Ce mémoire de maîtrise propose des outils d’analyse permettant de souligner la cohérence harmonique du langage de Franz Schubert, en particulier dans les œuvres tardives de sa production. L’analyse d’un corpus incluant principalement sa musique de chambre, ses sonates pour piano et une sélection de lieder, nous a permis d’observer des constantes dans le discours harmonique du compositeur. Confrontée à la fois à la richesse de l’écriture tonale de Schubert et aux limites d’un mémoire de maîtrise, nous avons été amenée à concentrer notre étude sur deux traits caractéristiques de son style harmonique, soit le majeur-mineur et sa pratique modulatoire. D’une part, la typologie des emplois du majeur-mineur développée dans ce travail permet de préciser la nature des différents phénomènes s’y rapportant, tout en soulignant l’importance structurelle qu’ils occupent au sein de la forme. Ainsi, nous avons identifié trois types d’emploi de l’interchangeabilité des modes majeur et mineur : l’ornementation à l’intérieur d’un accord (coloration), l’emprunt d’accords au mode opposé à l’intérieur d’une unité structurelle harmonique (mode mixte), et le changement de modes entre deux unités structurelles harmoniques successives (opposition de modes). D’autre part, les mécanismes modulatoires expliqués dans ce mémoire, soit l’emploi du majeur-mineur lors de l’accord pivot, l’altération de la fonction VII ainsi que l’utilisation de dominantes contrariées, entraînent un accroissement de la tension tonale en reliant des zones très éloignées entre elles et agissent comme marqueurs formels dans les œuvres du compositeur. Les mécanismes présentés dans ce mémoire permettent ainsi de préciser la logique harmonique qui sous-tend les œuvres de Schubert, en mettant en valeur l’interaction entre la microstructure et la macrostructure. / This master’s thesis provides analysis tools to highlight the internal consistency of Schubert’s harmonic language, especially in his late works. The analysis of a corpus including mainly his chamber music, his piano sonatas, and a selection of lieder, reveals some constants in the composer’s harmonic organization. Confronted with both the richness of Schubert’s tonal writing and the limits of a master’s thesis, I have chosen two characteristic features of his harmonic style for study : his use of major-minor harmonies and his modulatory practice. First, the typology of the major-minor usages developed in this thesis allows for the specification of the nature of different phenomena related to them, while emphasizing their structural importance in the form. Thus, three types of application of the interchangeability of major and minor modes are identified: ornamentation within a chord (colouration), borrowing of chords from the opposite mode inside a harmonic structural unit (modal mixture), and modal shift between two successive harmonic structural units (mode opposition). Furthermore, the modulatory mechanisms explained in this thesis including the use of major-minor at pivot chords, chromatically altered VII chords, as well as the use of what Serge Gut identifies as « dominantes contrariées » cause an increase in tonal tension by linking remote tonalities and act as formal markers in the works of Schubert. The mechanisms presented in this thesis advance our understanding of the harmonic logic that underlies Schubert’s works by drawing attention to the interaction between microstructure and macrostructure.

Le visuel, et notamment la théâtralité, les gestes, la vidéo et la danse, pourraient-ils être traités en tant que matière connexe au son dans la composition musicale ? Quelles sont les stratégies à notre disposition pour intégrer de manière pertinente l’image et le son ? Qu’est-ce qu’implique l’intégration du visuel dans la création et l’interprétation d’une oeuvre musicale ? À partir de ces questionnements, sept pièces ont été composées dans le cadre de ma maîtrise entre les mois de septembre 2014 et août 2016. Ce mémoire décrit les principales étapes de conception de ces pièces ainsi que leur processus de composition dont le but était la recherche de solutions et de stratégies visant un rapport homologue entre le visuel et le sonore dans le processus de création musicale. Le premier chapitre dresse un portrait des artistes et compositeurs qui ont travaillé sur le rapport entre le son et le visuel. Quelques stratégies de ces compositeurs ont été utilisées lors du processus visant la création d’une composition musicale capable d’intégrer le visuel en tant qu’élément essentiel. Le deuxième chapitre présente des pièces dans le cadre desquelles je me suis penchée sur le lien entre la musique et la vidéo, la gestuelle ou la danse. Le troisième chapitre aborde une série de quatre pièces composées dans le but d’exprimer, à travers la musique et la mise en scène, des questions liées à notre quotidien. Le dernier chapitre présente finalement des conclusions qui ont émergé à la suite de mon processus de composition et, dans certains cas, à la suite de la performance des pièces. / Is it possible to treat visual material, in particular theatre, physical gestures, video and dance, as an equal element to sound in musical composition? What strategies are available to us to incorporate, in a relevant way, image and sound? What does the interaction between sound and visual material in the creation and the performance of a musical piece imply? Guided by these questions, I composed seven pieces as part of my Masters, between September 2014 and August 2016. This paper describes the main stages of these pieces and their composition process, which aimed to find solutions and strategies for a homologous relationship between the visual and the sound in the process of musical creation. The first chapter draws a portrait of artists and composers who worked on the relationship between sound and visual. Some strategies of these composers were used during the process of creating a musical composition capable of integrating the visual as an essential element. The second chapter presents the pieces which I have investigated the link between music and video, gesture and dance. The third chapter addresses a series of four pieces composed for the purpose of expressing, through the relation between music and staging, issues related to our daily life. Finally, the last chapter presents conclusions that emerged as a result of my writing process and, in some cases as a result of the performance of the parts.

