Este estudo tem como objetivo compreender a música como mediadora das relações sociais e construções identitárias dentro do Movimento dos Trabalhadores Rurais Sem Terra (MST) a partir da etnografia da música em um assentamento da reforma agrária e no evento orgânico de âmbito regional denominado 12ª Jornada de Agroecologia do Paraná. Através da inserção em campo, da observação participante e do mapeamento de categorias nativas, procurei seguir as redes de negociações e conflitos nos espaços musicais Sem Terra, como a rádio comunitária, as rodas de viola, bailes, noites culturais e místicas, conhecendo as trajetórias de vida e dando voz a atores em diferentes posições da estrutura hierárquica do MST. Inserido em uma rede de trocas de conhecimentos musicais, na qual me posicionei como aprendiz de música sertaneja de raiz e pagodes de viola, estabeleci vínculos de confiança com os colaboradores de pesquisa que me possibilitaram o acesso a práticas cotidianas para além das vozes institucionais do MST, trazendo à tona processos de diferenciação identitária nos embates das escolhas de repertórios e performances musicais. / This study aims to understand music as a mediator of social relations and identity constructions within the Landless Workers Movement (MST) through the ethnography of music in an agrarian reform settlement and the local organic event called 12ª Agroecology Journey in Paraná. Through fieldwork, participant observation and mapping of native categories, I followed the networks of negotiations and conflicts in Landless music venues, such as the community radio, viola's meetings, parties, cultural nights and mística, learning about people's life trajectories and giving voice to those acting in different positions of the hierarchical structure of the MST. Inserted into a network of musical knowledge exchanges, where I positioned myself as an apprentice of "sertanejo de raiz" and "pagodes de viola" music, I established bonds of trust with research collaborators who allowed me access to daily practices beyond institutional MST voices, surfacing processes of identity differentiation in quarrels of repertoire choice and musical performances.

Esta tese parte da premissa de que, na tradição da musica ocidental escrita, a performance restitui a obra musical ao tempo e o intérprete, responsável por esse processo, deve compreender profundamente as temporalidades propostas pela obra para, assim, planejar criteriosamente o fluxo dos seus eventos. Para isso, é necessário que o processo de construção interpretativa se desenvolva em simultaneidade e constante diálogo com dados decorrentes do estudo analítico da obra estudada e da percepção estésica do intérprete que, em sua prática diária, projeta e avalia em si mesmo o efeito pretendido. Com base nesse modelo, foi realizado um estudo interpretativo e analítico de Cantéyodjayâ para piano de Olivier Messiaen, compositor que, por meio de sua obra musical, seus textos teóricos e sua atividade pedagógica, teve importante impacto nas discussões a respeito do tempo na música do século XX. O primeiro capítulo da tese, Cantéyodjayâ contextualizada, posiciona Cantéyodjayâ no contexto da obra de Messiaen, especialmente no que se refere ao período de experimentação no qual se insere. O segundo capítulo, No princípio era o ritmo: o tempo musical em Messiaen, trata dos conceitos filosóficos e teológicos que apoiaram o pensamento rítmico-temporal em Messiaen e suas correspondências com procedimentos composicionais adotados pelo compositor. O terceiro capítulo, Análise e construção interpretativa em Cantéyodjayâ, apresenta o estudo analítico de Cantéyodjayâ articulado a decisões interpretativas. Compuseram a fundamentação deste capítulo os textos teóricos do compositor, em especial Technique de mon langage musical (1944) e Traité de rythme, de couleur et d’ornithologie (1994), articulados a conceitos apresentados por autores como J. Kramer (1988), W. Berry (1997) e J. Straus (2005). / This thesis assumes that performance brings a musical score to life by presenting it in real time. The performer – who is in charge of this process – must understand the complex relationships between rhythm and conceptual pacing of a particular work in order to plan the flow of events. Threrefore, the interpretive construction must be constantly supported by data from both the analytical investigation and the aesthetic perception. The performer in his daily practice designs the desired effect and evalutes the outcome. Based on this notion, an interpretive and analytical study was done about Cantéyodjayâ by Olivier Messiaen, a composer whose compositional output, theoretical writings and pedagogical activities have impacted the concept of time in the twentieth century music. The first chapter of this thesis, Cantéyodjayâ contextualizada, contextualizes Cantéyodjayâ in the entire oeuvre of Messiaen, especially within his experimental period. The second chapter, No princípio era o ritmo: o tempo musical em Messiaen, deals with philosophical and theological concepts based in Messiaen’s rhythmic thought, as well as its connections to the compositional procedures adopted by Messiaen. The third chapter, Análise e construção interpretativa em Cantéyodjayâ, presents an analytical study of Cantéyodjayâ linked to the interpretive choices. This last chapter is based on Messiaen’s theoretical writings, especially Technique de mon langage musical (1944) and Traité de rythme, de couleur et d’ornithologie (1994); it is also connected to the concepts presented by J. Kramer (1988), W. Berry (1997) e J. Straus (2005).

