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Traces : la mémoire du corps comme source pour une dramaturgie scénique engagéeUbal-Rodriguez, Andrea Javiera 06 1900 (has links) (PDF)
La mémoire du corps comme source de création pour une dramaturgie scénique engagée : tel est le point de départ de cette recherche-création. Ce mémoire présente le parcours emprunté pour aller de la théorie à la pratique, en proposant une méthodologie de travail d'écriture scénique à partir du corps - la corpographie, liée à l'idée de traces. Partant des souvenirs de quatre femmes ayant vécu le coup d'État en 1973 au Chili, la notion de mémoire du corps est conçue comme un processus dynamique, un système complexe créant un lien permanent entre le présent et le passé, élément de base pour la composition de Traces, notre mise en scène. La thématique de la mémoire, l'histoire et les phénomènes mnémoniques ainsi que l'étude de la corporéité sont les enjeux essentiels de cette recherche. L'action physique induit des résonances au niveau sensoriel et rationnel qu'il faut découvrir et apprendre à lire afin de les utiliser dans la création scénique. C'est pourquoi l'approche de Laban en analyse du mouvement, à partir de l'observation des paramètres temporaux, spatiaux et dynamiques est étudiée et appliquée dans cette démarche. Elle a permis la lecture du corps et la collecte de matériel pour la création, et l'étude de la corporéité de quatre femmes qui ont bien voulu partager souvenirs, émotions et traumatisme, comme autant de pistes pour la conception du spectacle. Sont également abordés les mécanismes de la mise en jeu du travail du corps et du mouvement, dans le passage du langage du corps quotidien à un langage extra-quotidien, tel que décrit par Eugenio Barba, nécessaire pour la scène.
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MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : mémoire du corps, corporéité, écriture scénique du corps, coup d'État au Chili, femmes chiliennes, corpographie, Laban, Barba.
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Estimation d'un mouvement de caméra et problèmes connexesJonchery, Claire 06 November 2006 (has links) (PDF)
Cette thèse aborde le problème de l'estimation du mouvement d'une caméra filmant une scène fixe, à partir de la séquence d'images obtenue.<br />La méthode proposée s'applique à l'estimation du mouvement entre deux images consécutives et repose sur la détermination d'une déformation 2D quadratique. <br />A partir du mouvement estimé, nous étudions ensuite le problème de l'estimation de la structure de la scène filmée. Pour cela, nous appliquons une méthode de Belief Propagation directement sur un couple d'images, sans rectification, en utilisant l'estimation du mouvement.<br />Enfin, nous examinons l'injectivité de la fonction associant un flot optique au mouvement d'une caméra et à la structure de la scène filmée. Deux mouvements de caméra étant donnés, nous décrivons le domaine d'observation où les flots générés sont susceptibles d'être identiques, et les surfaces filmées qui, associées aux deux mouvements, produiront ces flots ambigus.
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The Influence of Cinematic Elements in Pierre Jodlowski's Works Based on ColourOwyang, Angela January 2014 (has links)
Pierre Jodlowski's Works Based on Colour consist of three pieces: Série Noire (2005), Série Blanche (2007), and Série Rose (2012) pour piano et dispositif électroacoustique. According to the composer, "each colour provides an opportunity to investigate a particular link of music with imagery." The pieces serve as a musical representation of cinematic elements through the synchronization of music and sound effects. The musical language of the cycle draws influences from various sources including the music of expressionism, musique concrète, as well as standard soundtrack scoring. The intermingling of various melodies, harmonies, and rhythms creates a synthesis between the piano and the electroacoustic soundtrack (tape).In Pierre Jodlowski's Works Based on Colour, he seeks to form an interdisciplinary collaboration between music and visual multimedia. The composer's interest in cinematography and mental processes is evident through his selective mixing of audio effects, sounds (real sounds versus synthesized sounds), and piano. According to Jodlowski the visual aspects, or mise-en-scène, of cinema should surface in the minds of the listener after hearing each of the works. Jodlowski's method of mixing involves several techniques: the insertion of fragments of dialogue from various films, tinkering with inanimate objects, pre-recorded sounds of nature, and the distortion of sonic effects and instrumentation. Aside from the use of color as a symbol, Jodlowski's cycle contains extra-musical ideas that cover a wide range of cinematic themes, including atmospheric elements of film noir, the gradual shifts and changes in our mental processes, as well as love discourse and sex from erotic cinema and pornography. Jodlowski's Works Based on Colour stirs the listener's imagination through the clear delineation of contrasting sections, the dialogue-like interaction between the tape and the piano, and the inclusion of dialogue and sound effects from various films. A performer should have knowledge of cinematic elements, understand the purpose of cinematic concepts and their significance for a cinematic viewer, and recognize their function in Jodlowski's works before performing the Works Based on Colour.
