’Université et la recherche : Marcel Pagnol. À partir de son cas, ce travail interroge les processus de légitimation et déconstruction du canon. Cette recherche, qui s’inspire de la sociologie de la littérature, explore les paradoxes d’un « illustre méconnu » qui relève d’une littérature officielle, classique, patrimoniale, mais se trouve déconsidéré à plusieurs titres. Sa célébrité et ses succès nuisent à son capital symbolique ; son particularisme régional l’empêcherait d’atteindre l’universel. Entre institutionnalisation et discrédit, Pagnol dessine une voie moyenne et réalise un art moyen (middlebrow culture) qui concilie bonne littérature et grand public. Au théâtre, il met d’accord le théâtre commercial, le théâtre de boulevard et une partie de l’avant-garde, démontrant la perméabilité du champ dramatique. Au cinéma, il associe le cinéma d’auteur, le scénario littéraire et l’avant-garde néoréaliste aux mélodrames populaires. Dans ses récits, il met en valeur la continuité entre tradition orale et innovation médiatique. Ce classique-populaire, ce conservateur moderne se tient en équilibre entre régionalisme et parisianisme, entre intellectualisme et pragmatisme, sur une voie moyenne qui hybride cinéma et théâtre, théâtre et music-hall, conte et radio. / This thesis provides a new study on a writer usually neglected by scholarship : Marcel Pagnol. Taking his case as a starting point, this study aims to analyze the processes of legitimation and construction of canon. This research, building on sociology of literature, investigates the paradoxes of an “illustrious unrecognized” who pertains to official, classical and patrimonial literature but that nonetheless remains discredited by several matters. His fame and successes damage his symbolic capital; his regional particularism may prevent him from reaching universality. Between institutionalization and disrepute, Pagnol draws a medium path and carries out a medium art (middlebrow culture) which reconciles goodliterature and general public. In theater, he makes commercial theater, boulevard theater and some of the avant-garde come to an agreement, proving the permeability in dramatic field. In cinema, he combines art-house movies, literary script and neorealist avant-garde with popular melodramas. In literature, he emphasizes continuity between oral tradition and media innovation. This middlebrow author, this modern conservative balances regionalism against parisianisme, intellectualism against pragmatism, in a medium way that makes cinema and theater, theater and variety, tale and radio interact.

Wim Vandekeybus est l'un des chorégraphes majeurs de la nouvelle danse belge. Nous proposons à travers cette étude d'analyser son Œuvre sous l'angle de la démesure. Nous nous sommes attachés à un corpus limité d'œuvres appartenant à son travail chorégraphique et cinématographique. La fougue chorégraphique de ses débuts transparaît-elle toujours dans ses pièces les plus récentes comme Blush ou Sonic Boom, où la place de la narration est réévaluée ? Tout d’abord, nous nous sommes focalisés sur la violence du propos chorégraphique. Une temporalité de l’urgence ordonne les actions des interprètes. Les rapports humains sont eux-aussi emprunts d’une certaine tension, notamment les rapports hommes/femmes. Puis, nous nous sommes penchés sur les obsessions du chorégraphe, à la recherche d’un corps au comportement instinctif. La mise en scène d’un corps exacerbé, poussé jusque dans ses retranchements prédomine. Outre une recherche chorégraphique, Wim Vandekeybus s’intéresse à la création d’une image scénique, obtenue par les éclairages ou l’intrusion d’un écran de projection cinématographique. Au contact du médium audiovisuel le corps se déchaine et atteint un état dionysiaque. Le corps filmé dans Blush détient la même force, la même énergie excessive, qui caractérise sa scène. Enfin, la réintroduction du verbe, par les diverses collaborations avec des auteurs contemporains, comme Peter Verhelst, P. F. Thomèse ou Jan Decorte exacerbe les passions et ne conduit point à un assagissement du corps, ni même du propos chorégraphique. / Wim Vandekeybus is one of the most important choreographers to the new belgian wave. The purpose of our study it’s to analyze its work in terms of the excess. We study a restraint corpus of works belonging to his choreography and film work. The choreographer ardor of his debut reflected still in its most recent performances such as Blush or Sonic Boom, where the place of the narration is re-evaluated? First of all, we make a focus on the choreographic language’s violence. An emergency’s temporality ordered the performer’s actions. The human relationships are too concerned by this tension, like the relationships between male and female. Then, we take attention to choreographic’s obsession, who research an instinctive behavior. The staging of an exacerbated body pushed into his boundary predominates. Apart from a choreographic research, Wim Vandekeybus is interested in the creation of a stage image, obtained by light creation or introduction of a screen. Confronted to the cinematographic image the body blows up and reaches a Dionysian state. The image of the body in Blush, the movie has the same strength, the same excessive energy, which distinguish his stage. Finally the re-introduction of the narration, by collaborations with contemporary authors, such as Peter Verhelst, P. F. Thomèse or Jan Decorte exacerbates the passions and not achieves to a quiet body.

