Trata-se de um trabalho artístico desenvolvido na área da Interpretação Teatral a partir da transposição de técnicas circenses para a criação de uma dramaturgia da atriz. Este trabalho se inspira na personagem de Lady Macbeth, de W.Shakespeare e se utiliza da técnica do tecido circense para a realização da composição dramatúrgica, investigando o trabalho do corpo relacionado com a interpretação do ator para a construção da cena. / It is an artistic work developed in the area of Theatrical Interpretation from the translation of circus techniques to create a drama actress. This work is inspired by the character of Lady Macbeth of W.Shakespeare and uses the technique of tissue circus to perform dramaturgical composition, investigating the work of the body related to the interpretation of the actor to build the scene.

Esta pesquisa busca ampliar os estudos sobre a formação do ator visando identificar e explorar princípios e procedimentos que promovam a autonomia técnica e criativa do ator no exercício profissional. A proposta de treinamento tem por base as práticas de Constantin Stanislavski, Jerzy Grotowski, Eugenio Barba e das experiências junto ao grupo Internacional Vindenes Bro, dirigido por Iben Nagel Rasmussen. Por meio de um treinamento físico e vocal, realizado com oito atores, busca-se o aprofundamento do "exercício sobre si mesmo", de forma a promover o acesso a um corpo-mente orgânico, a presença e a capacidade de composição de repertório próprio para a criação. O trabalho experimental, registrado em vídeo e acompanhado de questionários respondidos pelos atores e notas pessoais de cada membro do grupo, constitui a base da reflexão sobre o processo de recepção e apropriação dos exercícios propostos, reconhecendo as alterações e respectivas motivações ao longo da experiência. A reflexão teórica é também nutrida pelo pensamento de diferentes disciplinas. / The research is an attempt to extend the study of the formation of the actor, aiming at the identification and the exploration of principles and procedures which cultivate the technical and creative autonomy of the professional training of the actor. The training principles are built on the practises of Constantin Stanislavski, Jerzy Grotowski and Eugenio Barba and on the experiences achieved together with the international group Vindenes Bro (Bridge of the Winds) directed by Iben Nagel Rasmussen. By means of physical and vocal training, brought into practise by eight actors, this study aims at the exploration of "The Exercise On One Self" in order to achieve access to an organical "Body-Mind", to the presence of the actor and to the capability to compose one's own repertoire during the creation. The experimental work, video-recorded and accompanied by questionaires answered by the students as well as by the personal annotations by each group member, constitutes the base for the reflection upon the reception and appropriation of the suggested exercises, recognising the alterations and individual motivations during the process. The theoretical reflexion is also nourished by other disciplines' thinking.

Orientador: Rubens Jose Souza Brito / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-07T11:26:28Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Doria_RobertoRodriguez_M.pdf: 10788175 bytes, checksum: 584dfd87e2b95ad594052728b9c20c8d (MD5) Previous issue date: 2005 / Resumo: O texto que constitui este trabalho é uma reflexão teórica sobre processo criativo através da máscara desenvolvida com os atores da Companhia Teatral Nosconosco do Rio de Janeiro. Este trabalho parte de uma experiência prática na construção de um espetáculo teatral e seu desenvolvimento criativo com objetos de uso cotidiano que levam o ator ao estado da máscara e sua reflexão teórica / Abstract: The text of the present work is a theoretical reflection about the creative process through the mask, developed with actors from the Companhia Teatral Nosconosco, from Rio de Janeiro. This work starts from a practical experience in a play making of using daily ordinary objects that take the actor into the mask state and its theoretical reflection / Mestrado / Mestre em Artes

