Este trabalho tem como fundamentação teórica a semiótica de linha francesa e seus recentes desenvolvimentos tensivos. Tomamos como objeto de nosso estudo as variações de ritmo e andamento presentes em um texto sonoro, pela abordagem do plano de expressão musical. O objetivo deste trabalho consiste em compreender como tais possibilidades discursivas se articulam durante a realização da obra por um intérprete, a partir das indicações presentes na partitura. Após considerações iniciais sobre o texto e o intertexto musical, cuja finalidade é determinarmos o modo como estas potencialidades são manifestadas, consideramos o tempo em diferentes níveis segundo Gérard Grisey (1987, 2004, 2008) e Messiaen (1996, 1995, 1994). Em um segundo momento, buscamos articular os diferentes tipos de escuta segundo Schaeffer (1966) e Greimas (2008) ao considerar o ouvir como um fazer, o qual requer a aquisição de competências para tal. Partiremos da noção de ritmo em uma perspectiva fundamentada na semiótica tensiva em considerações sobre este tema propostas por Greimas e Courtés (1986), Valéry (2007), Zilberberg (1990, 1996, 2001, 2011) e Tatit (1998, 2010b). Finalmente, com apoio dos estudos sobre temporalidade realizados por Zilberberg e dos desenvolvimentos propostos por Tatit, empreendemos uma análise de seis interpretações de dois Noturnos de Chopin, sendo duas do opus 15 n. 3 e quatro do opus 27 n. 2, tendo como parâmetro de comparação o uso do tempo rubato durante as performances musicais. Nosso objetivo foi então estabelecer algumas diretrizes para se compreender os mecanismos de construção do sentido que resultam nos enunciados característicos do discurso musical, segundo as intenções de cada intérprete. / The theoretical foundation of this work is based on the French line semiotics and its recent developments in tensivity theory. Our object of study is the variations of rhythm and tempo present in a sound text by approaching the plan of musical expression. The objective of this work is to understand how different performers articulate such discursive possibilities during the musical interpretation, based on the indications present in the music score. After initial considerations about the text and intertext in music, which purpose is to determine how these potentialities are manifested, we consider the time in different levels according to essays by Gérard Grisey (1987, 2004, 2008) and Messiaen (1996, 1995, 1994). In a second moment we seek to articulate the different types of listening as discussed in studies conducted by Schaeffer (1966) and Greimas (2008). From these studies we define hearing as the act of doing, which requires the acquisition of skills to do so. This way we base this study on the notion of rhythm according to a perspective grounded in tensive semiotics found in previous work by Greimas and Courtes (1986), Valéry (2007), Zilberberg (1990, 1996, 2001, 2011) and Tatit (1998, 2010b). Finally, based on studies about temporality conducted by Zilberberg and further developments proposed by Tatit, we have analyzed six performances of two Nocturnes by Chopin (two performances of opus 15 n. 3 and four other performances of opus 27 n. 2). During the analysis we compared the use of rubato time in the musical performance. The goal was to establish some guidelines to understand the mechanisms that underlies the construction of meaning which ultimately result in the characteristic enunciation of a musical discourse defined by the intentions of each performer.

