L'euphorie du marché de l'art sous l'Occupation est aussi le reflet d'un afflux de marchandises issues des spoliations artistiques des personnes de confessions juives ou de tout opposant du IIIe Reich. Le nœud d'exploration de la présente thèse se place volontairement sur cette question. Elle propose une analyse des paradigmes d'un marché de l'art en période de guerre sous contrôle d'État collaborationniste. / The euphoria of the art market under the Nazi Occupation is also a reflection of an influx of goods resulting from the artistic spoliations of the Jewish community along with any opponent of the Third Reich. The main concern of this thesis deliberately places itself on this question. It proposes an analysis of the paradigms of an art market during a war period under the control of a collaborationist State.

Considéré comme une étude préparatoire subordonnée à l’œuvre finale, le dessin a longtemps été un objet de collection réservé aux artistes et à quelques connaisseurs. À partir de la seconde moitié du XVIIIe siècle, ce regard porté sur le dessin évolue indéniablement. En prenant appui sur diverses sources (inventaires après décès, catalogues de ventes, presse périodique, correspondances, livrets et critiques d’expositions…), cette étude tente de déterminer quels facteurs contribuent à l’émergence de ce goût et de quelles manières il se manifeste au sein de divers Salons, sur le marché de l’art ainsi que dans les cabinets privés. La croissance du nombre de collectionneurs de dessins à partir de la seconde moitié du XVIIIe siècle constitue l’une des principales manifestations de la diffusion de ce goût. Nous avons ainsi cherché à déterminer qui sont ces « nouveaux » collectionneurs, quelle place est accordée au dessin au sein de leurs cabinets et quelles sont les grandes tendances de leurs goûts. Ces nombreuses collections qui apparaissent au cours du XVIIIe siècle réunissent plusieurs dizaines, centaines, voire milliers de feuilles. Nous avons ainsi étudié les méthodes de classement, de conservation et de présentation des dessins. Aborder cette question des pratiques quotidiennes implique de s’intéresser aussi aux nouvelles formes de sociabilité qui se développent autour de ce dernier. À l’instar du cabinet de tableaux, la collection de dessins devient au cours du XVIIIe siècle un espace de rencontre, d’échange et de formation. De plus, le XVIIIe est aussi marqué par l’essor du dessin en amateur, comme en témoignent les nombreuses feuilles conservées aujourd’hui dans les plus grands musées. / Considered as a preliminary work to painting, the drawing has for a long time been considered as a collection’s item only reserved to artists and a few connoisseurs. However, from the second half of the 18th century, this look at the drawing undeniably changed. On the basis of various sources (inventories after death, sales catalogs, correspondences, press, booklets and critics of exhibitions …), this study mainly aims at understanding which factors contributed to the emergence of this taste, and how this became perceptible in Salons, in the art market and in private collections. The growing number of drawing collectors in the second half of the 18th century, is one of the most significant expression of this emergence of a taste for drawings. We tried to determine who were these “new” collectors, which place was given to drawing in their cabinets and what were the main trends of the collectors’ tastes. These numerous collections which appeared during the second half of the 18th century included several tens, hundreds or even thousands of sheets. We thus studied the methods of classification, presentation and conservation of drawings. However, studying this issue of collectors’ daily practices involved to additionally study the new forms of sociability which developed around the drawings. Like the cabinet of paintings, the collection of drawings became a place of meeting, exchanging and educating ones’ self. Moreover, the 18th century was particularly marked by the rise of the amateur drawing, as evidenced by the large number of sheets which are conserved in the greatest museums.

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The dissertation explores how quality-judgments on works of art are created within the contemporary art world. The research starts with the examination of modernist art theories supported by the museum, and continues with the exploration of the impact of the art market on quality-judgments. Although the art market had already distorted the idea of quality, further contradictions and difficulties have risen within judgment-making after the 1960s due to the dematerialisation of the work of art. Art criticism should have been able to deal with this complexity, but it is demonstrated that art criticism is a subjective field and even if there is a universal theory on quality, it often fails when applied to the particular work of art. Throughout the dissertation it is demonstrated that although ‘good art’ is a subjective, power- and discourse-dependent concept, all art professionals seek something that is an inherent quality of the artwork. However, regardless of the existence of such inherent value, judgments on quality are constructed by and subjected to power-struggle. / Art History, Visual Arts & Musicology / M.A. (Art History)

