This thesis engages with complex issues of musical expression and movement, and their relation, on the one hand, to musical structure and, on the other hand, to embodied musical experience. It aims to fill a gap in music theory and analysis: most methods overemphasise abstract conceptualisation of structural relations at the expense of the more dynamic, intuitive aspect of musical experience. As a solution, it offers a specific analytical method that can be used to explore dynamic aspects of music as experienced through the whole body. Drawing mainly on nineteenth-century piano music, I analyse aspects of structure in both composition and performance in terms of expressive and motional qualities, revealing the relationship between musical and physical movement. Expressivity in music derives its meaning, at least partly, from the embodied experience of music: performers shape expression through their whole body while listeners react to it in a comparable way, albeit less overtly. Two related systems of graphic notation are introduced, which provide a non-verbal means of representing expressive movement and at the same time encourage an immediate, visceral relationship to the music. The first notation captures the animated quality of expressive movement by analogy with the motion of a bouncing ball, while the second breaks down the expressive musical flow into discrete gestural patterns of specific motional character. While the ultimate value of this method lies in the analytical process it instigates, it also provides a novel theoretical framework that sheds light on the interaction, as well as integration, between structures such as metre, rhythm, harmony and voice-leading, which are traditionally studied mostly independently. In addition, it provides a useful tool for the study and communication of performance interpretation, based on data extracted from recordings in the form of tempo and dynamic fluctuation graphs.

Tratando música e performance violonística como um problema a ser resolvido e procurando por ferramentas que facilitassem o processo de solução de problemas a presente pesquisa levantou vários conceitos em outras áreas do conhecimento, notadamente o Pensamento Divergente de Joy P. Guilford (1950), o Método Científico (principalmente a partir de Tang, 1984), o Pensamento Reflexivo de John Dewey (1933), o Brainstorm de Alex F. Osborn e a Heurística (segundo Duailibi e Simonsen, 1990) e os aplicou à obra selecionada, a saber, os 12 Estudos para Violão de Francisco Mignone (1897-1986), criando inúmeras soluções de execução de suas passagens, expressas pelos 875 exemplos musicais contidos na tese, no intuito de demonstrar como estes conceitos podem auxiliar na solução de problemas violonísticos. O presente trabalho foi realizado com apoio da Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - Brasil (CAPES) - Código de Financiamento 001. / By considering music and musical performance as a problem to be solved and searching ways of facilitate this problem-solving process this research gathered many concepts or tools of problem solving as the Divergent Thinking by Joy P. Guilford (1950), the Scientific Method (mainly based in Tang, 1984), the Reflexive Thinking by John Dewey (1933), Brainstorm by Alex F. Osborn and the Heuristic (mainly by Duailibi and Simonsen, 1990) and applied then to the selected work, the 12 Guitar Studies by Francisco Mignone (1897-1986). With this approach many solutions where created for it\'s passages, and where expressed by 875 musical exemples, wishing to demonstrate how this concepts can assist the guitar problem solving process. This study was financed in part by the Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - Brasil (CAPES) - Finance Code 001.

La présente thèse tente d'aborder, pour la première fois, une analyse comparative du rôle que la musique liturgique a joué dans le processus de construction de l'image sacrée des souverains de la maison Bourbon de France et d'Espagne dans le cadre des cérémonies religieuses célébrées aux cours de Madrid et de Versailles pendant les dernières décennies de l'Ancien Régime, ainsi que du rôle que l'exemple de la Chapelle pontificale a joué dans ce processus. Le but principal de cette étude a été d’apporter un cadre conceptuel et un modèle d'analyse qui permettraient d'aborder une étude globale de la musique sacrée destinée à ces cérémonies, sous un angle plus proche de l'histoire culturelle que de la musicologie traditionnelle, mais toujours partant de l’analyse des aspects performatifs qui permettaient dévoiler l’interaction réciproque entre la musique avec le contexte cérémonial, politique et historique duquel a fait partie. Tout au loin de six chapitres on examine les éléments qui conformaient les cérémonies de la liturgie d’État, conçues à cette époque comme des représentations sacrées : les différentes scènes où avaient lieu, les acteurs, le cérémonial, ainsi que le fonctionnement des différents styles de chant utilisés pour solenniser aussi bien les cérémonies ordinaires que les extraordinaires célébrées à Rome, à Madrid et à Versailles entre 1745 et 1789. Cela comprenait non seulement les œuvres de musique sacrée produites ad hoc par les maîtres de chapelle, mais aussi d’autres musiques, comme le plain-chant, le contrepoint où le faux-bourdon, qui faisant partie de ce même système de représentation étaient parfois exécutés par l’improvisation ou la mémorisation. / This thesis attempts, for the first time, to address a comparative analysis of the role that liturgical music played in the process of building the sacred image of the sovereigns of the Bourbon House of