Mémoire numérisé par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

L’étude de l’œuvre de Georges Mathieu, artiste controversé dont les activités s’étendent sur les décennies suivant la Seconde Guerre Mondiale, vise à éclairer un parcours méconnu afin de pouvoir l’intégrer de manière plus pertinente dans le champ de l’histoire de l’art contemporain. S’intéresser aux réseaux au sein desquels a gravité l’artiste permet de considérer globalement l’abstraction lyrique et de dessiner des relations complexes entre les différents acteurs des mondes de l’art. Les enjeux du contexte artistique des années 1950 sont ainsi mis en avant plus précisément, conduisant à l’identification de stratégies de promotion en partie basées sur les mythologies du geste créateur. Mathieu, élaborant son discours par anticipation de sa réception et se présentant comme une personnalité médiatique ambivalente, s’inscrit dans une dialectique inhérente de l’art à l’ère postmoderne : l’oscillation perpétuelle entre culture d’élite et culture de masse / The study of Georges Mathieu’s work, debated artist whose activities extend over the decades following the Second World War, aims at enlightening an unkown path to be able to integrate it in a more relevant way into the contemporary field of the art history. Be interested in the networks in which the artist gravitated allows to consider the lyrical abstraction overall and to draw complex connections between the various actors of the worlds of art. The stakes in the artistic context of the 1950s are so put forward more exactly, leading to the identification of strategies of promotion partially based on the mythologies of the creative gesture. Mathieu, developing his discourse by anticipation of his reception and appearing as an ambivalent media personality, fits into an inherent dialectic of the art in postmodern era : the constant swaying between culture of elite and mass culture

Le volet création de ce mémoire comporte trois parties. Dans la première, le sujet affirme son exil en éparpillant ses origines, les saisons et les langues. À la fin de cette partie, le sujet se situe à la croisée des chemins, celui de la mémoire et celui de l'imaginaire. Dans la seconde partie, le sujet choisit de parcourir le chemin lui permettant de construire son propre territoire identitaire. Toute son attention est portée vers le paysage, si bien qu'il pourra déambuler librement au cours de la troisième partie. Il construit alors son identité à partir des signes recueillis à même le paysage montréalais pour que la fin de l'hiver coïncide avec la réconciliation, avec son exil. Les deux premières parties sont écrites en vers -la première étant exempte de ponctuation -, tandis que les poèmes de la troisième partie sont en prose. Cette exigence formelle illustre le parcours du sujet: le projet s'élabore d'abord autour de la rupture pour tendre vers une écriture plus fluide. Le dossier d'accompagnement comprend quatre promenades thématiques. Dans la première, l'exil est présenté comme un état: pour l'exilé, le fantasme du pays perdu est confronté à son appartenance à la terre d'accueil. Cette confrontation empêche l'exilé de s'enraciner dans un pays particulier. Le lieu d'habitation est plutôt un entre-deux qui induit un mouvement. Celui-ci est conceptualisé dans la seconde partie à l'aide de la théorie du sujet lyrique. Le je y est présenté comme une quatrième personne du singulier se projetant dans les autres auxquels il s'adresse, dans les objets qu'il convoque et dans les divers lieux qu'il arpente. La troisième partie se consacre à la déambulation qui est pour l'exilé la seule façon de s'inscrire dans le monde. La quatrième partie soulève la question de la langue: l'écrivain qui écrit en langue d'emprunt n'abandonne pas sa langue maternelle, mais lui donne une place privilégiée afin de rendre compte de l'expérience de l'exil. Ces quatre promenades visent à illustrer l'éparpillement des lieux, du temps et des idées que l'exil implique. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Exil, Entre-deux, Sujet lyrique, Déambulation, Lieu, Langue, Altérité, Frontières.

Diss.--Universität Stuttgart, 1994. / Bibliogr. p. 189-200.

