Orientador: Jorge Luís Schroeder / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-24T10:08:19Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Podesta_NathanTejadade_M.pdf: 3798991 bytes, checksum: 1acc5dd0297d6fc659980707d4e4176e (MD5) Previous issue date: 2013 / Resumo: Neste trabalho pretendemos debater a noção de autodidatismo na formação musical. Adotamos uma perspectiva histórico-cultural do desenvolvimento musical referenciada em Vigotski (2007); Bakhtin (2003); Schoreder (2005); Gohn (2009); Vincent Lahire e Thin (2001); e Bourdieu (2011). Partindo de uma pesquisa realizada com três professores de música e setenta estudantes de violão, que iniciavam as atividades musicais oferecidas através de um curso livre de música na cidade de Paulínia-SP, levantamos dados que nos permitiram representar o que seria o "senso comum" da área sobre o assunto investigado. Estes dados evidenciaram quatro sentidos gerais associados à noção de autodidatismo na formação musical que debatemos, cruzando informações sobre a formação cultural dos entrevistados com as respostas oferecidas por eles. Observamos a existência de diferentes tipos de processos educativos não-formais e informais de música que tendo sido realizados consciente ou inconscientemente por eles tinham contribuído para os seus desenvolvimentos musicais. Neste processo compreendemos que parte das atividades que leva ao desenvolvimento pode ser conduzida pelo próprio estudante, e ao mesmo tempo, que a noção de autodidatismo evoca critérios eminentemente escolares para afirmar a existência de um processo não-escolar de aprendizagem e desenvolvimento musical que ela não dá conta de explicar por si só, exigindo considerarmos que os diferentes tipos de processos educativos consolidam outras formas de conhecimentos musicais (além dos formalizados, sistematizados) que constituem a musicalidade dos indivíduos. Passamos então à observação da estrutura organizacional da educação musical formal no Brasil (educação básica, ensino de nível técnico e superior) verificando em que medida esta educação musical formal se realiza e situando os outros processos educativos em relação a ela. Observamos as possibilidades de acesso aos cursos superiores de música nos diferentes estados da federação e pudemos notar que apenas recentemente a música popular começou a participar de um modo ainda restrito deste universo formal, predominantemente erudito. Por fim, observamos o processo de formação musical do violonista, guitarrista e compositor Hélio Delmiro que alcançou alto nível de desenvolvimento musical através de uma profunda vivência musical aliada a realização estudos musicais organizados. O fato do músico não se reconhecer como "autodidata" viabiliza uma série de reflexões sobre o assunto. Contribui ainda para destacarmos a impossibilidade de considerarmos apenas um único canal de desenvolvimento musical como possível e de desconsiderarmos outros canais (que não estão diretamente associados à educação formal, escolar, mas que ainda assim podem guardar com ela uma relação), na constituição da musicalidade individual. / Abstract: In this paper, we intend to discuss the concept of auto didacticism in musical education. We adopted a perspective referenced in Vigotski (2007); Bakhtin (2003); Hall (1997)Schoreder (2005); Gohn (2009); Afonso (2001) Vincent Lahire and Thin (2001); and Bourdieu (2011). From a survey performed with three music teachers and seventy guitar students, who were initiating the musical activities provided by a free musical course in the city of Paulínia-SP, we obtained data that allowed us to represent what would be the "common sense" in the area on the investigated subject. These data evidenced four general concepts associated to the notion of auto didacticism which we discuss, crossing information on the cultural formation of the interviewed individuals and the answers provided by them. We observed the existence of different non-formal and informal musical educational processes, which, having been consciously or unconsciously performed, had contributed with their musical development. In this process, we understood that part of the activities that lead to the development may be conducted by the student himself/herself. At the same time, the notion of auto didacticism evokes criteria that eminently school related to affirm the existence of a non-school related learning and musical development process which it cannot explain on its own, and requires us to consider the fact that the diferente types of educational processes consolidate other forms of musical knowledge (other than those formalized, systematized) that constitute the individuals¿ musicality. We then proceeded to the observation of the organization structure of the formal musical education in Brazil (basic education, secondary technical education and higher education) and verified to what extent formal musical education is performed and situate the other educational processes in comparison with it. Finally, we described the musical education process of the acoustic and electric guitarist and composer Hélio Delmiro, who reached a high musical development level through a deep musical experience, associated to the performance of organized musical studies. The examples related renders feasible a series of consideration on the subject. They contributes with the emphasis on the impossibility of considering only one channel for musical development as possible as disregarding others which are not directly associated to formal education, but still may be somehow related to it. / Mestrado / Fundamentos Teoricos / Mestre em Música