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La mise en scène de la contradiction à l'oral : analyse et fonctionnementDrouet, Griselda Noémie 02 July 2013 (has links) (PDF)
La notion de contradiction en linguistique a souvent été rejetée en marge des recherches en langues. On considère généralement que la parole contradictoire ou les structures oppositives ne peuvent servir logiquement l'efficacité requise par la théorie traditionnelle de la communication. Pour cette raison, la linguistique traditionnelle tend à considérer ces structures comme artificielles, servant des fins stylistiques ou rhétoriques. Or, nous pouvons observer à l'oral nombre d'énoncés présentant des marques de la contradiction nous amenant à examiner non pas des structures préparées mais bien spontanées, servant des fins communicatives et ayant un effet pragmatique réel dans la communication. Nous montrons que la contradiction s'actualise bel et bien en discours et que l'aporie logique qu'elle manifeste à première vuemet en scène une singularité énonciative. Le locuteur, en effet, met en scène la contradiction moyennant des conditions d'énonciation particulières (polyphonie, négation, connecteurs). Des énoncés présentant des marqueurs de la contradiction sont autant d'indices qui permettent de prendre en compte cette notion et de l'analyser sous une lumière nouvelle. C'est à partir d'un corpus établi sur des enregistrements de français oral spontané que nous mettons au jour les formes morphologiques et syntaxiques qui traduisent la mise en scène de la contradiction à l'oral ainsi que les effets pragmatiques qu'elles engendrent, afin de parvenir à dresser un système possible du fonctionnement de cette structure
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William Notman et les imaginaires photographiques de la chasse au XIXe siècle à MontréalLahaie, Andréann 10 1900 (has links) (PDF)
Ce mémoire propose d'analyser trois séries photographiques que le photographe canadien William Notman consacre au thème de la chasse. Dans la deuxième moitié du XIXe siècle, Notman ouvre un studio de photographie à Montréal et connaît rapidement un franc succès. Chasseurs, guides et bêtes posent dans de multiples circonstances liées à cette activité. Les photographies de Notman ont cette particularité d'avoir été entièrement réalisées en studio. Tout y est mis en œuvre pour créer l'illusion de scènes se déroulant dans un cadre naturel, de manière à favoriser un mode de réception qualifié d'immersif, selon le terme de Jean-Marie Schaeffer. Une attention particulière sera accordée aux comptes rendus qu'Edward Wilson, un contemporain de Notman, réalise de ces séries photographiques. Ceux-ci permettent en effet de jeter les bases d'une analyse de la participation du spectateur à l'élaboration narrative des séquences photographiques à l'étude. Ce mémoire propose également d'examiner les stéréotypes et les mythes véhiculés par les représentations de Notman. Contemporaines de la Confédération, la circulation et la diffusion de ces images procèdent de l'élaboration d'un imaginaire national. Ce contexte historique est déterminant, puisque la jeune nation en instance de définition a recours à la production culturelle afin de promouvoir sa singularité à travers le monde. Par ailleurs, l'intérêt croissant pour les colonies encourage le développement du tourisme en Amérique de Nord. Or, l'attrait premier du Canada est la chasse et ses étendues sauvages. Ce mémoire propose en définitive une analyse des catégories identitaires mises en scène dans les œuvres de Notman (l'Autochtone, le Canadien anglais et le Canadien français) à travers une interrogation sur la symbolique du « wilderness ».