Orientador: Helena Jank / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-18T04:53:42Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Pereira_LucianoSilveira_M.pdf: 11501288 bytes, checksum: 0a477da91c11cc3b36ae405f8265a1c5 (MD5) Previous issue date: 2010 / Resumo: Este trabalho tem por objetivo oferecer, em uma visão contextual, subsídios para a interpretação da música clássica para clarinetistas modernos. O trabalho apresenta, inicialmente, as transformações organológicas pelas quais o clarinete passou, desde sua criação, no final do século XVII, até o final do século XVIII, quando o instrumento atinge sua tessitura completa. A seguir, concentra-se em aspectos interpretativos do repertório escrito para o clarinete de 5 chaves, o primeiro a agregar o registro grave, até então explorado apenas pelo chalumeau, e o registro agudo, próprio do clarinete barroco. Este clarinete - standart do período clássico - possui características sonoras semelhantes às do clarinete moderno. O repertório setecentista dedicado a este instrumento é um dos mais vastos da literatura clarinetística. Paradoxalmente, a maior parte deste repertório é praticamente desconhecida por clarinetistas modernos. As diretrizes interpretativas propostas por este trabalho enfocam dois aspectos principais: articulação e acentuação, fundamentando-se em tratados e métodos antigos para clarinete. Dentre estas publicações, foram selecionados seis métodos, com maior destaque para o Méthode de clarinette (1802) de Jean Xavier Lefèvre (1763-1820). Deste modo, é proporcionado ao intérprete moderno um contato direto com a literatura didática setecentista para clarinete. As informações contidas nestes métodos são comparadas com regras propostas por autores como: Leopold Mozart (1719-1787), Johann Joachim Quantz (1697-1773), Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788) e Daniel Gottlob Türk (1750-1813). Com isto, esta pesquisa oferece a clarinetistas suporte para a execução e para uma compreensão mais profunda da música clássica, levando em conta uma abordagem histórica para este repertório / Abstract: This paper aims to provide support for the interpretation of classical music to modern clarinetists in a contextual way. The paper initially presents the transitions which the clarinet experienced since its creation in the late seventeenth century until the mid eighteenth century, when the instrument reached its full range. Next, the paper focuses on the interpretative aspects of the repertoire written for the five-key clarinet, the first one to have both the low register added to it, which had until then had been only explored by the chalumeau and the upper register which was typical of the baroque clarinet. The standart clarinet of the classical period has sound characteristics similar to the modern clarinet. The eighteenth-century repertoire dedicated to this clarinet is one of the most extensive ones. Paradoxically, most of this repertoire is almost unknown to modern clarinetists. The interpretive guidelines proposed by this work focus on two main aspects: the articulation and metrical stress, based on historical treatises and methods for the clarinet of that period. Among these publications, six methods were selected, with greater emphasis being given to the Méthode de clarinette (1802) by Jean Xavier Lefèvre (1763-1820). Thus, the modern interpreter is provided with a direct contact with the eighteenth-century didactic literature for the clarinet. The information contained in these methods are compared to the rules proposed by authors such as Leopold Mozart (1719-1787), Johann Joachim Quantz (1697-1773), Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788) and Daniel Gottlob Türk (1750-1813). With that, this research provides support for the presentation and a deeper understanding of classical interpretation, taking into account a historical approach to this repertoire / Mestrado / Praticas Interpretativas / Mestre em Música

