O projeto propõe-se a analisar o modo como os signos teatrais se organizam e se estruturam no processo de constituição de sentido do espetáculo de teatro de rua O vendedor de palavras, encenado pelo Grupo Mototóti no Parque da Redenção em Porto Alegre. O seu objetivo é observar o funcionamento do código teatral como conceito catalisador dos diversos elementos que constroem material e concretamente a obra cênica, refletindo a partir de estudos realizados por Anne Übersfeld, Patrice Pavis e Erika Fischer-Lichte, além de outros autores do campo da semiótica teatral. O debate acerca da teatralidade acontece no registro da presente pesquisa como parte de uma metodologia que inclui a análise dos diversos signos, a reflexão proveniente do modelo actancial greimasiano e o estudo do personagem. / This project aims at analysing how the theatrical signs are organized and structured in the process which leads to the creation of meaning in the outdoors presentation of the play O vendedor de palavras (The Seller of Words) by the Mototóti Group at Redenção Park in Porto Alegre, Rio Grande do Sul, Brazil. It is also its aim to observe the function of the theatrical code as a catalyst concept of the several elements that materially and concretely create a scenic work, theoretically based on studies by Anne Übersfeld, Patrice Pavis, and Erika Fischer-Lichte, as well as other authors who work in the field of the theatrical semiotics. The methodology used in the present research for the debate about the theatricality includes the analysis of the diverse signs, reflections from A. J. Greimas's actancial model and the study of character.

Submitted by Glauber Assunção Moreira (glauber.a.moreira@gmail.com) on 2018-08-24T16:53:55Z No. of bitstreams: 1 Dissertação Emerson Almeida PPGAC 2015.pdf: 10306725 bytes, checksum: 2f3f53af78606022beae5445c26d2ae7 (MD5) / Approved for entry into archive by Marly Santos (marly@ufba.br) on 2018-08-24T18:24:03Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Dissertação Emerson Almeida PPGAC 2015.pdf: 10306725 bytes, checksum: 2f3f53af78606022beae5445c26d2ae7 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-08-24T18:24:03Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Dissertação Emerson Almeida PPGAC 2015.pdf: 10306725 bytes, checksum: 2f3f53af78606022beae5445c26d2ae7 (MD5) / Esta dissertação tem por objetivo analisar e apresentar possibilidades que facilitem a consciência corporal do ator para o desempenho da cena, apoiando-se nos conceitos da anatomia e da cinesiologia. Parte-se do pressuposto de que o ator, ao conhecer a sua estrutura orgânica, estimula a sua percepção corporal e a consciência dos movimentos necessários à criação do papel. No campo das Artes Cênicas a pesquisa se apóia na ideia de proporcionar o treinamento do ator por meio de técnicas corporais que o levem a ampliar o conhecimento de si próprio para atingir prontidão necessária à encenação e tem como eixo o trabalho das ações físicas e como referências o Método das Ações Físicas de Stanislávski, o Teatro Laboratório de Grotowski e a Antropologia Teatral de Barba. Além das referências e cruzamentos teóricos a pesquisa é caracterizada como estudo de caso com enfoque descritivo, de abordagem qualitativa, uma vez que discute e questiona, por meio de relatos de atores e experiências práticas realizadas em salas de ensaio, se a inserção de conteúdo relativo ao construto orgânico do ser humano no contexto da preparação corporal, sob o ponto de vista da anatomia e da cinesiologia, com o suporte do Pilates e da Reeducação Postural Global (RPG), pode propiciar o ator a acessar a consciência corporal no intuito de facilitar o processo de composição das ações físicas na construção de um papel. / This thesis aims to analyze and present possibilities to facilitate body awareness actor for the performance of the scene, leaning on the concepts of anatomy and kinesiology. It starts from the assumption that the actor, to know its structure, stimulates your body perception and awareness of movements needed to create the role. In the Performing Arts field the research is based on the idea of providing the actor's training through body techniques that lead to increase the knowledge of himself to achieve readiness needed for staging and its axis is the work of physical actions referenced by Method of Physical Actions of Stanislavsky, Grotowski Laboratory Theatre and the Theatrical Anthropology Barba. Beyond references and theorists cross the search, characterized as a case study with a descriptive and qualitative approach, discusses and questions, through reports of actors and practical experiments carried out in rehearsal rooms, if the inclusion of content related to organic construct the human body in the context of preparation, from the point of view of anatomy and kinesiology, with the support of Pilates and Global Postural Reeducation (RPG), may provide the actor to access the body awareness in order to facilitate the composition process of physical actions over the development of a scenario.