France and Spain as part of the religious ceremonies celebrated in Madrid and Versailles during the last decades of the Ancien Régime, as well as the role that the example of the Pontifical Chapel played in this process. The main purpose of this study was to provide a conceptual framework and analytical model that would allow a global study of sacred music for these ceremonies to be approached from a perspective closer to cultural history than traditional musicology, but always starting from the analysis of the performative aspects that revealed the reciprocal interaction between music and the ceremonial, political and historical context of which it was a part. Along six chapters, we examine the elements that shaped the ceremonies of the State liturgy, conceived at that time as sacred representations: the different scenes in which they took place, the actors, the ceremonial, as well as the functioning of the different styles of singing used to solemnize both the ordinary and extraordinary ceremonies celebrated in Rome, Madrid and Versailles between 1745 and 1789. This included not only sacred music works produced ad hoc by the choirmasters, but also other music, such as plainchant, counterpoint or faux-bourdon, which were sometimes performed by improvisation or memorization as part of this same system of representation.

Esta dissertação consiste de um memorial do processo de construção da performance das Seis Danças Romenas de Béla Bártok por uma perspectiva da cognição corporificada. Fundamentada na proposição de objetos sônico-gestuais coarticulados de Godøy (2006; 2011) e na abordagem gestual de Pierce (2007) esta pesquisa investigou através da prática artística como gesto e som modelam-se mutuamente e de que maneira esse processo contínuo influencia a concepção da obra e as relações entre performer, música e instrumento. Considerando que as vivências do corpo não se limitam à prática pianística, foram trazidas perspectivas de experiências externas que contribuíram para a consciência corporal e que proporcionaram insights relevantes para a condução do processo artístico. A abordagem metodológica reúne a Pesquisa Artística e a Autoetnografia no que concerne desvelar o conhecimento corporificado inerente a um processo de criação artística através da narrativa pessoal. A documentação do processo compreendeu: 1) anotações em um diário das vivências, aulas de piano e sessões de estudo; 2) gravações de vídeo de sessões de estudo; 3) gravações de performances ao longo do processo; 4) comparação entre a gravação final da performance da obra e a primeira gravação realizada em momento anterior à pesquisa. Estes registros foram examinados com o propósito de compreender o processo artístico de uma perspectiva de corpo e música em constante estado de devir, identificando os momentos de insights mais significativos, e mapeando os recursos criativos elaborados pela performer ao longo do processo. As reflexões da performer acerca do processo conduziram a um reconhecimento de si mesma como sujeito corporificado, a perceber a música como fenômeno essencialmente corporal, e a transformações na concepção da obra. O processo artístico centrado no corpo acarretou mudanças significativas na interação da performer com o instrumento, o desenvolvimento de um maior repertório gestual, um incremento dos recursos expressivos, e o refinamento da percepção auditiva, promovendo o desenvolvimento da criatividade e da autonomia artística, bem como da maturidade emocional. / This dissertation is the performer’s account of the process of constructing a performance of Béla Bártok’s Romanian Folk Dances from the perspective of embodied cognition. Based on Godøy’s proposition of gestural-sonic coarticulation (2006; 2011), and Alexandra Pierce’s gestural approach to piano performance (2007), this research investigated how gesture and sound shape one another, and how this continuous process affects the conception of the work and the relations between performer, music and instrument. Considering that lived experience exceeds piano practice, perspectives from extra-musical activities were considered due to their contribution towards promoting bodily awareness and insights that were relevant to the artistic process. The methodological approach draws from Artistic Research and Autoethnography in regard to uncovering embodied knowledge ingrained in the process of artistic creation through personal narrative. The documentation of the process comprised: 1) a journal describing practice sessions, piano lessons and extra-musical experiences; 2) video recordings of practice sessions; 3) video recordings of performances along the process; 4) a comparison between the final performance and the first recording of the piece made prior to the present research. These records were examined with the purpose of comprehending the artistic process from the perspective of body and music in a constant state of becoming, identifying the most meaningful moments of insight, and mapping creative resources devised by the performer during the artistic process. The performer’s reflections upon the process lead to recognizing oneself as an embodied subject, to perceiving music as an essentially corporeal phenomenon, and to transformations in the conception of the musical work. The artistic process centered on the performer’s body promoted significant changes in the performer’s interaction with the instrument, the development of a broader gestural repertoire, an increment in expressive resources, and the refinement of aural perception, fostering the growth of creativity and artistic autonomy, as well as emotional maturation.

