[ES] El presente estudio se centra en el análisis de la praxis teatral, a partir del montaje esceno-performativo: Descripción de un cuadro, texto de Heiner Müller, y dirección de Madeleine Loayza, con la finalidad de exponer la importancia de la «tensión erótica» (entendida como energía vital asociada a Eros) presente en la poíesis del acontecimiento teatral. Nos enfocaremos en los dispositivos contrahegemónicos (a los que caracteriza su gesto irreverente y crítico) presentes en el fenómeno sensoperceptivo y receptivo, el mismo que involucra la relación del actor-operador/performer con los diversos elementos que intervienen en la producción de dicha poíesis y su alcance en el espectador. La investigación incluye la poíesis convivial, productiva y la poíesis receptiva enfocadas en el proceso y en el resultado. En este contexto se observa, analiza e interpreta el modo en que acontece dicha tensión, emplazándonos desde el rol de artista-investigadora/espectadora. El estudio concluye con el soporte conceptual y el diseño de la investigación-creación: Mujer en llamas; donde la investigadora se asume como artista-investigadora/directora, actriz y dramaturga. Observar cómo se constituye el fenómeno sensoperceptivo y receptivo de la poíesis, al develarse el modo en que opera la «tensión erótica» y su alcance en el espectador, en tanto dispositivo de resistencia contrahegemónico por medio de mecanismos y formas de producción liminales, para lo cual se ponen en discusión las características de operación del dispositivo, de acuerdo con las particularidades del montaje propuesto. El estudio contempla, desde una perspectiva analítica, las teatralidades contemporáneas, pertenecientes al campo de la Teatrología, con énfasis en la dimensión performativa del signo teatral que destaca los aspectos espacio/temporales y kinésicos. Nos referirnos al análisis de la dinámica de la ejecución del signo en escena (que involucra al espectador), más que limitarnos a identificar la estructura de los signos teatrales; esta perspectiva desplaza al eje de la literatura dramática como referente canónico para abordar la experiencia escénica. Enfatizar el rol del cuerpo en el fenómeno sensoperceptivo y receptivo, entre el actor y el espectador, nos remite a la visión nietzscheana que toma como referente la tragedia griega (siglos V y IV a. C), retomada luego por Artaud y otros pensadores de su tiempo desde el campo de la filosofía; esta perspectiva potencia el rol del espectador en la dinámica escénica desde la auto-alteración y la capacidad crítica y autocrítica. De allí que el concepto liminalidad presente en Descripción de un cuadro, posea un carácter político importante en tanto contrahegemónico como antiestructura. Los parámetros para observar la operatividad de la «tensión erótica» se advierten en los dispositivos poéticos, que configuran su poíesis en las modalidades productiva, receptiva y convivial. En el montaje Descripción de un cuadro, el dramaturgismo, las prácticas performáticas; el análisis del «convivio» entre los diversos materiales o matrices que intervienen en el proceso de factura de la obra, como dispositivos poéticos, constituyen los pilares que sustentan el proceso de investigación-creación. En lo que respecta al soporte conceptual y exposición del diseño del montaje Mujer en llamas, este se desarrolla a partir de la metodología que guía el enfoque del presente estudio, con el objetivo que pueda ser incorporada y replicada en otros procesos creadores. / [CA] El present estudi es centra en l'anàlisi de la praxi teatral, a partir del muntatge esceno-performatiu: Descripció d'un quadre, text de Heiner Müller, i dirección de Madeleine Loayza amb la finalitat d'exposar la importància de la «tensió eròtica» (entesa com a energia vital associada a Eros) present en la poiesis de l'esdeveniment teatral. Ens centrarem en els dispositius contrahegemónicos (caracteritzats pel caràcter irreverent i crític) presents en el fenomen sensoperceptiu i receptiu, el fenomen mateix que involucra la relació de l'actor-operador/performer amb els diversos elements que intervenen en la producció d'aquesta poíesis i el seu abast en l'espectador. La investigació inclou la poíesis convivial, productiva i la poíesis receptiva enfocades en el procés i en el resultat. En aquest context s'observa, analitza i interpreta la manera en què esdevé aquesta tensió, emplaçant-nos des del rol d'artista-investigadora/espectadora. L'estudi conclou amb el suport conceptual i el disseny de la investigació-creació: Dona en flames; on la investigadora s'assumeix com a artista-investigadora/directora, actriu i dramaturga. Observar com es constitueix el fenomen sensoperceptivo i receptiu de la poiesis, al develarse la manera en què opera la "tensió eròtica" i el seu abast en l'espectador, en tant dispositiu de resistència contrahegemònic per mitjà de mecanismes i formes de producció liminals, per a això es posen en discussió les característiques d'operació del dispositiu d'acord amb les particularitats del muntatge proposat. L'estudi contempla des d'una perspectiva analítica les teatralitats contemporànies