A presente tese se dedica à análise de partituras gráficas e da interação entre o som e a imagem que elas apresentam. O corpus da pesquisa inclui tanto partituras cuja notação possui uma motivação plástica quanto verbal além de algumas partituras mistas as quais permitem um olhar sobre a relação entre o texto e a imagem. Tendo em vista que a escrita e concepção da obra musical se influenciam mutuamente, exploramos algumas vias nas quais a enunciação musical presente no enunciado gráfico e a intersemioticidade entre o visual e o sonoro pudessem ser verificadas. Devido ao fato de a música instrumental ser uma arte performativa, examinamos igualmente aspectos enunciativos presentes na escrita da obra pelo compositor e em sua interpretação, durante sua leitura e execução. Para isso, desenvolvemos as noções de linearidade e tabularidade (Edeline, 2008a), interação das cores (Chevreuil, 1839; Goethe, 1996b) e percepção das linhas próprios ao enunciado visual (Bertrand, 2011; Edeline, 2008b; Ingold, 2011) e sua relação com a textualização (Bertrand, 2000). Relacionamos tais conceitos ao modo como o enunciado se produz nas diferentes instâncias do texto musical valorizando aspectos tensivos que permeiam tais relações segundo extensões do conceito de enunciação propostas por Stange (2014), Fontanille (2006, 2007) e Bertrand (2003, 2007). Deste modo, propomos uma leitura da partitura gráfica segundo aspectos tanto perceptivos e patêmicos quanto cognitivos chegando por fim à práxis enunciativa de modo a explicitar como tais percursos se relacionam e contribuem para a construção da significação de um texto musical. / The purpose of this research is to analyse graphic scores and the interaction between sound and image arising from them. The research corpus includes scores that uses a more plastic character and mixed scores, which allows us to glimpse the verbal text and image relationship. Considering that the writing and conception of the musical work influence each other, we explore ways in which the musical enunciation is present in the graphic enunciated and the intersemioticity between the visual and the sonorous could be verified. Once instrumental music is a performative art, we will also deal with enunciative aspects present both in writing, carried out by the composer, as in its interpretation during its reading and performance. For this, we develope the definitions of linearity and tabularity (Edeline, 2008a), color interaction (Chevreuil, 1839, Goethe, 1996b) and perception of the lines proper to the visual text, (Bertrand, 2011; Edeline, 2008b; Ingold, 2011) and its relation to textualization phenomenon (Bertrand, 2000). We relate these concepts to the occurence of the enunciation in different instances of the musical text, taking into account their tensive variables according to extensions of the concept of enunciation proposed by Stange (2014), Fontanille (2006, 2007) and Bertrand (2003, 2007). This way, we propose a reading of graphic scores considering perceptual, pathemic and cognitive aspects. All these paths are related and contribute to the construction of the meaning of a musical text.

A ansiedade de performance musical (APM) é um subtipo do transtorno de ansiedade social caracterizado pela presença de temores relacionados ao desempenho musical que podem acarretam prejuízos na vida profissional dos músicos. Os sintomas variam de sensações de estresse normais da profissão à sintomas de ansiedade intensos. A literatura sugere que a etiologia da APM envolve aspectos fisiológicos e psicológicos. O conhecimento de outros aspectos como as causas da APM percebidas pelos músicos, estratégias de enfrentamento e variáveis culturais parece importante para uma visão detalhada da APM. O presente projeto teve por objetivo principal descrever o perfil clínico, os aspectos relativos à prevalência, causas percebidas e estratégias de enfrentamento da APM em uma amostra de músicos brasileiros clássicos (GCB) e populares (GPB) e comparar com uma amostra de músicos australianos profissionais (GMA). Foram utilizados diversos instrumentos de auto avaliação em uma amostra de 214 músicos brasileiros (GCB=114; GPB=100) e 376 músicos australianos. Os dados referentes à amostra brasileira foram analisados por meio de programa estatístico específico, em função das variáveis: formação musical, presença/ausência de APM e sexo. Foram realizadas análises comparativas entre músicos clássicos brasileiros e músicos australianos. Adotou-se como nível de significância p<0,05. Os resultados apontam que 38,8% da amostra brasileira apresenta indicadores de APM e não houve diferença significativa de indicadores psiquiátricos entre os grupos GCB e GPB, exceto para subescala social de sensibilidade à ansiedade cuja pontuação média foi maior para o GCP. Quando comparados GCB e GMA, observou-se índices superiores nos indicadores de ansiedade traço, APM e depressão no GCB enquanto o GMA apresentou maiores indicadores de