"Mort du sujet", "retour du sujet", "sujet postmoderne", notre temps n'est pas avare de concepts et de formules... Or, savoir précisément ce qu'ils recouvrent est un autre défi. Penser l'époque contemporaine est en effet une gageure intellectuelle et déterminer ce qu'est le sujet ne l'est pas moins... Pour cela, étudier les spécificités du sujet aujourd'hui dans ses trois acceptions d'écrivain, de fable et de personnage sans gommer les différences propres à un corpus d'étude comparatiste semblait de bonne méthode. Une trentaine de vies imaginaires et d'essais méditatifs, formes littéraires nées pour ainsi dire dans le dernier quart du XXe siècle ; des proses mi-fictionnelles mi-sérieuses de quatre auteurs contemporains ayant déjà une certaine reconnaissance institutionnelle, P. Michon, G. Macé, P. Quignard et Fl. Delay, constituait notre corpus d'étude. Se demander d'abord comment les ruptures avec l'ère formaliste affectaient la parole de nos auteurs était une étape nécessaire. On les a ainsi vu refuser l'autorité de "l'auteur" pour se représenter en "lettrés actifs" et chercher davantage l'espace tenu mais ferme d'un "effet sujet" que les sables mouvants de l'écriture personnelle. Que cette subjectivité repensée influe également sur le délicat équilibre de l'avéré et de l'imaginaire dans nos textes n'est alors pas étonnant. Elle est révélatrice de l'attente double qui caractérise notre temps et d'une des configurations que prend le lyrisme dans la prose contemporaine. Ces tensions dans l'écriture sont cependant moins sources de déchirements que l'origine d'une figuration nouvelle. D'une densité légère, d'une luminosité spectrale et d'une profondeur complexe et translucide à la fois, l'hologramme constitue une métaphore riche de sèmes pour penser l'écriture contemporaine comme le fonctionnement du personnage dans nos textes. Ni acteur impliqué dans la glèbe du monde ni individu désabusé, le sujet contemporain est plutôt ce rêveur qui construit des mondes et qui s'efforce d'y advenir. Altérant le présent pour pouvoir rencontrer autrui, le sujet contemporain s'assume comme être de relation et d'accueil, nouveau sujet lyrique qu'une voix chuchotée a fait naître entre le monde de l'attesté et celui de l'imaginaire. / "Death of the subject", "return of the subject", Postmodern subject" - modern criticism is not short of such notions and formulae. To know precisely what these mean is, however, another matter entirely... Whilst understanding the contemporary poses an intellectual challenge of one kind, defining the subject poses another of equal importance. For this reason, it seemed methodologically appropriate to define the specificities of the subject today by considering the three dimensions it assumes in the works of contemporary writers - namely the scholarly, the fabulous and the fictional. The corpus of works considered in this study comprises about thirty imaginary lives and meditative essays - literary forms which have developed mainly during the last quarter of the 20th century. These texts, by four relatively well-established literary figures, (P. Michon, G. Macé, P. Quignard and F. Delay) mingle both fiction and reality. It was firstly necessary to determine how the break with the Formalist era had affected the writing of the authors considered. In this regard, they were found to be locking for a more concrete way of self-expression thus avoiding the potential pitfalls inherent in subjective writing. that this re-analysis of subjectivity in the chosen texts equally affects the delicate characterises our times and illustrative of one of the forms of lyricism in contemporary prose. Such tensions in contemporary writing do not lead so much to rupture as to the beginnings of a new configuration. With a lightness, a spectral luminosity and a depth of complexity with a translucent quality, the hologram represents a rich set of metaphors for contemporary writing and the dynamic of the character within our texts. Neither an active force within the world nor disabused by it, the contemporary subject is above all a dreamer constructing its own worlds in which to take place ; altering the present in order to approach others, the contemporary subject presents itself as open to relationships with others, and constitutes a new lyrical entity brought forth by a whispering voice between the real world and the imagined.

