Mon projet de doctorat est en deux volets – recherche et création – et s’appuie sur l'interdépendance de ces deux aspects, car il s’agit d’un seul parcours séparé en deux parties ayant un objectif partagé : il vise à observer et analyser l’intégration des arts médiatiques dans l’opéra contemporain et à en étudier l’incidence sur ma propre démarche de compositrice à l’intérieur de la création d’un nouvel opéra. Cette thèse comprend un travail écrit et une composition originale de 90 minutes (partition et enregistrements). Le premier chapitre du travail écrit traite du contexte dans lequel mon projet de création s’est élaboré et la façon dont ma réflexion initiale m’a conduite vers une recherche plus approfondie sur les moyens multimédias employés dans plusieurs opéras depuis les dernières décennies du vingtième siècle jusqu’à aujourd’hui. J’expose la situation actuelle touchant l’étude de ce domaine, en particulier les obstacles terminologiques, et je présente des perspectives de recherche rendues possibles par les informations recueillies. C’est dans le sillage de cette réflexion que je définis mon approche de l’emploi du multimédia à l’opéra. Les deuxième et troisième chapitres concernent le travail préparatoire qui a fait partie intégrante de la composition de l’opéra Trahisons liquides. J’expose d’abord mon approche du livret : les questions de narrativité, de langue et de prosodie, les approches variées de la relation texte-musique, la collaboration avec le librettiste et l’évolution du drame. J’explique également l’élaboration des ambiances musicales de l’opéra et la gestion de l’élan sonore, puis j’établis certains points de repère motiviques pour les analyses présentées dans le chapitre final. Le quatrième chapitre est ainsi consacré aux analyses détaillées d’une sélection de huit scènes de l’opéra Trahisons liquides, choisies afin de mettre en relief divers aspects de ma démarche de composition et de mon langage musical. / My doctoral project is in two parts – research and creation – and relies on the interdependence of these two elements, for it is, in fact, one process whose two aspects share a common objective: observing and analysing the integration of media arts to contemporary opera and studying their influence on my own creative process for the composition of a new opera. This dissertation includes a written document and an original 90-minute composition (score and recordings). The first chapter of the written document examines the context in which my creative project was elaborated and the way that my initial reflections lead me to conduct more in-depth research into the multimedia means used in many operas from the last decades of the 20th century to today. I outline the current situation affecting study in this field, particularly the terminological obstacles, and I present some of the research prospects opened up by the information gathered. It is in light of this reflection that I define my approach to the use of multimedia in opera. The second and third chapters pertain to the preparatory work that was an integral part of the composition of the opera Trahisons liquides. I begin by detailing my approach to the libretto: questions of narrativity, language and prosody, varied approaches to the text-music relationship, my collaboration with the librettist and the evolution of the drama. I also explain elaborating the musical atmospheres and controlling the musical momentum of the opera, and then I establish certain motivic points of reference for the analyses presented in the final chapter. The fourth chapter is thus devoted to the detailed analyses of a selection of eight scenes from the opera Trahisons liquides, chosen to highlight various aspects of my compositional process and my musical language.

La version intégrale de ce mémoire est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l’Université de Montréal (www.bib.umontreal.ca/MU). / Dans cette recherche, nous aborderons un genre hybride issu de la musique mixte et de la vidéomusique. Contrairement au genre vidéomusique qui est sur un support fixe, la vidéo proposée dans ce projet est interactive. Cette interaction fera l'objet principal de cette recherche puisqu'elle est nécessaire pour bien intégrer le jeu du musicien avec la vidéo. Nous nous attarderons plus spécifiquement sur des moyens pour permettre à la vidéo de suivre et de s'adapter à la musique puisque c'est dans ce champ qu'il y a le plus à découvrir. Nous ferons l'analyse de quatre études composées dans le but de trouver quels moyens sont les plus efficaces, élégants et polyvalents et nous en tirerons des conclusions. Une oeuvre musicale a ensuite été composée à la lumière de ces conclusions et nous en ferons l'analyse détaillée. Cette dernière pièce est d'une plus grande envergure pour un ensemble plus grand et d'une durée plus longue. Elle a été composée dans le but de transmettre un argument poétique. Nous nous sommes aussi penché sur l'intégration visuelle du jeu de l'instrumentiste et de la vidéo afin qu'ils se complètent dans une composition visuelle globale. Pour y arriver, nous avons expérimenté différents types de projections et de mise en scène. / In this research, we shall address a hybrid genre born from the mixture of mixed music and videomusic. Contrary to videomusic which is on a fixed medium, the video approached in this project is interactive. This interaction will figure as the main aspect of this research because it is necessary to achieve a good integration between the performer and the video. We will dwell more specifically on the methods allowing the video to follow the music because it is the field in which there is more to discover. We are going to analyze four little experimental pieces composed in such a way as to find which methods are the most efficient, elegant and versatile. We will draw our conclusions. A final piece has been composed from these conclusions and we are presenting a detailed analysis. This last piece is a larger-scale piece for a bigger ensemble with a longer length. The main goal was to communicate a poetic vision in the most efficient way. We also thought about the visual integration of the performer and the video to allow a unified visual composition between them. To achieve this integration, we have experimented different video projection types and stagings.