Esta pesquisa trata dos percursos de aprendizagem de músicos multi-instrumentistas. No âmbito deste trabalho, compreende-se como músico multi-instrumentista quem toca vários instrumentos musicais, simultaneamente ou não. A pesquisa contou com a colaboração de quatro músicos multi-instrumentistas e as questões de interesse foram: que instrumentos musicais os músicos tocam, quais os objetivos, interesses e expectativas do aprendizado de vários instrumentos, quais circunstâncias e situações levaram à escolha de cada instrumento musical, como ocorre a estruturação e organização dos estudos com mais instrumentos, como a aprendizagem de um instrumento se correlaciona com a aprendizagem de outros e como se desenvolve a atuação profissional destes músicos. Para buscar as respostas, foi realizada uma investigação com abordagem qualitativa (MINAYO e SANCHES, 1993; CHIZZOTTI, 2005). A história oral foi adotada como metodologia (MEIHY e HOLANDA, 2015; ALBERTI, 2013). O material empírico foi coletado através de entrevistas temáticas semiestruturadas. Esta pesquisa alinha-se com a sociologia da educação musical e tem como referenciais teóricos a socialização (SETTON, 2008, 2009, 2011), a aprendizagem de instrumentos musicais, compreendendo a relação dos músicos com seus instrumentos (NOHR, 1997), a autoaprendizagem (GOHN, 2003; CORRÊA, 2000, 2008), a hierarquização social dos instrumentos musicais (BOZON, 2000) e a profissionalização em música (KELLER, 1996; TRAVASSOS, 1999). Os resultados revelaram que o músico multi-instrumentista realiza um processo de hierarquização dos instrumentos musicais, na qual a hierarquização duradoura reconhece os instrumentos principais como aqueles com os quais é efetivada uma relação de maior tempo de convívio ao longo da trajetória, e a hierarquização momentânea como processo que contribui para a determinação da frequência, intensidade e regularidade da relação músico/instrumento em determinados períodos que configuram os percursos de aprendizagem do músico. Os músicos chegam a “novos” e “outros” instrumentos musicais por intermédio de situações relacionadas ao mercado de trabalho e atuação. Essas, além da apresentação de novas possibilidades, atuam como reguladoras dos processos de estudo, estabelecendo a divisão de atenção entre os instrumentos e contribuindo na elaboração de estratégias para um aprendizado múltiplo. A proximidade entre os instrumentos quanto à família, estrutura física e forma de tocar é revelada como aspecto decisivo à incorporação de novos instrumentos facilitando o aprendizado. A adaptação às necessidades que oportunizam o aprendizado de mais e diferentes instrumentos musicais promovem versatilidade ao multi-instrumentista, expandindo sua atuação a múltiplas frentes divididas na utilização de diferentes instrumentos musicais em diferentes projetos e diferentes instrumentos em um mesmo projeto. O trabalho contribui para o entendimento do ser multi-instrumentista como o músico que realiza um percurso de aprendizagem configurado pelo desafio, pelo novo, por arranjos instrumentais inusitados, imprevisíveis e momentâneos. Um músico que não pretende dar caráter magnífico ou extraordinário à sua prática, distinguindo-se como autoridade, mas validar e significar sua atuação através de uma proposta diferente. / This research is about multi-instrumentalist musicians learning pathways. In the scope of this work, it is understood as multi-instrumentalist musician who plays several instruments at the same time or not. The research had four multi-instrumentalist musicians collaboration and the issues of interest were: the musical instruments that are played by the musicians, the aims, interests and expectatives on several instruments learning, the circunstances and situations influenced in the choice of each musical instrument, how happens the study structure and organization with more instruments, how the learning of an instrument is correlated with learning of anothers and how it is developed the professional performance of these musicians. To find the answers it was done a study with qualitative approach. (MINAYO and SANCHES, 1993; CHIZZOTTI, 2005) The oral story was adopted as methodology (MEIHY and HOLANDA, 2015; ALBERTI, 2013). The empiric material was collected through semistructured thematic interviews. This research is according to the sociology of musical education and it has as theorical references the socialization (SETTON, 2008, 2009, 2011), the learning of musical instruments, it is understood the musicians relationship with their instruments (NOHR, 1997), the self – learning (GOHN, 2003; CORRÊA, 2000, 2008), the social hierarchy of musical instruments (BOZON, 2000) and the music professionalization (KELLER, 1996; TRAVASSOS, 1999). The results revealed that the multi-instrumentalist musician does a hierarchy process of musical instruments in which the lasting hierarchy identify the main instruments as those that it is effected a relationship with longer time together along the trajectory and the momentary hierarchy as a process that contribute the frequency