Thesis (MA)--Stellenbosch University, 2012. / ENGLISH ABSTRACT: The value of art is a critical concept in theoretical discourse. As a result, the high prices of artworks on auctions pose questions about the various processes of value construction and the status of art in these processes. This thesis adopts a sociological approach to the construction of value of art on South African auctions. This approach is situated within a socio-historical perspective, which introduces the various social structures and conditions of cultural production. The main premise of this approach is that a multiplicity of social and cultural influences permeates the art market, its processes and structures, and therefore the determination of value. This research therefore indicates that the value of art on auction is socially constructed. As such, the value of an artwork does not reside in itself, but is produced (and constantly reproduced) through processes that are subject to the codes and conventions of the art world. Within the context of the art market, artworks function as commodities for economic exchange. Since economic exchange is socially and culturally situated, the distinctive ways in which art auctions in South Africa (as a market intermediary) encompass certain social and cultural processes, is also explored. To asses the various factors that influence the value and exchange of artworks on auction, the study introduces the Components of Value Model. The Aesthetic and Historical Factors; the Supporting Documentation and Material Attributes of an artwork, as well as the Financial and Economic Factors collectively indicate that values are, first and foremost, social categories. The value of art on auction is therefore a socially constructed value. / AFRIKAANSE OPSOMMING: Die waarde van kuns is ‘n kritiese konesep in teoretiese gesprekvoering. Na aanleiding van die hoë pryse wat kunswerke op Suid-Afrikaanse veilings behaal, word verskeie vrae gevolglik gestel rondom die verskillende prosesse van waarde samestelling en die status van kuns in hierdie prosesse. Hierdie verhandeling neem ‘n sosiologiese benadering aan tot die samestelling van die waarde van kuns op veilings. Dié benadering is gesetel binne ‘n sosio-historiese perspektief wat verskeie sosiale strukture en voorwaardes van kulturele-produksie inlei. Die hoof premis van hierdie benadering is dat ‘n aantal sosiale en kulturele invloede die kunsmark se prosesse en trukture deurweek, en gevolglik ook die bepaling van waarde. Hierdie navorsing kom dus tot die gevolgtrekking dat die waarde van kuns op veilings sosiaal geskep word. Gevolglik is die waarde van kuns nie intrinsiek nie, maar word geproduseer (en aanhoudend geherproduseer) deur prosesse wat onderhewig is aan die kodes en konvensies van die kunswêreld. Binne die konteks van die kunsmark, funksioneer kunswerke bloot as kommoditeite vir ekonomiese verhandeling. Omdat ekonomiese vehandeling sosiaal en kultureel gesetel is, word die eiesoortige wyse van hoe kunsveilings (as ‘n marktussenganger) sekere sosiale en kulturele prosesse omvat, ook ondersoek. Om die veskeie faktore wat die waarde van kunswerke op veilings beïnvloed te ondersoek, word die ‘Komponente van Waarde Model’ ingebring. Gevolglik dui die Esteties- en Historiese Faktore; Ondersteunende Dokumentasie en Materiële Eienskappe van kunswerke asook die Finansiële en Ekonomiese Faktore gesamantlik aan dat waardes hoofsaaklik sosiale kategorieë is. Die waarde van kuns op veiling is gevolglik sosiaal gekonstrueer.

Mémoire numérisé par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal. / Pour respecter les droits d'auteur, la version électronique de cette thèse ou ce mémoire a été dépouillée, le cas échéant, de ses documents visuels et audio-visuels. La version intégrale de la thèse ou du mémoire a été déposée au Service de la gestion des documents et des archives de l'Université de Montréal.