o objetivo da pesquisa foi realizar uma reflexão crítica sobre o espaço teatral na cidade de São Paulo, pelo viés da Geografia, no período de 1999 a 2004, utilizando como referenciais teóricos Anne Ubersfeld e Milton Santos. O tema foi investigado a partir da hipótese de que a natureza do lugar teatral é ser um agente, uma espécie de mídia definidora do processo teatral, em sua relação com as políticas culturais do período (Lei de Incentivo à Cultura, Lei do Fomento ao Teatro e implantação de salas de teatro nos CEUs), e com os Guias de Teatro da cidade (jornais Folha de São Paulo e o Estado de São Paulo). Foi elaborado um banco de dados com informações acerca desses lugares e da sua relação com os respectivos Guias de Teatro, na cidade de São Paulo, no período de 1999 a 2004. O lugar teatral revelado na cartografia que surgiu das informações desse banco de dados caracterizou-se como múltiplo; fortemente ligado ao distrito central da cidade; com tendência à polarização entre as salas pequenas e grandes; forte ação do teatro de grupo na criação de novos espaços; e propriedade, na sua maioria, privada. A partir destes dados, discutiu-se a ?crise? do edifício teatral e a importância da atividade Teatro se vincular social e culturalmente ao lugar geográfico. Definiu-se, o lugar teatral pela noção de uso - na forma de um território vivido - e não pela arquitetura do edifício que ocupa. / The purpose of this research was to achieve a critical reflection about the theatrical space in São Paulo city by the slant of Geography in the period from 1999 to 2004. This was done using Anne Ubersfeld and Milton Santos as theoretical references. The subject was investigating to start from the hypothesis that the type of theatrical place is to be a agent, a specie of media that does the definition of theatrical process with their regarding to the cultural politics in this period (Cultural Incentive Law, Promotion to the Theatre Law and the theatrical rooms introduction in CEUs) and also with the regarding to the city theatrical guides (Folha de São Paulo and Estado de São Paulo newspapers). A database was preparing with the information concerning those theatrical places and with their regarding to the respective theatrical guides in São Paulo during the period from 1999 to 2004. The showing theatrical place in the cartography and that came up those records made up as multiple, it was strongly connected to the downtown district and it had a polarize tendency between small and big rooms. Those information showed also the strongly action of the theatrical groups in the new spaces raising and the private ownership in the most of those places. Arise from those records we talked about the theatrical building ?crisis? and the importance of the theatrical activities to be linked cultural and socially with the geographic place. We defined the theatrical place by the using basics- such way that a territory experienced in life- and not by it occupy in the building architecture.

o objetivo da pesquisa foi realizar uma reflexão crítica sobre o espaço teatral na cidade de São Paulo, pelo viés da Geografia, no período de 1999 a 2004, utilizando como referenciais teóricos Anne Ubersfeld e Milton Santos. O tema foi investigado a partir da hipótese de que a natureza do lugar teatral é ser um agente, uma espécie de mídia definidora do processo teatral, em sua relação com as políticas culturais do período (Lei de Incentivo à Cultura, Lei do Fomento ao Teatro e implantação de salas de teatro nos CEUs), e com os Guias de Teatro da cidade (jornais Folha de São Paulo e o Estado de São Paulo). Foi elaborado um banco de dados com informações acerca desses lugares e da sua relação com os respectivos Guias de Teatro, na cidade de São Paulo, no período de 1999 a 2004. O lugar teatral revelado na cartografia que surgiu das informações desse banco de dados caracterizou-se como múltiplo; fortemente ligado ao distrito central da cidade; com tendência à polarização entre as salas pequenas e grandes; forte ação do teatro de grupo na criação de novos espaços; e propriedade, na sua maioria, privada. A partir destes dados, discutiu-se a ?crise? do edifício teatral e a importância da atividade Teatro se vincular social e culturalmente ao lugar geográfico. Definiu-se, o lugar teatral pela noção de uso - na forma de um território vivido - e não pela arquitetura do edifício que ocupa. / The purpose of this research was to achieve a critical reflection about the theatrical space in São Paulo city by the slant of Geography in the period from 1999 to 2004. This was done using Anne Ubersfeld and Milton Santos as theoretical references. The subject was investigating to start from the hypothesis that the type of theatrical place is to be a agent, a specie of media that does the definition of theatrical process with their regarding to the cultural politics in this period (Cultural Incentive Law, Promotion to the Theatre Law and the theatrical rooms introduction in CEUs) and also with the regarding to the city theatrical guides (Folha de São Paulo and Estado de São Paulo newspapers). A database was preparing with the information concerning those theatrical places and with their regarding to the respective theatrical guides in São Paulo during the period from 1999 to 2004. The showing theatrical place in the cartography and that came up those records made up as multiple, it was strongly connected to the downtown district and it had a polarize tendency between small and big rooms. Those information showed also the strongly action of the theatrical groups in the new spaces raising and the private ownership in the most of those places. Arise from those records we talked about the theatrical building ?crisis? and the importance of the theatrical activities to be linked cultural and socially with the geographic place. We defined the theatrical place by the using basics- such way that a territory experienced in life- and not by it occupy in the building architecture.