La version intégrale de ce mémoire est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l’Université de Montréal (www.bib.umontreal.ca/MU). / Ce mémoire comprend à la fois l’analyse et les partitions de toutes les oeuvres que j’ai composées tout au long de ma maîtrise, ainsi que les documents nécessaires à leur écoute et visionnement. Les analyses détaillées porteront essentiellement sur les pièces « Sirus-l’étoile double » pour orchestre symphonique et « La légende d’Astre d’Or » pour orchestre à vent, qui sont deux oeuvres de concert d’environ vingt minutes chacune et qui ont fait l’objet d’une commande par des orchestres amateurs. Le reste du mémoire sera consacré à quelques petites pièces de concert ainsi qu’un chapitre essentiel qui portera sur les musiques de sept petits films d’animation 2D et 3D d’étudiants finissants. Il ne s’agira donc pas de porter essentiellement l’analyse de l’ensemble des oeuvres de ce mémoire sur le côté intellectuel de la construction de chaque thème ou de chaque motif, mais évidemment sur la relation qu’elles entretiennent avec une histoire ou et des images ainsi que les émotions qui en découlent. / This thesis includes analysis and scores for every work I have composed as part of my Master’s degree, as well as documents necessary for listening and viewing. The detailed analyses essentially concern the work “Sirus-l'étoile double” for symphony orchestra and the work “La légende d’Astre d’Or” for wind orchestra, both of which are about twenty minutes in length and were the result of a commission from amateur orchestras. The rest of the memoir is dedicated to some short concert works and an essential chapter about music for students of 2D and 3D animated short films. The purpose of these analyses concerns not so much the intellectual side of the construction of every subject or motif, but the relationship the music has with a particular story and or image as well as the feelings that ensue from it.

La version intégrale de ce mémoire est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l’Université de Montréal (www.bib.umontreal.ca/MU). / Ce mémoire de maîtrise parle de la démarche derrière la composition de trois pièces électroacoustiques. Ladite démarche consiste principalement à tenter d'établir un rapport geste-son clair en musique électronique. Une critique est formulée à l'égard des moyens de production électroacoustiques : les outils disponibles ne permettent pas l'utilisation de gestes expressifs. Un réel rapport geste-son permettrait de retrouver le côté ludique du jeu instrumental et d'établir un lien plus intime avec le public lors des concerts. Il est suggéré que l'utilisation d'interfaces mieux adaptées à l'expression musicale pourrait être une solution à ce problème. S'ensuit un survol critique d'un éventail d'interfaces. Cette critique sert de base au design de l'éponge, l'interface qui sera utilisée pour la performance de deux des trois pièces composées dans le cadre de ce mémoire. Les questions de l'expressivité et de la virtuosité dans un tel contexte sont abordées. L'éponge est décrite en détail : construction et stratégies de captations. Les trois pièces composées dans le cadre de ce mémoire sont ensuite présentées. Le discours musical, les matériaux, la structure, la spatialisation et le mapping sont discutés individuellement pour chacune des pièces. / This master's thesis is about the creative process that lead to the composition of three electroacoustic pieces. The main objective of that process was to establish a clear connection between gesture and sound. A critique of the means of production in electroacoustic music is formulated. It is argued that the tools available do not allow the use of expressive gestures. A clear link between gesture and sound would help to restore the playfulness that exists when playing an instrument as well as to strengthen the connection with the audience during concerts. It is suggested that using interfaces better adapted to musical expression could be a mean to reach that goal. Afterward, a few interfaces are reviewed and criticized. The conclusions drawn from those reviews are used as the bases for the design of the sponge, the interface used for the performance of two of the three pieces attached to this thesis. The questions of expressivity and virtuosity in such a context are addressed. The sponge is described in details : construction and sensing techniques. The three compositions are then presented. Musical discourse, sounds used, structure, spatialization and mapping are all discussed individually for each work.