André Velter est un des poètes qui a le plus recherché des collaborations. Il fonde son Dire sur un Tu en co-présence. Le dialogue est au fondement de sa poésie de la présence, il s’expose dans Aisha, puis évolue dans Dar-î-Nûr. Vallée de la lumière (deux livres de poésie écrits avec Serge Sautreau) d’une poésie du visage à une poésie du paysage. Si de 1963 à 1976 une écriture (néo-)surréaliste prévaut dans l’œuvre d’André Velter, ses voyages au long cours en Afghanistan et ses séjours en Himalaya à partir des années 1980 orientent définitivement son style vers un lyrisme aride, marqué par les cultures et les paysages du Haut-Pays, dont témoignent Le Haut-Pays et L’Arbre-Seul. L’amour extrême : poèmes pour Chantal Mauduit, qui appartient au lyrisme amoureux qu’il développe entre 1996 et 1998, signe l’apogée de sa création en étoffant désormais son style aride d’une tendance lyrique fauve. Cette thèse propose une reconstruction de la poétique de l’auteur sous l’égide d’une notion centrale : la poésie vécue. Elle présuppose la continuité de l’œuvre et de la vie dans la catégorie de l’œuvre-vie. L’analyse de la poïétique d’André Velter en tant que géopoïéthique nomade – valorisant son affinité avec la catégorie poéthique et la méthode géopoétique – permet l’intégration mutuelle de l’œuvre et de la vie, impliquant les contextes géographiques, historiques et autobiographiques. L’engagement, la révolte et l’amour naissent poétiquement dans un même mouvement qui lie la structure poïétique profonde du Dire, basée sur des valeurs qu’implique la Relation lyrique à l’Autre (l’étranger, l’inconnu), à un éthos singulièrement velterien, qui est indissociable de son style. Le paysage du poète se présente ainsi par son Dire et par son Dit en tant que poésie vécue d’André Velter. / The thesis ‘The Living Poetry of André Velter’ develops an analytical approach to the Velterian œuvre – a genre of geopoetics in the style of Kenneth White. Using the recently developed concepts of ecocriticism, geocriticism, literary geography, landscape thinking (pensée-paysage) and poethics, the thesis approaches the body of Velter’s lyrical creation between 1963 and 2013. From this approach the analytical concept of mondopoethics is developed and clearly defined as a method for analysing Velter’s lyrical work and ideas, in particular his “living poetry”. This concept of mondopoethics arises from the nature and characteristics of Velter’s poetry and is also appropriate for analysing other poietic (lyrical and non-lyrical) work.The main research is focussed on the style, themes and poiethics of André Velter’s lyrical work between 1963 and 2001. The analysis reveals three main periods. The first being a neo-surrealist period from 1963 to 1976. This is followed by a mature period called ‘arid lyrics’ (lyrisme aride) from 1976 onwards. In this period Velter’s work is sustained by two complementary themes – the ‘arid’ and the ‘fauve’. The ‘arid’ style develops into the wilder ‘fauve’ style which then becomes dominant by about 1996. This development initiates the third main lyrical period from 1996 onwards. During the mature ‘arid lyrics’ period the two integrated and opposing themes (‘arid’ and ‘fauve’) create an energetic tension as between two opposite poles. The poems identified as thematically ‘arid’ are principally related to long journeys throughout Afghanistan and the Ladakh-Himalaya. The poems identified as thematically ‘fauve’ are related to wild love, death and mythic animals such as various birds, yaks, the gypsy horse Zingaro and the bull of the corrida. The change in style from ‘arid’ to ‘fauve’ corresponds closely with the changes revealed by the poet’s biography.In 1976 Velter leaves Paris for the mountains of Afghanistan and the Himalaya. These eastern landscapes, and eastern cultures such as Sufism and Buddhism, then influence his poetry which turns towards orality and integrates breath and step into its rhythm and typology. His passionate love for the alpinist Chantal Mauduit in 1996 and her sudden death in the Himalaya in 1998 turns Velter’s lyrics towards the great themes of love and death – particularly in his trilogy ‘L’amour extrême: poèmes pour Chantal Mauduit’ (2007).The principal poiethic structure sustaining the poems throughout all creative periods is the dialogic principle ‘I – You’ (cf Martin Buber’s coupling ‘I – Thou’). All the poems in the Velterian lyrics have an addressee. This