O projeto propõe-se a analisar o modo como os signos teatrais se organizam e se estruturam no processo de constituição de sentido do espetáculo de teatro de rua O vendedor de palavras, encenado pelo Grupo Mototóti no Parque da Redenção em Porto Alegre. O seu objetivo é observar o funcionamento do código teatral como conceito catalisador dos diversos elementos que constroem material e concretamente a obra cênica, refletindo a partir de estudos realizados por Anne Übersfeld, Patrice Pavis e Erika Fischer-Lichte, além de outros autores do campo da semiótica teatral. O debate acerca da teatralidade acontece no registro da presente pesquisa como parte de uma metodologia que inclui a análise dos diversos signos, a reflexão proveniente do modelo actancial greimasiano e o estudo do personagem. / This project aims at analysing how the theatrical signs are organized and structured in the process which leads to the creation of meaning in the outdoors presentation of the play O vendedor de palavras (The Seller of Words) by the Mototóti Group at Redenção Park in Porto Alegre, Rio Grande do Sul, Brazil. It is also its aim to observe the function of the theatrical code as a catalyst concept of the several elements that materially and concretely create a scenic work, theoretically based on studies by Anne Übersfeld, Patrice Pavis, and Erika Fischer-Lichte, as well as other authors who work in the field of the theatrical semiotics. The methodology used in the present research for the debate about the theatricality includes the analysis of the diverse signs, reflections from A. J. Greimas's actancial model and the study of character.

O projeto propõe-se a analisar o modo como os signos teatrais se organizam e se estruturam no processo de constituição de sentido do espetáculo de teatro de rua O vendedor de palavras, encenado pelo Grupo Mototóti no Parque da Redenção em Porto Alegre. O seu objetivo é observar o funcionamento do código teatral como conceito catalisador dos diversos elementos que constroem material e concretamente a obra cênica, refletindo a partir de estudos realizados por Anne Übersfeld, Patrice Pavis e Erika Fischer-Lichte, além de outros autores do campo da semiótica teatral. O debate acerca da teatralidade acontece no registro da presente pesquisa como parte de uma metodologia que inclui a análise dos diversos signos, a reflexão proveniente do modelo actancial greimasiano e o estudo do personagem. / This project aims at analysing how the theatrical signs are organized and structured in the process which leads to the creation of meaning in the outdoors presentation of the play O vendedor de palavras (The Seller of Words) by the Mototóti Group at Redenção Park in Porto Alegre, Rio Grande do Sul, Brazil. It is also its aim to observe the function of the theatrical code as a catalyst concept of the several elements that materially and concretely create a scenic work, theoretically based on studies by Anne Übersfeld, Patrice Pavis, and Erika Fischer-Lichte, as well as other authors who work in the field of the theatrical semiotics. The methodology used in the present research for the debate about the theatricality includes the analysis of the diverse signs, reflections from A. J. Greimas's actancial model and the study of character.

Identificação e reconstituição das preceptivas da prática cênica no século XVI italiano a partir da análise exegética do \"Tratado sobre as cenas\", pertencente à obra Da arquitetura e Perspectiva do arquiteto e preceptor bolonhês Sebastiano Serlio. O esquadrinhamento dos três gêneros de cenas antigos - tragédia, comédia e sátira -, normatizados por Serlio a partir do escrito vitruviano sobre arquitetura, tem em vista modificações e adequações consoantes à proposição da \"cena moderna\", cuja matéria baseia-se na pintura e na arquitetura, das quais se distingue ao compor assunto próprio às artes cênicas. A cena, perspectiva e tridimensional, ornada com relevos e materiais diversos, é caracterizada por volumes com os quais as personagens interagem, tornando-se espaço próprio à ação cênica, conveniente com o gênero e aparatos. Estendendo-se além da preceituação e confecção dos aparatos cênicos, amplia o ingenium arquitetônico, pela prescrição de ações corporais distintas na figura de personagens em movimento, qualificando matéria da representação cênica, mesmo que ainda não reconhecida como arte autônoma. / Identification and reconstitution of the precepts of stagecraft in the Italian sixteenth century, from the exegetical analysis of the \"Treaty on the scene\", belonging to the work Of architecture and perspective, of the bolognese architect and preceptor, Sebastiano Serlio. The scrutinizing of the three ancient genres of scenes - tragedy, comedy and satire - normalized by Serlio from Vitruvius writing about architecture, aim modifications and adaptations according to the proposition of the \'modern scene\', whose subject matter has its foundations in painting and architecture, from which it distinguishes itself by being proper subject to the performing arts. The scene, three-dimensional and perspective, adorned with reliefs and various materials, is characterized by volumes with which the characters interact, becoming appropriate space to stage action, convenient to the genre and apparatuses. Extending beyond the preception and confection of scenic devices, amplifies the architectural ingenium, by prescribing distinct corporal actions in the figure of characters in motion, qualifying it as matter of scenic representation, even if not yet recognized as autonomous art.

