Contrairement à la lamentation rituelle, les lamentations tragiques sont réalisées dans un large éventail de situations. En effet, elles peuvent avoir lieu avant l’événement déploré, porter sur d’autres malheurs qu’un décès, ou encore lamenter le sort de la personne même qui mène la lamentation. Cette variété de contextes est vraisemblablement à l’origine de la grande diversité de formes et de contenus des lamentations que l’on trouve dans le corpus tragique. De quelle façon les tragédiens modifient-ils la forme traditionnelle de la lamentation ? Ces modifications dépendent-elles d’éléments contextuels particuliers ? Pour répondre à ces questions, j’examinerai trois passages : Cassandre dans l’Agamemnon d’Eschyle, Créon dans l’Antigone de Sophocle et Polymestor dans l’Hécube d’Euripide. Ces trois lamentations ont lieu dans des contextes très différents, notamment en ce qui concerne l’identité du lamentant (genre, âge, statut social, ethnicité) et la relation que celui-ci entretient avec le Chœur. De surcroît, elles ont été composées par des auteurs et à des dates différentes, ce qui permettra de prendre en compte l’évolution de la forme au cours du Vème siècle avant J.-C. L’analyse suggère que la forme de la lamentation du personnage s’adapte surtout à son ethnicité et à son genre, tandis que la participation du Chœur dépend directement de sa relation avec le lamentant. Parfois, la stylistique est également influencée par le style propre à l’auteur ou par la date de composition de la pièce. Quant au contenu, les thèmes abordés sont principalement déterminés par la position et la fonction du passage dans la tragédie. Puisque les fonctions d’une lamentation tragique sont différentes de celles d’une lamentation rituelle, le modèle de la lamentation funèbre est insuffisant pour guider à lui seul l’analyse du contenu d’une lamentation tragique. / Unlike ritual laments, tragic laments take place in a wide range of situations. Some are made over troubles other than an actual death, over events that have not happened yet, or over the mourner himself. This seems to be why we find such a huge diversity of both forms and contents of laments within the tragic corpus. How do the tragic poets modify the traditional form of the lament? Do these changes depend on specific contextual elements? In order to answer these questions, I will examine three laments: Cassandra’s in Aeschylus’ Agamemnon, Creon’s in Sophocles’ Antigone and Polymestor’s in Euripides’ Hecuba. These three passages show major contextual discrepancies, especially when it comes to the identity of the mourner (gender, age, social status, ethnicity) and their relationship to the Chorus. Moreover, they were composed by different authors at different times, which accounts for the evolution of the literary form during the 5th century B.C. These contextual differences allow us to identify specific ties between the context and the lament itself. The form of the actor’s part depends mostly on the mourner’s ethnicity and gender, while the Chorus’ part suits its relationship with the mourner. The stylistics of the lament may also result from the author’s personal preferences or from the date of composition. As for the content, it is heavily determined by the position and the function of the passage within the play. As the functions of a tragic lament differ from those of a ritual lament, the model given by ritual lament cannot serve as the only basis for the analysis of a tragic lament’s content.

Dans ce mémoire qui porte sur trois romans de Michel Tremblay, Le cahier noir, Le cahier rouge et Le cahier bleu, nous proposons une analyse du personnage principal, Céline Poulin, qui est présentée en situation d'écriture, d'abord celle de son journal personnel, puis de ce que nous pourrions appeler un cahier d'écriture, lieu où elle découvre et explore le plaisir de la fiction, développant peu à peu des aptitudes d'écrivain. Elle passe ainsi de diariste à écrivaine fictive. Son évolution au cours de ses cahiers, tant par rapport à ses relations avec les autres personnages tremblayens que dans son rapport à l'écriture, qui devient bien plus qu'une simple façon de consigner ses angoisses pour survivre à son existence, est ainsi étudiée. L'analyse de certaines thématiques de l'univers tremblayen poursuit l'exploration de son imaginaire qui se déploie dans la littérature depuis plus de quarante ans.