pertanyents al camp de la Teatrología, posant especial èmfasi en la dimensió performativa del signe teatral que destaca els aspectes espai/temporals i kinèsics. Ens referirm a l'anàlisi de la dinàmica de l'execució del signe en escena (que involucra a l'espectador), més que limitar-nos a identificar l'estructura dels signes teatrals; desplaçant-nos de l'eix de la literatura dramàtica com a referent canònic a l'experiència escènica. Emfatitzar el rol del cos en el fenomen sensoperceptiu i receptiu, entre l'actor i l'espectador, ens remet a la visió nietzscheana que pren com a referent la tragèdia grega (segles V i IV a. C), represa després per Artaud desde l'escena i per altres pensadors del seu temps des del camp de la filosofia; perspectiva es potencia el rol de l'espectador en la dinàmica escènica, des de l'acte-alteració i la seua capacitat crítica i autocrítica. Per aquest motiu el concepte liminalitat present en Descripció d'un quadre, poseeix un caràcter polític important en tant contrahegemónico com a antiestructura. Els paràmetres per a observar l'operativitat de la «tensió eròtica» s'adverteixen en els dispositius poètics que configuren el seu poíesis en les modalitats productiva, receptiva i convivial. En el muntatge Descripció d'un quadre, el dramaturgismo, les pràctiques performatives; l'anàlisi del "convivio" entre els diversos materials o matrius que intervenen en el procés de creació de l'obra, com a dispositius poètics, constitueixen els pilars que sustenten el procés d'investigació-creació. Pel que fa al suport conceptual i exposició del disseny del muntatge Dona en flames, aquest es desenvolupa a partir de la metodologia que guia la perspectiva del present estudi, amb l'objectiu que puga ser incorporada i replicada en altres processos creatius. / [EN] This research focuses on the analysis of theatrical praxis, coming from the sceno-performative staging of: Description of a painting, written by Heiner Müller, and directed by Madeleine Loayza, in order to expose the importance of the "erotic tension" (understood as vital energy associated with Eros) present in the poiesis of the theatrical event. We will focus on the against-hegemonic devices (which characterizes its irreverent and critical gesture) present in the sensoperceptive and receptive phenomenon, which also involves the relationship between the actor-operator/performer with the various elements that intervene in the production the mentioned poiesis and its scope to the spectator. For this reason, the research includes convivial productive poíesis and receptive poíesis, focused on the process and the result. Under this context, the way in which this tension occurs is observed, analyzed and interpreted, summoning us from the role of artist-researcher/spectator. The study concludes with the conceptual support and design of the research-creation: Woman on fire; where the researcher is assumed as artist-searcher/director, actress and playwright. Observes how the senso-perceptive and receptive phenomenon of poíesis is constituted, the way in which "erotic tension" operates and its scope to the spectator is revealed, as a device of against-hegemonic resistance that uses mechanisms and forms of liminal production, for which the operating characteristics of the device are discussed according to the particularities of the proposed assembly. The research considers contemporary theatricalities as an analytical approach, that belong to the field of Theatrology, with emphasis on the performative dimension of the theatrical sign that highlights the spatial/temporal and kinesic aspects. We are interested in analyzing the dynamics of the enforcement of the sign on stage (which involves the viewer), rather than limiting ourselves to identify the structure of the theatrical signs; this perspective displaces the axis of dramatic literature as a canonical reference to address the stage experience. Giving emphasis to the role of the body in the sensory-perceptual and receptive phenomenon, between the actor and the spectator, refers us to the Nietzschean vision that takes as a reference the Greek tragedy (5th and 4th centuries BC), later taken up again by Artaud and other thinkers and philosophers of this period; In this way, the role of the spectator in the scenic dynamics is also enhanced, from self-alteration and their critical and self-critical capacity. Therefore, the concept of liminality in Description of a painting has an important political character as bot: against-hegemonic and anti-structural. The parameters for observing the operability of the "erotic tension" are seen in the poetic, devices that configure its poiesis in the productive, receptive and convivial modalities. In the staging of Description of a painting; the playwriting, the performative practices, the analysis of the "conviviality" between the various materials or matrices that intervene the invoice process of the work as poetic devices, constitute the pillars that support the research-creation process. Regarding the conceptual support and design exhibition for the staging of Woman on Fire, it is developed by the methodology that guides the focus of this study, with the aim that it can be incorporated and replicated in other creative processes. / Loayza Cabezas, GM. (2021). La osadía de Eros. La «tensión erótica», dispositivo contrahegemónico de la poíesis teatral, de "Descripción de un cuadro" a "Mujer en llamas" [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/179975 / TESIS

