La fascination est une expérience des limites qui met en demeure le langage de trouver d’autres voies / voix pour dire, dans l’instant où le sujet se voit, souffle coupé, au bord de l’aphasie. La philosophie, à travers la question du sublime, a posé les jalons de cette question, cherchant à définir en termes rhétoriques, ontologiques et éthiques, ce qui se joue dans un instant syncopé où la raison est suspendue. La poésie mystique occidentale a elle aussi sondé des instants de rapt où le sujet en extase reçoit, dans une plénitude paradoxalement douloureuse, la présence divine. Ce travail se propose de reposer ces questions en les transposant dans un corpus romanesque, qui s’inscrit sous un horizon teinté de l’expérience lyrique surréaliste, où l’absolu est immanent. La question de l’Autre parcourt ces romans qui sont traversés, dans leur forme et signification, par une rencontre qui fait événement et han! te irrémédiablement l’écriture. Une dramaturgie se révèle : le roman devient l’espace propice à l’apparition de l’événement saillant de l’expérience, en permettant à la parole de se détacher ostensiblement dans le flux narratif, de prendre des détours et de se choisir des relais. Mais une scène invisible apparaît en filigrane : celle de réseaux souterrains de liens d’emprise qui donnent accès à une émotion hyperbolique et ambiguë. Le temps se fige pour emprisonner l’événement labile, et les frontières entre les sens se brouillent pour traduire l’indicible. La musique vient relancer le texte en proie au silence, à peine percé, parfois, de cris. L’altération du sujet fasciné se propage à l’écriture romanesque qui se fraye un chemin près de la poésie. / Fascination is an experience of limits which requires language to find other means of expression at the moment when the subject sees himself / herself breathless on the brink of aphasia. Philosophy, in its question of the sublime has paved the way by searching for definitions in rhetorical, ontological and ethical terms as to what happens during loss of consciousness when reason is suspended. Western mystical poetry has also probed those moments of rapture when the subject in the grip of ecstasy receives, in a fullness paradoxically painful, the Divine presence. The present work poses against these questions transposing them in to a corpus of novels coloured by a Surrealist lyrical experience, when the absolute is immanent. The question of the Other pervades these novels whose forms and meanings are traversed by a meeting which is the outstanding event and which haunts irremediably the text. A dramaturgy is revealed: the novel becomes the fa! vourable space for the appearance of the capital event of the experience, allowing speech to detach itself ostensibly in the narrative flow to take other turnings and to choose relays. An invisible scene appears however beneath the surface and an underlying network of power relations which gives access to a hyperbolical and ambiguous emotion. Time freezes to imprison the labile event, and the frontiers between the senses become blurred to translate the unspeakable. Music relaunches the text a pray to silence barely pierced, sometimes, by cries. The alteration of the fascinated subject spreads throughout the text which opens out a pathway towards poetry.

Le silence devient une substance matérielle dans l'œuvre de Maria Ondina Braga,qui en fait un objet à son usage, voire à son image. Ecivaine de l'absence, de la mort et de cette énigmatique "jouissance Autre" (que phallique), ses textes sont modulés par un exotisme oriental qui ajoute du mystère et de la pudeur au langage de l'ineffable qui les caractérise. La "mise au mots" du silence émotionnel,les réticences de son écriture, située en permanence sur la frontière entre le dit et le non dit, le secret qui entoure le ses personnages permettent de définir Maria Ondina Braga comme une écrivaine de l' "intime". Dans cette étude, nous nous interrogeons avant tout sur l'émergence du silence chez l'écrivaine, née en 1922 au nord du Portugal. Le climat dans lequel elle "s'éveille tout d’abord aux choses et aux êtres" ainsi que le drame de son enfance la conduisent au silence comme refuge sensible mais aussi comme ravissement identitaire traumatique. Les voyages réels s'imposent alors comme une quête désespérée des imites de son Moi hétérogène. Ils fournissent des matériaux à son évasion imaginaire. Une écriture du silence, que nous analysons dans une deuxième partie, prend forme. La dépression signée par le silence érotique qui marque l'écrivaine, devenue une sorte d’organisation narcissique du vide qui l'habite, relance l’écriture : l'écho du silence dit alors inlassablement le deuil impossible et l'absence devenue corps envahissant. Dans son œuvre comme dans sa vie, le silence est bien cet "être-au-monde" propre à l’écrivaine, condition indispensable à sa survie. / Silence becomes material in Maria Ondina Braga's work, transforms it into an object to her use or even in her own image. Writer of absence, death and that egnigmatic "other ecstasy", her texts are shaped by an oriental exotism which adds mystery and a sense of decency to this language of the ineffable that characterizes them. The wording of the emotional silence, the reticences of her writing, permanently located on the edge between the said and the unsaid, the secrecy surrounding her characters enable to define Maria Ondina Braga as a writer of "intimacy". In this study, we mainly wonder about the incoming of silence in the work of the writer, born in 1922 in nothern Portugal. The circumstances in which she "wakes up first to things and beings" and her childhood drama led her to silence as a sensitive refuge as well as a self traumatic ravishing. Her real-life trips result from a desperate quest of her self heterogeneous limits. They provide support to her virtual escapes. A writing of silence takes place and this is analyzed in a second part. Depression underlined by her erotic silence, signature of the writer, turns into a kind of a narcissistic organisation of her characteristic "unbeing". That depression revives the writing : the echo of silence endlessly tells the impossible mourning and how absence becomes a physical invader. In her work such as in her life, silence really is that "being in the world" specific to the writer and an absolute prerequisite to her survival.