La musique a le pouvoir d’exprimer ce qui est latent dans d’autres formes d’art, comme elle peut aussi transcender et ajouter d’autres niveaux de signification au texte d’une chanson. Mais seules les illustrations peuvent encapsuler une scène au cœur de la musique. Dans ce mémoire, j’explore différents moyens musicaux dont dispose le compositeur pour mettre en musique son interprétation d’une œuvre picturale. Cette œuvre est, par définition, privée de la dimension temporelle. Si, pour le peintre Eugène Delacroix, « Le véritable but du peintre est de nous faire prendre part à l’intensité de l’instant », la musique, elle, ne peut être appréciée et laisser sa trace sur nous qu’en fonction du temps qu’elle prend pour se déployer. Conséquemment, une question a nourri ma réflexion : sous quels angles et selon quels critères d’analyse puis-je aborder une œuvre picturale afin d’en tirer des constats qui pourront, par la suite, servir de support à la création de ma musique? Je tente de répondre à mon questionnement en approchant l’interprétation d’une illustration par quatre avenues possibles : réaliste ou descriptive, impressionniste, narrative et, finalement, par association stylistique entre le medium illustratif et le medium musical. Pour le besoin de mon étude, j’ai composé trois œuvres basées sur sept illustrations : 1) Tableaux Montmartre. Suite symphonique inspirée de Tableaux d’une exposition de Modeste Moussorgski et dont le support illustratif consiste en cinq toiles représentant le Montmartre par cinq peintres différents : Charles Malle, Armand Lourenço, Kees Van Dongen, Eugène Paul (Gen-Paul) et Georges Braque. 2) Lumière fossile. Poème symphonique ayant comme source d’inspiration une photographie du cosmos prise par le télescope spatial Planck. 3) Tennis Duet. Pièce à forme variable pour piano seul ayant comme source d’inspiration extra-musicale une photographie d’Arnold Schoenberg jouant au tennis. / Music has the power to express what may be latent in other art-forms, just as it may transcend and add new layers of meaning to the text set in a song. But only the illustrations themselves can actually encapsulate the scene, character or item at the heart of the music. In this thesis, I explore the different musical means available to the composer to set his interpretation of a pictorial work to music. This work is, by definition, deprived of the temporal dimension. If, for the painter Eugène Delacroix, « The true goal of the painter is to make us take part in the intensity of the moment », music can be appreciated and leave its mark on us only according to the time it takes to deploy. Consequently, a question nurtured my reflection: From what angles and according to what criteria of analysis can I approach a pictorial work in order to draw observations that could subsequently serve as a support for the creation of my music? I try to answer these questions by approaching the interpretation of an illustration through four possible avenues: Realist or descriptive, impressionist, narrative and, finally, by a stylistic transfer from the illustrative medium to the musical medium. For the purposes of my study, I composed three works based on seven illustrations : 1) Tableaux Montmartre. Symphonic piece inspiered by Pictures at an exhibition by Modest Moussorgsky and whose illustrative support consists of five canvases representing Montmartre by five different painters: Charles Malle, Armand Lourenço, Kees Van Dongen, Eugène Paul (Gen-Paul) and Georges Braque. 2) Lumière fossile. Symphonic poem inspired by a photograph of the cosmic radiation taken by the Planck space telescope 3) Tennis Duet. Piece, whose structural form may vary, for solo piano inspired by a photograph of Arnold Schoenberg playing tennis.