determination, intensity, regularity in the relationship between musician and instrument in certain moments that configure the musician learning pathways. The musicians get closer to “new” and “other” instruments through situations related to the job market and professional performance. These besides the new possibilities presentation work as regulatories in the study processes, and they establish the division of attention among instruments and it contributes in the strategies elaboration for a multiple learning. The proximity among the instruments as for the family, physical structure and the way to play is revealed as a decisive aspect to the incorporation of new instruments through an easy learning. The adaptation to the necessities oportunize the learning of more than one and different musical instruments promote versality to multi-instrumentalist, it expands professional performance to multiples fronts shared in the use of different musical instruments in different projects and different instruments in the same project. The work contributes to the understanding of the being multi-instrumentalist as a musician who accomplishes the learning pathways configured by the challenge, by the new, by the inusitated instrumental arrangements, unforeseeable and momentaries. A musician who does not intend to give a magnificent or extraordinary character to his practice, distinguishing himself as an authority, but to validate and signify his performance through a different proposal.

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To recognize gestures, the system uses a regular low cost webcam, and from a colored marker on the back of the musician’s hand, the wrist movements are detected and tracked. A multidimensional dynamic time warping algorithm (MD-DTW) was used in order to develop this tool, which is an n-dimensional version of Dynamic Time Warping (DTW). In the work sequence, three rounds of experiments were performed, being the first of which to adjust the system parameters from video excerpts performed by an expert trainer. The second and third step assessed, respectively, the learning gain of piano students to the proposed method and system usability. The experiments were performed on volunteers with musical reading skills, however, without requiring minimum technical domain while playing the piano. The results of these tests showed that in addition to the method being able to detect and recognize successful gestures, the volunteers presented learning gain within middle range, which shows that this is a very promising method. In addition, usability testing revealed that the implemented interface, is well suited and has reached good satisfaction results among the volunteers. As a result, it can be said that the method and the proposed prototype demonstrate the potential of these tools in transferring techniques, such as musical performance gestures in a piano teachinglearning environment. / Este trabalho propõe um método de apoio ao ensino-aprendizagem de gestos de punho na execução musical ao piano, utilizando o rastreamento e reconhecimento de movimentos de punho na execução de excertos musicais ao piano. Para isso, um sistema foi construído, por meio de técnicas de visão computacional, visando apresentar ao aluno vídeos produzidos para verificar a execução do exercício pelo aprendiz, bem como visa fornecer dados relacionados ao desempenho. O sistema também utiliza as mesmas técnicas de visão computacional para a geração, pelo tutor, dos exercícios propostos para a aula, de modo a apoiar também na produção de material didático. Para reconhecer gestos, o sistema utiliza uma câmera regular de baixo custo, webcam, e, a partir de um marcador colorido no dorso da mão do músico, os movimentos de punho são detectados e rastreados. Para desenvolver essa ferramenta, foi utilizado o algoritmo Multidimensional Dynamic Time Warping (MD-DTW), que é uma versão n-dimensional do Dynamic Time Warping (DTW). Na sequência do trabalho, foram realizadas três etapas de experimentos, sendo que a primeira foi para ajustar os parâmetros do sistema a partir de vídeos dos excertos realizados por um instrutor especialista. A segunda e terceira etapa avaliam, respectivamente, o ganho de aprendizagem dos estudantes de piano com o método proposto e a usabilidade do sistema. Os experimentos foram realizados com voluntários com conhecimentos de leitura musical, porém, sem exigir limite mínimo de domínio de técnica ao tocar o piano. Os resultados desses testes mostraram que, além de o método ser capaz de detectar e reconhecer gestos com sucesso, os voluntários apresentaram ganho de aprendizagem na faixa média, o que demonstra ser esse um método bastante promissor. Além disso, o teste de usabilidade revelou que a interface implementada, é adequada e obteve bons resultados de satisfação entre os voluntários. Em virtude disso, pode-se afirmar que o método e o protótipo propostos demonstram o potencial dessas ferramentas no repasse de técnicas, como as de gestos de execução musical, em um ambiente de ensino-aprendizagem de piano.