El presente trabajo ha sido concebido para registrar y analizar la diversa recepción que la literatura austriaca en su vertiente dramática ha tenido en la sociedad española desde 1975 hasta 2015 con tres objetivos fundamentales, a saber: 1) poner en valor su presencia e impacto en nuestra sociedad, 2) estudiar las características y divergencias existentes entre las distintas manifestaciones de la misma ─traducción escénica vs. traducción editorial─, y 3) reivindicar la traducción escénica para la teoría y la historia de la traducción. Así pues, explicitando el valor semántico del término «recepción», debemos indicar que en nuestro caso consideramos este principalmente como sinónimo del concepto «traducción» en su doble vertiente: la traducción destinada a la lectura ─traducción editada─ y aquella concebida, en principio, únicamente para la representación escénica ─que podrá ser o no posteriormente publicada─ como objeto específico de estudio de las relaciones interculturales de Austria y España. No obstante, contemplaremos asimismo otras formas de recepción, tales como su presencia en prensa, revistas especializadas e historias de la literatura, o la posible permeabilidad que dicha literatura dramática haya podido tener sobre los dramaturgos y directores teatrales en España y sus correspondientes creaciones. Para llevar a cabo nuestro trabajo, de un lado se registrarán a nivel cuantitativo las obras austriacas traducidas en nuestro país para, en un primer momento, presentar con datos estadísticos el grado e impacto de la recepción de la literatura dramática austriaca en España. Abarcaremos todos los datos relativos tanto a las ediciones como a las representaciones escénicas con el fin de atender a los posibles centros de recepción de la literatura austriaca y a eventuales diferencias diatópicas en la recepción. Será menester considerar no sólo la presencia, sino también la ausencia de los distintos dramaturgos austriacos para poder ofrecer un marco exhaustivo y abordar, en la fase posterior, el tipo de recepción y crítica literarias en España. Hasta ahora, la recepción teatral se ha abarcado en los estudios de traducción únicamente desde el punto de vista editorial, y no escénico. Las ediciones de lectura han sido en este contexto el objeto de estudio a nivel cuantitativo y cualitativo: tanto para registrar la presencia de un determinado autor o movimiento como para analizar el modo en que dichas obras se han recibido ─traducido─ en otro marco cultural. Del hecho de integrar y reclamar ambos tipos de traducción ─editorial y escénica─ para la historia y teoría de la traducción teatral ─en este caso, en un estudio descriptivo-analítico de recepción teatral─ se deriva fundamentalmente la originalidad de nuestro trabajo. En un segundo apartado, de carácter cualitativo, será pertinente atender, tanto a aspectos puramente lingüísticos ─problemas de traducción específicos de la literatura austriaca─, como también a los vehículos de recepción, tales como la crítica en prensa, las revistas especializadas, obras de teatro de autores españoles que hayan sido influidas por dramaturgos austriacos, etc. para indagar en la influencia e impacto de la literatura dramática austriaca en el polisistema literario español. Consideraremos asimismo los parámetros y patrones de recepción que se hayan aplicado, esto es, posibles adaptaciones y versiones de las obras originales o de obras en prosa a teatro. Cómo haya influido dicha literatura en nuestros autores y directores o si el polisistema español ha adaptado algún modelo o tema literarios del polisistema austriaco serán algunas de las cuestiones que nos plantearemos. De este enfoque abarcador se infiere que en nuestro trabajo proyectaremos la doble mirada de la crítica de la traducción: la retrospectiva y la prospectiva, es decir, la traducción como proceso y la traducción como producto. Por la primera analizaremos los problemas de traducción inherentes al texto original y los procedimientos del traductor para abarcarlos; por la segunda, evaluaremos los resultados de la actividad traductora y su impacto en nuestra sociedad. A la hora de valorar el teatro austriaco en el contexto del canon español, será también interesante comparar los datos con los de la posición de esa misma literatura dramática austriaca en Austria y atender a los posibles desajustes ─autores considerados canónicos en Austria ausentes en España o a la inversa: autores con poca repercusión en Austria y muy presentes en nuestro país─. Valoraremos las eventuales diferencias de recepción de esa misma literatura en ambos países e indagaremos en el porqué de los eventuales cambios. Como veremos en el siguiente bloque («2. Disciplinas implicadas»), para ello serán perentorias las referencias a la literatura comparada y a la Teoría del Polisistema. Dentro de esta segunda fase de carácter cualitativo prestaremos especial atención a las diferencias de recepción que presentan la traducción editorial, la escénica ─que hemos dividido a su vez en traducción pre-escénica y traducción post-escénica─ y la correspondiente traducción intersemiótica. En este contexto, cabe aludir a la necesidad de conciliar estos dos mundos en todo trabajo académico que verse sobre la traducción dramática mediante un modelo de análisis que considere la diferente naturaleza de los mismos y conjugue, asimismo, los factores propios de ambos.