Dans ce mémoire sera présenté un cycle conceptuel de six pièces pour ensembles variés gouvernées par deux thématiques principales: le sentiment collectif et la conscience historique. La démarche est d’évoquer ces thèmes et leurs sous-thèmes respectifs par tous les moyens possibles dans le contexte donné par chaque pièce. Ainsi, l’analyse révèlera comment les textes sur lesquels la musique est basée servent à provoquer une réflexion sur les thèmes et comment le lien avec la musique circonscrit la réception du message aux sujets connexes aux thématiques choisies. L’objectif est que la musique crée un contact entre les interprètes et l’auditoire pour les amener à s’approprier le message qu’ils perçoivent à travers les oeuvres et qu’elle canalise les interprétations possibles pour qu’elles soient en ligne avec les thèmes. De plus, il sera examiné comment des procédés extra-musicaux invitent l’auditoire à se sentir interpellé par les oeuvres, soit par sa participation, soit par l’interdisciplinarité qui débloque de nouveaux canaux pour stimuler son écoute. La démarche créatrice dans son ensemble vise à être cohérente avec les thèmes choisis, parfois simplement en tant que prise de position en relation aux styles abordés. Par exemple, l’omniprésence de procédés issus de la musique folklorique et d’emprunts à différents sous-genres de musique metal, le choix des auteur.es et un hommage assumé à Claude Vivier servent à situer l’oeuvre dans notre contexte historique actuel en relation à l’histoire précédente et à aiguiser la conscience que nous appartenons à une communauté, en plus de questionner ce que cela implique. Les pièces seront traitées en un chapitre par oeuvre : Les poules à Jenny, Joco musicam ergo sum, Poussière de cèdre, Résonances, et Je ne suis pas née pour servir un mâle. / This memoir will present a conceptual cycle of six pieces for different ensembles governed by two main themes: the collective sentience and historical consciousness. The procedure of the research is to evoke these themes and their respective sub-themes through the means possible in the context given by each piece. Therefor, the analysis will reveal how the texts upon which the music is based are used to provoke a reflection on the treated subjects and how the link with the music limits the reception of the message to the chosen subjects. The objective is for the music to channel a direct contact between the performers and the audience to bring them to appropriate themselves the message they perceive in the works, but to orient those reflections on the chosen subjects. Furthermore, the research will examine how extra-musical processes invite the audience to feel engaged by the works, either by their participation or by their interdisciplinarity which unlocks new channels to stimulate listening. The entire creative process aims to be coherent with the subjects, sometimes simply by taking position in relation to the themes discussed. For example, the omnipresence of characteristics of traditional music, the imitation of different subgenres of metal music, the choice of authors and a deliberate tribute to Claude Vivier help situate the work in our current historical context in rapport to previous history and to sharpen the consciousness that we belong to a given community, questioning what that implies. The pieces will be treated as one chapter per work: Les poules à Jenny, Joco musicam ergo sum, Poussière de cèdre, Résonances, and Je ne suis pas née pour servir un mâle.

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Cette recherche vise à comprendre comment la médiation de la musique peut, à travers la réalisation d'ateliers de composition collective, poursuivre les objectifs d’émancipation de la médiation culturelle. Pour ce faire, nous nous proposons d’analyser la mise en oeuvre des ateliers de composition du titre « I Know » réalisés en 2018-2019 au sein de l’organisme communautaire autonome jeunesse Oxy-Jeunes. Ce projet est présenté par ses acteur.ices comme l’aboutissement de l’approche artistique et sociale mise en place au sein de l’organisme ; nous l’avons donc considéré comme une ouverture sur sa démarche. Après avoir défini les conditions d’émergence des ateliers par l’analyse d’un corpus documentaire constitué de demandes de subventions, de documents administratifs, des trois derniers rapports d’activités ainsi que de documents de communication publiés par l’organisme, les entretiens d’explicitation avec les gestionnaires de la structure, les « artistes-mentors » et les jeunes auteur.es-compositeur.ices du titre (n=10) ont permis de mettre en évidence les mécanismes articulant la création musicale à l’engagement social d’Oxy-Jeunes. Le premier chapitre témoigne de l’importance d’un fonctionnement collaboratif permettant d’intégrer pleinement les professionnel.les du milieu musical à la démarche communautaire de l’organisme. Le second chapitre met en évidence les conditions de participation aux ateliers, lesquelles sont fondées sur la reconnaissance des capacités artistiques et des choix culturels des différentes parties prenantes. Celles-ci mènent à la construction d’une communauté concrétisée dans la pratique artistique par la composition musicale d’« I Know ». La redéfinition des rapports de pouvoir au sein du groupe a favorisé le développement du pouvoir d’agir des participant.es dans le cadre du processus de composition, bien que les niveaux de collaboration entre jeunes participant.es et artistes-mentors aient fortement varié à l’échelle des étapes de la composition musicale. Le dernier chapitre révèle que le processus de développement du pouvoir d’agir tend à s’accomplir dans le déploiement, au-delà des ateliers, de l’engagement