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MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : imaginaire, William Notman, photographie, chasse, fiction, XIXe siècle, Canada
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L'odyssée des médias-son : fondements théoriques et pratiques de l'approche ambiophone de l'environnement sonore et de la scène auditive à validité écologiquePiché, Claire January 2007 (has links) (PDF)
L'Odyssée des médias-son est une invitation à l'exercice interdisciplinaire et constitue un outil pédagogique dynamique pour l'application de concepts techniques et pratiques qui trouvent résonance dans la vie de tous les jours. Cette thèse-création a été motivée par le besoin d'élargir le champ de la créativité et de la communication par la mise en oeuvre d'un mode d'expression sonore développé au croisement de diverses pratiques artistiques. Pour ce faire, j'ai développé une approche personnelle de l'environnement sonore selon un modèle épicentral que j'ai étayé d'un cadre théorique. J'ai aussi déterminé les critères à respecter dans l'enregistrement et la reproduction de sons destinés à acquérir ou à transmettre des connaissances sur l'environnement dans lequel nous vivons. Enfin, j'ai exploité le potentiel des technologies électroacoustiques et multimédiatiques pour le design Web d'activités de recherche par l'entremise desquelles un sujet est appelé à faire valoir ses connaissance sur ce qui lui est donné à entendre. L'hypothèse centrale de ma thèse-création s'appuyant sur l'existence d'une convergence coopérative qui s'établit progressivement entre les pratiques artistiques et la recherche scientifique, l'intérêt de cette thèse-création n'a pas été de réaliser des oeuvres spectaculaires mais d'orienter la création sonore vers des expérimentations illustrant diverses questions posées par les problématiques abordées. C'est dans cette visée que j'ai posé les conditions d'une manière de faire et de penser le son qui satisfasse aux exigences du projet ambiophone. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Environnement sonore, Ambiophonie, Écologie, Média-son, Théorie ambiophone, Modèle épicentral, Audition cognitive, Scène auditive, Validité écologique, Espace du son.
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La plate-forme RAMSES pour un triple écran interactif : application à la génération automatique de télévision interactiveRoyer, Julien 16 December 2009 (has links) (PDF)
Avec la révolution du numérique, l'usage de la vidéo a fortement évolué durant les dernières décennies, passant du cinéma à la télévision, puis au web, du récit fictionnel au documentaire et de l'éditorialisation à la création par l'utilisateur. Les médias sont les vecteurs pour échanger des informations, des connaissances, des " reportages " personnels, des émotions... L'enrichissement automatique des documents multimédias est toujours un sujet de recherche depuis l'avènement des médias. Dans ce contexte, nous proposons dans un premier temps une modélisation des différents concepts et acteurs mis en œuvre pour analyser automatiquement des documents multimédias afin de déployer dynamiquement des services interactifs en relation avec le contenu des médias. Nous définissons ainsi les concepts d'analyseur, de service interactif, de description d'un document multimédia et enfin les fonctions nécessaires pour faire interagir ceux-ci. Le modèle d'analyse obtenu se démarque de la littérature en proposant une architecture modulaire, ouverte et évolutive. Nous présentons ensuite l'implantation de ces concepts dans le cadre d'un prototype de démonstration. Ce prototype permet ainsi de mettre en avant les contributions avancées dans la description des modèles. Une implantation ainsi que des recommandations sont détaillées pour chacun des modèles. Afin de montrer les résultats d'implantation des solutions proposées sur la plateforme telles que les standards MPEG-7 pour la description, MPEG-4 BIFS pour les scènes interactives ou encore OSGI pour l'architecture générale, nous présentons différents exemples de services interactifs intégrés dans la plateforme. Ceux-ci permettent de vérifier les capacités d'adaptation aux besoins d'un ou plusieurs services interactifs.