Estudiar el trabajo de Victoria Santa Cruz representa una gran oportunidad para insertar más voces femeninas y afrodescendientes en las líneas de estudio artístico de la Facultad. Su legado es materia de estudio histórico, político y artístico desde la óptica de los movimientos antirracistas y afrofeministas. En vista de que esta creadora invita a reconocer el saber corporal como igualmente válido que el conocimiento intelectual, resulta relevante investigar el aporte de su enfoque a las artes. La presente investigación desde la práctica busca analizar el “ritmo interior” y la “memoria ancestral”, conceptos acuñados por Santa Cruz, como medios para explorar rutas para un training actoral que integre el autoconocimiento y la memoria corporal íntima. Para este fin, los sustentos teóricos que guían el estudio son: el análisis de Heidi Feldman sobre la metodología de Santa Cruz, los principios del entrenamiento actoral según Varley y Carreri, el estudio del cuerpo como generador de conocimiento de Bardet y la teoría del archivo y repertorio de Taylor. A partir de un diseño de laboratorio, esta investigación encuentra que la memoria ancestral vincula al cuerpo de la actriz con sus raíces culturales a través del movimiento y la performatividad del archivo familiar y/o cultural. Asimismo, el ritmo interior requiere partir de la propia identidad e historia, permitiendo que la actriz se reconozca como un cuerpo íntegro que actúa con aquello que es dentro y fuera de la profesión. Por ello, la conclusión principal de esta investigación sugiere que ambos conceptos insertan al entrenamiento en una búsqueda de la enunciación propia en la escena, en tanto permiten trabajar en un descubrimiento y desarrollo de la verdad escénica propia de la actriz. Los conceptos invitan a manifestar un repertorio personal vinculado a nuestros orígenes, nuestra historia, nuestras luchas y nuestros placeres.

La presente investigación busca exponer los conceptos de dramaturgia clásica para poder realizar un análisis sobre el trabajo de la autoficción en la dramaturgia de Sergio Blanco (Franco-uruguayo). Para encontrar la relación entre los conceptos del drama clásico se considerará autores que reflexionan sobre estos como Renata Pallotini (1982), Alonso de Santos (1999) entre otros autores. Asimismo, ara el análisis de las obras Tebas Land (2012) y Ostia (2015) con relación a la autoficción he tenido en consideración revisar los artículos de Musitano (2016), textos académicos como Las prosopopeyas de María Velasco de Fernandes Valbuena(2018), entrevistas y artículos del mismo Sergio Blanco (2018) como La ingeneria del yo (2018). Conclusión: La autoficción desarrollada en las obras de Sergio Blanco (Tebas Land y Ostia) tienen elementos del drama clásico como también algunos en menor medida del drama contemporáneo. La innovación de Blanco en sus obras ha sido proporcionar el género de autoficción, inicialmente importada desde la narrativa, a la dramaturgia o texto teatral, acercándose al drama contemporáneo y al mismo tiempo obedeciendo a las estructuras del drama clásico