De nombreuses recherches empiriques montrent que la façon dont les locuteurs et locutrices parlent peut varier en fonction du contexte, des dispositions mentales des locuteurs·trices, du type de la relation interpersonnelle (horizontale ou verticale) qu’entretiennent interlocuteurs·trices, de l’environnement culturel, etc. Mais en continuant d’exposer le grand public à des données incomplètes s’appuyant sur des stéréotypes de genres, les médias continuent d’entretenir l’idée, que les hommes et les femmes parlent différemment ; il y a donc une discordance entre la réalité des pratiques langagières et la représentation que les individus s’en font (Freed 2014). Notre étude du masculin et du féminin dans quatre séries de BDs de science-fiction franco-belges a pour but de vérifier si les héros et héroïnes de ces quatre séries sont représenté·e·s selon des stéréotypes de genre. Concernant le physique, comment héroïnes et héros sont-ils représentés ? Y a-t-il une frontière nette entre représentation de la féminité et de la masculinité ? Et, concernant la requête du type demande de faire, les héroïnes et héros formulent-ils différemment leurs requêtes ? Ces trois questions nous permettent de savoir si le lectorat des quatre séries de BDs analysées est exposé aux stéréotypes de genre. Les seuls stéréotypes de genre exposés s’appliquent aux corps et au vêtements (sauf dans une série). Pour le reste, attitudes, comportements, façons de parler, les stéréotypes sont globalement évacués. Il en ressort que la féminité et la masculinité s’inscrivent sur un continuum du genre. Pour ce qui est de la requête, dans deux séries les héroïnes se distinguent de leurs partenaires masculins du point de vue du fond de la requête (c.-à-d. de son objet), mais pas du point de vue de la forme et ce schéma est un corrélat de l’absence de leadership des partenaires masculins et révèle l’état mental de ces derniers ou la crainte de la prise de risque. Nous parlons alors de schémas de requêtes différenciées (et non genrées). Dans la troisième BD, le schéma des requêtes est genré dans la forme (et non dans le fond) dans la mesure où l’héroïne emploie davantage de requêtes indirectes que le héros, mais ce schéma n’est aucunement corrélé au manque de pouvoir de l’héroïne, qui, bien au contraire, jouit d’un grand pouvoir symbolique (probablement raison pour laquelle, le fond de ses requêtes est identique à celui du héros). Dans la quatrième série, celle où la représentation corporelle des hommes et des femmes est globalement similaire, on ne trouve ni schéma de requête genré ni schéma de requête différencié. La variation stylistique qui caractérise la nature directe ou indirecte des requêtes des personnages fictifs étudiés est fonction de l’urgence de la situation (contextuel), de leur expertise ou pouvoir (relation verticale) ou de leur état mental. Ils et elles privilégient la sauvegarde des faces à mesure que le caractère anxiogène du contexte de l’énonciation s’éloigne ou s’ils·elles entretiennent une relation interpersonnelle horizontale avec leur(s) allocutaire(s). Nos résultats sur la requête sont ainsi conformes avec les recherches empiriques : dans un cas ils illustrent la manifestation d’un des aspects du style langagier féminin et dans les trois autres, ils invalident l’existence de stéréotypes langagiers féminins dans le sens ou ces derniers sont dépassés par le contexte situationnel ou la relation interpersonnelle. / A significant number of case studies have shown that the way individuals speak, be they men or women, varies according to variables as the kind of relationship (vertical or horizontal) existing between interlocutors, mental state of speakers, context, culture and so forth. However, as Freed (2014) states, the mass media keep exposing their large audience to incomplete or erroneous data and stereotypes concerning the way men and women speak. Thus, individuals keep thinking that there is such a thing as «women and men speak differently». To put it in a nutshell, the way men and women speak is at odds with what occurs in reality. Our study about masculinity and femininity within four series of Franco-Belgian science-fictional comics aims at verifying how masculinity and femininity are represented in the four heroines and their male counterpart or partner(s). On the ground of non-linguistics representation, how are the female and male characters represented ? And does a clear line delineate masculinity and femininity ? Second, on the ground of linguistics, do the heroines phrase their requests differently than do the hero or male partner(s) ? In other words, are female characters more enclined than male characters to formulate indirect requests ? These three questions lead us to determine if the lectorate is exposed to gendered stereotypes. Our results show that stereotypes are only confined into the bodies (and at a certain point, the clothing). Other than that, attitudes and the way the characters speak are not bound to gendered stereotypes. Concerning the analysis of the requests, in two of our series, there is a difference between the requests made by the heroine and the ones made by the male in terms of the content of the requests. Therefore, we say that their request schema is not gendered but differentiated. That is to say, the content of the requests made by the males is correlated to their lack of power and reveal either their mental states or their being concerned with risk taking. In the third comic, we observe indeed a gendered schema of requests between the heroine and her male counterpart, the latter phrasing more direct