culturel et des compétences musicales développés par les jeunes participant.es à travers le projet de composition musicale. Ces prolongements de l’atelier reposent sur la mise en oeuvre de relais spécifiques au sein de l’organisme ainsi que sur l’appui du réseau professionnel des artistes-mentors. / This research aims to understand how music mediation can, through the implementation of collective composition workshops, pursue the emancipatory goals of cultural mediation. To do this, we propose to analyze the implementation of composition workshops for the song "I Know" carried out in 2018- 2019 in the autonomous youth community organization Oxy-Jeunes. This project is presented by its actors as the culmination of the artistic and social approach implemented within the organization; we have therefore considered it as an opening on its approach. After having defined the conditions of emergence of the workshops through the analysis of a documentary corpus made up of grant applications, administrative documents, the last three activity reports as well as communication documents published by the organization, the explanatory interviews with the managers of the structure, the "artist-mentors" and the young author-composers of the title (n=10) made it possible to highlight the mechanisms articulating the musical creation to the social commitment of Oxy-Jeunes. The first chapter shows the importance of a collaborative process that allows for the full integration of music professionals into the organization's community approach. The second chapter highlights the conditions of participation in the workshops, which are based on the recognition of the artistic abilities and cultural choices of the various stakeholders. These lead to the construction of a community concretized in the artistic practice through the musical composition of "I Know". The redefinition of power relations within the group fostered the development of participants' power to act in the composition process, although the levels of collaboration between young participants and artist-mentors varied greatly throughout the stages of musical composition. The final chapter reveals that the process of empowerment tends to be accomplished in the deployment, beyond the workshops, of the cultural engagement and musical skills developed by the youth participants through the music composition project. These extensions of the workshop rely on the implementation of specific relays within the organization as well as on the support of the professional network of artist-mentors.

La version intégrale de ce mémoire est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l’Université́ de Montréal (www.bib.umontreal.ca/MU). / Ce mémoire est une analyse de mon langage musical à travers trois œuvres récentes composées entre 2011 et 2013. Il présente une analyse en détail de trois compositions d’instrumentations différentes : - Akme, pour piano seul - Les Yeux d’une fille dans un cimetière, pour piano, violon, violoncelle, flûte et clarinette - Epitafe, pour orchestre Avec des exemples musicaux tirés de ces trois compositions, j’étudie plusieurs volets de mon approche de la composition musicale, notamment les influences extra-musicales, la forme, la mélodie, l’harmonie et l’orchestration. En guise d’introduction, on retrouve également un chapitre qui traite de la place que les influences extra-musicales, la forme et la métrique occupent dans mon travail en général. / This memoir is a musical analysis of my musical language through the study of three of my recent works that were composed between 2011 and 2013. It presents a detailed analysis of three compositions of varied instrumentation : - Akme, for solo piano - Les Yeux d’une fille dans un cimetière, for piano, violin, cello, flute and clarinette - Epitafe, for orchestra With musical examples taken from these works, I study various components of my approach to musical composition such as extra-musical influences, form, melody, harmony and orchestration. As introduction to these studies, we find a chapter that speaks of the role that extra-musical influences, form and musical time holds in my work as a composer in general.

Ce mémoire de maîtrise analyse trois projets développés au courant de mes trois années de maîtrise à l’Université de Montréal en composition instrumentale et vocale, de même que certain outils utilisés pour assurer à chacune de mes créations une continuité et une unité. En plus de l’analyse de trois œuvres orchestrales et chorales, ce mémoire aborde en premier lieu les notions de caractère et son rôle dans un discours uniforme et continu. Il présente ensuite l’usage du motif à des fins d’unités dans chacune de mes œuvres. Il offre enfin des alternatives à la tonalité classique pour assurer un pôle tonal aux œuvres telles le pandiatonisme, les enchainements harmoniques par note commune, l’enrichissement d’enchainements tonaux par la coloration d’accords et la cohabitation de ces différents outils. / This master's thesis analyses three different works, composed during my studies in vocal and instrumental composition at Université de Montréal, and discusses a few of the techniques I have used to assure unity and continuity in my music. In addition to analyzing three orchestral and choral pieces, this thesis first addresses the notion of character, and its role in my music. It also discusses the way I use motives in my composition for purposes of unity. It then offers a few alternatives to classical tonality, which assure tonal attraction in my pieces, such as pandiatonicism, chords progressions by common notes, enrichment of tonal progressions by addition of color notes to chords, and the combined use of these different techniques.