sensibilidade à ansiedade. Os músicos com APM apresentaram um perfil mais comprometido nos indicadores psiquiátricos. Em relação ao sexo, as mulheres apresentaram maiores índices de sensibilidade à ansiedade e depressão. Quanto as causas percebidas de ansiedade, independentemente da condição musical, do sexo e presença/ausência de APM as mais frequentemente apontadas pelos músicos foram a pressão de si próprio, tocar repertório difícil, incertezas ocasionadas por falhas técnicas e preocupação com a reação/avaliação da plateia. Quando comparados em função da formação musical, presença/ausência de APM e país de origem, o GCB, músicos com APM e GMA identificam com maior frequência e significância estatística um maior número de situações causadoras de ansiedade. De forma geral, a maioria das causas percebidas tem locus interno. Quanto às estratégias de enfrentamento, observou-se semelhança nas mais utilizadas independente da formação musical, presença/ausência de APM, sexo e país de origem. As mais utilizadas foram respirar profundamente, aumentar treino, familiarizar-se com local da performance e usar técnicas de relaxamento e, as mais utilizadas também foram efetivas do ponto de vista dos músicos. Nota-se predomínio de estratégias internas aos músicos e baixa procura por recursos externos como profissionais da área da saúde. A APM é uma condição que afeta tanto os músicos brasileiros como os australianos, as causas percebidas de forma geral são associadas a variáveis internas aos músicos que enfrentam esta condição com recursos próprios, com baixa procura por profissionais que poderiam oferecer intervenções mais efetivas. / Musical performance anxiety (MPA) is a subtype of social anxiety disorder characterised by the presence of fear related to musical performance, which can cause impairment in the musician\'s personal and professional life. Symptoms range from the normal stress sensations of the profession to the most intense and harmful anxiety symptoms. The literature suggests that the etiology of MPA involves physiological and psychological aspects. The knowledge of other aspects, such as how MPA causes are perceived by musicians, coping strategies and cultural variables seem important for a detailed view of MPA. The main objective of this project was to describe the clinical profile, prevalence, perceived causes and coping strategy of MPA in a sample of Brazilian classical (GCB) and popular musicians (GPB) and compare them with a sample of Australian professional musicians (GMA). Several instruments of self evaluation were used in a sample of 214 Brazilian musicians (GCB = 114, GPB = 100) and 376 Australian musicians. The data referring to the Brazilian sample were analyzed by means of a specific statistical program, according to the following variables: musical training, presence / absence of MPA and gender. Comparative analysis were performed between Brazilian classical musicians and Australian musicians. The significance level was set at p <0.05. The results indicate that 38.8% of the Brazilian sample presented APM indicators and there was no significant difference of psychiatric indicators between GCB and GPB groups, except for social subscale of anxiety sensitivity wich mean score was higher for GCP. When comparing GCB and GMA, higher indices were observed in trait anxiety, MPA and depression in GCB, whereas GMA showed higher anxiety sensitivity indicators. The musicians with MPA presented a more compromised profile in the psychiatric indicators. In relation to sex, women had higher indices of sensitivity to anxiety and depression. Regarding the perceived causes of anxiety, regardless of the musical condition, sex and presence/absence of MPA, the most frequently pointed out by the musicians were self-pressure, difficult repertoire, uncertainties caused by technical failures and concern with evaluation of the audience. When compared in terms of musical training, presence / absence of MPA and country of origin, the GCB, musicians with MPA and the GMA identify with greater frequency and statistical significance a greater number of situations perceived as causing anxiety. The most perceived causes are internal to the musician. Regarding coping strategies, there was a similarity in the most used, independent of musical training, presence / absence of MPA, gender and country of origin. The most used were to breathe deeply, to increase training, to familiarize oneself with performance set and to use relaxation techniques, and the most used ones were also effective according to musicians. There is predominance of internal strategies of the musicians themselves and low demand for external resources such as health professionals. The MPA affects both Brazilian and Australian musicians. The perceived causes are generally associated with musicians\' internal variables who face this condition with their own resources, with a low demand for professionals who could offer more effective interventions.