requests. Conversely to the two previously mentioned comics, here, the stylish gendered request schema is not correlated with the heroine lack of power, that’s probably why both characters’ content of requests is the same. In the fourth series, which is the one where men and women are almost physically alike, we neither observe differentiated pattern of request nor gendered pattern of requests. Globally, in the four series, male and female characters articulate direct requests according to the emergency (contextual), their expertise or power (vertical relationship with interlocutor) or their mental state ; moreover, they indulge themselves into face-saving speech strategies as the emergency diminishes or disappears or if they have an horizontal type of relationship with their interlocutors. Thus, the variation is either stylistic or due to interpersonal relationship. Our results are not at odds with the empirical data : in one case, they illustrate the display of one aspect of the feminine language stereotype, and in the three other ones they invalidate the existence of stereotyped language styles in the sense that the stereotypes are overcome by the context or the interpersonal relationship.

Emilia Pardo Bazán est à l’origine de plusieurs œuvres ayant une grande influence spirituelle et catholique. Cette recherche étudie trois de ses contes du XIXème siècle qui mettent en évidence le personnage d’un pèlerin: El Peregrino, La danza del peregrino et La Borgoñona. Selon nous, ces contes ont la particularité d’être didactiques et ont une intention moralisatrice. Nous croyons que les points de vue des différents narrateurs incitent à un changement d’idéologie dans la société espagnole du XIXème siècle. L’étude du contexte historique et social de l’Espagne durant cette époque, ce qui inclut aussi la bibliographie de l’auteure, nous permettra de vérifier notre hypothèse. De plus, une analyse détaillée des différents narrateurs de chacun des contes, en utilisant la méthode proposée par Lintvelt, semble impérative. Ensuite, nous appliquons quelques concepts de sociocritique dans le but d’analyser les classes sociales et les luttes qui y sont représentées. Finalement, la définition de Goldmann nous est primordiale pour nous permettre de trouver la vision du monde qui ressort de chacune de ces histoires. L’ensemble de ce travail permet de démontrer l’intention derrière ces trois contes et de vérifier s’ils révèlent une grande influence catholique comme plusieurs autres œuvres de la même auteure.

Cette enquête porte sur les représentations sociales du genre présentes dans les jeux vidéo populaires. Une attention particulière est portée sur le rôle narratif des personnages, la division sexuelle du travail dans l'imaginaire vidéoludique, l'intersectionnalité, l'imagerie des corps genrés et les traits de personnalité. En ce sens, l'objectif de cette enquête peut être résumé par cette question de recherche : quel est l'état de l'imaginaire du genre dans les jeux vidéo ? Par le passé, les études adoptaient des approches qui ne permettaient pas de comprendre la complexité de cette question, soit parce que l'outil de collecte de données n'abordait que superficiellement les jeux vidéo ou parce qu'elles avaient pour postulat qu'étudier les joueurs était le meilleur moyen pour connaître les représentations du genre dans la communauté vidéoludique. Cette enquête est une étude directe et holistique des productions culturelles. Cette approche permet d'explorer l'ensemble des représentations présentes dans l'imaginaire vidéoludique, spécialement celles qui apparaissent comme « normales » ou « naturelles », et qui peuvent ainsi passer inaperçues aux yeux d'un chercheur utilisant une autre approche. Pour y arriver, un corpus de 46 jeux a été construit et chacun de ces jeux a fait l'objet d'observations précises, par le jeu lui-même et le visionnement de nombreuses vidéos de jeu (playthrough), afin de caractériser, selon différentes dimensions, allant de leur apparence à leurs agissements caractéristiques, un total de 950 personnages différents. Cette enquête permet de mieux comprendre en quoi l'imaginaire du genre dans l'univers vidéoludique peut être perçu comme posant problème, dans une visée de réduction des disparités et des iniquités entre les sexes. / This study examines the social representations of gender in popular video games, with a special focus on the narrative role of the characters, the sexual division of labour in social imaginary, the intersectionality, the imagery of gendered bodies, and the personality traits. Consequently, the objective of this study can be illustrated by the following question: what is the state of social imaginary of gender in video games? Previous studies were not able to correctly tackle the complexity of the question, either because the data collection only considered video games superficially or the social scientist started with the assumption that the best way to understand representations of gender was to study the gamers themselves. The purpose of this study is to approach cultural productions in a direct and holistic fashion. This will allow the exploration of the current representations of gender in thegaming community, particularly the ones that seem normal or “natural” that can go unnoticed when using another method. Hence, 46 video games were considered and played wholly, which resulted in a total of 950 different characters that were studied. This study will allow a better understanding of gender in popular imaginary of video games, and to consider the challenge to reduce the inequalities between the sexes.