Le texte ne pouvant s'achever doit être détruit par le cinéma : tel est notamment l'un des grands principes créateurs de l'œuvre durassienne. Aussi, notre dessein est-il d’étudier l’œuvre de la destruction dans les romans de Marguerite Duras à travers un corpus choisi relativement à des critères explicités, allant de 1943 à 1991 : Moderato Cantabile, Détruire, dit-elle, Le Square, Le Vice-consul… D'abord, nous chercherons s'il existe une véritable entreprise de destruction dans la fiction en déterminant les caractéristiques stylistiques du texte, les grands traits du personnage semblant condamné à la douleur ou au désastre. Mais nous montrerons que la couleur du texte durassien n'est pas aussi sombre qu'elle paraît l'être : le personnage - vu à travers un prisme kojévien et Kierkegaardien - se hissant jusqu'à une certaine transcendance. Puis nous examinerons si l'écriture durassienne est métaphorique de la destruction car accidentée, traversée par la trace pascalienne, très marquée par la répétition, révélant une large empreinte de la perte et du doute. Cela nous interrogera quant à l'écrit durassien qui attenterait à toute littérarité. Enfin, nous étudierons comment s'est opéré le passage du texte au cinéma, en quoi ce texte est métaphorique de la technique cinématographique en général, du signifiant filmique durassien en particulier ; s'il est représentatif du signifié cinématographique durassien et en quoi la fiction est allégorique de l'écriture selon Marguerite Duras. Nous achèverons en questionnant la véritable nature de cette écriture : une simple destruction ? Une œuvre élevant au niveau de l'art un texte que son auteur a voulu "massacrer" ? / The text cannot be completed must be destroyed by the cinema: this is notably one of the great creators of the work durassian principles. Also, it is our intention to study the work of destruction in the novels of Marguerite Duras through a corpus chosen in relation to explicit criteria, ranging from 1943 to 1991: Moderato Cantabile, Destroy, she said, The Square , The Vice-consul ... First, we look for signs of a real extermination will in fiction by determining the stylistic features of the text, the main features of semblance character condemned to pain or disaster. But we will show that the color of durassian text is not as bleak as it seems to be: the character - seen through a prism kojévien and Kierkegaardien - moving up to a certain transcendence. Then we will examine whether the durassian writing is metaphorical destruction as rugged, crossed by Pascal's trace, very marked by repetition, revealing a wide footprint of loss and doubt. This will question us about the writing that durassian attenterait any literariness. Finally, we will study how the transition took place in the cinema of text, how this text is metaphorical film technique in general, the film durassian meaning in particular; it is representative of durassian film meant and what fiction is allegorical writing by Marguerite Duras. We will finish by questioning the true nature of this writing: a simple destruction? A work raising to the level of art a text that the author wanted to "kill" ?