La presente investigación analiza la experiencia de autogestión musical de bandas tributo en la escena limeña contemporánea en el caso específico de The Bottles. Para esto hice un rastreo de lo que podrían ser los orígenes históricos de las bandas tributos y de la cultura de estas a manera global. Derivado de esto, investigué los antecedentes de este fenómeno de la música popular en la ciudad de Lima y posteriormente me enfoqué específicamente en bandas tributo que hacen homenaje a The Beatles. Definí la autogestión musical como idea general y desarrollé las áreas de autogestión en relación a los proyectos de banda tributo. Para centrarme en el caso de estudio, examiné las perspectivas de la audiencia frente a la propuesta de The Bottles al igual que la de los mismos integrantes del proyecto frente a su manera de abordar el repertorio elegido. El propósito de este estudio es aportar un punto de vista de músico gestor de un proyecto de banda tributo limeña. De esta manera, espero dar a conocer más de la cultura de banda tributo desde cómo el músico gestor enfrenta este tipo de proyecto en dos áreas de gestión: performance y marketing. La división de este trabajo es de tres capítulos: en el primero se describen los antecedentes de las bandas tributo, el segundo observa la autogestión musical junto a su relación con las bandas tributo y el tercero analiza el caso particular de The Bottles al igual que sus características diferenciadoras y cómo estas influyen en el proceso de autogestión.

El vals criollo limeño es uno de los géneros más tradicionales en el Perú. La guitarra es el instrumento por excelencia con el cual se le ejecuta y entre sus mayores representantes se alza la figura de Carlos Hayre. Hayre fue un músico con formación mixta forjada por la cultura popular, los estudios de música académica y una instrucción autodidacta que determinaron una personalidad renovadora y experimental que planteó cambios estructurales en el género. Estos cambios afectaron los fundamentos del estilo de ejecución del género tanto desde el punto de vista de los cultores de la tradición de La Vieja Guardia y de La Generación Pinglo, como desde la de sus coetáneos, quienes también desarrollaron una estética distinta a la tradicional que a la postre sería más difundida y reconocida. Carlos Hayre fue un determinante de cambio en la historia del género gracias a sus propuestas en cuanto a la ejecución de la guitarra con criterios dinámicos y técnicos provenientes de su formación en guitarra clásica. También se dieron cambios determinados por sus criterios de composición orquestal aplicados a la guitarra en cuanto a la forma, con nuevos criterios de libertad estructural, a la armonía, determinados por los fundamentos de la tonalidad extendida, y a la melodía, fundamentados en las mayores posibilidades de movimiento y variedad que le brindaban sus nuevos pilares armónicos. Carlos Hayre es un artista transcendental en la historia del vals criollo limeño, y esta consideración está solventada en el respeto y admiración de una comunidad integrada por actores culturales de distintas disciplinas que lo recuerdan no solo por su gran calidad humana, sino por el valor y la trascendencia de su música. / The Lima Creole waltz (Popular gender linked to the Viennesse waltz and the Creole of Lima) is one of the most traditional genres in Perú. The guitar is the instrument par excellence with which it is played and among its greatest representatives stands the figure of Carlos Hayre. Hayre was a musician with a mixed training forged by popular culture, academic musical instruction and a self-taught training that determined a renewing and experimental personality that posed structural changes in the genre. These changes affected the foundations of the genre's performance style both from the point of view of the cultists of the tradition of The Old Guard (The generation of the beginning of the genre) and The Pinglo Generation, as well as from that of their contemporaries who also developed an aesthetic different from the traditional one and that in the end would be more widespread and recognized. Carlos Hayre was a determinant of change in the history of the genre thanks to his proposals regarding the performance of the guitar with dynamic and technical criteria coming from his training in classical guitar. There were also certain changes due to his orchestral composition criteria applied to the guitar in terms of form, with new criteria of structural freedom, to harmony, determined by the fundamentals of the extended tonality, and to melody, based on the new possibilities of movement and variety that gave him his new harmonic fundamentals. Carlos Hayre is an artist who is transcendental in the history of the Lima Creole waltz, and this consideration is based on the respect and admiration of a community made up of cultural actors from different disciplines who remember him not only for his great human quality but also for the value and significance of his music.