La version intégrale de cette thèse est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l’Université de Montréal (www.bib.umontreal.ca/MU). / Cette thèse se veut une étude historique et une mise en contexte de l’œuvre de José Antonio Gómez y Olguín (1805-1876), compositeur du début de l’indépendance du Mexique. Elle comprend l’analyse de son manuscrit musical, Ynvitatorio, Himno y 8 Responsorios. Ce manuscrit de plus de 500 folios, découvert en 2005 à l’Archivo Histórico Diocesano de San Cristóbal de Las Casas, Chiapas, et apporté en 1854 au diocèse de Chiapas à partir de Mexico par l’évêque Carlos María Colina y Rubio (1813-1879), demeure la seule copie existante de cette œuvre monumentale pour chœur et orchestre. Œuvrant à une époque tumultueuse sur la scène politique, Gómez a été un musicien reconnu dans son pays. Dans le domaine liturgique, il occupa les postes d’organiste, de compositeur et de chef pour la Cathédrale de Mexico, alors que dans le monde laïc, il fut un musicien polyvalent, comme compositeur, professeur et éditeur de musique. En outre, cette thèse retrace de manière critique l’historiographie musicale mexicaine qui, jusqu’à présent, avait écarté l’œuvre de Gómez, sinon traité comme un compositeur mineur, une sorte de sous-produit de la tradition opératique italienne. Au contraire, nous considérons que ses compositions, dont notamment l’Ynvitatorio, représentent un jalon incontournable d’une période négligée de l’histoire de la musique mexicaine, durant laquelle les différends entre l’Église et l’État ont agi directement sur la vie culturelle du Mexique. / This dissertation is a historical and contextual study of José Antonio Gómez y Olguín (1805-1876), a composer of Mexico’s Independent period, and an analysis of his music manuscript, Ynvitatorio, Himno y 8 Responsorios. Gómez’s Ynvitatorio, of over 500 folios, discovered in 2005 at the Archivo Histórico Diocesano of San Cristóbal de Las Casas, Chiapas, is the only extant copy of this monumental work for choir and orchestra brought in 1854 to the diocese of Chiapas from Mexico City by the Bishop Carlos María Colina y Rubio (1813-1879). Gómez, a renowned musician in his own time, a period of political turmoil, worked as an organist, composer and conductor for the Mexico City Cathedral and as a polyvalent musician, teacher, and publisher in the secular world of Mexico City. This dissertation reconsiders the Mexican historiography studies to date which have dismissed the works of Gómez as merely derivative of the Italian operatic tradition. Rather, his compositions, in particular the Ynvitatorio, are considered as complex testimonials to this neglected period of Mexican music history, a time in which tensions between the Church and the State acted directly upon the cultural life in Mexico.