L’écriture de Clarice Lispector est habitée par une profonde tension vers le ravissement. Ce terme, qui peut correspondre aux mots brésiliens êxtase, enlevo, n’est pas courant au sein du lexique lispectorien ; cependant nous avons choisi de bâtir une problématique à partir des multiples occurrences et figures de marque extatique qui parsèment son œuvre. D’abord le ravissement se déploie en tant que fracture du réel sur le plan de la temporalité : instant qui déchire l’opacité du quotidien en exposant les protagonistes féminines des récits et des romans lispectoriens à un ordre différent du sens et du réel, au-delà du domaine même de la compréhension. La tension déclenchée par la rupture, le (des)encontro, conduit la parole toujours dans un espace qui se situe, dans les termes de Lispector, derrière la pensée. Ce travail explore la possibilité d’aborder certains lieux textuels lispectoriens afin de mettre en lumière la portée et la profonde tension du ravissement, en poursuivant la puissance éminemment non-pensante de l’écriture de Clarice Lispector : son caractère hiéroglyphique. À la lumière de cela, l’œuvre lispectorienne pourra être (re)pensée en tant que tension vers le ne pas savoir, que l’écrivaine désigne dans son texte Água viva (1973) comme « pensée derrière la pensée ». / The writing of Clarice Lispector is inhabited by a deep tension to rapture. This term, which may correspond to the Brazilian words êxtase, enlevo, is not common in the lexicon of Lispector; however, we chose to build a question observing the multiple occurrences of ecstatic figures which belong to her work. First, the rapture unfolds as a fracture in the temporality plan: it tears the opacity of the daily life, exposing the female protagonists of Lispector’s stories and novels to a different order of meaning and of reality, placing them outside the scope of understanding. The tension triggered by this rupture, the (des)encontro, leads the speech into a space that is, in Lispector’s terms, behind the thought. This work explores the possibility of addressing some of Clarice Lispector’s texts to highlight the range and depth of the tension which characterizes rapture, pursuing the highly non-thinking power of the writing of Clarice Lispector: its hieroglyphic character. In this perspective, the work of the Brazilian writer can be (re)thought as a struggle toward the not knowing, to which the writer refers in her text Água Viva (1973) as « thought behind the thought ».

L’objet de cette thèse est de montrer, dans un corpus français compris entre 1601 et 1675, que l’extase est employée comme la condition du sens de ces discours. La première partie, qui porte sur la fin de l’extase mystique, vise à répondre aux besoins préliminaires d’une définition de l’extase au XVIIe siècle, afin de disposer des outils lexicaux, notionnels et historiques pour mener à bien la recherche poétique. Sont précisés le lexique de l’extase, les conséquences induites par la transformation d’un principe métaphysique en un phénomène humain, et la situation de l’extase face au discernement spirituel qui a abouti à sa faillite. La deuxième partie, qui est consacrée aux récits d’extases, permet de mesurer les conséquences poétiques des premières conclusions, en distinguant la poétique narrative de deux objets qui se trouvent à l’un et l’autre bout des mutations de l’extase au cours du siècle, à savoir l’extase visionnaire dans la Vie de Thérèse d’Avila et l’extase devenue invisible dans les relations spirituelles de Claudine Moine. Ces deux extases sont traitées comme des objets sémiotiques, dont les procédures narratives posent à la narration un problème d’ordre temporel qui a pour effet de faire échec au récit de sainteté que Thérèse d’Avila entend mener, et de rendre impossible dans les écrits de Claudine Moine la conjonction du sujet de l’histoire racontée avec le sujet de la narration. Enfin, la troisième partie traite de l’énonciation de l’extase dans un corpus principalement poétique. Elle isole les figures historiques employées pour représenter une telle énonciation, précise la façon dont l’affectivité extatique s’articule à la parole, et éclaire l’incidence de l’économie affective de sujet extasié sur les modes de figuration objective de l’extase. / This dissertation aims to show, through an analysis of a French corpus dating from 1601 to 1675, that ecstasy is used as the condition of the meaning of these speeches. The first part, which focuses on the end of mystical ecstasy, seeks to meet the primary needs of a definition of ecstasy in the 17th century, in order to gather the lexical, notional and historical tools for poetical research. It clarifies the lexicon of ecstasy, shows the results of the transformation of a metaphysical principle into a human phenomenon, and explains the situation of mystical ecstasy facing the discernment of spirits that led to its fall. The second part, which focuses on the narratives of ecstasy, allows to evaluate the poetical consequences of the previous conclusions. It distinguishes indeed between the narrative poetics of two objects located on both ends of the mutations of ecstasy during the century: the visionary ecstasy in the Life of Teresa of Avila, and the invisible ecstasy in the spiritual relations of Claudine Moine. These two kinds of ecstasies are considered as semiotic objects, whose procedures result in a temporal problem: ecstasy stymies the narrative of holiness that Teresa of Avila intends to tell, and hinders the identification between the subject of the story and the subject of the narration in Claudine Moine’s writings. Finally, the third part deals with the enunciation of ecstasy in a corpus that is mainly poetical. It isolates the historical figures that are used to represent this enunciation, specifies how the ecstatic emotions are linked to verbal expression, and determines the impact of the ecstatic subject’s emotional economy on the objective modes of figuration of ecstasy.