Thèse réalisée en cotutelle avec l'Université Paris-Sorbonne et l'Université de Montréal. Composition du jury : M. Laurent Cugny (Université Paris-Sorbonne) ; M. Michel Duchesneau (Université de Montréal) ; M. Philippe Gumplowicz (Université d'Evry-Val d'Essonne) ; Mme Barbara Kelly (Keele University - Royal Northern College of Music) ; M. François de Médicis (Université de Montréal) ; M. Christopher Moore (Université d'Ottawa) / Cette version de la thèse a été tronquée de certains éléments protégés par le droit d’auteur (exemples musicaux et iconographie). Par conséquent, ces éléments n'apparaissent pas dans le document. / Ce travail envisage les appropriations musicales et discursives du jazz dans le monde musical savant français. Fondé sur la méthode des transferts culturels, il propose une histoire croisée de la musique savante française, de la diffusion des répertoires de jazz en Europe et de leur perception. La réflexion s’appuie sur un corpus systématique des œuvres savantes influencées le jazz et des textes que lui consacrent compositeurs et critiques. La réflexion se fonde sur l’établissement d’un corpus systématique des œuvres savantes influencées le jazz et des textes que lui consacrent compositeurs et critiques. Une analyse informée par des données issues de l’esthétique et de l’histoire culturelle montre que ces œuvres contribuèrent à différentes entreprises de redéfinition d’une identité française de la musique. Les appropriations du jazz remettent également en cause une conception de la musique populaire propre au XIXe siècle. Elles valorisent des sujets auparavant considérés comme triviaux et proposent un son nouveau, tantôt associé au modernisme mécaniste des États-Unis, tantôt à l’énergie débridée attribuée au primitivisme nègre. Enfin, elles participent à la remise au goût du jour d’un classicisme protéiforme. Ces différents aspects font l’objet d’une périodisation et d’une thématisation. Si les premiers cake-walks des années 1900 sont mis au service d’un exotisme « nègre », les emprunts au jazz à la fin des années 1910 relèvent d’un geste avant-gardiste au service d’un projet nationaliste de rétablissement de l’identité française de la musique. À partir du milieu des années 1920, suite aux efforts fructueux de Jean Wiéner pour légitimer le jazz aux yeux du monde musical savant, un discours spécialisé émerge. De nouveaux compositeurs s’y intéressent, dans la perspective d’un classicisme désormais plus cosmopolite. Tout en faisant émerger différents paradigmes de l’appropriation du jazz (cocteauiste, stravinskien, ravélien, entre autres), ce travail vise à jeter un éclairage nouveau sur la production musicale savante dans la France de l’entre-deux-guerres et sur les rencontres entre différentes traditions musicales. / This thesis deals with the musical and discursive appropriations of jazz in the French musical world. Inspired the approach of cultural transfers and crosses the history of French art music in France and the history of its diffusion and perception in Europe. To do so, it draws upon a corpus of art music pieces influenced by jazz and of texts written by composers and critics. This corpus contributes to different redefinitions of an alleged French musical identity. What is more, appropriations of jazz renew a conception of popular music that goes back to the beginning of the 19th century. They also valorize topics previously considered as trivial, and they display a new kind of sound, evoking Anglo-saxon modernism or « negro » primitivism. The different aspects mentionned above are presented in a chronological and thematic fashion. In the 1900s, the first cake-walks contribute to a tradition of « negro » exoticsm. Ten years after, borrowing to jazz has become an avant-gardist gesture, and a response to nationalist motivations. Thanks to Jean Wiéner’s efforts in order to legitimize jazz, a new group of composers and critics take an interest in it. Jazz then becomes a means to assert a more cosmopolitan classicism. This thesis identifies different paradigms of the appropriation of jazz in France. More broadly, it sheds new light on musical creation in the French art music world between 1900-1930, and on musical encounters between different musical traditions.