La version intégrale de ce mémoire est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l’Université de Montréal (www.bib.umontreal.ca/MU). / Ce mémoire de maîtrise examine les processus d’intertextualité liés à la représentation de la femme dans la culture musicale folk ou soft rock et examine les mécanismes par lesquels ils sont récupérés par les tenants du suprémacisme blanc. Le mémoire se consacre exclusivement à l’analyse d’une ballade folk pour voix et piano: Tomorrow Belongs To Me, telle qu’enregistrée par la chansonnière suédoise raciste Saga. Cet arrangement d’un extraitde la trame sonore du film Cabaret soulève la problématique de l’apparition des femmes sur la scène musicale suprémaciste, ainsi que celle de la réception de leur musique par les militants masculins. La recherche montre que le choix esthétique de Saga lui permet concurremment de se complaire aux codes d’un milieu à nette dominance masculine et de les défier, assimilant du coup l’idéologie fasciste à l’expression et à l’expérience de la féminité. Le présent travail est basé dans un premier temps sur l’analyse sémiologique des composantes musicales de l’oeuvre, appuyée à la fois sur la littérature musicologique et sociologique sur le folk et la musique de masse, ainsi que sur des entrevues visant à recueillir chez les sujets des matériaux de comparaisons interobjectives, ceci d’après le modèle de Tagg. L’analyse s’appuie ensuite sur une approche holistique intégrant l’analyse du texte, sa mise en contexte et la compréhension de cette pièce en tant que propagande,cela afin de saisir les nouvelles formes de rhétorique employées dans le créneau musical raciste. / This Master’s thesis examines the intertextuality processes related to female gender representation in the folk and soft rock music culture and examines the mechanisms by which those are hijacked by tenants of white supremacism. The research focuses solely on the analysis of a folk ballad for voice and piano: Tomorrow Belongs To Me, as recorded by Swedish racist songstress Saga. This arrangement of an excerpt from the movie soundtrack Cabaret raises the issue of the emergence of women on the racist musical scene, as well as the issue of the reception of their music by male militants. The thesis shows that Saga’s esthetic allows her to conform herself to the codes of a male-dominated milieu, as well as to defy them simultaneously, thus allowing her to assimilate a fascist ideology to the expression and experience of womanhood.In its first section, the paper is based upon the semiological analysis of the musical components of the piece, supported by musicological and sociological literature about folk and mass music, as well as by interviews aiming at collecting inter-objective comparison material from the participants, according to Tagg’s model. The analysis is then grounded ona holistic approach, which integrates a text analysis, providing the setting as context in addition to the understanding of that piece as propaganda, with the aim to understand the new forms of rhetoric employed in racist music.

La version intégrale de cette thèse est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l’Université de Montréal (www.bib.umontreal.ca/MU). / Composé entre 2007 et 2009, l’opéra La Métamorphose est une œuvre ambitieuse en raison de sa taille, mais également par son intention première de vouloir se rapprocher de l’idéal du Gesamtkunstwerk. Afin d’atteindre cet objectif, nous avons multiplié les efforts pour assurer une production professionnelle qui permettrait, non seulement, une interprétation correcte de l’œuvre, mais qui garantirait le financement nécessaire à un travail d’équipe dès la phase de conceptualisation. Bien que la production professionnelle de La Métamorphose n’ait pas eu lieu, comme convenu, à cause d’un désengagement de dernière minute du producteur principal, nous avons eu la chance de travailler une année complète en collectif ce qui a grandement aidé à synthétiser la prise de décision artistique liée à ce projet. Plus qu'une fin en-soi, cet opéra est alors devenu, par la force des choses, un véhicule permettant l'approfondissement et l'appropriation de plusieurs nouvelles techniques d'écriture avec l'aide, entre autres, de la Composition assistée par ordinateur : morphing, harmonie basée sur des analyses spectrales ou sur des modèles de résonance, profilage mélodique, etc. Le premier chapitre de la thèse aborde la genèse de La Métamorphose avec tout le travail de recherche précédant la composition proprement dite de l'œuvre : apprentissage des outils de programmation (MaxMSP, Openmusic), conception du livret, premières esquisses, travail de conceptualisation en équipe (compositeur, librettiste, metteur en scène, producteur). Le deuxième chapitre présente une analyse musicale approfondie de La Métamorphose en mettant l’accent sur les techniques d’écriture inspirées du thème universel de la transformation. Le dernier chapitre démontre la formalisation graduelle de ma démarche compositionnelle et propose une synthèse des nouvelles connaissances acquises lors de l'écriture de La Métamorphose. / Composed between 2007 and 2009, the opera La Métamorphose is ambitious by its size, but also by its first intention to get closer to the ideal of a total artwork. To do so, efforts have been multiplied to assure a professional production that would not only allow a correct performance of the work, but also give out the necessary funding to work as a team during the conceptualization process. Although the professional production of this work has not taken place as planned, due to a last minute disengagement of the main producer, the creative team still managed to work together one whole year, which greatly helped to synthesize artistic decisions linked to this piece. More than being a be-all and end-all, this opera project has become a vehicle allowing a further deepening and appropriation of many new compositional techniques with the help, amongst others, of Computer Assisted Composition: morphing, spectral analysis based harmony, resonance model based harmony, melodic profiling etc. The first chapter of this thesis approaches the genesis of La Métamorphose including all of the research preceding the composition of the work: mastering visual programming tools (MaxMSP, Openmusic), writing of the libretto, first drafts, conceptualization work as a team (composer, librettist, stage director, producer). The second chapter presents an analysis of La Métamorphose, putting the emphasis on compositional techniques isnpired by the universal theme of transformation. The last chapter demonstrates the gradual formalization of my musical reasoning and proposes a synthesis of the new knowledge acquired during the composition of La Métamorphose.

