El proyecto “Sinfín” aborda el tema de la relación entre mejores amigas, un tema cuyo tratamiento previo es casi nulo, pero es algo que observamos a nuestro alrededor siempre. Esto es lo que motivó principalmente el desarrollo de este trabajo, con el que se buscó comprender los sentimientos y motivaciones de este tipo de relación, a través de las similitudes que se encontró en las amistades de las realizadoras del proyecto. A lo que se sumaron las ideas que Aristóteles señalaba y que buscaban describir el proceso de la amistad. Así, se observa cómo el cortometraje va desde el recuerdo de cómo surge nuestra primera amistad, cómo avanza hacia el intentar comprender las razones por las cuales una amistad permanece, y finalmente cómo se enfrenta a complicaciones que ponen en riesgo la continuidad de la amistad. Fue esto lo que brindó una estructura para la narración del cortometraje, que se construye a través de recuerdos y el intento de explicar la razón detrás de escoger una mejor amiga. Con esto, el espectador podrá ser parte de está introspección que posteriormente podrá conectar con sus propias vivencias, logrando que se desarrolle una reflexión acerca de las relaciones de amistad que cada quien mantiene y la profundidad que las define. / The “Sinfín” project addresses the issue of the relationship between best friends, a subject whose previous treatment is almost nil, but it is something that we always observe around us. This is what mainly motivated the development of this work, which sought to understand the feelings and motivations of this type of relationship, through the similarities found in the friendships of the project's creators. To which were added the ideas that Aristotle pointed out and that sought to describe the process of friendship. Thus, it is observed how the short film goes from the memory of how our first friendship arises, how it progresses towards trying to understand the reasons why a friendship remains, and finally how it faces complications that put the continuity of the friendship at risk. It was this that provided a structure for the narration of the short film, which is built through memories and the attempt to explain the reason for choosing a best friend. With this, the viewer will be able to be part of this introspection that will later be able to connect with their own experiences, achieving a reflection about the friendship relationships that each one maintains and the depth that define them.

La presente investigación se realiza desde las artes escénicas, cuyo objetivo fue la creación de la pieza performática “Al deseo de seguir viviendo”. Se trabajó desde un laboratorio de creación e investigación, cuya base conceptual fue el cuerpo de la mujer como herramienta política que busca la reivindicación a partir de la violencia de género ejercida sobre nuestros cuerpos. El laboratorio fue concebido como un espacio seguro para el diálogo y la exploración, la relación entre mi compañera y yo provino del soporte, el afecto y sobre todo, el respeto a nuestros propios límites en el momento de trabajar. Gracias a este espacio seguro, pudimos acercarnos con responsabilidad y cuidado a tres casos específicos de feminicidios, Solsiret Rodríguez, Marisol Estela Alva y Shirley Enriquez. Es importante aclarar que la pieza performática no fue una interpretación o escenificación de sucesos violentos, sino que partió desde el deseo de transformar la violencia sobre nuestros cuerpos y lograr la reivindicación sobre nosotras, nuestros cuerpos y nuestras historias de vida más allá de la violencia de género que atravesamos. En este sentido, la performance “Al deseo de seguir viviendo” se realizó en un espacio abierto, introduciendo al espacio diversos medios performáticos como mi cuerpo, los cuerpos de mis compañeras, las presencias ausentes mediante el uso de la ropa como puente a la resignificación de sus cuerpos, y de manera transversal, la caminata sostenida que nos permite transitar y anunciarnos en el espacio.