La presente investigación indaga en el impacto que el jazz peruano tiene o podría tener sobre la construcción del sentido de pertenencia al Perú y sobre la identidad nacional de los integrantes de su escena. La relevancia de este tema es que se revela el potencial de este tipo de música híbrida como agente configurador de identidad. Por otro lado, esta tesis es novedosa en tanto articula por vez primera la relación entre el jazz local y la sociedad. La presunción que se mantiene al respecto es que este género posee el potencial de configurar y reafirmar la peruanidad - o la identidad peruana - de los miembros partícipes en la escena del género. La investigación es emprendida de manera transversal a través del nexo entre los conceptos de jazz peruano, las contribuciones de la música a la construcción de identidad, y la identidad nacional. El primer capítulo aborda la relación entre la música peruana y la identidad, mientras que el segundo trata sobre el posicionamiento y la relevancia que ocupa el jazz peruano en esta correspondencia. Se descubre que el jazz peruano sí tiene alcances sobre el sentido de pertenencia al país, al remitir a sus miembros a la cultura local y al brindar iconicidad a la identidad en cuestión.

La presente investigación nace motivada por la ausencia de un estudio relacionado con la influencia abakuá en las primeras producciones discográficas de la Asociación Cultural Perú Negro. En este sentido, el trabajo analiza los principales componentes rítmicos del tema “Juan de Mata”, incluido en Son de los diablos, producción discográfica del año 1974 de la Asociación Cultural Perú Negro, con el objetivo de identificar los elementos característicos de la cultura afrocubana abakuá presentes en dicho tema. El resultado de la investigación se sustenta en una exhaustiva búsqueda bibliográfica y el acceso a fuentes primarias, como grabaciones discográficas y entrevistas personales a músicos relacionados directamente con el tema. El texto presenta un acercamiento a la cultura abakuá: sus orígenes, características fundamentales, rituales e instrumentos. Incluye, además, una mirada cronológica sobre la consolidación de la música afroperuana, con especial atención en la agrupación Perú Negro. El análisis de fragmentos musicales desde el punto de vista rítmico, estructural, interpretativo, tímbrico y organológico permite evidenciar la presencia abakuá en la producción mencionada / Tesis

La presente investigación surge del deseo de compartir una óptica diferente, así como ejercicios prácticos, sobre la perspectiva aural aplicada a la técnica instrumental. Esto nace como parte de una experimentación personal que he venido realizando a lo largo de mi carrera como performer y docente durante los últimos 12 años, centrada en cómo es que esta perspectiva relacionada al oído interno (imaginación aural - mente) y el cuerpo, representa una herramienta indispensable para todo músico, de cualquier instrumento. El objetivo principal de la investigación es explorar a partir de ejercicios la importancia de la perspectiva aural para el desarrollo del oído interno y la resolución de problemas técnicos en el instrumento de elección del performer; en segundo lugar, compartir perspectiva sobre el vínculo más profundo que puede forjarse entre el oído interno, el cuerpo y el instrumento en beneficio de la práctica diaria personal a nivel instrumental. De igual manera, compartir sugerencias sobre cómo mejorar y conectar con el lenguaje de la música desde dicha perspectiva aural a través de la comprensión del vínculo entre el oído y el cuerpo. Se hizo uso de diversas fuentes de referencia tanto bibliográficas como audiovisuales; también, se realizaron registros escritos (bitácora) para documentar el proceso aplicativo de los ejercicios propuestos, así como métodos cualitativos como la observación participante y no participante. La investigación ha podido determinar que la importancia de la perspectiva aural para el desarrollo del oído interno y la resolución de problemas técnicos en el instrumento radica en el aprendizaje y la práctica de la música desde una aproximación análoga procedimental a la manera en la que el individuo aprende a hablar su idioma/lenguaje nativo cuando es pequeño. Los ejercicios propuestos han permitido a los performers desarrollar sus habilidades aurales y tener nuevas herramientas para la resolución de problemas técnicos en su instrumento.