O presente trabalho procurou conciliar a reflexão teórica sobre o fenômeno da \"apropriação\" de textos literários para o palco, tomando como ponto de partida a leitura cênica dos seguintes textos da literatura brasileira: Um Sopro de Vida (1978) de Clarice Lispector e A Fúria do Corpo (1980) de João Gilberto Noll, ambos conduzidos à ribalta pelas encenadoras Nadja Turenko e Celina Sodré, respectivamente. Dentro da proposição teórico-prática, buscamos aprofundar, suplementar e, quando possível, substituir o conceito de \"adaptação\", terminologia que consideramos inadequada aos fenômenos teatrais aqui abordados. Fez parte do nosso propósito, desde o início da pesquisa, realizar a análise crítico-descritiva dos índices de teatralidade contida nos universo literário dos autores, bem como refletir acerca do posicionamento das leitoras-encenadoras frente às suas opções, escolhas e recortes diante dos extratos literários. Procuramos ainda, contribuir, a partir dos estudos sobre essas experiências para um melhor e mais abrangente conceito de \"dramaturgia\", assim como refletir sobre os limites e as fronteiras entre a linguagem literária e a linguagem cênica sem separá-las de antemão, mas percebendo-as em seus territórios verbal e visual, fusão altamente presente nos processos que partem dessa via, premissa e procedimento. / The present work seeks to conciliate the theoric thought about the \"appropriation\" phenomenon of literary texts to the stage, starting with the scene reading of the following Brazilian literature texts: Um Sopro de Vida (1978) by Clarice Lispector and A Fúria do Corpo (1980), by João Gilberto Noll , both conducted to the performance by the play directors Nadja Turenko and Celina Sodré, respectivelly. In the practical-theoric proposition, we search to deepen, to suplement and whenever possible, to substitute the concept of \"adaptation\", term that we consider unsuitable to the theatre phenomena aproached here. It is part of our goal, since the begining of the research, to make a critical descriptive analysis of the theatrecality indicators contained in the authors\' literary universe, as well as to ponder about the posture of the directors as readers in relation to their options and related to the literary extract. We also aim to contribute, from the studies about these experiences, to a better and broader concept of \"dramaturgy\", as well as to ponder on the limits and boundaries between the literary language and the scenical language without separating them at first place, but perceiving them in their verbal and visual territories, fusion highly present in the process that arises from this path, premise and procedure.

O presente trabalho procurou conciliar a reflexão teórica sobre o fenômeno da \"apropriação\" de textos literários para o palco, tomando como ponto de partida a leitura cênica dos seguintes textos da literatura brasileira: Um Sopro de Vida (1978) de Clarice Lispector e A Fúria do Corpo (1980) de João Gilberto Noll, ambos conduzidos à ribalta pelas encenadoras Nadja Turenko e Celina Sodré, respectivamente. Dentro da proposição teórico-prática, buscamos aprofundar, suplementar e, quando possível, substituir o conceito de \"adaptação\", terminologia que consideramos inadequada aos fenômenos teatrais aqui abordados. Fez parte do nosso propósito, desde o início da pesquisa, realizar a análise crítico-descritiva dos índices de teatralidade contida nos universo literário dos autores, bem como refletir acerca do posicionamento das leitoras-encenadoras frente às suas opções, escolhas e recortes diante dos extratos literários. Procuramos ainda, contribuir, a partir dos estudos sobre essas experiências para um melhor e mais abrangente conceito de \"dramaturgia\", assim como refletir sobre os limites e as fronteiras entre a linguagem literária e a linguagem cênica sem separá-las de antemão, mas percebendo-as em seus territórios verbal e visual, fusão altamente presente nos processos que partem dessa via, premissa e procedimento. / The present work seeks to conciliate the theoric thought about the \"appropriation\" phenomenon of literary texts to the stage, starting with the scene reading of the following Brazilian literature texts: Um Sopro de Vida (1978) by Clarice Lispector and A Fúria do Corpo (1980), by João Gilberto Noll , both conducted to the performance by the play directors Nadja Turenko and Celina Sodré, respectivelly. In the practical-theoric proposition, we search to deepen, to suplement and whenever possible, to substitute the concept of \"adaptation\", term that we consider unsuitable to the theatre phenomena aproached here. It is part of our goal, since the begining of the research, to make a critical descriptive analysis of the theatrecality indicators contained in the authors\' literary universe, as well as to ponder about the posture of the directors as readers in relation to their options and related to the literary extract. We also aim to contribute, from the studies about these experiences, to a better and broader concept of \"dramaturgy\", as well as to ponder on the limits and boundaries between the literary language and the scenical language without separating them at first place, but perceiving them in their verbal and visual territories, fusion highly present in the process that arises from this path, premise and procedure.