Lorsque la création d'une image se fait grâce à l'utilisation, la manipulation d'un appareil, il arrive un moment où celui-ci devient central et le sujet de tous les questionnements. La pratique de la photographie m'a amenée à ce type d'interrogation. Comment photographier devient soudain une question aussi récurrente qu'essentielle. Une réflexion critique sur ce que l’on croit être une simple technique et que l'on emploie pour faire une image photographique, libérée alors de toutes fascinations, devient possible. Mais comment procéder à l'analyse de l'appareillage photographique? C'est en considérant l'appareil comme un ensemble global, un paradigme, participant pleinement à la création et la conditionnant en même temps, qu’il paraît possible de mener une réflexion sur cette place particulière qu'occupe l'appareillage photographique dans la réalisation d'image ou (/ et) d'installation de celle-ci. Cette interrogation peut dès lors être étudiée à travers une mise à plat de l'appareil photographique dans une définition plus élargie de ce dernier que la simple considération de l’appareil de prise de vue afin de savoir ce qu’il est par nature mais aussi dans ses usages, et alors de découvrir sa poïétique propre ainsi qu’un rapport singulier au réel. Cette méthodologie s'apparente à une déconstruction, puis une monstration, voire une mise en excès pour eux-mêmes des éléments premiers et fondamentaux de l'appareil producteur d'image photographique (grain, brûlure, planéité, obscurité...) ; ce qui le constitue et en fait sa particularité. D'une autre manière, le conditionnement qu'opère l'appareillage photographique dans la réalisation d'images peut se penser par une mise en évidence du procès : une mise en valeur, une exhibition du processus du faire, de la démarche, de la méthode qui permet à l'image d'être. Cette démarche et cette recherche recontextualisent le faire, l'expérimentation, la poïétique à l'oeuvre dans chaque réalisation plastique d'image photographique. / When creating a picture is done by using and operating a camera there comes a time when this device becomes essential and a subject for all kinds of questioning. Photography brings this type of questioning to my mind. How to take a picture all of a sudden happens to be an essential as well as recurring question. Then a critical appreciation free from fascination may be undertaken on what we consider as a mere technique that is used to take a picture. But how to proceed to the analysis of the photographic medium ? Considering the medium as a global set a paradigm taking full part in the creation and conditioning it at the same time allows the carrying out of an appreciation on this particular part taken by the photographic medium in the realization (or installation) of a picture. From that moment this appreciation can be studied by examining all the elements of the camera in a wider definition of the latter than a mere consideration of the camera itself in order to know not only what it is but also how to use it and thus to find out its own “poïétique” as well as its unique connection to reality. This method relates to a deconstruction then a bringing forward of the primary and fundamental elements of a photographic medium (grain, burn, flatness, darkness…) ; what it is made of and makes it unique . In a different way, the conditioning that the photographic equipment operates in the realization of pictures can be considered as a disclosure of the process : an emphasis on the process, the approach, the method that allows the picture. This approach and this research make it possible to recontextualize the process the « poïétique » at work in each artistic creation of photographic pictures.