Thesis / ENGLISH ABSTRACT: The aim of this study is to contribute to the investigation of the methods in which serial technique expresses meaning in the first movement of Arnold Schoenberg's Third Quartet, Op.30. It aims to add to the debate concerning Schoenberg's use of conventional formsparticularly sonata form-in his serial music, by investigating how he manipulates the row to playa narrative function, seemingly in opposition to its homogeneous nature. The analytical section consists of a semiotic analysis based on the work of Jean- Jacques Nattiez. It incorporates a narratological analysis which infers from the semiotic data that Schoenberg's "idea", which is associated with notions of unity, is brought towards fulfilment through his narrativization of the row in the context of sonata form. / AFRIKAANSE OPSOMMING: Die doel van hierdie studie is om by te dra tot die ondersoek na die metodes met behulp waarvan seriële tegniek "betekenis" tot uitdrukking bring in Arnold Schoenberg se derde strykkwartet, op. 30. Dit poog om 'n bydrae te lewer tot die debat oor Schoenberg se gebruik van konvensionele vorms-in besonder sonatevorm-in sy seriële musiek te ondersoek, deur middel van manipulasies van die reeks in diens van 'n narratiewe funksie, oënskynlik in teenstelling met die homogene aard van die reeks. Die analitiese gedeelte van die studie bestaan uit 'n semiotiese analise gebaseer op die werk van Jean-Jacques Nattiez. Hierby word ingesluit 'n narratologiese analise waarin vanuit die semiotiese data afgelei word dat Schoenberg se "idee", wat geassosieer word met opvattings van eenheid, tot 'n slotsom gebring word deur middel van sy narrativering van die reeks in die konteks van sonatevorm.

相對於意識傳統為了滿足知識全知的條件，將身體的隱而未顯視為有缺陷的模糊，現象學重回日常生活世界裡的原初知覺經驗領域，身體作為缺席的模糊不再是認知的障礙，反倒作為潛在的背景是認知得以成立的必要條件。梅洛龐蒂強調完全還原的不可能，將理論重新寓居於身體，身體與世界交錯糾結無法分別，無法外於身體一語道破，只能夠不斷的描述身體與世界的關聯，使得不斷說明成為模糊效能的延續以堆疊出逸離的身體。 為了追求身體最大程度的逸離，本文還必須繼續借道拉崗精神分析，潛意識作為超出主體言說意圖，指向不可見、自我與他人外的他者，連串的取代系列圍繞在缺席旁作離心的循環。於是拉崗認定部分的身體作為象徵的身體才能發揮效能，始終處於異化的過程，但是並不是迷惑在身體的諸種表象中，或者以斷裂確保真實的身體，而是對身體的想像成為身體的不斷延續，身體的諸種表象就是身體的實質存在，使得回歸身體也是逸離身體。 / On contrary to the western philosophical tradition , to set consciousness as priority, builds transparent knowledge. It regard the ambiguity character of body as fault. Phenomenology summons us to go back to primary field of lifeworld. Body is no more the barrier of cognition, instead body become the potential background as necessary condition of cognition. Merleau-Ponty stresses the impossibility of complete reduction. The consciousness inhabit in body in motion. Body is interwined with world and hard to divide. We can’t explore body as objective observer as if we were outside the world. What we can do is to descript the relationship between body and world. Make the descriptions to become the parts of invisible body. In order to catch the character of body’s exceed, we need to have aid of Lacan’s psychoanalysis. Lacan develop that unconsciousness is like the structure of language. It designates the subjectivity speaks beyond what he intend. People desire the lost Other outside the self and other as the third term, instead people used to series of substitutes around the absence as decentered circulation. Lacan identify people is in process of alienation, even in the initial stage. The real body which is fragmented could have effects as symbol. It’s not what people confused with imaginary images, but what people imagine is to continune body. The different body images is body’s substantial existence.