Ce mémoire porte sur deux textes théâtraux tirés du répertoire de Bertolt Brecht, Mère Courage et ses enfants et La Vie de Galilée. Le choix de ces deux pièces tient à la place qu'y occupe l'Histoire : la première prend place au cours de la guerre de Trente ans, la seconde met en scène des éléments biographiques de la vie du véritable Galilée. L'objectif de notre réflexion est d'établir un modèle éthique de l'intrigue, c'est-à-dire de schématiser, dans ses mécanismes et ses enjeux, le problème éthique tel qu'il advient dans ces textes. Notre réflexion se découpe en trois parties, chacune d'elles articulée sur un principe précis : l'Histoire, l'éthique et la notion de sujet. Nous démontrons que l'éthique, telle qu'elle se présente chez dans ces textes de Brecht, est liée à l'inscription du sujet (du personnage principal) dans l'Histoire. Les pièces exposent des personnages confrontés, au niveau moral et éthique, à des situations dont l'ampleur et la portée sont historiques. Les actions des héros, ainsi que les rapports qu'ils entretiennent avec autrui, sont régis par cette responsabilité : les gestes et paroles des personnages ont un impact sur le cours des choses, sur le déroulement des événements et la collectivité. Cette inscription dans l'Histoire et la responsabilité qu'elle engendre ouvrent plusieurs questions, notamment celle de la fonction cognitive de l'éthique. L'éthique chez Brecht devient un outil explicatif, le moyen d'une démonstration didactique; elle vise à éveiller la conscience du spectateur, à susciter sa participation active dans le spectacle. À partir des situations (à la fois éthiques et historiques) qui lui sont présentées, le spectateur est amené à reconnaître les mécanismes et les enjeux qui fondent sa propre condition, à en prendre conscience et à trouver les moyens de l'améliorer. C'est à ce niveau que nous pouvons parler de modèle éthique : le modèle qui se profile dans les textes reproduit des structures sociales qui le débordent tout à fait, et résonnent dans le contexte de réception.

Ce mémoire vise à explorer quelles conventions narratives dans les romans policier son essentiel pour un dénouement satisfaisant chez le lecteur. En utilisant une approche critique littéraire et (post)structuraliste de la création d’un texte, nous pouvons attribuer l’essentiel du sentiment de satisfaction produit par la fiction policière à la relation étroite entre l’écrivain et le lecteur. C’est en comprenant le rôle d'un lecteur et celui d'un écrivain que l'écrivain peut rédiger un texte satisfaisant. Ceci est accompli en utilisant les conventions narratives et les attentes du genre (et du format de l'art) et en les présentant d'une manière inattendue. Ce mémoire contribue à une compréhension plus approfondie des thèmes de la narratologie et de la fiction policière anglaise. En tant que corpus principal, le mémoire sera composé de deux études de cas distinctes qui serviront d'exemples afin de démontrer l'argument principal. La première étude de cas est Evil Under the Sun d’Agatha Christie, qui sert d’exemple d’un roman policier conventionnelle. Le deuxième cas d’étude est Caïn’s Jawbone de Torquemada, qui sert d’exemple d’un roman policier non conventionnelle. Le but de ces études de cas est d’analyser l’efficacité de certains aspects de l’intrigue narrative et la manière dont le lecteur et l’écrivain influencent la forme du récit. / This thesis aims to explore which narrative conventions and why certain narrative conventions in puzzle plots provide a satisfactory conclusion. Using a literary critical and (post) structuralists approach to the creation of a text, we can trace most of the feeling of fulfillment provided by detective fiction to the close relationship between the writer and the reader. By understanding the role of a reader and the role of a writer, the writer can craft a text that is satisfactory. This is accomplished by using narrative conventions and expectation of the genre (and of the format of the art) and delivering them in an unexpected manner. This thesis contributes to a deeper understanding of the topics of narratology and detective fiction. As a main corpus, the thesis will be composed of two separate case studies to be used as examples in order to demonstrate the main argument. The first case study is Agatha Christie’s Evil Under the Sun which serves as an example of a conventional puzzle plot. The second study case is Torquemada’s Cain’s Jawbone which serves as an example of an unconventional puzzle plot. The purpose of these case studies is to analyze the effectiveness of certain aspects of the puzzle plot narrative and how the reader and the writer influence the shaping of the narrative.