The aim of this study is to investigate how heads of schools perceive multilingualism as a resource for learning and to what extent the process of writing and implementing language policies has provided a support for developing a multilingual view on languages in schools. This is done in accordance with the multilingual turn, which states that although a multilingual view on languages has spread in the global North in recent decades due to globalization and migration, a monolinguistic hegemony still persists in countries such as Sweden. Qualitative interviews were carried out with three heads of schools in Sweden and the findings of the study are discussed in relation to theories on school development and a framework for critical reflection on multilingualism. The results show that although the interviewed heads of schools express a positive understanding of and attitude towards multilingualism and language policies, traces of a deficit discourse can be found in their answers and their teachers struggle to make multilingualism a natural part of their everyday school practice. Multilingualism and multilingual children and pupils are at times seen as problems rather than resources. Furthermore, the monolingual norm is still visible in the interviews and teachers seem stuck in the assimilation stage and heads of schools unable to overbridge the gap between ostensive and performative aspects of school development. Implications of the findings are that heads of schools as well as teachers need to further develop a multilingual and diversified view on languages as a resource for learning in order to facilitate learning for multilingual children and pupils.

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[ES] La tesis doctoral que a continuación se expone, presenta una investigación de índole artística y didáctica bajo la propuesta de realización de un estudio dirigido a los alumnos que cursan estudios superiores de percusión. Esta investigación se centra en la práctica pedagógica de los recursos musicales, tanto técnicos como interpretativos, a partir de las primeras composiciones escritas para ensemble de percusión. Con la introducción de una temática totalmente novedosa en cuanto al objeto de estudio, esta tesis se ocupa principalmente de la aplicación de estudios exploratorios. Estudios que muestran inicialmente la situación actual del tema tratado y posteriormente conducen al logro de aspectos teóricos y documentales a través de la implementación y comparación de nuevas propuestas metodológicas experimentales. La adaptación e incorporación de estas aportaciones didácticas contribuye a la apertura de nuevos campos de investigación dentro de la didáctica musical, así como al desarrollo de una innovación metodológica necesaria que haga frente al todavía muy extendido uso de la metodología tradicional dentro de los estudios musicales superiores. Asimismo, la redacción de esta tesis doctoral secunda la creación de nuevo conocimiento científico que conforma, transmite y optimiza la difusión del proceso de enseñanza-aprendizaje de los estudios superiores de música, convirtiéndose en una herramienta de renovación educativa que interviene en la ampliación de la producción investigadora de los centros de enseñanza superior musical. / [CA] La tesi doctoral que a continuació s'exposa presenta una investigació d'índole artística i didàctica, sota la proposta de realització d'un estudi dirigit als alumnes que cursen estudis superiors de percussió. Aquesta investigació es centra en la pràctica pedagògica dels recursos musicals, tant tècnics com interpretatius, a partir de les primeres composicions escrites per a ensemble de percussió. Amb la introducció d'una temàtica totalment nova pel que fa a l'objecte d'estudi, aquesta tesi s'ocupa principalment de l'aplicació d'estudis exploratoris. Estudis que mostren inicialment la situació actual del tema tractat i posteriorment condueixen a la consecució d'aspectes teòrics i documentals a través de la implementació i comparació de noves propostes metodològiques experimentals. L'adaptació i incorporació d'aquestes aportacions didàctiques contribueix a l'obertura de nous camps d'investigació dins de la didàctica musical, així com al desenvolupament d'una innovació metodològica necessària que faça front a l'encara molt estès ús de la metodologia tradicional dins els estudis musicals superiors. Tanmateix, la redacció d'aquesta tesi doctoral secunda la creació de nou coneixement científic que conforma, transmet i optimitza la difusió del procés d'ensenyament-aprenentatge dels estudis superiors de música, convertint-se en una eina de renovació educativa que intervé en l'ampliació de la producció investigadora dels centres d'ensenyament superior