The dissertation re-examines the philosophy of Georges Bataille within the context of post-Kantian aesthetics and argues for a re-evaluation of Bataille’s notion of expenditure [depenser] within this context. The dissertation argues further that the artistic practice of Robert Smithson is an exemplary case of an ‘aesthetics of expenditure.’ It is our contention that Bataille’s cosmic-energetic philosophy finds a complementary material expression in Smithson’s abstract geology and its confrontation with post-Kantian aesthetics. We will argue that this occurs through Smithson’s varying strategies, which are grouped conceptually according to the broader logic of their expression:seriality, sedimentality, monumentality, and meandering. While Smithson’s own references to Bataille in the early 1970s are discussed in detail, it is not our position that Smithson was enacting Bataille’s philosophy ‘aesthetically’; rather, by reading Bataille’s evaluation of Kant’s aesthetics and teleology in relation to Smithson’s artistic practice, we emphasize instead that the politics of disgust shared by both figures advance a radical decentring and repositioning of the human in relation to planetary and geological forces. If, as geologists now agree, our present age is that of the Anthropocene1, our argument is that Bataille and Smithson anticipate this precarious condition analytically, and, perhaps more importantly, that their analysis suggests further important diagnostic considerations at the level of social organization and political composition that might help defer, if not entirely prevent, the catastrophic end of this all-too-human period.

Ce travail de recherche explore le rôle de la personnalité de Jacques II dans son insuccès en tant que roi en Angleterre en 1688 et en Irlande en 1690. Il a pour objectif de montrer que son échec dans les deux pays n'est pas uniquement le résultat de situations religieuse, politique et économique très complexes qui sont déstabilisées à l'arrivée d'un roi catholique sur le trône, mais aussi le résultat d'une personnalité inapte aux fonctions royales. Dans un premier temps, nous avons analysé le contexte religieux, politique et économique dans lequel s'inscrit le début du règne de Jacques II en 1685. Notre objectif était de comprendre la nature des enjeux et des tensions dans les deux pays avant son arrivée au pouvoir pour déterminer à quel point sa gouvernance était vouée, ou non, à un échec. Malgré l'existence de nombreux facteurs indéniablement défavorables, la présence d'éléments tout aussi importants permettant de stabiliser et même de renforcer son autorité et ses soutiens en début de règne nous a montré que les raisons de l'échec de Jacques II doivent aussi trouver des réponses dans la psychologie du personnage. Par conséquent, nous avons entrepris une analyse psychologique de Jacques II pour définir ses traits les plus caractéristiques et comprendre si ces derniers le rendaient apte à assumer la fonction royale. Nous avons découvert que l'échec du règne de Jacques II est en grande partie celui d'un homme qui, non seulement n'était pas fait pour être roi mais, de surcroît, était enfermé dans des principes personnels très rigides qui plaçaient ses décisions presque systématiquement en décalage avec les attentes de ses alliés principaux en Angleterre et en Irlande.

Cette thèse s'intéresse à la manière dont l'Oulipien Jacques Roubaud, tout en réécrivant des textes et des motifs venus du Moyen Âge, exhume aussi des pratiques littéraires de l'époque. En effet, tout au long de son œuvre, l'écrivain n'a de cesse d'avouer son penchant pour les lettres médiévales. Non content de publier, en qualité d'érudit, des essais sur la lyrique des troubadours ou le roman arthurien, il considère aussi les textes et les auteurs du Moyen Âge comme autant de modèles à sa propre posture. Il se reconnaît notamment dans cette conception de la littérature où l'originalité se jauge à l'aune, non pas de la pure nouveauté, mais de la récupération incessante du déjà-dit. L'écriture est toujours réécriture, adaptation et transmission d'œuvres anciennes, en un mot résolument médiéval, elle est toujours "translation". En recomposant la bibliothèque médiéval qu'arpente Jacques Roubaud au gré de ses écrits, ce travail cherche donc à cerner les mécanismes et les enjeux d'une réécriture à la lumière de la poétique médiévale.

Les travaux de Marcel Mauss connaissent au tournant des années 1980 un renouveau d’intérêt, notamment avec la revue du MAUSS. Cet intérêt serait attribuable à la conception originale du social comme symbolisme qui s’esquisse chez ce durkheimien hétérodoxe. Cette thèse compare les perspectives de quatre lecteurs contemporains du symbolisme maussien issus de la socio-anthropologie française, soit Camille Tarot, Bruno Karsenti, Alain Caillé et Jacques T. Godbout. Si ces derniers s’entendent sur l’importance des travaux de Mauss, le sens à donner aux concepts de fait social total et de don diffère sensiblement selon les auteurs : Tarot et Karsenti, en accordant plus d’importance à la découverte du fait social total, décèlent chez Mauss une conception sociale accordant une place à la totalité symbolique, alors que Caillé et Godbout, en insistant davantage sur la découverte maussienne du don, y trouvent les prolégomènes d’un tiers paradigme se situant entre l’holisme et l’individualisme.