La presente investigación surge del interés por responder la siguiente interrogante: ¿cómo se desarrolla el proceso creativo de la directora-intérprete en un proyecto de creación unipersonal? Este planteamiento responde a la ejecución de una sola persona que dirige y se encuentra en escena creando un hecho escénico unipersonal. Para llevar a cabo esta investigación, se empleó un diseño metodológico que incluyó entrevistas, registros audiovisuales, documentales y un laboratorio escénico. Este último fue uno de los instrumentos que más ayudó a la elaboración del proyecto. Para ello, el elemento primordial fue el cuerpo, donde la improvisación tomó relevancia. Este permitió descubrir los lenguajes escénicos; así, los objetos y su relación con el adentro y afuera del escenario, la palabra hablada y escrita, la iluminación, el vestuario, entre otros recursos, abrieron la posibilidad de transitar nuevos caminos hacia la creación. Asimismo, con el laboratorio se descubrieron algunos detonantes del proceso creativo como la respiración, la columna vertebral, la memoria corporal, las melodías, el espacio y su significado, y los textos que quien escribe pudo hacer a partir de las improvisaciones en el espacio. Por otro lado, se tuvo en cuenta la selección de algunas bases teóricas para argumentar y brindar luces al panorama teatral. De esta manera, la presente investigación-creación compartió ideas acerca de las diversas capas para la creación de un proceso que se inició con un cuerpo y un lienzo en blanco para derivar en un término que aquí se denominó “dramaturgia corporal”. A modo de conclusión, esta experimentación creativa derivó en una pieza unipersonal de teatro de movimiento denominado Abrázame, en ella se logró condensar todo el camino escénico confrontándolo con el público.

La presente investigación, desde la práctica artística, propone explorar la memoria corporal y el cuerpo archivo en la acción escénica unipersonal Re-vuelo. Este es un proceso artístico que se llevó a cabo durante la pandemia del Covid-19. Inicialmente de forma virtual y, cuando las restricciones sociales lo permitieron, se desarrolló de forma presencial. La experiencia se llevó a cabo por medio de un laboratorio de investigación, que contó con una sistematización del proceso que incluyó: la reactivación de la memoria corporal a partir de principios pre-expresivos de la práctica actoral de la actriz, la creación de escenas teatrales a partir de acciones físicas y, finalmente, el montaje de la acción escénica Re-vuelo. Esta tesis busca reflexionar sobre cómo se desarrolló el proceso creativo desde la mirada de la actriz. De igual manera, busca analizar qué elementos del archivo corporal y del cuerpo escénico se revelaron en la experiencia, en proyección al presente y futuro como artista. Finalmente, se concluye que la memoria se activa en el presente, no para repetir lo pasado o intentar conservarlo inmóvil o ajeno a los cambios. La memoria se activa para reflexionar sobre ella desde una mirada actual y construir un nuevo presente como artista y creadora.

Miembro de una promoción de realizadores independientes que surgen en el cine de los Estados Unidos en los años finales del siglo XX, Wes Anderson viene desarrollando una obra fílmica que muestra características recurrentes: un estilo de planificar basado en la centralidad y la simetría, mundos representados que se alejan del realismo, entre otras. Este estilo encuentra su fundamento en una visión del mundo y una sensibilidad, atraída por los mundos anacrónicos y por el artificio formal. Este trabajo describe e interpreta los rasgos de estilo de Wes Anderson que se detectan en la construcción de su universo iconográfico y los vincula con la mirada personal del realizador sobre los personajes y sus mundos, posicionándolo como uno de los cineastas de autor más relevantes en la actualidad. El acercamiento al tema se hace a partir del examen de imágenes de tres películas de su filmografía. / Trabajo de investigación

Esta investigación analiza el panorama de largometrajes animados digitalmente en la ciudad de Lima, Perú, durante los años 2004-2016. Se aborda el proceso de realización de las películas, sus dificultades y características primordiales, a través del estudio de tres productoras: Origami Studio, Red Animation y Aronnax. El presente texto ofrece una perspectiva de la industria de la animación en Lima y desagrega tanto sus capacidades como sus posibilidades de desarrollo / The aim of this research is to analyze the feature film digital animation scene, in the city of Lima, Peru, between the years of 2005-2016. To achieve this, the realization process of the animated movies made in the present, along with its main characteristics and difficulties, is investigated through the study of three different production companies: Origami Studio, Red Animation and Aronnax. The text offers an outlook of the animated movie industry and it divides both their capabilities and their development possibilities. / Trabajo de investigación

"Gar Demia", es un documental que aborda el viaje de un paciente recién diagnósticado con la enfermedad de la Psoriasis, enfermedad inflamatoria y crónica de la piel, de origen autoinmune; en él se muestra desde mi perspectiva cómo voy encontrando personas en el camino que cuentan con el mismo diagnóstico, así mismo, se van presentando sus testimonios y dificultades de vivir con la enfermedad por el tiempo que lo lleven haciendo. / Trabajo de suficiencia profesional