Submitted by Marlene Santos (marlene.bc.ufg@gmail.com) on 2016-09-05T14:09:56Z No. of bitstreams: 9 Dissertação - Cristiane dos Santos Carvalho - 2016 - Pate 1.pdf: 1300679 bytes, checksum: c70f30f0f34b22b03c7e342a412f2523 (MD5) Track01.cda: 44 bytes, checksum: b94abcd71973e03adf1914510ee30e84 (MD5) Track02.cda: 44 bytes, checksum: 0285fc3e4b30cf97cb77d54d504d5ad4 (MD5) Track03.cda: 44 bytes, checksum: d3863cebfa5f9808098399083a201498 (MD5) Track04.cda: 44 bytes, checksum: afff3ebf8d1f1295b4fc1456c105f828 (MD5) Track05.cda: 44 bytes, checksum: 6da78de7f23e71708a9ce079dbdfd177 (MD5) Track06.cda: 44 bytes, checksum: 41d8c5f170665824f9b970997919f449 (MD5) Track07.cda: 44 bytes, checksum: 0da294956b7c612de2585d776b2aa88a (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Approved for entry into archive by Luciana Ferreira (lucgeral@gmail.com) on 2016-09-06T13:07:51Z (GMT) No. of bitstreams: 9 Dissertação - Cristiane dos Santos Carvalho - 2016 - Pate 1.pdf: 1300679 bytes, checksum: c70f30f0f34b22b03c7e342a412f2523 (MD5) Track01.cda: 44 bytes, checksum: b94abcd71973e03adf1914510ee30e84 (MD5) Track02.cda: 44 bytes, checksum: 0285fc3e4b30cf97cb77d54d504d5ad4 (MD5) Track03.cda: 44 bytes, checksum: d3863cebfa5f9808098399083a201498 (MD5) Track04.cda: 44 bytes, checksum: afff3ebf8d1f1295b4fc1456c105f828 (MD5) Track05.cda: 44 bytes, checksum: 6da78de7f23e71708a9ce079dbdfd177 (MD5) Track06.cda: 44 bytes, checksum: 41d8c5f170665824f9b970997919f449 (MD5) Track07.cda: 44 bytes, checksum: 0da294956b7c612de2585d776b2aa88a (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Made available in DSpace on 2016-09-06T13:07:51Z (GMT). No. of bitstreams: 9 Dissertação - Cristiane dos Santos Carvalho - 2016 - Pate 1.pdf: 1300679 bytes, checksum: c70f30f0f34b22b03c7e342a412f2523 (MD5) Track01.cda: 44 bytes, checksum: b94abcd71973e03adf1914510ee30e84 (MD5) Track02.cda: 44 bytes, checksum: 0285fc3e4b30cf97cb77d54d504d5ad4 (MD5) Track03.cda: 44 bytes, checksum: d3863cebfa5f9808098399083a201498 (MD5) Track04.cda: 44 bytes, checksum: afff3ebf8d1f1295b4fc1456c105f828 (MD5) Track05.cda: 44 bytes, checksum: 6da78de7f23e71708a9ce079dbdfd177 (MD5) Track06.cda: 44 bytes, checksum: 41d8c5f170665824f9b970997919f449 (MD5) Track07.cda: 44 bytes, checksum: 0da294956b7c612de2585d776b2aa88a (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Previous issue date: 2016-03-30 / Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de Goiás - FAPEG / The Final Product of Masters Degree presented here consists of two required parts: Part A (Artistic Production) and Part B (Scientific Production). The artistic part is composed of concerts presented throughout the process, including the defense recital, directly related to the developed research. The scientific part consists of an article that addresses the preparation of Brazilian recorder‟s ensembles at universities from the perspective of Musical Performance Elements (MPE) concept used as a focus of the research that was developed by RAY (2005). The main objective of the research was to identify the recorder active groups in universities, know how they work and indicate ways to optimize the preparation of this kind of group. The adopted methodological procedure was literature review on the subject and field research to identify the recorder active ensembles in Brazilian universities, followed by the organization and discussion of results. At last, we used the material gathered and discussed as a basis for the development of suggestions for the preparation of recitals in recorder‟s ensemble. / O Produto Final de conclusão de Mestrado aqui apresentado é composto de duas partes obrigatórias: Parte A (Produção Artística) e Parte B (Produção Científica). A parte artística é composta pelos recitais apresentados ao longo do curso, incluindo o recital de defesa, diretamente relacionado com a pesquisa desenvolvida. A parte científica é constituída por um artigo que aborda o processo de preparação de grupos de flautas doces de universidades brasileiras sob a ótica dos Elementos da Performance Musical (EPM), conceito utilizado como foco da pesquisa que foi desenvolvido por RAY (2005). O objetivo principal da pesquisa foi identificar os grupos de flautas doces ativos em universidades, entender como eles funcionam e indicar formas de otimizar a preparação deste tipo de grupo. O procedimento metodológico adotado foi revisão de literatura sobre o tema e pesquisa de campo para identificação dos grupos de flautas doces ativos em universidades brasileiras, seguidos da organização e discussão dos resultados. Ao final, utiliza-se do material reunido e discutido como base para a elaboração de sugestões para a preparação de recitais em grupos de flautas doces.