musical. / [EN] The doctoral thesis that is exposed below, presents research on artistic and didactic proposal of carrying out a study aimed at students who are pursuing higher percussion studies focused on the didactic practice of musical resources, both technical and interpretive, from the first compositions written for percussion ensemble. By introducing a totally new object of study, this research deals mainly with the application of exploratory studies. These studies initially show the current situation of the topic and subsequently lead to the achievement of theoretical and documentary aspects through the implementation and comparison of new experimental methodological proposals. The adaptation and incorporation of these new didactic contributions provides new research fields within music didactics, as well as to the development of a necessary methodological innovation that addresses the still very widespread use of traditional methodology within higher musical studies. In addition, this doctoral thesis contributes to the creation of new scientific knowledge that shapes, conveys and optimizes the dissemination of the teaching-learning process of higher music studies, becoming a tool for educational renewal that intervenes in the expansion of research at higher music schools. / Marzal Raga, LM. (2022). Aprendizaje cooperativo y enseñanza performativa para ensemble de percusión en los estudios superiores de música de la Comunidad Valenciana [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/185776 / TESIS

Servicescape is a physical setting where the performance, delivery and consumption are exchanged within a service marketplace. It includes sensory components, such as the theme of the place that has a high impact on customer perceptions and purchasing decisions and providing them with extraordinary experiences (Pine and Gilmore, 1999; Zeithaml, Bitner and Gremler, 2009). Therefore, the Disneyization concept which is influenced by the previous was applied as it focuses on providing differentiated services. However, the purpose of this research was to explore how theming and performative labour have been used in Small-Medium-Enterprises (SME) cafés as a differentiation strategy, thus only 2/4 Disneyization principles were looked into. Together with their teamwork differentiation was established against homogenised Fika cafés in Sweden. Three sub-questions have been created to allow the authors to answer the main question accurately. Deductive reasoning has been adapted for theory collection, while qualitative research was used when collecting primary data, through purposive sampling, due to criteria having to be met. A total of seven cafés participated through face-to-face semi-structured interviews. A thematic analysis was followed to analyse, code, review, and define themes. The themes in the findings were cross-referenced with the literature review, thus the use of both interpretive and positivist research has shown slightly different results from previous studies. The findings state that when theming, all cafés cared about the different sensory elements such as interior design, sounds and smell for creating uniqueness. However, different from big enterprises, the passion of owners towards the theme was a significant factor in creating a successful theme as well. Nevertheless, theming alone was found to be not efficient enough as a differentiation strategy. Performative labour is needed to complement it which includes the concepts of emotional and aesthetic labour. Aesthetic labour had not a high effect on differentiating services, rather the extent of its application depends on the place and theme itself. On the contrary, emotional labour, which was connected with the service provided had a significant effect on instead, through interaction. Interaction is what is found to provide a unique service, creating a customer experience, thus loyal ones. Furthermore, the execution of theming and performative labour through a strong team is what creates a differentiation strategy in the face of competitors. Therefore, a Differentiation Strategy (DS) model for SME cafés was developed from the Disneyization model to include interaction and teamwork. The empirical data suggest that if a SME café successfully implements the model, it will create a differentiated strategy for itself.

[ES] En esta tesis, tomando como medio la obra para piano solo Gaspard de la nuit de Maurice Ravel, se elabora una investigación de metodología autoetnográfica a modo de ejercicio de concienciación del aprendizaje de la obra. El objetivo es tener un conocimiento más profundo de los estímulos musicales durante el estudio de Gaspard de la nuit. Para cumplir con dicho objetivo, en primer lugar, se presentan informaciones sobre Ravel, su vida y su producción musical hasta el año de composición de la obra en cuestión, documentación concreta sobre Gaspard de la nuit, su interpretación y el análisis de las tres obras. En segundo lugar, se efectúa un cuaderno de campo compuesto por las clases magistrales sobre la obra recibidas por grandes profesores a nivel nacional e internacional