Dedicamos estudar neste trabalho o ofício da música nas vilas de Recife e Olinda ao longo do século XVIII. Neste caso, partindo de um olhar etnomusicológico de um espaço-tempo histórico e com atenção aos conceitos "nativos", propomos compreender a partir dos esboços das trajetórias de cinco músicos e de suas redes de relações o exercício profissional dos músicos e suas práticas musicais no contexto sociocultural das vilas de Recife e Olinda. Assim, conseguimos perceber a existência de diversas compatibilidades culturais e estético/performáticas da música com o centro do Império Português, resultante dos frequentes trânsitos e comunicações dos músicos dos dois lados do Atlântico, o que justifica a frequente atuação na metrópole dos músicos transitados da capitania de Pernambuco para com uma forte rede clientelar lisboeta ao longo do século XVIII, composta pelos ricos comerciantes e mercadores, mas também pela alta nobreza e pelo alto clero. No espaço de Recife e Olinda propomos compreender como os músicos se articulavam em torno dos compartilhamentos, práticas e exercício profissional da música em uma sociedade altamente hierarquizada como a do Antigo Regime. Assim, percebemos a existência de uma "hierarquia do ofício da música", resultante não apenas do acúmulo de conhecimento prático e especulativo, mas também das redes clientelares constituída por esses músicos. Essas redes clientelares, fomentadoras inclusive dos trânsitos dos músicos à metrópole, eram responsáveis também por um subjetivo controle do ofício da música em grande parte dos setecentos, ao mediar a atuação dos músicos sob suas proteções. Entretanto, na segunda metade do século XVIII, ocorreu um aumento no número de músicos e uma redução dos serviços para com essas redes clientelares, decorrente das políticas econômicas das reformas pombalinas, o que resultou na necessidade da organização e controle do ofício da música na vila do Recife, acontecimentos que impulsionaram a constituição da Irmandade de Santa Cecília do Recife. Assim, ao construirmos os esboços das cinco trajetórias com suas redes de relações, tendo atenção ao contexto sociocultural desses músicos, conseguimos extrair e aprofundar questões subjetivas de possíveis práticas normativas musicais e sociais, possibilitando contribuir e avançar nos estudos musicológicos brasileiros, no sentido de uma maior compreensão dos músicos e das práticas musicais setecentistas da América Portuguesa. / This thesis studies the music craft in the villages of Recife and Olinda throughout the 18th century. Departing from an ethnomusicological perspective on this social space allied with an attention to "native" concepts, we propose to cover the trajectories of five musicians and their professional networks as well as their musical practices in the sociocultural context of these colonial villages. Thus, we can perceive the coexistence of diverse cultural and performative compatibilities of these musical practices with the center of the Portuguese Empire, as a result of the frequent transits and communications of musicians on both sides of the Atlantic. These transits clarifies the frequent presence in the metropolis of musicians transited from the captaincy of Pernambuco tied to a strong clientele composed of local wealthy merchants and merchants, but also tied to the high nobility and high clergy in Lisbon. In the space of Recife and Olinda we propose to understand how the musicians were articulated around the shares, practices and professional exercise of the music in the highly hierarchized society of the Ancien Régime. Thus, we perceive the existence of a "hierarchy of the music craft", resulting not only from the accumulation of practical and speculative knowledge, but also from the clientelistic networks constituted by these musicians. These patronage networks, including the transits of the musicians to the metropolis, were also responsible for a subjective control of the music trade in most of the seven hundred, in mediating the performance of the musicians under their protections. However, in the second half of the eighteenth century, there was an increase in the number of musicians and a reduction of services to these patronage networks, resulting from the economic policies of the Pombaline reforms, which resulted in the need to organize and control the music craft in the village of Recife, events that resulted in the formation of the Brotherhood of Santa Cecilia of Recife. Thus, in constructing the sketches of the five trajectories with their networks of relationships, taking into account the sociocultural context of these musicians, we were able to extract and deepen subjective questions of possible musical and social normative practices, making possible to contribute and advance in Brazilian musicological studies, towards a greater understanding of musicians and eighteenth-century musical practices in Portuguese America.