Rosa Bonheur, artiste animalière du 19e siècle se révèle, par ses représentations humaines/ équines, être pionnière dans l’avènement d’une éthique animale. Bien qu’ayant joui d’une popularité enviable de son vivant, les études posthumes faites à son sujet sont majoritairement biographiques et principalement intéressées à examiner son célèbre Marché aux chevaux (1853-1855), sous la loupe de sa sexualité. Cette approche limitée, en plus de ne pas rendre justice à la position artistique adoptée par Bonheur, asservit les sujets équins de ses œuvres. Ce mémoire propose un angle alternatif de lecture de ses tableaux, qui se veut plus en adéquation avec son éthique animale. Inspiré par les recherches récentes des animal studies, particulièrement celles influencées par la déconstruction, il sera démontré que les représentations des relations inter-espèces de Bonheur soulèvent d’importants questionnements éthiques. Dans ce contexte, Rocky Bear and Chief Red Shirt (1889), une œuvre indûment négligée par les études en histoire de l’art, s’avère essentielle, lorsque considérée aux côtés du Marché aux chevaux, comme moyen de saisir l’éthique équine de l’artiste. Par l’analyse de ses oeuvres, ce mémoire invite à une réévaluation de l’art de Bonheur comme étant l’expression de son engagement pour l’avènement d’une manière plus éthique d’être avec le cheval. De plus, il cherche à contribuer, de façon significative, à la compréhension des rôles que les pratiques de représentation, en général et spécifiquement dans l’art, peuvent jouer dans la transformation de nos perceptions de l’animal non-humain. / Through her depictions of the human/horse relationship, the animal painter Rosa Bonheur has shown herself to be a pioneer in the advent of animal ethics. In life she enjoyed an enviable popularity and posthumously her work has continued to attract attention with most studies focussing on her biography, reading her famous The Horse Fair (1853-1855) through the prism of her sexuality. Such approaches are too limited and fail to do justice to Bonheur’s artistic philosophy, overwriting the importance of the horse, a key subject in many of her works. This dissertation takes an alternative approach, one more in keeping with the artist’s animal ethics. Inspired by recent research in animal studies, particularly research informed by deconstruction, the thesis demonstrates how Bonheur’s representation of interspecies relations raises key ethical questions. In this context, Rocky Bear and Chief Red Shirt (1889), a painting which has been unduly neglected in existing art historical scholarship, forms a vital work, one which is considered alongside the celebrated The Horse Fair as a means to understand Bonheur’s equine ethics. Through an analysis of these paintings in particular, the thesis invites a reassessment of Bonheur’s art as an expression of her commitment to the ethical treatment of horses and also seeks to make a significant contribution to understanding the role practices of representation more generally, including art, can play in the transformation of our perception of non-human animals.

Rédigé sous la direction de Michèle Garneau, le mémoire porte sur l’intégration du bruit en musique, de la révolution romantique au noise rock, pensée à travers la notion de « régime esthétique » théorisée par Jacques Rancière : mode d’expérience particulier selon lequel la pensée occidentale identifierait, depuis environ deux siècles, ce qui fait ou non oeuvre d’art. En opposition avec la poétique aristotélicienne et ses solides hiérarchies, qui façonnent le goût dominant de l’Antiquité aux Lumières, le nouveau paradigme reposerait sur la réconciliation des contraires : le noble et le vulgaire, l’actif et le passif, le conscient et l’inconscient etc. Ce processus d’indifférenciation est au coeur de notre réflexion. Seulement, là où Rancière privilégie la littérature, le cinéma et les beaux-arts, nous proposons de nous intéresser à la musique : aux pratiques et aux discours qui, depuis le romantisme, brouillent ses définitions et la font glisser vers le bruit. Un projet qui nous conduira du « tout parle » de Novalis au « tout ce que nous faisons est de la musique » de John Cage, de l’« harmonie des contraires » de Victor Hugo à la « totalité » rock de Richard Meltzer, de la « négation de l’idéal » de Gustave Courbet au refus radical de la no wave. / Written under the supervision of Michèle Garneau, this master’s thesis discusses the integration of noise in music, from the Romantic revolution up to the advent of post-punk, seen through the notion of "aesthetic regime" theorised by Jacques Rancière : a particular mode of experience according to which the Western thought would identify, since about two centuries, what makes or doesn’t make art. In opposition with the Aristotelian poetics and its solid hierarchies, which shape the dominant taste from the Ancient Greece up to the Enlightenment, the new paradigm is said to be based on the reconciliation of the contraries : the noble and the vulgar, the active and the passive, the conscious and the unconscious, etc. This process of indifferentiation is at the core of our work. Only, where Rancière favours literature, cinema and the fine arts, we propose to concentrate on music : on the practices and the discourses that, since the Romantic era, blur his definitions and make it slip into noise. A project that will take us from Novalis’ "everything speaks" to John Cage’s "everything we do is music", from Victor Hugo’s "harmony of the contraries" to Richard Meltzer’s rock "totality", from Gustave Courbet’s "negation of the ideal" to no wave’s radical refusal