y por apuntes propios de las sesiones de estudio. Las enseñanzas expuestas en ambos documentos se analizan, se relacionan, se comparan, se establece una evolución o analogía de la terminología empleada, y, en caso necesario, se explica su significado y si ha tenido especial influencia o no en la práctica pianística. Posteriormente se acude a la estadística para obtener datos cuantitativos de la recurrencia de unas temáticas musicales sobre otras para concluir entre otras deducciones que se hace escasa referencia a la memorización, la diferencia entre el peso que se le da a ciertas temáticas dependiendo del estadio de aprendizaje de Gaspard de la nuit y la dinámica concreta de estudio empleada mientras se trabaja la obra objeto de estudio. / [CA] En aquesta tesi, prenent com a mitjà l'obra per a piano sol Gaspard de la nuit de Maurice Ravel, s'elabora una recerca de metodologia autoetnogràfica a manera d'exercici de conscienciació de l'aprenentatge de l'obra. L'objectiu és tenir un coneixement més profund dels estímuls musicals durant l'estudi de Gaspard de la nuit. Per a complir amb aquest objectiu, en primer lloc es presenten informacions sobre Ravel, la seva vida i la seva producció musical fins a l'any de composició de l'obra en qüestió, documentació concreta sobre Gaspard de la nuit, la seva interpretació i l'anàlisi de les tres obres. En segon lloc, s'efectua un quadern de camp compost per les classes magistrals sobre l'obra rebudes per grans professors a nivell nacional i internacional i per anotacions pròpies de les sessions d'estudi. Els ensenyaments exposats en tots dos documents s'analitzen, es relacionen, es comparen, s'estableix una evolució o analogia de la terminologia emprada, i, en cas necessari, s'explica el seu significat i si ha tingut especial influència o no en la pràctica pianística. Posteriorment s'acudeix a l'estadística per a obtenir dades quantitatives de la recurrència d'unes temàtiques musicals sobre altres per a concloure entre altres deduccions que es fa escassa referència a la memorització, la diferència entre el pes que se li dona a unes certes temàtiques depenent de l'estadi d'aprenentatge de Gaspard de la nuit i la dinàmica concreta d'estudi emprada mentre es treballa l'obra objecte d'estudi. / [EN] In this thesis, taking Maurice Ravel's solo piano work Gaspard de la nuit as a medium, an autoethnographic methodology research is elaborated as an exercise of awareness of the learning of the work. The aim is to gain a deeper understanding of the musical stimuli during the study of Gaspard de la nuit. To achieve this goal, first of all, information about Ravel, his life and his musical production up to the year of composition of the work in question, specific documentation on Gaspard de la nuit, its interpretation and the analysis of the three works are presented. Secondly, a field notebook is made up of the master classes on the work given by great national and international professors, as well as notes taken during the study sessions. The teachings presented in both documents are analysed, related, compared, an evolution or analogy of the terminology used is established, and, if necessary, their meaning and whether they have had a special influence on piano practice is explained. Subsequently, statistics are used to obtain quantitative data on the recurrence of certain musical themes over others in order to conclude, among other deductions, that little reference is made to memorization, the difference between the weight given to certain themes depending on Gaspard de la nuit's stage of learning and the specific dynamics of study employed while working on the work under study. / García Verdú, FJ. (2023). Investigación autoetnográfica de la práctica pianística a través de la obra para piano solo Gaspard de la nuit de Maurice Ravel [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/193297

[pt] Este trabalho realiza a tradução para o português de Esta breve tragedia de la carne, obra da dramaturga, atriz e diretora de teatro espanhola Angélica Liddell (n. 1966). Ao mesmo tempo, tomando como objeto da tradução um texto de performance teatral, procura contribuir com discussões recentes no campo dos Estudos da Tradução a respeito das relações entre tradução e performance, como as que se veem, com interesses variados, em trabalhos de Guilherme Gontijo Flores, Rodrigo Tadeu Gonçalves, Álvaro Faleiros e Helena Martins, entre outros. Posicionando-se diante dessas discussões, o trabalho assume para Esta breve tragedia de la carne três paradigmas básicos de leitura. O primeiro é o de que a identidade do texto é dada pela relação que se estabelece entre o texto e o tradutor; o segundo é o de que esse texto corresponde a um certo conjunto de performances dele mesmo, e não somente ao original tomado como fato estático, e que é esse conjunto, e não o original, o objeto da tradução, enquanto por outro lado a tradução também se apresenta como mais uma performance que participa do conjunto; o terceiro é o de que a leitura de Esta breve tragedia de la carne provoca ações, ou tarefas, e de que essas ações tornam possível observar