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À travers l’analyse d’une quinzaine de pièces issues du répertoire contemporain (1991-2017), cette étude vise à penser la dynamique du ravissement à l’œuvre dans les écritures dramatiques pour rendre compte d’un réel catastrophique. Plutôt que déplier des situations par le biais d’outils de distanciation critiques, elles opèrent un mouvement qui suspend le sens des gestes des protagonistes, ravit la possibilité de leur compréhension pour mieux enchanter le réel. L’échappée s’opère par le négatif pour faire surgir l’espoir à partir du désespoir. Ce mouvement paradoxal qui fait de la défaite la brèche par laquelle inquiéter la tyrannie de la réalité peut se penser comme passage d’une situation de sidération à une fascination qui dessine une ligne de fuite vers un point d’utopie. Le ravissement, à partir notamment de la pensée de Maurice Blanchot, Georges Didi-Huberman et Roland Barthes, peut être conçu comme échappée d’un réel insaisissable qui fait de l’ignorance le site d’une réinvention du réel par le poétique. Dans les œuvres de Marguerite Duras et Didier-Georges Gabily, la ravissante opère une suspension de toute herméneutique et de toute résolution dramatique. Dans les œuvres d’Ivana Sajko, Dorothée Zumstein, Claudine Galea et Marie Ndiaye, la fascination implique une mise en crise du sujet fasciné. Dans une deuxième partie est explorée l’échappée du réel à partir du négatif. Les œuvres de Sarah Kane servent d’appui pour penser la tension vers un centre utopique, puis l’étude est étendue à des pièces du répertoire français contemporain, de Samuel Gallet, Magali Mougel, Lancelot Hamelin, Mariette Navarro et Philippe Malone. / Through the analysis of about fifteen contemporary plays (1991-2017), this thesis opens a reflexion on the dynamic of rapture in dramatic plays and how it reflects a catastrophic reality. Rather than developing dramatic situations by critical and distancing means, they procede in a movement that suspends the meaning of the gestures of the characters, and rapts the possibility of their comprehension to better enchant reality. Escape is depicted in a negative way to let merge hope from despair. This paradoxal movement transforms defeat into a breach through which the tyranny of reality is troubled, and is raised from a situation of sideration to one of fascination, thus pointing towards utopia. The notion of rapture is based in particular on the works of Maurice Blanchot, Georges Didi-Huberman and Roland Barthes. It can be seen as an escape from an elusive reality that transforms ignorance into the site of a reinvention of reality by poetic means. In the works of Marguerite Duras and Didier-Georges Gabily, the ravishing figure suspends hermeneutics and dramatic resolution. This study is extended to plays by Ivana Sajko, Dorothée Zumstein, Claudine Galea and Marie Ndiaye where fascination implies a situation of crisis for the fascinated subject. The second part is an exploration of how negativity can lead to escaping from reality. Sarah Kane plays are a support to consider the tension towards an utopic centre, and the study is developed to contemporary french plays by Samuel Gallet, Magali Mougel, Lancelot Hamelin, Mariette Navarro and Philippe Malone.

