[pt] A tese quer demonstrar os fundamentos teológicos que determinaram a obra romanesca de F. Dostoiévski. Partindo dos rastros da longa tradição de comentadores religiosos de sua produção literária, como V. Ivanov, N. Berdiaev, P. Evdokimov, o trabalho identifica na obra de Dostoiévski uma teologia que encontrou na tragédia, e não na filosofia clássica de tradição socrática e platônica, os seus fundamentos e afinidades eletivas. Possuindo uma configuração anárquica desprovida de fundamentos metafísicos, a teologia dostoievskiana tornou-se o sintoma mais significativo do pensamento trágico moderno, manifestando-se como uma crítica religiosa de todos os sistemas romântico-racionalistas que se instauraram a partir da Aufhebung hegeliana, que se compôs como o elemento constitutivo da reconciliação materialista moderna. Como reflexão trágica, o cristianismo de Dostoiévski abriu, fora dos quadros da metafísica, o problema teológico na modernidade, antecipando a aporia trágica e a radical insuficiência teológica do materialismo moderno. / [en] The thesis aims to demonstrate the theological foundations that determined the romanesque work of F. Dostoevsky. Based on the traces of the long tradition of religious commentators of his work, as V. Ivanov, N. Berdyaev, P. Evdokmov, the paper identifies in Dostoevsky’s work a theology that found in tragedy, and not in the classical philosophy of tradition from Plato and Socratic, its foundations and elective affinities. Possessing an anarchic configuration devoid of metaphysical foundations, theology of Dostoevsky became the most significant symptom of the modern tragic thought, manifesting itself as a religious criticism of all romantic-rationalist systems that have established from the Hegelian Aufhebung, which is composed as the constitutive element of modern materialistic reconciliation. As tragic reflection, Dostoevsky s Christianity opened the theological problem in modernity, outside the frames of metaphysics, anticipating the tragic stalemate and radical theological insufficiency of modern materialism.

[pt] Apresentação da influência grega no pensamento de Nietzsche, que o leva a afirmar o mundo como estético e sua crítica à metafísica ocidental. A única possibilidade de conhecimento, para o autor, se dá através da arte, pois esta mostra o mundo em um processo constante de construção e destruição, através do fluxo e da rede de forças. O super-homem, grande novidade do pensamento nietzschiano, se mostra vinculado intrinsecamente ao surgimento do gênio, que é o grande criador de novos valores, capazes de libertar o homem da influência moral do pensamento metafísico. / [en] Presentation of the Greek’s influence on Nietzsche´s thought, that leads him to affirm the world as aesthetic and his critic to the occidental metaphysics. The only possibility to knowledge, for the author, takes place through art, which shows the world in a constant construction and destruction process through the flow and the network of forces. The superman, the greatest newness on Nietzsche´s thought, shows itself intrinsically entailed to the genius appearance, being the great creator of new values that will release mankind from the moral influence of metaphysics thought.

O presente trabalho tem como objeto de estudo a tragédia Electra de Eurípides no que concerne à atualização que o poeta faz do episódio em sua versão dramática do mito de Orestes. Para tal, divide-se em duas partes, sendo que a primeira compreende o estudo propriamente dito e a segunda traz uma tradução integral do poema dramático seguindo os moldes de uma tradução acadêmica para fins de estudo. O estudo apresenta três capítulos que abordam a questão da atualização sob diferentes perspectivas. O primeiro trata da história do mito desde Homero até sua chegada à poesia dramática e apresenta um estudo comparativo das três versões trágicas que têm o mito por matéria, a saber, a Oresteia de Ésquilo e as Electras de Sófocles e Eurípides. A partir do segundo capítulo, o foco é dado à Electra euripidiana. Parte-se, então, de uma análise pontual de algumas das personagens e do coro com vistas a um estudo dirigido às inovações do enredo. A encenação da tragédia é, por fim, matéria de estudo do terceiro capítulo, ainda sob o ponto de vista da atualização. De uma forma geral, o estudo tem por objetivo uma reflexão sobre os modelos visados por Eurípides, sobre as adaptações que esses sofreram e, finalmente, sobre a recusa de alguns paradigmas. / This thesis focuses on the tragedy Electra by Euripides taking a more specific look at the way the poet updates this episode in his dramatic version of the myth of Orestes. The thesis is divided in two parts. The first contains the study itself and the second offers an integral translation of the dramatic poem according to the standards of academic translations intended for study. The study encompasses three chapters that address the issue of updating from different perspectives. The first concerns the story of the myth from Homer to its appearance in dramatic poetry and presents a comparative study of the three tragic versions of the myth, namely Aeschylus Oresteia and the Electras of Sophocles and Euripides. From the second chapter on, the focus is on Euripides Electra. This chapter resorts to a detailed analysis of some of the characters and the chorus in order to study the innovations in the plot. Finally, the third chapter discusses the staging of the tragedy, once again from the point of view of the updating. Overall, the study intends to reflect on the models used by Euripides, as well as the adaptations that these models have gone through and, finally, the refusal of some paradigms.