The development of musical theatre in china is still in its initial stage, only a few big theatres have the ability of operating musical performance, and at this time, musical theatre is only performed in few big cities in China, like Shanghai and Beijing. The the-sis focuses on the development of musical theatre in Shanghai. As an entertainment ac-tivity and also one of the performing arts, the demand for musical theatre could be affect by many factors like educational background, income and competition from other forms of entertainment activities. There were many previous studies about the performing arts which also focused on the factors like education and income, however, the level of con-tributions of these factors to the development of different forms of performing arts are different. By reviewing related previous literatures and analyzing the data collected from Shanghai Grand Theatre which bases on a meta analysis of previous studies of performing arts, the thesis explores the current situation of the development of the mus-ical performance in Shanghai and studies various factors that affect the demand for musical theatre, as a result, a deeper understanding of how factors like educational background, income, competition among forms of entertainment activities etc. affect the development of musical theatre in Shanghai wish to be provided.

Esta pesquisa teve como objetivo investigar a potencial relação entre habilidades de memorização na prática violonística e o grau de habilidade de imagética (prática mental de recriação virtual de experiências sensoriais). Nove violonistas foram submetidos a testes de memorização com privação de feedback sensorial na forma de uma condição Controle seguida de três condições experimentais: Motora (remoção do feedback sonoro), Aural (remoção do feedback motor) e Visual (remoção dos feedbacks motor e aural). Os participantes foram instruídos a imaginarem o feedback ausente. Após dez repetições dos trechos musicais construídos especialmente para os testes, os violonistas tocavam o que memorizaram em condições normais de performance. O desempenho na memorização dos trechos estudados nas condições Motora e Visual foi inferior àquele obtido nas condições Aural e Controle, o que indicou a importância da presença do feedback sonoro durante o estudo de peças novas para o processo de memorização. Relacionando estes desempenhos com o grau de habilidade de imagética aural dos participantes, notou-se que aqueles com maior grau de habilidade de imagética não foram prejudicados pela ausência dos feedbacks nas tarefas de memorização, mantendo o desempenho em todas as condições testadas. Estes dados sugerem a importância da habilidade de imagética aural e corrobora com a ideia de que os músicos podem se beneficiar dela para o processo de memorização. / The aim of this research was to investigate the potential relationship between guitar practice memorization and imagery skills (mental practice through witch it is possible to create virtually real sensory experience). Nine guitarists were submitted to memory testes with sensory feedback privation through one Control condition followed by three experimental conditions: Motor (aural feedback absent), Aural (motor feedback absent) and Visual (both motor and aural feedbacks absent). After ten practice trials of the music pieces design specifically for the tests, the guitarists then played in normal performance conditions what they memorized. The subjects memorized less on the Motor and Visual experimental conditions compared to Aural and Control, what points to the importance of aural feedback during the practice of new piece when it concerns the memorization process. Comparing the memorization tests with aural imagery tests results showed that subjects with stronger imagery ability were less affected by feedback absent on memorization tasks, keeping the performance on every test condition. This data suggests the importance of aural imagery ability and corroborates with the idea that musicians can beneficiate of such skill on memorization process.

A sonoridade é um aspecto importante para a execução violonística. Esse trabalho tem por objetivo estudar a sonoridade com um elemento da execução musical, entender os seus aspectos formadores dentro do âmbito técnico, textual e perceptivo, utilizando-se como exemplo duas gravações das Quatro Peças Breves de Frank Martin. Os resultado são discutidos à luz do embasamento teórico, fazendo-se considerações a respeito das possibilidades de execução musical e como a sonoridade do violão atua nesse contexto. / Sound is an important aspect to guitar performance. The purpose of this work is to study the sound as an element of musical performance, understanding the aspects which form it as seen through technique, text and perception, using two recordings of the Frank Martin´s Quatre Pièces Brèves as example. The results were based on the theoretical framework considering the possibilities of musical performance and how the guitar sound works in this context.