La concepción de este trabajo tuvo como premisa la siguiente frase: “Los autos son los juguetes de los hombres”. Pensamos que sería interesante que los modelos a escala de la oficina de Kike Pérez (conductor y fundador del programa) cobraran vida y le dieran una atmósfera lúdica a la presentación. Por eso optamos por trabajarla en stop motion, pues de ese modo podríamos darle a los autos un “soplo de vida” y recrear la imaginería propia de nuestra niñez. / Trabajo de suficiencia profesional

La presente investigación surge del interés por construir una aproximación más consciente al lugar de la creación y dirección en danza, a partir de cuestionar cómo nos relacionamos con otros artistas detrás de escena. El objetivo principal es generar una reflexión en torno a la construcción del vínculo director-intérprete dentro de los procesos creativos, utilizando como objeto de estudio, la pieza de danza La Superficie de la creadora peruana, Cristina Velarde. A través de entrevistas realizadas a la coreógrafa y los intérpretes en danza, se ha buscado conocer bajo qué dinámicas se establecen las relaciones dentro del proceso creativo, cómo influyen en la estructura vincular las particularidades de los sujetos involucrados y el contexto en el que interactúan. Es así como, a partir de la observación y análisis de la experiencia dentro de este proceso creativo en particular, se ha podido identificar cuáles han sido los componentes que han hecho posible el desarrollo del vínculo creativo y, de esta manera, concluir que, existen dos ejes fundamentales para la construcción de cualquier tipo de vínculo que son la comunicación y la confianza; sin embargo, debido al contexto creativo, aparecen y se adicionan otros componentes, entre los cuales, los más importantes son: el compromiso con el proceso y sus participantes, las capacidades de adhesión y afectación, la experiencia emocional del intérprete y, la empatía entre los participantes.

Esta investigación tiene como objetivo reconocer el uso que hace Terrence Malick de su libertad creativa en la dirección cinematográfica para construir su voz autoral en la película A Hidden Life del año 2019. Por esto inicia con una revisión de literatura académica sobre el cine de autor, la dirección cinematográfica, las libertades creativas y la voz autoral. Luego se elabora con teoría las cuatro categorías de análisis cualitativo: estilo visual, estilo sonoro, montaje y construcción de personajes. Se sigue una metodología cualitativa con un diseño de estudio de caso, que lleva a un instrumento de análisis de contenido cinematográfico, con cuatro matrices para las cuatro categorías anteriormente señaladas. El objeto de estudio es toda la película que ha sido dividida en 5 grandes secuencias para efectos del análisis. Como hallazgos relevantes, la voz autoral de Malick está muy asentada en esta película, a pesar de sus diferencias con obras previas. Por lo que su recurrencia en libertades creativas para el uso de iluminación, movimientos de cámara, voces en off, tipo de montaje y creación del personaje, crean un texto fílmico que habla sobre la condición humana a través del sacrificio y la convicción de valores propios, por encima de lo que la sociedad dicta en un entorno inseguro como la Alemania de los años cuarenta. Claramente, se concluye que la voz autoral de Malick le crea un sello que lo mantiene con mucha vigencia y creatividad en la actualidad. / This research aims to recognize Terrence Malick's use of his creative freedom in filmmaking to construct his authorial voice in the 2019 film A Hidden Life. For this, it begins with a review of academic literature on auteur cinema, film directing, creative freedoms and authorial voice. Then the four categories of qualitative analysis are elaborated with theory: visual style, sound style, editing and character construction. A qualitative methodology with a case study design is followed, leading to a film content analysis instrument, with four matrixes for the four aforementioned categories. The object of study is the entire film, which has been divided into 5 major sequences for the purposes of analysis. As relevant findings, Malick's authorial voice is very well established in this film, despite its differences with previous works. Thus, his recurrence in creative liberties in the use of lighting, camera movements, voice-overs, type of editing and character creation, create a filmic text that speaks about the human condition through sacrifice and the conviction of one's own values, above what society dictates in an insecure environment such as Germany in the 1940s. Clearly, it can be concluded that Malick's authorial voice creates a seal that keeps him very relevant and creative today.