Considerando-se que, para se alcançar a excelência na performance de qualquer obra musical é preciso não apenas conhecer a peça e praticá-la tecnicamente, mas também analisá-la sob várias perspectivas, este trabalho de pesquisa buscou abordar aspectos que possibilitem ao intérprete conhecer o poemeto lírico Ofélia no que tange a seu compositor, à origem do gênero da canção, aos aspectos literários que envolvem os poemas utilizados por Oswald e à maneira pela qual tais elementos podem auxiliar na performance dessas canções. A metodologia utilizada para a realização deste trabalho de pesquisa consistiu basicamente nos seguintes elementos: a leitura de fontes literárias específicas sobre os aspectos abordados e a análise dos elementos textuais e musicais, embasadas nas referências bibliográficas escolhidas. Como resultado da pesquisa, construiu-se quatro partes distintas, sendo que a primeira trata da biografia do compositor e sua trajetória composicional, a segunda aborda a canção e sua origem e desenvolvimento como gênero, a terceira abarca os aspectos poéticos da obra escolhida e no quarto, os elementos citados confluem-se para auxiliar na busca de uma performance coerente. / Taking into consideration that in order to reach excellence when performing any musical fragment is not only necessary to know and practice it, but also to analyse all perspectives; this paper aims at discussing aspects which enable the interpreter to learn more the songs of Ophelia as far as its composer, its genre and its literary aspects are concerned as well as the way such aspects can help in the performance of such songs. The methodology used in this research paper consists of the following elements: reading on specific source books and the analyses of text and musical elements based on the chosen biography. As a result of the research, this paper was consisted of four parts: the first related to the composers biography, the second talks about the lied itself and its general origin, the third refers to poetic aspects of the presented work and the fourth where all the mentioned elements are mixed together so to help in the search and for a coherent performance.

Os objetos de estudo específicos deste trabalho são as práticas e os processos de criação e performance de música experimental interativa desenvolvidos na última década no ambiente de pesquisas em sonologia da Universidade de São Paulo (USP). Optamos por realizar uma abordagem ampla destes objetos por entender que o contexto sociocultural no qual ocorrem cria as condições para sua realização e é, de alguma forma, refletido em suas produções. O início do trabalho é dedicado aos contextos gerais e são analisadas questões e características relevantes das sociedades contemporâneas, nas quais, dentre diversos outros processos dinâmicos e plurais, se ampliou o foco de estudo sobre as criações artísticas, englobando também o ambiente sociocultural no qual tais produções são desenvolvidas. Em seguida, observamos o contexto específico da área de sonologia da USP, representada atualmente pelo Núcleo de Pesquisas em Sonologia (NuSom), e sobre como o vínculo entre os participantes (que pode ser estabelecido tanto por afinidades como por questões institucionais), ajuda a formar uma comunidade musical na qual valores estéticos e técnicos são, de algum modo, desenvolvidos. Isto, por sua vez, além de estimular a criação de uma produção artística desta coletividade também permite o compartilhamento, entre os participantes, de ferramentas teóricas que auxiliam na realização de reflexões sobre esta produção. Em um terceiro momento são apresentados os concertos realizados nesta área (como a série ¿Música?), que exibem parte consistente da produção artística realizada neste contexto e são importantes práticas observáveis desta comunidade. São apresentados também alguns exemplos do repertório nos quais o autor do presente trabalho teve participação direta em sua elaboração. Finalmente, a partir deste contexto, são realizadas discussões sobre possíveis relações entre o músico e seu aparato instrumental. Refletimos que este aparato não se trata apenas de ferramentas passivas, mas de componentes tecnológicos que interagem dialeticamente com o criador e/ou performer, alterando seu modo de pensar as atividades de criação e performance / The specific study objects of this work concern the practices and processes of interactive experimental music creation and performance developed in the last decade in the research environment in sonology at the University of São Paulo (USP). We chose to perform a comprehensive approach of these objects for understanding the socio-cultural context in which occur that creates the conditions for its realization and is somehow reflected in their productions. The beginning of the work is devoted to general contexts where some issues and relevant features of contemporary societies are analyzed, in which, among several other plurals and dynamic