La version intégrale de ce mémoire est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l’Université de Montréal (http://www.bib.umontreal.ca/MU). / Ce mémoire présente quatre œuvres musicales composées dans le cadre d'une exploration des musiques numériques. La description de leur contexte de création et leur analyse témoignent d’une démarche méthodologique inspirée par l’improvisation, la collaboration et l’interprétation des musiques. Une introduction précise d’abord mon parcours musical et mes sources d’inspiration en plus de décrire les origines et les objectifs de mon projet. Le premier chapitre présente le contexte de création des quatre œuvres qui composent mon corpus. De velours et d’acier est une pièce acousmatique inspirée de la musique métal qui s’organise autour de matériaux sonores référentiels. Un pied dans ma poubelle est une pièce musicale mixte composée expressément pour l'ensemble de jazz contemporain [iks]. Sa composition a grandement fait évoluer ma conception de l’improvisation. La pièce Enfant Robot au cœur fondant est une recherche sur l’intégration des composantes électroacoustique et instrumentale dans une même musique. Druckabfall est une musique acousmatique qui a vu le jour suite à une collaboration théâtrale. Un deuxième chapitre offre une discussion sur la musique mixte et ses implications dans le processus créatif. Un ultime chapitre aborde de façon critique mon corpus en plus d’en extraire certaines préoccupations. Je propose alors une méthodologie de composition en plus de discuter de l’improvisation et de la collaboration comme moyens de développer mon processus créatif. Cette discussion d’ordre esthétique me permet d'établir des perspectives d’avenir pour ma création musicale. / This Master's thesis presents four musical works composed whilst researching numeric music. The description of their context of creation and their analysis indicate a methodological approach inspired by improvisation, collaboration and interpretation of music. First, an introduction describes my musical background and sources of inspiration in addition to describing the origins and objectives of my project. The first chapter presents the context, within which the four musical works were created. De velours et d’acier is an acousmatic work inspired by metal music. It is organized around a set of referential sounds. Un pied dans ma poubelle is a mixed music work composed specifically for the contemporary jazz band [iks]. My understanding of improvisation has greatly evolved with the composition of this work. The piece called Enfant Robot au cœur fondant was made during my research for integrating electroacoustic and instrumental components within a united music. Druckabfall is an acousmatic work born after a collaboration within the world of theater. The second chapter provides a discussion on mixed music and its implications in the creative process. The final chapter looks critically across my corpus to extract some aesthetic concerns. I then propose a methodology of composition and discuss the improvisation and collaboration as means to develop my creative process. This discussion allows me to enunciate my future musical pratices.

La version intégrale de ce[te] mémoire [thèse] est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l’Université de Montréal (http://www.bib.umontreal.ca/MU). / Résumé Ce document présente une collection d’œuvres composées sur une période de deux ans. Le premier chapitre comprend les sommaires des premières pièces de cet période, écrites pour des instruments solistes ou des petits ensembles. Le second chapitre consiste en une analyse approfondie de « Three Constructions in Heavy Metal », une pièce pour un ensemble de musique de chambre à six interprètes et un chef. Les pièces sont présentées chronologiquement afin d’illustrer l’évolution du processus de composition, ainsi que d’exposer plusieurs éléments recyclés dans de nouveaux contextes. Puisque toutes les pièces sont écrites pour des petits ensembles, l’accent est mis sur la maximalisation du potentiel sonore disponible. Ceci se passe tout d’abord au niveau instrumental, mais la présente analyse démontrera aussi sa pertinence au niveau des matériaux musicaux; en effet, presque tout le matériel dans « Three Constructions in Heavy Metal » peut être retracé, d’une quelconque façon, dans les pièces présentées dans le premier chapitre. Mots-clés : Musique, composition, dualité, chambre, texture, ensemble, instrumental / Abstract The following document presents a collection of pieces all composed during a two- year period. The first chapter consists of overviews of the earliest pieces, written for solo instruments or small ensembles, while the second chapter is an in-depth analysis of the most recent work, “Three Constructions in Heavy Metal” (a chamber piece for six performers and conductor). The pieces are presented in a chronological order to illustrate the evolution of the compositional process as well as the way certain ideas are recycled and reused in new contexts in different pieces. As all the pieces are written for small ensembles, there is an emphasis on maximizing the sonic potential available. This takes places at the instrumental level and, as analysis will show, at the level of the musical materials; nearly all the material in “Three Constructions in Heavy Metal” can be traced in some way to the pieces presented in the first chapter. Keywords: Music, composition, duality, chamber, texture, ensemble, instrumental