Neste estudo, busco compreender como as performances musicais das cantoras/chanteuses dos clubes noturnos de Porto Alegre nas primeiras décadas do século XX podem mediar as relações de gênero dentro e fora destes espaços de sociabilidade moderna. O termo chanteuse é largamente difundido na imprensa e nas crônicas brasileiras de início de século, posto que uma parcela considerável de artistas-cantoras eram enviadas da Europa para o mercado sul-americano e o termo francês conferia-lhes status sobretudo em relação às cantoras nacionais que também disputavam espaço neste cenário artístico-musical. Através de uma etnografia histórica, procuro recompor esse cenário, para compreender como a música, através do repertório e da performance, contribui na construção social da figura dessas mulheres nas urbes modernas. Apesar da associação, via senso comum, dessas artistas à prostituição, observo que a profissionalização artística lhes proporcionava uma alternativa ao meretrício, garantindo sua sobrevivência sem necessariamente vender seu sexo. Entretanto, a prática musical feminina aparece estreitamente relacionada ao corpo, à sensualidade, o que é fortemente expresso nas imagens e crônicas jornalísticas, colocando-o em evidência. A partir dos estudos de gênero e na literatura musicológica, trato de examinar a trajetória musical dessas mulheres através do fenômeno social dos cabarés na modernidade urbana do Brasil. / This study aims to understand how the musical performance of the singers/chanteuses of the night clubs in Porto Alegre, in the early decades of the twentieth century, could mediate the gender relationships either inside or outside these spaces of modern sociability. The term chanteuse is widely spread and used by the press and in the Brazilian chronicles of the early century, once a considerable amount of artists-singers would be sent from Europe to South America, and the French term would give them a superior status in relation to the national singers that were also competing for a place in this artistic-musical scenario. Through a historical ethnography, I have sought to rebuild this scenario in order to learn how music, through repertoire and performance, contributes to the social construction of these women in modern cities. Despite the association of the figure of these artists with prostitution, I observe that the fact of women turning into professionals of arts provided them an alternative of not being involved with prostitution, ensuring their survival without the need of selling sex. However, the female musical performance happens to be closely related to the body, sensuality and this fact is strongly expressed in the pictures and in the newspaper chronicles. From the studies of gender and musicological literature, I examine the musical journey of these women through the social phenomenon of cabarets in the modern cities in Brazil.

O presente trabalho investiga as percepções e concepções sobre corpo, gesto, técnica pianística e suas relações nas vivências de alunos de piano de dois cursos de Graduação em Música. Fundamentada no conceito de corporalidade, utilizo os conceitos de gesto musical e técnica pianística para examinar as relações que emergem entre o indivíduo, o piano e a música, expressas nas experiências externadas pelos participantes. O conceito de corporalidade (MERLEAU-PONTY [1999], VAZ [2004], CHAUÍ [2011]) compreende o indivíduo como uno, ímpar e indissociável, uma unidade portadora de simbolismos, de memória cultural e social, e repleta de nuances pelas bagagens constituídas ao longo da vida nas relações estabelecidas culturalmente e socialmente, considerando que o modo como construímos nossa visão de mundo passa pelo nosso corpo. O conceito de gesto musical (JENSENIUS et al. [2010], LEMAN; GODØY [2010]) implica em um movimento que carrega intenção e significado, unindo aspectos técnicos e interpretativos, possibilitando pensar a relação entre o texto musical, pianista e piano a partir da individualidade de cada sujeito expressa na organização de movimentos ímpares. Os conceitos de técnica pianística (CHIANTORE [2001]; SANDOR [1981]; KAEMPER [1967]; WHITESIDE [1955]; JAËLL [1904]) elencados neste trabalho são convergentes em proposições fundamentadas no movimento. Participaram deste estudo oito estudantes de duas instituições de Ensino Superior: Universidade Federal do Rio Grande do Sul – UFRGS – Curso Bacharelado em Música/Piano e Escola de Música e Belas Artes do Paraná – EMBAP/UNESPAR – Universidade Estadual do Paraná – Campus I de Curitiba – Curso Superior de Instrumento/Piano. O enfoque metodológico foi de Estudo Qualitativo, tendo como instrumento de coleta de dados a filmagem de vídeos, uma entrevista semiestruturada que abordou o sentir-se na performance e o ver-se na performance (momento em que os participantes apreciaram suas próprias performances gravadas), e uma Entrevista Fenomenológica que abordou os três grandes eixos temáticos do trabalho: técnica pianística, corpo e gesto musical. O instrumento de análise e interpretação de dados foi fundamentado nos três passos do Método Fenomenológico: descrição fenomenológica, redução