processes, expanded the focus of study on the artistic creations, also encompassing the socio-cultural environment in which such productions are developed. Then we observe the specific context of the sonology area at USP, currently represented by the Research Center in Sonology (NuSom), and about how the bond between participants (which can be established both by affinities or per institutional issues), helps form a \'musical community\' in which aesthetic and technical values are somehow developed. This scenario besides stimulating the creation of an artistic production of this collective also enables the sharing, between the participants, of theoretical tools that assist in the realization of reflections on this production. In a third moment are presented the concerts held in this area, which exhibit a consistent part of the artistic production held in this context and are important \"observable practices\" of this community. Some examples of repertoire in which the author of this work had direct participation in their preparation are also presented. In conclusion, from this context, discussions are held about possible relationships between the musician and his instrumental apparatus. We reflect that this apparatus is not just passive tools but technological components that interact dialectically with the creator and/or performer, changing his way of thinking the activities of creation and performance

Orientador: Edmundo Pacheco Hora / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-23T23:46:55Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Zumpano_NiviaGasparini_D.pdf: 2081333 bytes, checksum: 2bd12f885adec4fb185459793cebd470 (MD5) Previous issue date: 2013 / Resumo: O presente trabalho apresenta uma reflexão a respeito da expressividade cravística com ênfase em alguns parâmetros da execução. Para tanto, foram delimitados fatores associados à expressividade a partir da literatura especializada e, na etapa seguinte, realizou-se um estudo sobre sua influência na sonoridade do instrumento, procurando-se destacar questões relativas à possibilidade de dinâmica no cravo. Com o objetivo de verificar a maneira como a expressividade tem sido abordada no contexto de aprendizado cravístico e a forma como os estudantes manipulam os parâmetros analisados, realizou-se também uma pesquisa com alunos e ex-alunos de diversas Instituições de Ensino do país. Ao final, a análise dos resultados obtidos possibilitou a visualização da forma como os parâmetros podem influenciar acusticamente a sonoridade na execução, permitindo concluir que sua manipulação pelo intérprete amplia as possibilidades expressivas do instrumento / Abstract: In this thesis we offer a discussion about harpsichord's expressiveness with emphasis on some performance parameters. Thus, we defined some factors associated to the expressiveness from the specialized literature and in the next step we performed a study about its influence on harpsichord's sound, seeking to highlight the instrument dynamic possibilities. In order to check how the expressiveness has been addressed in the context of harpsichords' learning and how students manipulate the parameters, we also carried out a survey involving harpsichord students in different educational institutions. Finally, the results' analysis showed us how expressive parameters can influence acoustically the harpsichord sound, allowing conclude that performer's manipulation expands the instrument expressive possibilities / Doutorado / Fundamentos Teoricos / Doutora em Música

A presente dissertação aborda a música popular instrumental brasileira (MPIB) e sua atividade na cidade de São Paulo. A pesquisa visa identificar o conteúdo da MPIB como mediação da sociedade, bem como elucidar questões semânticas e de conteúdo em relação ao termo. Em outras palavras, o trabalho procura levar o leitor a uma das muitas paisagens sonoras da sociedade – paulistana e brasileira – através da “audição” da música instrumental. Abordamos a MPIB a partir de dois pontos de vistas: de um lado sua produção, apresentando algumas das circunstâncias de produção (fonográfica e ao vivo) e de outro, pela observação das lógicas internas às obras a partir de aspectos musicais como escalas, motivos, padrões rítmicos e de acordes, improvisos, formas, etc. Esta dupla abordagem é justificada porque a MPIB desarruma contextos semânticos ao colocar os elementos musicais em relações surpreendentes. Este é o empreendimento que produz a questão central deste trabalho. O intuito desta etnografia é investigar por um lado como as questões relativas à construção da identidade nacional se articulam na MPIB através dos elementos diferenciados que são arranjados dando expressão às tensões e contradições da sociedade brasileira, e por outro identificar alguns elementos na constituição das experiências que surgem no fazer musical. Para dar conta dessa problemática dividimos a dissertação em duas partes: a primeira contendo os dados