no texto um modo específico de conflito entre corpo e palavra que estrutura a sua performatividade. A dissertação, então, acontece em três movimentos. O primeiro consiste em enunciar um conjunto de performances que compõem o texto de Esta breve tragedia de la carne. Nesse conjunto incluem-se apresentações da obra e da ética de Angélica Liddell, bem como um mapeamento de sua recepção no Brasil e uma descrição da encenação da própria Liddell para Esta breve tragedia de la carne, em 2015. O segundo movimento consiste na realização de três traduções de Esta breve tragedia de la carne para o português, cada qual orientada por um distinto programa performativo, procedimento composicional concebido por Eleonora Fabião. O terceiro e último movimento é um ensaio teórico que, traçando um diálogo entre dimensões performativas da tradução e a tradição tradutória legada por Haroldo e Augusto de Campos, oferece uma análise do experimento de tradução realizado no trabalho e procura articulá-lo a práticas mais amplas de tradução no Brasil. / [en] This study offers a translation into portuguese of Esta breve tragedia de la carne, a work by Spanish writer, actress, and theatre director Angélica Liddell (b. 1966). By taking a text which was given for theatrical performance as an object of translation, it seeks at the same time to contribute to recent debates on Translation Studies regarding relations between translation and performance, such as those put forward, with diverse interests, in works by Guilherme Gontijo Flores, Rodrigo Tadeu Gonçalves, Álvaro Faleiros, and Helena Martins, amongst others. In joining these debates, this study reads Esta breve tragedia de la carne in accordance with three basic paradigms. The first one is that the text s identity is given by the relation established between text and translator; the second is that this text is taken not as a static original but as a certain number of performances of itself, the object of translation being these performances, which include its translations; the third paradigm is that the reading of Esta breve tragedia de la carne basically prompts actions, or tasks, and that these actions show a specific conflict between word and body that structures the text s performance. This study, then, is set forth in three movements. The first consists in enunciating a set of performances that make up Esta breve tragedia de la carne s text. This set includes materializations of Angélica Liddell s work and ethics, as well as a mapping of her reception in Brazil and a description of her own staging of Esta breve tragedia de la carne, in 2015. The second movement consists in the execution of three distinct translations into portuguese of Esta breve tragedia de la carne, each oriented by a different performative program, a composing procedure devised by Brazilian performer Eleonora Fabião. The third and last movement is an essay which, while reflecting on performative dimensions of translation within the Brazilian tradition of translation studies established by Haroldo and Augusto de Campos, offers an analysis of this study s particular experiment and seeks to articulate it with broader translation practices in Brazil.

[pt] Esta dissertação visa mapear e analisar as singularidades do Sarau do Escritório e suas ações performáticas na cidade do Rio de Janeiro. A partir da observação de como intervenções artísticas-políticas-culturais, sobretudo os saraus poéticos difundidos largamente após as Jornadas de Junho de 2013, contribuem para outras leituras sobre cidade e apresentam novos modos de produção artística no tempo presente, ladeado a escassez de pesquisas acadêmicas sobre o referido objeto, verificou-se a urgência deste trabalho. Para tanto, elencou-se como estudo de caso um sarau que ocorre no bairro da Lapa, região central do Rio de Janeiro, juntamente com documentos e leituras que atravessam o corpus presente na cena contemporânea dos saraus. Com esta pesquisa, espera-se construir um instrumento de percepção e reflexão crítica sobre a importância de uma cena poética que vem rompendo limites geográficos e estéticos em diversos territórios do Brasil. / [en] This dissertation aims to map and analyze the singularities of Sarau do Escritório and its performative actions in the city of Rio de Janeiro. From the observation of how artistic-political-cultural interventions, especially the poetic soirees widely disseminated after the June 2013 Journeys, contribute to other readings about the city and present new modes of artistic production in the present time, flanked by the scarcity of academic research on the aforementioned object, the urgency of this work was verified. In order to do so, a soiree that takes place in the neighborhood of Lapa, central region of Rio de Janeiro, was listed as a case study, along with documents and readings that cross the corpus present in the contemporary scene of soirees. With this research, it is expected to build an instrument of perception and critical reflection on the importance of a poetic scene that has been breaking geographic and aesthetic limits in several territories of Brazil.