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Le théâtre de Juan Mayorga : de la scène au monde à travers le prisme du langageSpooner, Claire 09 July 2013 (has links) (PDF)
Juan Mayorga signe le retour en force du verbe dans la dramaturgie espagnole contemporaine. Cette thèse pense son œuvre comme une "carte du monde" qui reflète et interroge certaines facettes de la réalité à travers le prisme du langage. L'étude des scènes de langage et du langage de la scène fait appel aux théories de pragmatique du discours. Ensuite, les analyses de la théâtralité de la parole (la manière dont les mots prennent corps et sens sur scène et dans le monde) montrent que chez ce dramaturge, la puissance imageante de la parole est étroitement liée à la "faille" du discours. La "faille", qui occupe une place centrale dans l'œuvre de Juan Mayorga, souligne et relaye les limites du langage, ouvrant sur une scène dialectique, d'où on peut (le) penser autrement. Entre les mots, dans les "failles" du discours logique, surgit l'ineffable, c'est-à-dire le Réel au sens lacanien. La question de l'aporie du voir et du dire révèle la part décisive de l'absence et du manque dans la représentation : celle-ci relève d'un engagement dramaturgique et esthétique, mais aussi éthique. Choisir de faire de la scène une cartographie des "failles" du discours, des silences de l'histoire, et des absences du monde, c'est le fruit d'un parti pris. À travers le prisme d'un verbe dont nous relevons le caractère fragmentaire, c'est une manière de penser et d'interroger le monde qui apparaît. Ce travail puise dans les courants philosophiques qui (sous-)tendent l'écriture de Juan Mayorga : les thèses de Walter Benjamin sur l'histoire, les écrits de Ludwig Wittgenstein, Theodor Adorno, Giorgio Agamben et Jean-Luc Nancy, portant sur la dicibilité ou la représentablité de l'indicible, mais aussi l'ontologie contemporaine, en particulier la pensée de Jacques Derrida et de Sören Kierkegaard, qui détournent la logique dichotomique propre à la dialectique hégélienne. Le langage lui-même est créateur de relations dialectiques indépassables que le dramaturge met en scène à partir de tensions se multipliant à l'infini dans une esthétique du discontinu (dire/taire, montrer/cacher, montrer/dire, etc.). Cette thèse les met en lumière et en interroge les enjeux. À cet effet, la notion de "rhizome" de Gilles Deleuze et Félix Guattari, ainsi que celle de "scène invisible" (issue de la "critique des dispositifs"), fournissent des éléments théoriques de réflexion qui débouchent sur un même constat : le sens réside dans l'interruption. La thèse est un cheminement à travers l'œuvre de Juan Mayorga, dont il s'agit de découvrir entrées et sorties, s'engouffrant dans ses "failles", pour enfin s'arrêter sur des bifurcations, ramifications, ou nœuds - car en eux se cristallise la "scène". Au fil de son expérience théâtrale rhizhomatique et souterraine, le "spectalecteur" mayorguien est invité à être entre, à devenir animal (Deleuze et Guattari), et à interroger l'envers du décor.
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Pour une poétique des effets spéciaux dans les films de fantasy de 1990 à 2010 : un nouvel art de raconter ?Dulong, Guillaume 12 March 2012 (has links) (PDF)
Notre étude repose sur la mise en rapport de deux phénomènes qui ont marqué la production cinématographique anglo-saxonne et française de ces vingt dernières années. L'un économique et technique, est l'avènement de l'imagerie numérique remplaçant peu à peu le support argentique bouleversant les modes de composition, de diffusion et de réception des films. L'autre, esthétique et poétique, est la recrudescence et la popularité d'œuvres appartenant à un genre de récit de fantasy - ou de merveilleux. Comment comprendre la corrélation de l'innovation technique et du conservatisme narratif sans n'y voir que la manifestation d'un raidissement idéologique de la culture occidentale ? Celle-ci nous apparaîtra comme un rapport de forces essentiel entre les images cinématographiques et numériques, une hybridation. Si l'art du récit gagne en hyperréalisme grâce au potentiel de simulation de l'informatique, il réinjecte le sens de la durée, du temps traditionnel, dans l'image quand l'intelligence de l'imagerie numérique est régie par l'urgence d'un temps réitératif amnésique. Nous nous attacherons donc à définir le genre de la fantasy et ses propriétés dans le langage cinématographique poétique. Déterminant la différence spécifique de ce genre comme étant un certain usage des effets spéciaux, nous étudierons ceux-ci et leur emploi dans la fantasy comme effets de merveilleux. Enfin nous montrerons comment la mutation numérique de l'industrie et de l'imaginaire cinématographique met en crise le récit filmique et pourquoi nous pouvons considérer le retour de ce type de narrations comme une forme de résistance face à la nouvelle image, le néotraditionnalisme.