may be a friend – as in the ‘You – Thou’ of the poem ‘Aisha’ (1963) (co-written with Serge Sautreau), or a location – as in the poem of the Afghan landscape ‘Dar-î-Nûr’ (1978/1983). This fundamental dialogical poiethic principle culminates with the love lyrics addressed to Chantal Mauduit. It continues in Velter’s poems even after her death: ‘You are the voice/that responds to my voice/no poem ever without it’. It also nourishes the artistic co-creation with painters and musicians, highlighting what Velter calls ‘a new oral poetry’ (nouvelle oralité poétique, 1999). / Die poésie vécue André Velters ist eine Antwort auf Lebens- und Erlebensprozesse. Sie entsteht an der Wurzel des Werdens und ist eingebettet in eine umfassende Liebe zum Leben. Ihr innerstes poietisches Prinzip ist eine Quelle poetischer visio und auditio. Dieses lyrische Prinzip stellt der Dichter im Gedicht durch sein Dire (Sagen) dar, dem das Dit (Gesagte) des Gedichtes korrespondiert. Poesie wird als co-naissance des lyrischen Subjekts und der Wirklichkeit (le réel) sowohl außerhalb der Sprache als auch im Akt des Sagens gebildet. Wenn die Poesie als Gesagtes dem Ursprung ihres Sagens radikal korrespondiert (ihm entsprechend antwortet, ko-respondiert), vermittelt sie in Bildern und Figuren ein lyrisches Ethos. Dieses Ethos repräsentiert performativ die singuläre poésie vécue André Velters. Es gründet auf einer dialogischen Fundamentalpoethik, die dem Anderen und dem Raum antwortet. Durch ihren Bezug zur Quelle, das heißt, zur Genese von Welt, verkörpert die poésie vécue in arte das Unsichtbare an der Grenze zum Unverfügbaren. Diese Landschaft des Dichters öffnet dem realen Leben (la réalité) den Übergang hin zur Präsenz (présence) der lebendigen poetischen Bewegung (mouvement perpétuel) von Wirklichkeit (le réel). Die Dynamik der poésie vécue wird getragen von den polaren stilistischen Prinzipen des lyrisme aride und des fauvisme, die in der Spannung von Knappheit (dénuement) und Übermaß (démesure) das Gedicht formal und inhaltlich bestimmen.Das radikale Prinzip der poésie vécue zeichnet sich durch hauptsächlich drei Perioden aus. Während der Revolten in Paris 1963-65 keimt eine engagierte Lyrik im Dialog mit Serge Sautreau auf. Sie transformiert sich durch das Erleben der Kulturen, Landschaften und religiösen Praktiken in Afghanistan und im tibetisch geprägten Ladakh-Himalaja während der späten siebziger, achtziger und frühen neunziger Jahre. Sie erreicht ihre vollkommene Form in der Liebeslyrik für die 1998 im Himalaja durch eine Lawine getötete Alpinistin Chantal Mauduit.

Cette thèse est consacrée à l’étude de l’œuvre et de la poétique de Francesco Biamonti (1928-2001). Elle propose un parcours critique qui montre les liens entre l’écriture de l’auteur, aussi bien dans ses thématiques que dans ses choix stylistiques, et l’expérience culturelle qui la sous-tend. Les romans biamontiens apparaissent comme une tentative d’exprimer sous forme artistique une vision personnelle du monde et de l’homme, que l’écrivain italien élabora en autodidacte pendant sa vie. Il s’agit d’une vision qui ne peut ne pas tenir compte de la réflexion sur le territoire du Ponant ligurien, représenté par Biamonti dans ses transformations du XXe siècle et dans son actualité. Ainsi, la juxtaposition des termes territoire et existence dans le titre suggère une première clef de lecture de cette étude.Cette thèse s’articule en trois grandes parties. Dans la première partie, l’étude de l’espace romanesque favorise l’analyse de la vision biamontienne de l’histoire méditerranéenne et européenne, et montre les mécanismes de transfiguration et les processus mythopoïétiques caractérisant la représentation du Ponant ligurien et de l’« ailleurs » français dans les romans. La deuxième partie porte sur l’analyse des personnages et propose une interprétation de la conception biamontienne de la réalité humaine sur la base des théories existentialistes et phénoménologiques. Enfin, la dernière partie explore l’idée de création artistique et souligne certaines caractéristiques de la prose biamontienne et de son lyrisme dans une perspective aussi bien textuelle que théorique. / The PhD Thesis is devoted to the study of the work and the poetics of Francesco Biamonti (1928-2001). It proposes a critical analysis showing the connections between the writing of the author, in both its themes and its stylistic choices, and its underlying cultural