Climate change has already had noticeable effects on the environment. Glaciers are retreating, ice on lakes and rivers is melting earlier, plant and animal species have relocated, and trees are blooming sooner. The Alpine landscape is one very good example of these dramatic shifts, which significantly impacted its identity and the economic stability of its communities. The effects on the classic forms of alpine tourism, especially the winter one, coupled with the mismanagement of the land and the lack of valorisation of the cultural heritage of the valleys have led to two equally disruptive phenomena: on one side, mass overtourism affects the most popular locations in the mountains requiring the construction of new infrastructures and resorts; on the other, the abandonment of the smallest or less known villages threatens the disappearing of rural communities with the consequent undermining of their surrounding landscape. Addressing the recovery plan drafted by the Italian Government after the pandemic (PNRR 2021), which includes giving new life to smaller villages and their ecological environment as well as reintroducing the Italian cinematographic industry as a competitive player within the international scene, the project aims to tackle the progress/paradox situation affecting the Italian Alps, Overtourism versus Abandonment, and its consequent impact on the landscape. The design is located in the Valle D’Aosta region, due to its proximity to Turin, a scenographic city where Italian cinema was born, and to its controversial nature which sees overbooked glamorous locations juxtaposed to the abandoned small rural realities. Particularly the proposal takes the story of the hamlet of Oyace, whose abandoned buildings are currently being sold at the symbolic price of 1 euro, in order to imagine a different future for alpine communities, which includes both economic growth and environmental awareness.Thought as a continuous dialogue between reality and fiction, the project starts in Oyace, taking shape as a film director’s studio in one of the currently abandoned buildings. It then continues as a new village envisioned by the director on the nearby artificial lake de Place Moulin, chosen for its symbiotic natural and man-made environment. The masterplan, drafted as a movie unfolding on site, borrows from the narrative of a romantic novel, Hypnerotomachia Poliphili, written by Italian Francesco Colonna and published in Venice in 1499, which is set in mythical and personified landscapes. The different chapters of the novel with their allegorical nature inspire the ethos of each of the buildings of the village.The architecture of the proposal, which accommodates different programs typically present in a traditional Italian alpine village alongside spaces and structures necessary to the moviemaking, borrows from alpine forms and heritage, set design and movie strategies and the landscape. The result is a series of performative infrastructures staging, re-enacting, revealing and counteracting issues currently experienced by the hamlet of Oyace, these can be environmental, social or economic, and their consequences on the alpine environment. Despite taking from the story of the book and manifesting itself as a village, the project is not limited to the novel, but rather it attempts to start an investigation into the role of architecture within the wider context of the endangered alpine environment, whilst arguing for a multidisciplinary approach and the use of narrative as critical tools for the production of impactful architecture in times of crisis.Ultimately the design aims to envision a new future for the community of Oyace and its ecological environment, speculating on a new approach towards giving new life to alpine communities based on a deeper awareness of their surrounding environment.

[ES] Desde finales del s. XX y en estas dos décadas del s. XXI, en el Estado español han proliferado una serie de prácticas y propuestas por parte de artistas, colectivos, teóricas y activistas que comparten un posicionamiento feminista y queer/cuir/kuir. En el transfeminismo confluyen genealogías (las feministas, las LGTBIQ+, las antirracistas y de(s)coloniales) que repiensan de manera crítica y compleja su entorno y su historia desde la disidencia. Su propuesta epistemológica, sus luchas identitarias, su vindicación de derechos, y su amplia producción cultural y política ha activado cambios en el contexto contemporáneo de forma inédita. Nuestra aportación a las redes transfeministas a través de 20 años de trabajo desde el colectivo O.R.G.I.A, nos permite elaborar un relato historiográfico alternativo que da cuenta de la relación entre lo político, lo afectivo y lo visual, y de su vinculación con el contexto, haciendo uso de la autohistoria-teoría para elaborar una memoria estético-política crítica de sus acciones, sus prácticas visuales y culturales, y sus textos. Desde el conocimiento situado y una perspectiva encarnada, se ahonda en el "ajuar frankenstein" de referentes, antecedentes, memorias e imaginarios, que alimentan buena parte de las prácticas artísticas transfeministas y las conectan con sus genealogías diversas. Se reflexiona sobre otras formas autónomas de acceder al conocimiento y de producirlo desde la autogestión (DIY, DIWO, DIT). Se analiza también la relación con las teorías y textos llegados de otros contextos en procesos de traducción de ida y vuelta, para ver la singularidad de los discursos generados en este contexto particular en relación a otros como el anglosajón, el francés o el latinoamericano. Se examinan así mismo aquellas referencias que surgen a partir y sobre las propias prácticas transfeministas, y que toman el pulso de su evolución e impacto en el ámbito