Este é um estudo etnomusicológico etnográfico entre músicos amazonenses envolvidos com o universo musical/sociocultural reconhecido no Estado do Amazonas, principalmente na capital Manaus, por “música do Beiradão”. No contexto musical regional há vários entendimentos acerca da categoria nativa “beiradão”. Um deles, o mais predominante, é compreender os “beiradões” como quaisquer localidades rurais situadas nas beiras de rios e paranás no interior amazonense, e “música do Beiradão”, o repertório musical tocado para animar os festejos de santo e torneios de futebol nessas localidades e/ou as composições gravadas por esses músicos em LPs ao longo da década de 1980 e 90. No decorrer da etnografia, transito pelos referenciais da etnografia da música ou da performance musical, antropologia musical, antropologia do som, etnografia urbana, etnografia da duração, entre outros paradigmas teórico-metodológicos que me auxiliaram na compreensão das ideias, construções e memórias dos músicos dos “beiradões” e dos músicos envolvidos com a “música do Beiradão” em Manaus. Além disso, pude trabalhar as potencialidades desta categoria, “Beiradão”, refletindo o quanto esta pode ser explorada pela visão e pela audição reflexiva através dos diálogos teóricos em junção às epistemologias nativas de modo a elevar a mesma ao status de conceito complexo e heterogêneo, em que cada geração de músicos e públicos, região e localidade específica pode incidir e compreender este conceito a partir do ser e estar no mundo musical dos “beiradões”. Em suma, a partir dos trabalhos de campo etnográficos e das experiências intersubjetivas vivenciadas nos mesmos, pude refletir acerca das realidades socioculturais heterogêneas e das desigualdades sociais circunscritas neste universo musical. / This is an ethnographic ethnomusicological study among musicians from Amazon State (Brazil) involved with the musical/sociocultural universe known in this state, mainly in the capital Manaus, by "Beiradão music". In the musical regional context, there are several understandings around the native category "Beiradão". One, the most predominant, is to understand the "beiradões" as any rural localities situated on the riverbanks in the countryside of Amazon State, and "Beiradão Music", the musical repertoire played to enliven the holy celebrations and football tournaments in these places and/or the compositions recorded by these musicians in LPs throughout the 1980s and 90s. During the ethnography, I transit by references of ethnography of music or musical performance, musical anthropology, anthropology of sound, urban ethnography, ethnography of duration, among others theoretical-methodological paradigms who helped me in understanding the ideas, constructions and memories of the musicians from "beiradões" and musicians involved with "Beiradão Music" in Manaus. I was also work the potentials of this category, "Beiradão", reflecting how this can be exploited through reflexive vision and listening with theoretical dialogues in junction to native epistemologies in order to elevate it to the status of complex and heterogeneous concept where each generation of musicians and publics, region and specific place can contribute and understand this concept from to be and being in the musical world of "beiradões”. In short, from the ethnographic fieldworks and intersubjective experiences of the same, I could reflect about the heterogeneous sociocultural realities and the social inequalities around this musical universe.