empíricos advindos da pesquisa de campo, entrevistas e coleta de materiais da mídia, e a segunda parte contendo as discussões teórico-metodológicas sobre a etnografia do fazer musical e a problemática da experiência musical e seus significados no mundo contemporâneo. / This work approaches the Brazilian instrumental popular music (BIPM) and its activity in Sao Paulo city. The research intents to identify the BIPM content as a society mediation, as well as clarify semantic and content questions with respect to the term. In other words, the work tries to bring the reader to one among the several society soundscape – from Sao Paulo and Brazil – through the listening of the instrumental music. We approach the instrumental music from two points of view: firstly its production, presenting some of the production circumstances (phonographic and alive), and on the other hand, by the observation of the work’s internal logic from music aspects such as scales, motifs, rhythms and chords patterns, improvisations, forms, etc. This double approach can be justified because the BIPM disarranges semantic contexts by putting the musical elements in amazing relationships. This effort is the central point of this work. The goal of this ethnography is to investigate, by one hand, how the questions relative to the construction of the national identity articulate themselves on the BIPM through different elements arranged to give expression to the tensions and contradictions of the Brazilian society. On the other hand, to identify some elements on the constitution of the experiences which appear on the music-making. To take account of this problematic we divide this dissertation in two parts: the first one containing empirical data from field research, interviews and collected material from the media, and the second one containing the theoretical and methodological discussions about the ethnography of the music-making, and the problematic of the musical experience and its meanings on the contemporary world.

Mental imagery is a common theme in research that clarifies how musical thought relates to musical performance. Unfortunately, minimal information exists regarding mental imagery and singers. The purpose of this study was to probe the role, if any, mental imagery plays in the conceptualization of pitch and vowel. By interviewing singers at differing levels of expertise, basic information was obtained about the mental processes used by singers. Through evaluations of the singers' mental processes, it was concluded that 95% of the singers in the study employed mental imagery. All singers described using kinesthetic imagery, while the majority implemented sensory and auditory imagery. Viso-spatial imagery was implemented among the more experienced singers. The majority of singers also reported: imaging pitch and vowel interactively; imaging from an internal perspective; and utilizing mental rehearsal. Less than half of the singers described using methods other than mental imagery to conceptualize pitch and vowel.

Syftet med föreliggande studie är att genom självobservation utforska på vilka sätt min sång kan förändras av regelbunden fysisk aktivitet. Processen har bestått av fysisk aktivitet fyra gånger i veckan på Lifestyle Fitness Arvika samt övningspass i sång två gånger i veckan på Musikhögskolan Ingesund. Studien utgår från det fenomenologiska perspektivet med inriktning mot livsvärldsperspektivet och kroppens fenomenologi som skapar möjligheten att fritt reflektera kring hur jag upplever, erfar och handlar i ett sammanhang. Datamaterialet består av loggboksanteckningar och videodokumentation. Resultatet presenteras i fem olika teman som beskriver vilka mönster som framkommer i självobservationen. Dessa teman är Kroppens stabilitet, röstens utveckling, sångprestationens disposition kontra fysisk aktivitet, rutinskapande och när inspiration och motivation träder fram. Resultatet visar på för- och nackdelar samt förutsättningar som fysisk aktivitet kan ha för sjungandet. / The purpose of this study is to explore through self-observation how my singing can be changed by regular physical activity. The process consisted of physical activity four times a week at Lifestyle Fitness Arvika as well as a practice session in singing twice a week at Ingesund Music School. The study is based on the phenomenological perspective focusing on the lifeworld and the phenomenology of the body, which creates the opportunity to freely reflect on how I experience, learn and act in a context. The data consists of logbook entries and video documentation. The result is presented in five different themes describing the patterns that emerge in self-observation. These themes are the body's stability, the voice's development, the song performance disposition versus physical activity, routines and when inspiration and motivation occur. The result shows the pros and cons as well as the effect that physical activity may have for singing.