Titre de l'écran-titre (visionné le 27 février 2023) / Le présent mémoire propose une analyse du personnage dans le roman décadent, figure centrale du récit, afin de montrer comment les auteurs de la décadence ont tenté de renouveler le genre du roman à la fin du XIXᵉ siècle et au début du XXᵉ. À rebours de Joris-Karl Huysmans, Paludes d'André Gide et Monsieur de Phocas de Jean Lorrain présentent des entités poétiques singulières et emblématiques du courant, sur lesquelles le présent mémoire se penche. Les caractéristiques individuelles partagées par des Esseintes, le narrateur de Paludes et le duc de Fréneuse, telles que leur délicatesse, leur pessimisme ou encore leur dégoût de la société, favorisent l'apparition d'un récit de soi centré sur le personnage principal, sa sensibilité et ses réflexions subjectives. Ces dispositions particulières entraînent des conséquences sur le texte. Pour épouser le flux de pensée changeant du personnage qui est également souvent le narrateur du récit, ce dernier adopte, entre autres, une chronologie éclatée, une prose mêlant plusieurs genres ou encore une narration qui se ferme sur elle-même. Ces particularités contribuent à l'édification d'un récit de l'intériorité condamné à se replier sur lui-même et à se retrouver dans un cul-de-sac narratif. Une poétique de l'échec se dégage en effet de l'ensemble des romans de la décadence dont les racines et l'héritage sont également étudiés dans ce mémoire.

Ce mémoire se propose d’analyser le pessimisme en littérature pour la jeunesse, en s’intéressant particulièrement à sa manifestation dans les dystopies pour adolescents. La littérature pour la jeunesse est issue d'une tradition qui la définit comme optimiste, ce que démontrent les processus de censure auxquels elle est souvent soumise, entre autres par le milieu éditorial. Dans un tel contexte, il paraît difficile d’expliquer la vague de popularité qu’ont connue les romans dystopiques adressés aux adolescents publiés au début du XXIe siècle. Ce genre, montrant une société fictive la plupart du temps futuriste dans laquelle évolue un protagoniste qui y souffre et qui désire se révolter contre elle, est en effet caractérisé par un pessimisme assez prononcé. Le présent mémoire s’interroge sur la façon dont les auteurs de dystopies pour adolescents parviennent à faire s’harmoniser l’optimisme de la littérature pour la jeunesse et le pessimisme du genre dystopique et pose l’hypothèse que ce pessimisme est présenté de manière édulcorée au jeune public visé. Une comparaison entre un corpus d’œuvres pour adolescents et un autre destiné à un public adulte nous a servi à mettre cette hypothèse à l’épreuve en considérant deux aspects principaux, le personnage et la société, ainsi que d’autres facteurs d’atténuation qui se voient au fil de la lecture. Ces divers éléments contribuent selon nous à édulcorer le pessimisme des dystopies pour adolescents en créant un effet de familiarité pour les lecteurs et en allégeant le poids mis sur leurs épaules et sur celles des protagonistes. / This master’s thesis aims to analyse the pessimism in children’s literature, focussing particularly on its manifestation within dystopias for young adults. Children’s literature is traditionally regarded by many as an inherent optimist genre, as shown by the censorship to which it is regularly subjected, principally by the editorial process. In this context, it seems hard to explain the massive popularity wave that the dystopian novels for young adults experienced in the wake of the XXI century. This genre, displaying an usually futuristic fictional society in which evolves a character who suffers and who desires to revolt against it, is indeed characterized by a pronounced pessimism. This master’s thesis questions the way authors of dystopias for young adults harmonise the inherent optimism of children’s literature and the pessimism of the dystopian genre, while posing the hypothesis that the said pessimism is presented to the young target audience in a much attenuated state. A comparison between a corpus of novels intended to teenagers and another one that has an adult target audience was used in order to study our hypothesis within two main aspects, the character and the society, as well as other mitigating factors that can be seen throughout the book. We think these various elements all contribute to reduce the pessimism in dystopias for young adults by creating a familiar feeling for the readers and by lightening the burden that is resting on their shoulders and on those of the protagonists.