influences. Biamonti’s novels appear as an attempt to express his personal vision of the world and the human condition, which the Italian writer developed as autodidact all along his life. Framing this vision cannot ignore the considerations of the author about the Ligurian west territory, represented through its twentieth century transformations and its contemporary topics. Thus, the juxtaposition of the words territory and existence in the title suggests the first key to read this work by.The PhD Thesis is articulated in three main parts. The first part, through the study of the narrative space, analyses Biamonti’s reflections on the Mediterranean and European history; moreover, it contains the literary mechanisms and the mythopoietic processes characterizing the representation of the Ligurian territory and the French “Elsewhere” in the novels of the author. The second part is concerned with the study of the characters and, in light of a series of philosophical readings, it examines Biamonti’s conception of the human reality and existence. The third and final part explores the idea of artistic creation and highlights specific characteristics

La fascination est une expérience des limites qui met en demeure le langage de trouver d’autres voies / voix pour dire, dans l’instant où le sujet se voit, souffle coupé, au bord de l’aphasie. La philosophie, à travers la question du sublime, a posé les jalons de cette question, cherchant à définir en termes rhétoriques, ontologiques et éthiques, ce qui se joue dans un instant syncopé où la raison est suspendue. La poésie mystique occidentale a elle aussi sondé des instants de rapt où le sujet en extase reçoit, dans une plénitude paradoxalement douloureuse, la présence divine. Ce travail se propose de reposer ces questions en les transposant dans un corpus romanesque, qui s’inscrit sous un horizon teinté de l’expérience lyrique surréaliste, où l’absolu est immanent. La question de l’Autre parcourt ces romans qui sont traversés, dans leur forme et signification, par une rencontre qui fait événement et han! te irrémédiablement l’écriture. Une dramaturgie se révèle : le roman devient l’espace propice à l’apparition de l’événement saillant de l’expérience, en permettant à la parole de se détacher ostensiblement dans le flux narratif, de prendre des détours et de se choisir des relais. Mais une scène invisible apparaît en filigrane : celle de réseaux souterrains de liens d’emprise qui donnent accès à une émotion hyperbolique et ambiguë. Le temps se fige pour emprisonner l’événement labile, et les frontières entre les sens se brouillent pour traduire l’indicible. La musique vient relancer le texte en proie au silence, à peine percé, parfois, de cris. L’altération du sujet fasciné se propage à l’écriture romanesque qui se fraye un chemin près de la poésie. / Fascination is an experience of limits which requires language to find other means of expression at the moment when the subject sees himself / herself breathless on the brink of aphasia. Philosophy, in its question of the sublime has paved the way by searching for definitions in rhetorical, ontological and ethical terms as to what happens during loss of consciousness when reason is suspended. Western mystical poetry has also probed those moments of rapture when the subject in the grip of ecstasy receives, in a fullness paradoxically painful, the Divine presence. The present work poses against these questions transposing them in to a corpus of novels coloured by a Surrealist lyrical experience, when the absolute is immanent. The question of the Other pervades these novels whose forms and meanings are traversed by a meeting which is the outstanding event and which haunts irremediably the text. A dramaturgy is revealed: the novel becomes the fa! vourable space for the appearance of the capital event of the experience, allowing speech to detach itself ostensibly in the narrative flow to take other turnings and to choose relays. An invisible scene appears however beneath the surface and an underlying network of power relations which gives access to a hyperbolical and ambiguous emotion. Time freezes to imprison the labile event, and the frontiers between the senses become blurred to translate the unspeakable. Music relaunches the text a pray to silence barely pierced, sometimes, by cries. The alteration of the fascinated subject spreads throughout the text which opens out a pathway towards poetry.