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Le XIXe siècle dans le cinéma de Luchino Visconti : scènes et poétique du décor / The 19th century in the Luchino Visconti’s cinema : scenes and poetics in film setsGuétin, Marie-Laure 26 November 2012 (has links)
Cette thèse se propose de mettre en relief des enjeux esthétiques et théoriques encore inaperçus du décor filmique, en prenant pour exemple le travail de Luchino Visconti, dont le cinéma fournit un cadre privilégié pour mener une telle recherche. Cinq grands films en costumes situés dans un XIXe siècle tardif, entre 1860 et 1911, constituent le corpus de l’étude, que vient compléter l’horizon réflexif des mises en scène de théâtre. On se donne pour tâche de relever et de faire ressortir les fonctions descriptive, historique et dramaturgique du décor. Le concept de scène ouvre ce décor XIXe à son extension la plus large : de l’espace au temps, du plus matériel au moins évidemment perceptible, du visuel au sonore. Le décor est cette scène, à la plasticité et la malléabilité remarquables, sur laquelle se met en place une poétique indissociable des perspectives temporelles. Comme scène, le décor est là où l’émergence du XIXe se noue, se joue et se structure selon trois niveaux : l’historicité, le drame, le temps. De la reconstitution historique à l’imagerie du siècle, des rhétoriques XIXe à la dramaturgie passionnelle, de la mise en scène du temps aux décors-temps en passant par les fictions et la corporéité du décor : voilà vers quelle poétique les scènes du décor acheminent le spectateur. Le distendant jusqu’à ses limites les plus élargies (le temps et ses mouvements, son anachronisme et sa fragmentation, ses fractures et sa musicalité), la réflexion aborde pour finir le décor XIXe comme cette forme cinématographique aspirant à une autre visibilité : telle une présence qui « inquiète le regard » (D. Païni). Cette approche du décor permet alors de repenser le travail de Visconti dans la modernité. / This doctoral thesis aims at highlighting aesthetic and theoretical aspects of film sets, throughout the work of Luchino Visconti. Five great costume films taking place in the late nineteenth century, between 1860 and 1911, complemented by the reflexive horizon of theatre stagings, constitute the corpus of the analysis. Descriptive, historical, and dramatic features of the film sets are identified and highlighted. The notion of scene enables us to consider the nineteenth century sets through a broad spatial and temporal scope; from the more substantial to the least clearly perceptible; from vision to audition. The film set is considered as a stage, with its characteristic plasticity and malleability, whereby the poetics is set up, indivisible from temporal perspectives. As a stage, the film set is the place where the emergence of the nineteenth century gets structured according to three levels: historicity, drama, and time. From the reconstruction of history to the imagery of the century, from the nineteenth century’s rhetoricity to the passionate drama, from the staging of time to temporal-settings, through film sets’ fictions and corporeality: this is the poetics towards which film sets’ scenes carry on the viewer. Distending the film set to its most extended limits (its time and movements, its anachronism and fragmentation, its fractures and musicality), towards the end, the reflection tackles the nineteenth century film sets as a cinematographic form aspiring to a new type of visibility — similar to a presence which "worries the sight" (D. Païni). This wide approach of the film set enables us to analyse Visconti’s work through the lens of modernity.
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