fenomenológica e interpretação fenomenológica. / This study investigates perceptions and conceptions of the body, gesture and piano technique and the relationship between them in the experiences of piano students on two undergraduate music courses. Drawing on the idea of corporeality, I use the concepts of musical gesture and piano technique to examine the relationships that emerge between the individual, the piano and music and are expressed in the experiences manifested by the participants. According to the notion of corporeality (MERLEAU-PONTY [1999], VAZ [2004], CHAUÍ [2011]), the individual is singular, unique and indissociable, a unity that carries symbolism and cultural and social memory and is full of nuances resulting from the cultural and social relationships established during an individual’s life, as the way we build our view of the world is linked to our body. The concept of musical gesture (JENSENIUS et al. [2010], LEMAN; GODØY [2010]) implies movement charged with intention and meaning, combining technical and interpretative aspects and allowing one to consider the relationship between musical score, pianist and piano in terms of the individuality of each subject expressed in the organization of unique movements. The concepts of piano technique (CHIANTORE [2001]; SANDOR [1981]; KAEMPER [1967]; WHITESIDE [1955]; JAËLL [1904]) mentioned in this work all share ideas based on movement. Eight students from the following two music programs at two higher-education institutions took part in this study: the Bachelor’s Degree Program in Music/Piano, Federal University of Rio Grande do Sul, UFRGS, and the Degree Program in Instrumental Music/Piano, School of Music and Fine Arts, EMBAP/UNESPAR, Paraná State University, Campus I, Curitiba. The study was a qualitative one, and data were collected in videos filmed during the study, in a semi-structured interview that addressed self-feeling in the performance and self-seeing in the performance (when participants appreciated their own recorded performances) and in a phenomenological interview covering the three main themes in the study: piano technique, body and musical gesture. The data analysis and interpretation was based on the three steps of the phenomenological method: phenomenological description, phenomenological reduction and phenomenological interpretation.

Através da análise das atividades inseridas nos processos de estudo de dois experientes violonistas professores universitários, o presente trabalho investiga as estratégias de estudo utilizadas na preparação da execução musical da Elegy (1971) de Alan Rawsthorne. A construção da execução musical, quando vista como atividade de solução de problemas (problem solving activity), através da utilização consciente de estratégias de estudo, pode ser otimizada em termos de qualidade e quantidade de estudo. A elaboração do modelo analítico, a partir das bases teóricas expostas no presente trabalho, permitiu a identificação das estratégias de estudo utilizadas pelos violonistas, bem como o enfoque dado por cada um a essas. / By analyzing the activities included in the study processes of two experienced classical guitarist’s academics, this paper investigates the study strategies used in the preparation of the musical performance of Elegy (1971) by Alan Rawsthorne. The construction of musical performance, when viewed as an activity of problem solving (problem solving activity), through the conscious use of practice strategies, can be optimized in terms of quality and quantity of study. The elaboration of the analytical model, based on the theoretical basis outlined in this study, permitted the identification of practice strategies used by guitarists as well as the emphasis given by each of these.

Através da análise das atividades inseridas nos processos de estudo de dois experientes violonistas professores universitários, o presente trabalho investiga as estratégias de estudo utilizadas na preparação da execução musical da Elegy (1971) de Alan Rawsthorne. A construção da execução musical, quando vista como atividade de solução de problemas (problem solving activity), através da utilização consciente de estratégias de estudo, pode ser otimizada em termos de qualidade e quantidade de estudo. A elaboração do modelo analítico, a partir das bases teóricas expostas no presente trabalho, permitiu a identificação das estratégias de estudo utilizadas pelos violonistas, bem como o enfoque dado por cada um a essas. / By analyzing the activities included in the study processes of two experienced classical guitarist’s academics, this paper investigates the study strategies used in the preparation of the musical performance of Elegy (1971) by Alan Rawsthorne. The construction of musical performance, when viewed as an activity of problem solving (problem solving activity), through the conscious use of practice strategies, can be optimized in terms of quality and quantity of study. The elaboration of the analytical model, based on the theoretical basis outlined in this study, permitted the identification of practice strategies used by guitarists as well as the emphasis given by each of these.