Syftet med studien är att med utgångspunkt i kroppens fenomenologi utforska vilka reaktioner som uppstår i kroppen när jag är nervös vid olika typer av framträdanden. Förutom det ska också undersökas mentalträningens betydelse för minskning av stress och nervositet och dess påverkan på min gestaltningsförmåga vid dessa spelningstillfällen. I bakgrundskapitlet presenteras bland annat begrepp som nervositet, stress, musikalisk prestationsångest, med fler. Förutom det i bakgrundkapitel redovisas relevant forskning inom området och studiens teoretiska perspektiv-kroppens fenomenologi. I metodkapitlet presenteras den huvudsakliga metoden för dokumentation av studien- loggboksskrivande samt komplementär metod-videoinspelning. Resultatet redovisas under rubriker: Nervositet och oro i olika uppspelstillfällen samtMentala träningens påverkan på nervositet och stressnivå samt gestaltningsförmåga. Under dessa teman redovisas hur negativa upplevelser av nervositet och oro vid olika uppspelstillfällen så småningom med hjälp av mental träning förändras till positiva. I diskussionen redovisas teman:Jämförelse mellan nervositet och oro innan, under och efter mentalträningsprojektet och Vikten av kontinuerlig övning samt ljudspårens effektivitet. I denna del beskrivs även mina reflektioner kring följande arbetets betydelse för mig själv och idéer om fortsatt forskning på området. / The purpose of present study is to investigate from a phenomenology of body perspective what reactions occur in my body when I am nervous at different performance situations. Apart from that this study will investigate importance of mental training for decrease of stress and nervousness and its influence on my performance ability in this performance situations. In background chapter are definitions of nervousness, stress, musical performance anxiety and more presented. Apart from that in background chapter are earlier studies on this field and following studies theoretical perspective – phenomenology of body presented. In method chapter the methods of documentation - journal notes and video are presented. Result chapter is showed in themes: Nervousness and anxiety in different performance situations and Influence of mental training on nervousness and stress level and performance ability. In these chapters is shown how my negative feelings and experiences of nervousness and anxiety with mental trainings help transformed into positive. In discussion chapter following themes are showed: Comparison between nervousness and anxiety before, under and after mental trainingandImportance of continuous training and effectiveness of recordings. In this chapter, even my thoughts about following studies importance for myself and ideas about further research on the field are presented.

Автор представляемого исследования изучает одно из самых значимых произведений Вилла-Лобоса – 16 Cirandas (Сирандас). Он предлагает анализ и различные интерпретационные концепции каждой музыкальной пьесы цикла. При поиске принципов, которые лежат в основе семантики и синтаксиса музыкального произведения, автор опирался в своем анализе на выдающиеся работы Б. Асафьева «Теория интонации» и «Музыкальная форма как процесс», критически представленные в этом исследовании в контексте других созданных в 20 веке музыкальных теорий. В анализе каждой из музыкальных пьес, называемом в работе «Интонационный анализ», как единый комплекс рассматривались следующие элементы: структурирование музыкального материала; звуковой поток в единицу времени в свете теории энергетики искусства Асафьева, импульсы музыкального движения, музыкальное движение, функции синхронных и последовательных звуковых элементов и их сочетаний; присущие музыкальной структуре семантические и синтаксические аспекты; пианистический язык Вилла-Лобоса; такие вопросы исполнительского искусства как аппликатура, туше, движения рук и плеч. Музыкальное исполнение, с точки зрения «Теории интонации», понимается как интонирование музыкального произведения, таким образом, звуковое воплощение происходит в руках и голосе интерпретатора, который передает свое психологическое/ интеллектуальное/эмоциональное/смысловое состояние в данном историческом и культурном контексте. В соответствии с пониманием Б. Асафьева, музыка – это «искусство интонируемого смысла». Вилла-Лобос, будучи неотъемлемой частью своего времени, интонирует в Сирандас культурные универсалии через исторически кристаллизованные интонации бразильского социального сознания. / Este trabalho investiga parte significativa da obra para piano de Villa-Lobos, as 16 Cirandas, com objetivo de apresentar concepções analíticas e interpretativas para a execução de cada uma das peças. Partindo da busca por um conhecimento que abordasse as questões semânticas e sintáticas, expressas no ato da execução musical, foram adotados, para as análises, os trabalhos de B. Asafiev, Teoria da Entonação e Forma Musical como Processo apresentados e contextualizados frente às teorias analíticas do século XX. Em cada concepção analítica das peças, neste trabalho, com o título de análises entonacionais, os itens a seguir foram tratados: a estruturação do material musical; o fluxo sonoro no tempo manifestado por intermédio dos conceitos “asafianos” de energia, impulso ao movimento musical, movimento musical e seu término, funções dos elementos e conjuntos sonoros simultâneos e sucessivos; os aspectos semânticos e sintáticos, imanentes e emanantes das estruturas musicais; a linguagem pianística de Villa-Lobos; aspectos do processo de execução, como dedilhados, movimentos de dedos, mãos e braços. Integrada à Teoria da Entonação, a