La version intégrale de ce mémoire est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l’Université de Montréal (http://www.bib.umontreal.ca/MU). / La présente recherche développe le projet d’écrive quatre compositions pour différents groupes d’instruments réunies autour de l’idée des quatre éléments (terre, eau, feu, air). La recherche comprend : une courte description de l’idée même de ces éléments dans la culture en général et en musique en particulier; l’éclairage du brusque changement au début du vingtième siècle présentant tout une autre approche, avec de grands compositeurs comme Debussy, Scriabine et Stravinsky; la partie principale avec l’analyse des œuvres musicales et les conclusions. Bien que la portée de l’idée même des éléments ait été estimée à sa juste valeur, son rôle dans la musique n’a jamais été suffisamment évalué. L’idée des éléments et la création de la musique expriment un aspect dynamique de l’être et le principe de l’unité dans la diversité. A ma connaissance un pareil rapprochement n'a encore jamais été signalé, ce qui permet de le considérer comme l’hypothèse de ladite recherche. Comme les compositions de mon doctorat comptent sept œuvres unies par le même sujet, on peut parler de différentes manifestations de l’idée des éléments et de la diversité des moyens. Telle est la valeur principale de la recherche. Quatre œuvres analysées – « On a Russian Theme » pour orchestre symphonique, « Zodiac Signs » pour orchestre de chambre, « Mount Fuji » pour deux pianos et orchestre, « Que Dieu Soit » pour chœur, orgue et hautbois - présentent une sorte de cycle malgré la différence de genres et d’instruments. Bien que les quatre éléments soient présents différemment dans chaque œuvre, un unique élément domine dans chacune : la terre dans « Sur un Thème Russe », l’eau dans « Signes de Zodiac », le feu dans « Fuji », l’air dans « Que Dieu Soit ». La particularité de l’analyse est l’accent porté sur l’expression des éléments par les moyens de la musique. C’est tout d’abord l’orchestration et la texture ainsi que l’harmonie, la mélodie, le contrepoint et la forme. / The present thesis analyses the ideas of four works for various orchestral ensembles, all united by the concept of the four elements of nature: earth, water, fire, and air. This includes a brief consideration of what meaning has been attached to the idea of the elements in culture in general and in music in particular; a review of the qualitative change in the approach to the idea of the elements which occurred at the turn of the twentieth century in the works of composers such as Debussy, Scriabin, and Stravinsky; and an analysis of musical works with conclusions. Although the idea of the elements has been considered thoroughly in the history of human thought, the application of this idea to music has been clearly underestimated. At its deepest level, both the idea of the elements in its universal meaning and musical creativity per se express the dynamic aspect of being and unity in diversity. To my knowledge, this connection has never been observed, which is why this connection can be considered as a hypothesis of the present thesis. Since this doctoral project encompasses seven works exploring the same theme, it would be only logical to use a multi-faceted presentation of the idea of the elements and its multifarious expression by a variety of means. This is the main purpose of the present project. The selection of four out of the seven works for analysis is further explained in the main body of the dissertation. The four works under consideration are On a Russian Theme for symphony orchestra, Zodiac Signs for chamber orchestra, Mount Fuji for two pianos and orchestra, and Que Dieu Soit for choir, organ, and oboe. Together the four works constitute a kind of cycle despite the variety of genres and performing groups. In each piece, one of the four elements assumes a dominant position, although the elements are presented differently in each of the works. In On a Russian Theme, earth is in the foreground; in Zodiac Signs, it is water; in Mount Fuji, fire; and in Que Dieu Soit, air. The particularity of the present analysis is the emphasis laid on the expression of the elements by musical means and their unity as far as artistic imagery is concerned.