La presente investigación busca demostrar la utilidad del uso de los principios del baile de la cultura dancehall en el entrenamiento del actor en formación y el subsecuente aumento de sus competencias para el trabajo con las acciones físicas. Se eligieron, en específico, los conceptos groove y feeling; entendiéndose por groove a la manera en que se manifiestan, en el movimiento, las sensaciones estimuladas por la música del dancehall., funcionando estas como estímulo para la creación y escucha de impulsos; y por feeling, a la escucha y la percepción de uno mismo y de su alrededor. Dicho feeling vendrá a ser el que permite entrenar en la acción y reacción de movimientos con el cuerpo. A partir de ellos, se formula la siguiente pregunta: ¿De qué manera el groove y el feeling aportan al actor en formación en su trabajo con las acciones físicas? Para responder la interrogante se planteó un laboratorio de actores donde se integraron pasos de baile en la rutina de entrenamiento corporal. Estos pasos fueron seleccionados porque en ellos están codificados movimientos exclusivos del baile que lo identifican. Se hizo una clasificación de los pasos que sirviera para el calentamiento, para el entrenamiento del groove y para el entrenamiento de pequeñas actividades físicas. Finalmente se analizaron los procesos de diez estudiantes de la especialidad de Teatro de la PUCP para describir los avances. Por último, esta investigación surge por la búsqueda de una solución diferente a la problemática del “bloqueo”, estado de inactividad o movimientos torpes y entrecortados, que los alumnos de esta carrera suelen experimentar con frecuencia durante el inicio de su formación. Se espera, por tanto, que esta investigación aporte a incrementar la consciencia del cuerpo y de sus movimientos para el correcto desenvolvimiento de los alumnos en posteriores cursos de su proceso formativo.

Identificação e reconstituição das preceptivas da prática cênica no século XVI italiano a partir da análise exegética do \"Tratado sobre as cenas\", pertencente à obra Da arquitetura e Perspectiva do arquiteto e preceptor bolonhês Sebastiano Serlio. O esquadrinhamento dos três gêneros de cenas antigos - tragédia, comédia e sátira -, normatizados por Serlio a partir do escrito vitruviano sobre arquitetura, tem em vista modificações e adequações consoantes à proposição da \"cena moderna\", cuja matéria baseia-se na pintura e na arquitetura, das quais se distingue ao compor assunto próprio às artes cênicas. A cena, perspectiva e tridimensional, ornada com relevos e materiais diversos, é caracterizada por volumes com os quais as personagens interagem, tornando-se espaço próprio à ação cênica, conveniente com o gênero e aparatos. Estendendo-se além da preceituação e confecção dos aparatos cênicos, amplia o ingenium arquitetônico, pela prescrição de ações corporais distintas na figura de personagens em movimento, qualificando matéria da representação cênica, mesmo que ainda não reconhecida como arte autônoma. / Identification and reconstitution of the precepts of stagecraft in the Italian sixteenth century, from the exegetical analysis of the \"Treaty on the scene\", belonging to the work Of architecture and perspective, of the bolognese architect and preceptor, Sebastiano Serlio. The scrutinizing of the three ancient genres of scenes - tragedy, comedy and satire - normalized by Serlio from Vitruvius writing about architecture, aim modifications and adaptations according to the proposition of the \'modern scene\', whose subject matter has its foundations in painting and architecture, from which it distinguishes itself by being proper subject to the performing arts. The scene, three-dimensional and perspective, adorned with reliefs and various materials, is characterized by volumes with which the characters interact, becoming appropriate space to stage action, convenient to the genre and apparatuses. Extending beyond the preception and confection of scenic devices, amplifies the architectural ingenium, by prescribing distinct corporal actions in the figure of characters in motion, qualifying it as matter of scenic representation, even if not yet recognized as autonomous art.