execução musical é entendida como entonação de uma obra musical, ou seja, manifestação sonora originada das mãos e voz dos intérpretes, que comunica seu estado psicológico intelectual/emocional/semântico em um contexto cultural e histórico. Por sua vez, a música é entendida por Asafiev como “a arte do sentido entonado”. Conectado à sua contemporaneidade, Villa-Lobos entoa, nas Cirandas, um universo cultural por meio de entonações historicamente cristalizadas no consciente social brasileiro. / This work investigates a substantial part of Villa-Lobos’ work for piano, the 16 Cirandas. It proposes analytical and interpretive conceptions to the performance of each musical piece. Searching for principles that would encompass the semantics and syntax expressed in the act of musical performance, B. Asafiev’s Intonation Theory and Musical Form as Process was used as the basis for analysis, being presented and contextualized with the analytical theories of the 20th century. In each analytical conception of the pieces, entitled here as intonation analyses, the following items were treated as a complex: structuring of the musical material; sound flow within time manifested through the Asafie’s concepts of energy, impulse to the musical movement, musical movement and its conclusion; functions of simultaneous and successive sound elements and sets; semantic and syntactic aspects immanent and emanating of musical structures; pianistic language of Villa-Lobos; aspects of the performing process such as fingering, finger, hand and arm movements. Musical performance, integrated to the Theory of Intonation, is understood as intonation of a work of music, thus, manifestation of sound originated in the hands and voice of the interpreters, which communicates their psychological/intellectual/emotional/semantic state in a historical and cultural context. According to Asafiev’s understanding, music is the “art of intoned meaning”. Villa-Lobos, in touch with his contemporaneity, intones in his Cirandas a cultural universe through historically crystallized intonations of the Brazilian social consciousness.

Este é um estudo etnomusicológico etnográfico entre músicos amazonenses envolvidos com o universo musical/sociocultural reconhecido no Estado do Amazonas, principalmente na capital Manaus, por “música do Beiradão”. No contexto musical regional há vários entendimentos acerca da categoria nativa “beiradão”. Um deles, o mais predominante, é compreender os “beiradões” como quaisquer localidades rurais situadas nas beiras de rios e paranás no interior amazonense, e “música do Beiradão”, o repertório musical tocado para animar os festejos de santo e torneios de futebol nessas localidades e/ou as composições gravadas por esses músicos em LPs ao longo da década de 1980 e 90. No decorrer da etnografia, transito pelos referenciais da etnografia da música ou da performance musical, antropologia musical, antropologia do som, etnografia urbana, etnografia da duração, entre outros paradigmas teórico-metodológicos que me auxiliaram na compreensão das ideias, construções e memórias dos músicos dos “beiradões” e dos músicos envolvidos com a “música do Beiradão” em Manaus. Além disso, pude trabalhar as potencialidades desta categoria, “Beiradão”, refletindo o quanto esta pode ser explorada pela visão e pela audição reflexiva através dos diálogos teóricos em junção às epistemologias nativas de modo a elevar a mesma ao status de conceito complexo e heterogêneo, em que cada geração de músicos e públicos, região e localidade específica pode incidir e compreender este conceito a partir do ser e estar no mundo musical dos “beiradões”. Em suma, a partir dos trabalhos de campo etnográficos e das experiências intersubjetivas vivenciadas nos mesmos, pude refletir acerca das realidades socioculturais heterogêneas e das desigualdades sociais circunscritas neste universo musical. / This is an ethnographic ethnomusicological study among musicians from Amazon State (Brazil) involved with the musical/sociocultural universe known in this state, mainly in the capital Manaus, by "Beiradão music". In the musical regional context, there are several understandings around the native category "Beiradão". One, the most predominant, is to understand the "beiradões" as any rural localities situated on the riverbanks in the countryside of Amazon State, and "Beiradão Music", the musical repertoire played to enliven the holy celebrations and football tournaments in these places and/or the compositions recorded by these musicians in LPs throughout the 1980s and 90s. During the ethnography, I transit by references of ethnography of music or musical performance, musical anthropology, anthropology of sound, urban ethnography, ethnography of duration, among others theoretical-methodological paradigms who helped me in understanding the ideas, constructions and memories of the musicians from "beiradões" and musicians involved with "Beiradão Music" in Manaus. I was also work the potentials of this category, "Beiradão", reflecting how this can be exploited through reflexive vision and listening with theoretical dialogues in junction to native epistemologies in order to elevate it to the status of complex and heterogeneous concept where each generation of musicians and publics, region and specific place can contribute and understand this concept from to be and being in the musical world of "beiradões”. In short, from the ethnographic fieldworks and intersubjective experiences of the same, I could reflect about the heterogeneous sociocultural realities and the social inequalities around this musical universe.