Cette recherche interroge le champ des objets ethnographiques au prisme de leur circulation entre deux médiateurs situés entre leur production et leur réception : les musées d’ethnographie et les marchés de l’art. Aucune recherche scientifique ne s’est jusqu’à maintenant penchée en profondeur sur les relations entretenues entre ces deux intermédiaires dans le champ de l’art africain et océanien, si ce n’est pour décrire ou critiquer le cas précis de la fondation du Musée du quai Branly-Jacques Chirac.Mobilisant l’anthropologie et la muséologie, ma recherche est basée sur un travail de terrain intensif auprès des galeries, des maisons de ventes aux enchères et des musées en Suisse, en France et en Belgique entre 20013 et 2017. L’analyse, fondamentalement compréhensive, montre les enjeux territoriaux à l’œuvre et souligne l’impact d’une montée de l’événementiel tant du côté des musées que des marchés. Ma recherche dresse un portrait du marché, de son fonctionnement et de ses hiérarchies à l’heure actuelle et propose une typologie des différentes relations et acteurs afin de comprendre le processus de fixation de la valeur des objets. Sur un marché où domine la spéculation et une grande part d’arbitraire, je montre que cette valeur est intimement liée à la maîtrise de l’information. Finalement, l’analyse met en évidence les « prêts-à-penser » et processus développés par l’entier des acteurs du champ pour rationaliser une partie de ces pratiques spéculatives. J’espère souligner dans cette recherche les formes nouvelles de production, d’appropriation, de consommation et de valorisation de l’altérité par notre société aujourd’hui. / This PhD thesis presents the valuation of ethnographic object through the prism of their circulation between two stakeholders : art markets and ethnographic museums. No scientific research has so far looked in depth at the relation between this two actors in the tribal art’s field, except to describe or criticise the specific case of the Musée du quai Branly-Jacques Chirac’s foundation.My research mobilising anthropology and museology is based on intensive fieldwork with galleries, auction houses and museums in Switzerland, France and Belgium between 2013 and 2017. The comprehensive analysis shows the territorial issues between this different stakeholders and highlights the increase in events both in museums and markets. My research also draws a portrait of the market, its functionning and its hierarchies and proposes a typology of the different relations and actors. The main objective was to understand the process of fixing an object’s value. In a market dominated by speculation and a lot of arbitrariness, I highlight that this value is intrinsically linked to the control of information. Finally, the analysis shows the « how-to-think » and processes developped by all the actors in the field to rationalise some of these speculative practices. I hope I have emphasised in this work the new forms of production, appropriation, consumption and the valorisation of otherness by our society today.

L’école romaine et l’école napolitaine de nature morte comptent au XVIIe siècle parmi les plus importantes dans la peinture européenne. Pendant tout le Seicento, elles sont restées étroitement liées, en multipliant les tableaux de fleurs, fruits, légumes, poissons, gibiers, sous-bois.... La thèse étudie l’évolution de ce genre à Rome et à Naples et les resitue dans le vaste tissu des échanges culturels et stylistiques entre ces deux capitales. Elle analyse la place de la nature morte dans le marché de l’art (circulation, marchands, prix, estimations) et dans les collections. Le goût de mécènes variés pour ces tableaux est étudié. Des comparaisons formelles entre les œuvres de différents peintres, comme Mario dei Fiori et Paolo Porpora, Michelangelo Cerquozzi et Giovanni Battista Ruoppolo ou Giovanni Battista Recco et Gian Domenico Valentino sont effectuées. On explique également le rôle d’Abraham Brueghel, Andrea Bonanni, Alessandro dei Pesci, et Andrea Belvedere. / The Roman and the Neapolitan school of still-life painting are in 17th Century among the most important in Europe. During the whole Seicento, these two schools are closely tied and produced a large amount of paintings of flowers, fruits, vegetables, fishes, game, woodland Scenes (sottoboschi)… This PhD analyses the evolution of still-life painting in Rome and in Naples and places it in the numerous stylistic and cultural exchanges between these two capitals. The place of still-life painting in the art market (circulation of works, merchants, prices, appraisals) and in the collections is studied. The Patrons’ taste for these pictures is examined. We carry out stylistics comparisons between works by Mario dei Fiori and Paolo Porpora, Michelangelo Cerquozzi and Giovanni Battista Ruoppolo or Giovanni Battista Recco and Gian Domenico Valentino. We also investigate the role of Abraham Brueghel, Andrea Bonanni, Alessandro dei Pesci and Andrea Belvedere.