de la cultura contemporánea, y en especial desde la llegada de la teoría queer. Los cambios acontecidos en el ámbito del arte y en algunas de sus instituciones permitieron una serie de encuentros en forma de jornadas y seminarios, en los que las relaciones político-afectivas se han ido consolidando. Su relevancia, y los debates generados en cada uno de ellos, han sido puestos en relación con las diversas prácticas visuales y/o performativas desarrolladas por colectivos y artistas transfeministas, organizando una casuística en torno a los principales temas de discusión. / [CA] Des de finals del s. XX i en aquestes dues dècades del s. XXI, en l'Estat espanyol han proliferat una sèrie de pràctiques i propostes per part d'artistes, col·lectius, teòriques i activistes que comparteixen un posicionament feminista i queer/cuir/kuir. En el transfeminisme conflueixen genealogies (les feministes, les LGTBIQ+, les antiracistes i de(s)colonials) que repensen de manera crítica i complexa el seu entorn i la seua història des de la dissidència. La seua proposta epistemològica, les seues lluites identitàries, la seua vindicació de drets, i la seua àmplia producció cultural i política ha activat canvis en el context contemporani de manera inèdita. La nostra aportació a les xarxes transfeministes a través de 20 anys de treball des del col·lectiu O.R.G.I.A, ens permet elaborar un relat historiogràfic alternatiu que dona compte de la relació entre el polític, l'afectiu i el visual, i de la seua vinculació amb el context, fent ús de l'autohistòria-teoria per a elaborar una memòria estètic-política crítica de les seues accions, les seues pràctiques visuals i culturals, i els seus textos. Des del coneixement situat i una perspectiva encarnada, s'aprofundeix en el "aixovar frankenstein" de referents, antecedents, memòries i imaginaris, que alimenten bona part de les pràctiques artístiques transfeministes i les connecten amb les seues genealogies diverses. Es reflexiona sobre altres formes autònomes d'accedir al coneixement i de produir-lo des de l'autogestió (DIY, DIWO, DIT). S'analitza també la relació amb les teories i textos arribats d'altres contextos en processos de traducció d'anada i volta, per a veure la singularitat dels discursos generats en aquest context particular en relació a uns altres com l'anglosaxó, el francés o el llatinoamericà. S'examinen així mateix aquelles referències que sorgeixen a partir i sobre les pròpies pràctiques transfeministes, i que prenen el pols de la seua evolució i impacte en l'àmbit de la cultura contemporània, i especialment des de l'arribada de la teoria queer. Els canvis esdevinguts en l'àmbit de l'art i en algunes de les seues institucions van permetre una sèrie de trobades en forma de jornades i seminaris, en els quals les relacions polític-afectives s'han anat consolidant. La seua rellevància, i els debats generats en cadascun d'ells, han sigut posats en relació amb les diverses pràctiques visuals i/o performatives desenvolupades per col·lectius i artistes transfeministes, organitzant una casuística entorn dels principals temes de discussió. / [EN] From the end of the 20th century and in these two decades of the 21st century, a series of practices and proposals by artists, groups, theoreticians, and activists who share a feminist and queer/cuir/kuir position have proliferated in the Spanish State. Transfeminism brings together genealogies (feminists, LGTBIQ+, anti-racist, and de(s)colonial) that critically and complexly rethink their environment and history from dissidence. His epistemological proposal, his identity struggles, his vindication of rights, and his extensive cultural and political production have activated changes in the contemporary context in an unprecedented way. Our contribution to the transfeminist networks through 20 years of work from the O.R.G.I.A collective, allows us to elaborate an alternative historiographical account that accounts for the relationship between the political, the affective and the visual, and its link with the context, making use of self-history-theory to elaborate a critical aesthetic-political memory of his actions, his visual and cultural practices, and his texts. From situated knowledge and an embodied perspective, it delves into the "Frankenstein trousseau" of references, backgrounds, memories and imaginaries, which feed a good part of transfeminist artistic practices and connect them with their diverse genealogies. It reflects on other autonomous ways of accessing knowledge and producing it from self-management (DIY, DIWO, DIT). The relationship with the theories and texts coming from different contexts in round-trip translation processes is also analyzed, to see the singularity of the discourses generated in this particular context in relation to others such as the Anglo-Saxon, the French or the Latin American. Likewise, those references that arise from and about the transfeminist practices themselves are examined, and that take the pulse of their evolution and impact in the field of contemporary culture, especially since the arrival of queer theory. The changes that have taken place in the field of art and in some of its institutions have allowed a series of meetings in the form of conferences and seminars, in which political-affective relations have been consolidated. Its relevance, and the debates generated in each of them, have been related to the various visual and/or performative practices developed by transfeminist groups and artists, organizing a casuistry around the main topics of discussion. / Higon Cardete, B. (2022). Redes excéntricas. Una memoria estético/política de las prácticas artísticas transfeministas en el estado español [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/189169