La littérature analytique tend à situer l'enjeu du désir de la femme comme celui d'être désirée, c'est-à-dire à réduire l'expression de son désir à celui d'un consentement au désir de l'Autre. Mais que se trame-t-il du désir chez la femme, au-delà du consentement à « se faire objet » ? Il n'est là nullement question de dégager un désir féminin pur, mais bien de repérer les spécificités de la mise en jeu du désir chez la femme dans la relation sexuelle, c'est-à-dire d'explorer les enjeux et les angoisses spécifiques à l'expression de son désir, au regard de son inscription particulière dans la castration et de la place que lui assigne la relation sexuelle. La dimension du désir féminin ne semble pas pouvoir être abordée indépendamment de la façon dont chaque femme se confronte à la possible mise en énigme de la féminité, telle que celle-ci émerge, ou non, à travers le ravage de la relation à la mère. Le déploiement d'une réflexion sur les avatars de la construction de la féminité – dont l'étude du ravage se prolonge par l'exploration des vicissitudes du rapport de la femme à l'image et au corps – constitue donc le préalable nécessaire à l'abord de la problématique du désir. S'ouvrirait ainsi le repérage de trois logiques soutenant le mode particulier avec lequel la femme « se fait objet » : la logique du tout ou rien, relative à un traitement de l'énigme de la féminité saturée par un idéal et un appel au savoir ; la logique du court-circuit, révélant la non-advenue de la féminité comme énigme, féminité de l'ordre du trou noir ; la logique du pas-tout, signant l'acceptation de cette énigme et la latitude que génère cette négociation quant à l'angoisse. / The psychoanalytic literature tends to locate women's desire stake as to be desired, that is reducing her desire's expression to a consent of the Other's desire. But what weaves beyond the consent of « making oneself an object » ? There's not about distinguish a pure feminine desire, but to identify the specificities of a women desire playing in sexual relationship ; that is, to explore the specific stakes and angst of desire's expression, regarding her special registration in castration and the place that the sexual relatioshipn assigns her. The feminine desire's dimension can not be tackled regardless of the way each women confront herself to the mystery of femininity – as it emerges or not through the ravage of the mother's relation. The deployment of a thought based on the transformations of feminine construction forms the condition necessary to approach the problematic focusing on desire – the study on ravage explores the tribulations of women's relation to image en body. It is then possible to distinguish three logics by which women « make themselves an object » : the everything or nothing logic, the mystery of femininity is here saturated by an ideal and a call of knowledge ; the short-circuit logic , femininity is here approached on the bases of a black hole ; the not-all logic, based on the acceptation of this mystery and the latitude that this negotiation generates.

La notion de culinarité est « dans toutes les bouches » sans avoir été l'objet d'une définition en marketing et comportement du consommateur. Pour combler cette lacune, cette thèse s’est attachée à explorer les contours de la culinarité et proposer un mix design expérientiel x culinarité au service du ravissement du consommateur. Après de premières explorations basées sur des analyses de contenus sur internet (NGram Viewer et Google) et des entretiens semi-directifs qui ont affiné la compréhension du concept, la recherche a consisté en une analyse polymorphe des dimensions et pratiques autour de la notion de culinarité. S'appuyant sur une multiangulation des terrains de recherche, les quatre études empiriques ont été : 1) des études de cas au Grand Restaurant ; 2) une observation participante d’un Mooc en design culinaire ; 3) des manipulations de la culinarité au restaurant ; 4) trois expérimentations sous forme de restaurants éphémères, supports d’une enquête et d’observations. Dès lors, les conclusions apportées proposent une définition de la culinarité (déterminant Plaisir et 4 dimensions QCSP : Q-Qualité, C-Créativité, S-Savoir-Faire, Partage), confirmant l’intérêt d’un mix design expérientiel x culinarité pour ravir le consommateur et introduisent ce que serait le marketing culinaire. / The culinary is in everybody’s mouth without having been defined neither in marketing or in the field of consumer’s behavior. In order to limit this lack of concept, this thesis aims at exploring the ideas behind the culinary and to suggest a mix experiential design x « culinariness » for a consumer’s delightment. After the first exploration based on content analysis on the internet (NGram Viewer and Google) and semi-directive interviews that have revealed part of the concept, the research consisted in a polymorphic analysis of the dimensions and uses of the culinary. Built on a multiangulation of the research, the four empirical studies were : 1) case studies of quality restaurants ; 2) participating observation of a Mooc on food design ; 3) tests on the dimensions of the culinary at the restaurant ; 4) three experimentations as pop up restaurants enabling somes observations on spot and investigations. Thus, the results of this study lead to a definition of the culinary (Pleasure as a determinant and 4 dimensions QCKS: Q-Quality ; C-Creativty ; K-Know-how ; S-Sharing). They attest the point of an experiential design x culinary mix in order to delight the consumer and introduce a culinary marketing.