Essa tese propõe uma leitura da música, enquanto recurso didático, a partir da análise do embate metodológico entre a educação jesuíta e a educação pombalina, imediatamente após a reforma educacional proposta pelo Marquês de Pombal. O período de transição da educação no Brasil colônia foi enfocado a partir de dois métodos norteadores das diretrizes conceituais e educacionais, são eles: o Ratio Studiorum, da educação jesuíta e O Verdadeiro Método de Estudar de Verney, da educação laica. Fundada por Inácio de Loyola, em 1534, a Companhia de Jesus estabeleceu prioridades pedagógicas basicamente voltadas à educação de novas gerações e à ação missionária de difusão dos valores religiosos, sendo que, nessas duas instâncias a música teve papel relevante na perspectiva da relação ensino-aprendizagem da educação religiosa. Verney, conforme relata a historiografia, teve um papel central para compreensão do movimento iluminista português, norteador da reforma pombalina, pois através de sua obra, mobilizou novos rumos para educação de Portugal e suas colônias, compatíveis com o pensamento vigente na Europa do século XVIII. Com a reforma pombalina a música foi minimizada no ambiente escolar, ocupando outros espaços e criando estilos diferenciados, tanto no que diz respeito à produção musical sacra quanto à profana. O Brasil Colônia obteve representatividade musical na Europa, pela qualidade de seus músicos-compositores mulatos, em especial os de Minas Gerais, Bahia, Pernambuco e sacros em Mogi das Cruzes. / This thesis proposes reading music as a resource for teaching, from the analysis of the methodological clash between the Jesuit Education and the Pombal Education, immediately following the educational reform proposed by the Marquis of Pombal. The educational transition in Colonial Brazil was focused on two guiding methods of conceptual and educational guidelines, they are: the Jesuit Ratio Studiorum and Verney\'s True Method of Studying, of secular education. Founded by Ignatius of Loyola in 1534, the Society of Jesus establishes educational priorities primarily focused on education of new generations and the missionary work of infusing religious values, being that in these two instances music has played a significant role in the perspective in teaching or having a religious education. Verney, as reported by historians, played a central role in understanding Portuguese Age of Enlightenment, leading the reform of Pombal, because it was with his work that new directions for education were mobilized in Portugal and its colonies, befitting of the prevailing thought in eighteenth-century Europe. With the Pombal Reform the music was oppressed in school environments, occupying other spaces and creating differentiated styles, with regard to music production being sacred as well as profane. Colonial Brazil won musical acknowledgement in Europe for its mulatto musician-composers predicate, especially those of Minas Gerais, Bahia, Pernambucco and Mogi das Cruzez.