O presente estudo, cuja inspiração procedimental advém do legado de Michel Foucault, dedicase à análise das relações históricas entre práticas teatrais e determinada lógica de governança de tipo pedagógico do tecido social no Brasil. Constatando que tal correlação de forças encontraria seu alvo principal na figura do espectador, investigam-se os processos históricos que culminaram na emergência de determinado espectador crítico, autônomo e cidadão no interior das práticas teatrais brasileiras. Com vistas a perspectivar o problema do espectador ao longo da história da prática teatral no país, a pesquisa realiza um recuo temporal e organiza um corpo documental composto por periódicos (jornais e revistas) publicados entre 1812 e 1960. Sobrevém desses textos do passado a prática da pateada, desaparecida nos dias de hoje, a qual consistia em um ruidoso bater dos pés a ser disparado a qualquer momento da representação por parte dos espectadores insatisfeitos em relação ao que viam e ouviam. A pateada é aqui analisada sob duas perspectivas: a primeira investiga os sentidos dessa prática e a compreende como um gesto de ajuizamento singular formalizado por determinada época; a segunda percorre uma série de problematizações históricas que passaram a contestar a existência dessa prática e trabalharam em prol de sua extinção. Em meio ao processo do desaparecimento da pateada, pode-se ainda observar duas forças institucionais firmemente engajadas nesse movimento: a polícia e a crítica teatral. Essa segunda força, por sua vez, teve sua emergência vinculada a toda uma nova racionalidade jurídica que passaria a ganhar força no país com a inauguração das faculdades de Direito, e se desenvolveu com a consolidação da imprensa escrita da época. Ainda, recorrendo à análise da existência e extinção de uma prática como a pateada, objetivase apresentar um momento histórico em que tanto o comportamento quanto a subjetividade do espectador começariam a ser regulados em direções diversas e um novo tipo de endereçamento público-cena emergiria. Tratar-se-ia, portanto, de uma disputa a respeito das maneiras por meio das quais as manifestações dos espectadores em relação às peças e aos artistas poderiam ser exercidas. Assim, fazendo eco ao procedimental de pesquisa foucaultiano, trata-se de descrever e analisar a emergência de uma nova ordem de governo das condutas e subjetividades dos espectadores que diz respeito, em certa medida, às suas configurações contemporâneas. Perspectiva-se, enfim, que três seriam os eixos que formalizariam a entrada em cena de um novo espectador que nos seria muito mais familiar do que o público pateador oitocentista: o governo; o par formado pelas práticas teatrais e educacionais; e a regulação da própria experiência de ajuizamento em relação às práticas artísticas. / The present study, whose procedural inspiration comes from Michel Foucaults legacy, aims to analyze the historical relations between theatrical practices and a certain logics of governance, of pedagogical nature, in the Brazilian social fabric. Given that such relation of forces is principally focused on the spectator, the historical processes which led to the appearance of a certain critical, autonomous, and citizen spectator in Brazilian theatrical practices are studied. For an outlook on the issue of the spectator throughout the history of the countrys theatrical practice, the research steps back in time and organizes a documental body made up of periodicals (newspapers and magazines) published between 1812 and 1960. Out of these texts, there appears the practice of the pateada, gone nowadays, which was a loud hitting of the feet triggered at any moment during the representation by spectators dissatisfied with what they saw or heard. Pateada is herein analyzed under two perspectives: the first one investigates the meanings of this practice and understands it as a singular ruling gesture, set by a determined epoch; the second one follows a series of historical issues which started to object the existence of this practice and strived to have it ended. In the process to end with the pateada, one can observe two institutional forces engaged in the movement: the police and theater criticism. The second force, for its part, had its appearance associated with a whole new juridical rationality, which would grow strong in the country with the opening of Law Schools, and which developed during the consolidation of the written press of the time. Moreover, by analyzing the existence and disappearance of a practice such as the pateada, it is intended to dwell on a historical moment when the spectators behavior and subjectivity started to be regulated in several directions and a new king of audience-scene approach emerged. Therefore, this is about a struggle about the ways in which the audiences manifestations towards the plays and artists could be actualized. Thus, by echoing Foucaults research, it is aimed to describe and analyze the appearance of a new type of rule for the behavior and subjectivity of spectators as to what concerns, to a certain extent, their contemporary configurations. Finally, a perspective is given for the three axes which would formalize the coming into being of a new spectator, much more familiar to us than the 1800s audience of the Pateada: the government; the pair formed by theatrical and educational practices; and the regulation of the very experience of ruling artistic practices.