The past two decades of political and social disintegration in Bosnia and Herzegovina have given birth to literary counterreactions against hegemonic ways of imagining social life in the country. This thesis deals with a particular practice in BosnianHerzegovinian war and post-war literature, which uses infantile perspectives to critically address issues related to the socialist history of Bosnia as part of Yugoslavia, the war in the 1990s, and the socalled transitional post-war period. Drawing on an old Western literary tradition of using the child character to estrange conventional experiences of the world, the texts (by authors such as Miljenko Jergović, Nenad Veličković, Alma Lazarevska, Aleksandar Hemon, and Saša Stanišić) use the skewing and dislocating outlook associated with the infantile subject to expose and undermine perceivably problematic mechanisms in socialist, ethnonationalist, and Western liberal hegemonic discourses. In contrast to previous research on the topic, which has primarily focussed upon the narratological conditions for the infantile perspective, the focus here is on the subversive infantilisation of hegemonic discourse—that is, the very discursive act of representing and contesting dominant concepts, narratives, and representations. The texts are seen as transitional areas through which input from the social world passes and, in this process, is restructured and ultimately transformed into a configuration slightly or radically different from the original input. Theoretically inspired by discourse theory and ideas from New Historicism, the study isolates and investigates a set of techniques through which this reconfiguration occurs. Apart from discussing the use of the basic infantile perspective as such a technique, the study also considers how the notion of the infantile influences techniques of dichotomisation (the production of positional counterpoints), appropriation (the critical subsuming of dominant discourse), and blending (the mixing of dominant and childish imagery). The thesis also addresses the possible political implications of the strategy of subversive infantilisation. Here the approach is influenced by the political philosophy of Jacques Rancière, which enables an understanding of the aesthetic reconfiguration of how Bosnian social life is imagined as a way of constituting a new form of subjectivity that evades the excluding and oppressive framework of hegemonic discourse.

This thesis explores the role played by narrative desire within two modernist experimentations with novel form: Willa Cather's 1918 novel My Antonia and William Faulkner's Absalom, Absalom! (1936). In it, I argue that Cather and Faulkner utilize framing narratives in order to present the main plot of each novel as a product of multiple narrators' desire for a story to emerge. In My Antonia, it is the expressed wish of Jim Burden's nameless writer friend that compels him to finish writing his account of Antonia, which constitutes the main plot of the novel. Meanwhile, in Absalom, Absalom! it is Quentin's perception that Rosa "wants it told" which inspires him to investigate and reconstruct her ex-fiancee Thomas Sutpen's life story with the help of two other character-narrators: his father and college roommate Shreve. Calling on narrative theory and psychoanalysis, I argue that Cather's and Faulkner's novels depict characters' desire for both storytelling and each other to be enigmatic and intersubjective. Indeed the impulse to generate narrative on the part of the tellers in both texts--notably Jim and Quentin--is seen to arise out of a partial, but not entirely clear, sense that another wants them to do so. In other words, the narrative desire conveyed by the nameless writer and Rosa appears to have no clear object. While it is understood by Jim and Quentin that a story is desired of them, the full extent of what this story might come to be about is never fully explicated by their interlocutors. Theoretically, the intervention this project wagers by way of Cather and Faulkner is a rethinking of two influential attempts to bring together narrative theory and psychoanalysis: Peter Brooks' Reading for the Plot (1984) and Judith Roof's Come As You Are (1996). While the claims regarding narrative advanced by both Brooks and Roof rely primarily on Freud's work (notably his theories of the death drive and of sexual development), I attempt to demonstrate how Lacan's thinking allows us to understand narrative as issuing from a desire that is at once intersubjective and objectless--as appears to be the case in My Antonia and Absalom, Absalom!. Lacan's dynamic conceptualization of desire, I suggest, is not only essential to understanding these two works; it is also very much implicit within the interplay of desire and narrative form they establish.