Hoy, ocho años después de su primer concierto, La Nueva Invasión se viene consolidando como uno de los principales referentes de la escena capitalina. Dentro de ella han transitado por numerosos escenarios, pero llegar hasta aquí no ha sido casualidad; así pues, es un camino iniciado antes del primer ensayo. Entre los primeros integrantes, asimismo los que se suman los siguientes años, confluyen distintos estilos musicales y experiencias desde las que se han aproximado a su práctica, en ese sentido, estas situaciones posibilitaron la reunión de estos intérpretes. Sin embargo, el trabajo no acabo al agruparse, por el contrario, recién comenzaba. Igualmente, en Lima, las historias de los artistas de cumbia y rock, siendo los principales asociados a la banda estudiada, han tenido diferentes procesos en los contextos desarrollados y ellos pueden configurar lo que son las carreras de sus sucesores. Para la presente investigación nos guiamos de la siguiente pregunta: ¿Cómo se lleva a cabo el proyecto musical de La Nueva Invasión en el contexto limeño actual? La información se ha recogido desde tres técnicas fundamentales: el análisis de texto, en primer lugar, permitió conocer mejor la situación anterior de los músicos de los estilos mencionados en la capital peruana y un acercamiento inicial al conjunto estudiado; en uno y otro material se privilegia el testimonio de sus propios protagonistas, en este caso se trata de textos o vídeos. Del mismo modo, se realizaron observaciones en los ensayos y conciertos; pues, en uno se elabora la propuesta y en la siguiente es donde ésta adquiere su nivel de significación, de acuerdo a la particularidad de los distintos eventos. Finalmente, se entrevistó a los actores que formaron parte de estos momentos con particular énfasis en las historias de vida de los integrantes, complementándolo con las valoraciones de los organizadores de conciertos y seguidores. A pesar de haber performado fuera de Lima, centramos la presente tesis en esta última ciudad, debido a que es aquí donde comenzaron y han registrado una mayor variedad de escenarios. / Tesis

Essa tese propõe uma leitura da música, enquanto recurso didático, a partir da análise do embate metodológico entre a educação jesuíta e a educação pombalina, imediatamente após a reforma educacional proposta pelo Marquês de Pombal. O período de transição da educação no Brasil colônia foi enfocado a partir de dois métodos norteadores das diretrizes conceituais e educacionais, são eles: o Ratio Studiorum, da educação jesuíta e O Verdadeiro Método de Estudar de Verney, da educação laica. Fundada por Inácio de Loyola, em 1534, a Companhia de Jesus estabeleceu prioridades pedagógicas basicamente voltadas à educação de novas gerações e à ação missionária de difusão dos valores religiosos, sendo que, nessas duas instâncias a música teve papel relevante na perspectiva da relação ensino-aprendizagem da educação religiosa. Verney, conforme relata a historiografia, teve um papel central para compreensão do movimento iluminista português, norteador da reforma pombalina, pois através de sua obra, mobilizou novos rumos para educação de Portugal e suas colônias, compatíveis com o pensamento vigente na Europa do século XVIII. Com a reforma pombalina a música foi minimizada no ambiente escolar, ocupando outros espaços e criando estilos diferenciados, tanto no que diz respeito à produção musical sacra quanto à profana. O Brasil Colônia obteve representatividade musical na Europa, pela qualidade de seus músicos-compositores mulatos, em especial os de Minas Gerais, Bahia, Pernambuco e sacros em Mogi das Cruzes. / This thesis proposes reading music as a resource for teaching, from the analysis of the methodological clash between the Jesuit Education and the Pombal Education, immediately following the educational reform proposed by the Marquis of Pombal. The educational transition in Colonial Brazil was focused on two guiding methods of conceptual and educational guidelines, they are: the Jesuit Ratio Studiorum and Verney\'s True Method of Studying, of secular education. Founded by Ignatius of Loyola in 1534, the Society of Jesus establishes educational priorities primarily focused on education of new generations and the missionary work of infusing religious values, being that in these two instances music has played a significant role in the perspective in teaching or having a religious education. Verney, as reported by historians, played a central role in understanding Portuguese Age of Enlightenment, leading the reform of Pombal, because it was with his work that new directions for education were mobilized in Portugal and its colonies, befitting of the prevailing thought in eighteenth-century Europe. With the Pombal Reform the music was oppressed in school environments, occupying other spaces and creating differentiated styles, with regard to music production being sacred as well as profane. Colonial Brazil won musical acknowledgement in Europe for its mulatto musician-composers predicate, especially those of Minas Gerais, Bahia, Pernambucco and Mogi das Cruzez.