Cette thèse explore les ventes aux enchères publiques parisiennes, en analysant le lancement de nouveaux marchés artistiques entre les années 1830 et 1939. Pour cela, une base de données de 2 126 catalogues a été constituée, soit 286 076 œuvres intégralement retranscrites, puis ce corpus a été associé aux procès-verbaux des ventes correspondantes, conservés aux archives de Paris. Ces documents fournissent des informations sur les prix d’adjudication des objets, les vendeurs et les adjudicataires, et permettent ainsi de retracer précisément la provenance des œuvres, tout en menant une analyse quantitative du marché et des collections. Les procès-verbaux ont été complétés par les archives des commissaires-priseurs parisiens, en particulier leurs quitus ou relevés de comptes individuels.L’ensemble de ces sources a été pris en compte pour identifier ces « nouveaux » marchés artistiques et les acteurs qui firent le pari des enchères, en s’interrogeant sur les dispositifs de mise en valeur qui permirent d’assurer – ou non – le succès de leur lancement dans l’arène des ventes publiques. Cette interrogation touche l’histoire de l’art de façon très intime puisqu’elle analyse, de façon diachronique, le regard que les prescripteurs et les collectionneurs portèrent sur certains objets, les érigeant ou non au rang d’« œuvres » d’art. De façon corollaire, il s’agira d’étudier les raisons du succès ou de l’échec de tel ou tel type d’objets, ou de certains artistes plutôt que d’autres. Pour répondre à ces questions, une méthodologie pluridisciplinaire a été développée en histoire de l’art, utilisant les outils de visualisation propres aux humanités numériques et empruntant des techniques et des concepts à l’économie et à la sociologie. / This research investigates the Parisian auction sales from the 1830 until the interwar period, with a particular focus on the launching of new artistic markets. To do so, 2,126 auction catalogues were collected and transcribed, then matched with the minutes of the sales, curated at the archives de Paris. This data gathering led to global yet accurate set of 286 076 artworks – paintings, drawings, sculptures, antiques, Asian, Oriental, pre-Columbian and “primitive” artefacts – mentioning the description of the works, their hammer prices and the identity of both sellers and purchasers. In addition of this corpus, the auctioneers’ archives were analyzed, with a particular focus on their individual quitus or account statements. Reconsidering the history of taste, these sources allow to identify the new artefacts which were sold at auction, the players who bet on these novelties, their incentives, and the market mechanisms they used in order to promote them – with success or not. A transdisciplinary methodology, based on art history, economics, sociology and digital humanities, enables to answer these issues.

A Tese na [da] Caixa Preta aborda o princípio de uma entidade exemplificadora de si mesma no dispositivo de arquivamento de uma escritura. Uma coleção de obras de arte contemporâneas brasileiras foi formada com o objetivo de lastrear a mediação e ação culturais tendo como base a realização de exposições e experiências envolvendo o sistema das artes entre seus aspectos formais e informais. Objetivos: Exemplificar a literalidade do papel dos sistemas artísticos formais e informais para obtenção de uma consistência entre a origem simbólica da linguagem e as variações surgidas na repetição [diferência termo de Derrida] conforme a lei do acontecimento [também de acordo com Jacques Derrida] e do poder retrospectivo de um dispositivo arquivante de uma escritura Métodos: Exercício de papéis diferentes e experimentais nesse sistema das artes: entre o pesquisador, colecionador, curador, artista, espectador, leitor e por último, o escritor [aquele que redige a própria experiência como o dispositivo que irá arquivar todos os resultados obtidos durante o processo]. Resultados: A coleção formada foi transformada em lastro conceitual para várias instalações e exposições artísticas. Os resultados da mediação e ação cultural entre os circuitos formal e informal do sistema das artes foram documentados, além da escritura de uma tese, em um DVD com o mesmo título: A Tese na [da] Caixa Preta que mostra [como matéria de prova], em três vídeos, as imagens das experiências citadas. / The thesis in [of] the black box is based on the principle of an entity that exemplifies itself in an archive scriptural system. Several Brazilian Contemporary Art pieces were acquired to form a collection which was used for cultural action and mediation purposes such as exhibitions and experiences involving the Brazilian art system in its formal and informal aspects. Objectives: To exemplify the literality role within the formal and informal art systems in order to have a consistency between the symbolic origin of language and the variations that appear in repetition [differance term used by Derrida] according the event law [in Jacques Derridas philosophy perspective] and the retrospective power of archival device of scripture. Results: The formal art collection was transformed into conceptual ballast for several artistic installations and exhibitions. The results of the cultural actions and mediation within the formal and informal circuits of the Brazilian art system were documented, beyond the thesis writing process [thesis scripture], in a DVD with the same title: The thesis in [of] the black box that shows [as a matter of proof], in three videos, the images of the above mentioned experiences.