Cette thèse porte sur la négativité dynamique du sujet lyrique dans la poésie de Jacques Brault, de Michel Beaulieu et d'Hélène Dorion. Les travaux récents sur le sujet lyrique, l'énonciation poétique et le lyrisme contemporain constituent la pierre d'assise de cette étude. Le sujet lyrique, depuis la modernité européenne, se donne à lire à travers divers glissements pronominaux et postures énonciatives mouvantes. Les théories de la poétique des œuvres comme forme-sens et du rythme (Henri Meschonnic) complètent la conception du sujet d'énonciation poétique qui sera ici utilisée. Or, Jean-Michel Maulpoix a montré comment le lyrisme contemporain se fonde sur un rapport à une transcendance perdue, dépassant les anciennes considérations formelles qui alliaient systématiquement la lyre au chant emphatique et à la musicalité. Cette défaite (ou cette inquiétude) favorise de nouvelles formes d'énonciation aux registres discordants, qui n'excluent pas - bien qu'on refuse désormais de déifier la poésie - une nostalgie du Chant et de l'élévation. Car le lyrisme critique européen s'élabore à partir d'une forte tradition, une riche histoire des formes lyriques. Nous croyons que cela se présente différemment chez les auteurs québécois qui tirent de leur tradition défaillante une inventivité certaine, sous-tendue par ailleurs par un discours critique sur la pauvreté essentielle. Si Saint-Denys Garneau découvre l'écriture, dans les années 1930, à l'ombre d'une tradition poétique quasi désertique, Jacques Brault, Michel Beaulieu et Hélène Dorion écrivent, pour leur part, à la suite de Garneau ou de Miron - et devant une tradition, certes - mais en ayant pour horizon cette valorisation de la pauvreté. Pauvreté du sujet, de sa langue, qui sont donnés d'emblée comme manquants ou manqués, déterminés par une négativité fondamentale. C'est pourquoi on s'attachera ici à définir le concept de négativité dynamique qui, sur le plan littéraire, devient une véritable force structurante et un facteur de relance de l'entreprise poétique. La négativité relève de cette propension à définir le sujet et le monde sur le mode du manque, de la souffrance, de la perte. Dépassant les considérations strictement thématiques, ces œuvres poétiques explorent la pauvreté, les failles, la difficulté, le dénuement, pour y trouver cependant leur inventivité, leur élan, leur espace de jeu. Cela détermine la construction des représentations, le choix des motifs et figures, le travail de la forme ainsi que l'organisation de l'énonciation. On s'intéressera de fait au lieu d'énonciation ainsi qu'à l'énonciation des lieux qui architecturent ces poétiques. Dans la poésie de Jacques Brault, une subjectivité clocharde se met en jeu au sein d'une poétique de la pauvreté volontaire. Cette poétique s'accorde à une motion incessante : avancer en pauvreté. Du côté de Michel Beaulieu, on retrouve une subjectivité-kaléidoscope qui perpétue, à même son souffle haletant, une poétique de la déchéance tranquille, alors que son mouvement dynamique consiste à tresser dans l'ouverture. Chez Hélène Dorion, on observe une subjectivité-toile. Tributaire d'une discordance fertile, cette écriture construit une poétique de la faille et du lien, traçant les intervalles entre les choses et les êtres, cherchant ce qui permettra de sillonner la spirale qui se déploie graduellement dans l'Univers. Ces trois œuvres accompagnent l'évolution de la poésie québécoise de la poésie du pays, aux avant-gardes des années 1970 jusqu'à l'intimisme des années 1980 à aujourd'hui. Leur relecture permettra de mieux comprendre les fondements du lyrisme, au Québec, un lyrisme critique, mais aux tonalités familières, axé sur la sobriété. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Jacques Brault, Michel Beaulieu, Hélène Dorion, Poésie québécoise, Sujet lyrjque, Négativité, Lyrisme contemporain.

Thèse de doctorat : Littérature : Paris 12 : 2005. / Version électronique uniquement consultable au sein de l'Université Paris 12 (Intranet). Titre provenant de l'écran-titre. Bibliogr. : 78 réf. Index.