Ce travail a comme objectif de montrer le fonctionnement et de préciser le statut du personnage dans cinq romans québécois contemporains au féminin. Par le biais d'une approche poétique et psychosociologique, sont analysés Le sexe des étoiles (1987), de Monique Proulx, Copies conformes (1989), de Monique LaRue, Baroque d'aube (1995), de Nicole Brossard et L'hiver de pluie (1990) et La danse juive (1999), de Lise Tremblay. Le personnage est situé à la charnière d'une problématique double. En premier lieu, il relève du métaféminisme, c'est-à-dire d'un féminisme autre, distinct des courants de la deuxième vague. Il sous-tend une image nouvelle de la femme, de l'homme et de leurs rapports. Son fonctionnement témoigne d'un déplacement dans la définition des rôles sexuels et de genre. Dans le métaféminisme, le féminin et le masculin tendent à devenir des entités impures, poreuses, empruntant l'une à l'autre. Le personnage féminin métaféministe apparaît comme une femme libre et libérée. Sujet de son être et de son faire, elle revalorise l'amour, le couple et la maternité, tout en cherchant l'accomplissement professionnel et l'affirmation de soi au plan social. Sur un fond de remise en question des paramètres traditionnels de la masculinité, le personnage masculin métaféministe se présente comme changeant, en devenir. Il peut apparaître soit comme vulnérable, incapable de répondre aux attentes de la femme, soit comme équilibré, véritable « homme nouveau ». En second lieu, dans les romans étudiés, le personnage est issu d'une problématique postmoderne. Dans cette perspective, une double série typologique est mise en évidence ici : une série qui se revendique du postmoderne du décentrage et une série qui participe du postmoderne du vide. Le personnage du décentrage est impur et en devenir. Il perturbe la binarité du système de sexe et de genre et met de l'avant une ontologie provisoire et performative. Il s'appuie sur une conscience et sur une subjectivité nomades. Il est fragmenté et décentré, se refusant à la causalité et à la téléologie. La / le nomade est l'archétype de l'identité postmoderne. Le personnage du vide est éclaté, désubstantialisé, excessif et marginal. Il est le reflet d'un temps trouble, que dominent à la fois le désabusement et l'urgence de vivre, le mépris de la vie et la soif de sens, le manque d'« énergie vitale » et la tentation du geste. Dans les romans étudiés, le personnage relève d'une « philosophie métisse », à la charnière du métaféminisme et du postmoderne. Des personnages tels la transsexuelle, l'androgyne ou la / le nomade témoignent d'une alliance entre le métaféminisme et le postmoderne du décentrage. Cette alliance s'appuie sur une remise en question des systèmes binaires de sexe et de genre, sur une pensée impure, sur une ontologie en déplacement, sur des identités provisoires et performatives, etc. En revanche, un conflit axiologique oppose le métaféminisme et le postmoderne du vide. Il peut prendre la forme de la confrontation entre une culture des femmes, ancrée sur les valeurs de l'espoir, de la solidarité, de la responsabilité, de l'art, et une culture postmoderne, que dominent les simulacres et les simulations, les non-lieux et la violence Par ce travail, nous prônons la pertinence du concept de métaféminisme au sein de l'espace critique, mais pas uniquement québécois, et une lecture plus nuancée, tant esthétique qu'épistémologique, du féminisme, du métaféminisme et du postmodernisme.