O objetivo desta dissertação é examinar as articulações entre o teatro e as mídias digitais no âmbito dos espetáculos Isadora.Orb- A Metáfora Final (2005), do brasileiro nascido nos Estados Unidos Ricky Seabra, e A Un Certo Punto Della Vita Dovresti Impegnarti Seriamente I Smetteredi Fare Il Ridicolo (2007), do argentino radicado na Espanha Rodrigo García. Considerando o espetáculo teatral como um espaço intermedial por excelência, a análise das obras permitiu a identificação dos procedimentos de composição da cena onde se destacam os princípios operatórios aqui denominados como montagem revelada e acontecimento teatral como experimento. / This thesis aims at examining the manner in which the theatre articulates with the digital media in two plays, Isadora.Orb - A Metáfora Final (2005) - by the Brazilian director Ricky Seabra, born in the United States - and A Un Certo Punto Della Vita Dovresti Impegnarti Seriamente e Smettere di Fare Il Ridicolo (2007) - by the Argentinian director Rodrigo García, who has established himself in Spain. By considering that the theatrical spectacle is the intermedial space par excellence, the analysis of these works allows the identification of the procedures employed for the composition of the scene. Among the most important of these, two procedural principles stand out, which are designated here as the revealed montage and the theatre event as an experiment.

Submitted by Ana Luisa Lima (analuisalima@ymail.com) on 2014-10-31T14:16:00Z No. of bitstreams: 1 LIMA_2014_Versu00E3oFinal_ (10).pdf: 2242564 bytes, checksum: 6b2822af7368332f79efc32a285a3638 (MD5) / Approved for entry into archive by Rafael Aguiar (rafael.aguiar@fgv.br) on 2014-11-18T17:10:06Z (GMT) No. of bitstreams: 1 LIMA_2014_Versu00E3oFinal_ (10).pdf: 2242564 bytes, checksum: 6b2822af7368332f79efc32a285a3638 (MD5) / Approved for entry into archive by Marcia Bacha (marcia.bacha@fgv.br) on 2014-11-19T18:17:53Z (GMT) No. of bitstreams: 1 LIMA_2014_Versu00E3oFinal_ (10).pdf: 2242564 bytes, checksum: 6b2822af7368332f79efc32a285a3638 (MD5) / Made available in DSpace on 2014-11-19T18:18:18Z (GMT). No. of bitstreams: 1 LIMA_2014_Versu00E3oFinal_ (10).pdf: 2242564 bytes, checksum: 6b2822af7368332f79efc32a285a3638 (MD5) Previous issue date: 2014-09-03 / This study aims to analyze the different management models of Rio’s theatre since 1950. There were many transformations suffered by the city’s theatrical sector, especially with the redefinition of the state’s role to a culture promoter. From the history of Brazilian theatre, the historical context and cultural policies implemented, the intention is to provide an overview of Rio’s theatrical production of the time and identify essential points at which theatrical segment is found. This paper proposes a reflection about the current practices from these changes in theatrical production processes of Rio de Janeiro city. / Esse trabalho visa analisar os diferentes modelos de gestão do teatro carioca a partir de 1950. Foram muitas as transformações sofridas no setor teatral da cidade, sobretudo com a redefinição do papel do Estado como promotor de cultura. A partir da história do teatro brasileiro, do contexto histórico e das políticas culturais implantadas, pretende-se traçar uma panorâmica da produção teatral carioca no período e identificar os pontos nevrálgicos em que o segmento teatral se encontra. O trabalho propõe uma reflexão sobre essas práticas atuais, a partir dessas mudanças ocorridas nos processos de produção teatral da cidade do Rio de Janeiro.