Qualquer um que leia tragédias gregas encontra momentos de elevação especial, de grandeza ou transcendência nos quais o texto parece transportar o leitor/espectador para fora de si mesmo, a uma esfera de emoção e significação extremas. Geralmente, como resultado de uma série de fatores, inclusive cênicos, esses momentos da ação dramática criam um efeito de assombro, surpresa e medo. Os personagens no palco e a platéia compartilham uma sensação do que pode ser chamado de sublimidade. São momentos em que sofrimento, prazer, inspiração ou insight parecem associados para criar um efeito através do qual o espectador é tomado pela emoção ou pelo entendimento, pelo envolvimento ou pelo distanciamento ou, melhor, por uma combinação desses estados. O efeito parece evidente em cenas do drama trágico, em particular das tragédias gregas e dos dramas trágicos shakespeareanos. Na tragédia grega, podem-se considerar sublimes a cena do tapete no Agamêmnon, de Ésquilo, a fala do disfarce do Ájax, de Sófocles, ou o grande discurso do segundo mensageiro, nas Bacantes, de Eurípides. A intenção deste trabalho é examinar algumas cenas passagens especialmente relevantes da tragédia grega e tentar traçar elementos estruturais que possam concorrer para a criação dessa sensação de elevação. É evidente que refiro-me ao sublime em termos até aqui subjetivos. É objetivo do trabalho fornecer algumas bases objetivas sobre as quais apoiar aquilo que chamo de momentos de elevação, grandeza e emoção extrema. / Anyone who reads Greek tragedy encounters moments of special elevation, greatness or transcendence in which the text seems to transport the reader/spectator out of himself to an sphere of heightened emotion and significance. Generally, as the result of a series of reasons, these moments in the action of the play create an effect of amazement, wonder and awe. During these moments, the characters on stage and the audience share a sensation of what may be called sublimity. It is the sort of moment in which either suffering, pleasure, inspiration or insight seem to associate to create an effect through which the spectator is taken by emotion or by understanding, by involvement or detachment, or better by a combination of these. The effect appears evident to me in scenes of tragic drama, particularly of Greek and Shakespearean tragedies. In Greek tragedy, one may consider as sublime some parts of the carpet scene in Aeschylus Agamemnon, the deception speech of Sophocles Ajax, or the second messenger speech in Euripides Bacchae. In Shakespeare, the apparition of the fathers ghost to Hamlet is stunning, and unleashes intense emotion and insight. The intention of this work is to examine some especially relevant passages of Greek tragedy and to try to trace structural elements that may concur to the creation of this sensation of elevation. It is evident that I refer to the sublime in subjective terms and, therefore, it is my aim to provide some objective ground upon which to support what I shall be identifying as moments of elevation, greatness and extreme emotion.

Este trabalho investiga o significado do termo tu/xh em Eurípides, sobretudo na tragédia Hipólito. \"Acaso\", \"sorte\", \"fortuna\", traduções usuais para tu/xh, sugerem o significado de \"acontecimento fortuito\". Se assim fosse, de que modo esse \"acaso\" coexistiria na Tragédia com a noção, tão própria ao mundo grego, de \"destino\" (moi=ra, a)na/gkh, dai/mwn)? Na verdade, a análise das ocorrências em Eurípides demonstrou que a tu/xh não é mero \"acaso\". Ao contrário, costuma ter origem divina e ser instrumento da moi=ra. A tu/xh é o destino no momento em que se precipita em acontecimento. A instabilidade da \"sorte\" é categórica na vida e reiterada na Tragédia. Não é possível considerar feliz alguém que esteja vivo, pois a vida é apenas incerteza: rapidamente se pode inverter uma situação favorável. Os reveses da \"sorte\" atingem, em particular, aqueles que, seguros de si, se vangloriam do que são e da condição que possuem. Pertinente é o aforismo de Heráclito (frag. 119.1-120.1): hÅqoj a)nqrw¯pwi daimwn, \"o caráter do homem é seu destino\" ou \"o destino do homem é seu caráter\". Há relação causal entre o caráter de um personagem trágico e aquilo que lhe sobrevém. Tal caráter é investigado através dos termos psíquicos que utiliza Eurípides para seus protagonistas (frh/n e cognatos, kardi/a, yuxh/, qumo/j, etc.). / This work investigates the meaning of the word tu/xh in Euripedes and mainly in the Hyppolytus tragedy. \"Chance\", \"luck\" and \"fortune\" suggest the meaning of \"fortuitous event\" therefore they are usual translations for tu/xh. If it was like this, on which way would this \"chance\" coexist in the Tragedy with the notion of \"fate\" (moi=ra, a)na/gkh, dai/mwn) that is so peculiar to the Greek world? Indeed, the analysis of the occurrences in Euripedes has demonstrated that tu/xh is not merely \"chance\". On the contrary, it is accustomed to have a divine origin and to be the instrument of moi=ra. Tu/xh is fate in the moment that it turns into happening. \"Luck\" instability is categorical in life and reiterated in the Tragedy. It is not possible to consider someone that is alive happy, because life is just uncertainness: a favorable situation may be reversed rapidly. Reverses of \"luck\" affect specifically those that are self-confident and pride of themselves due to what they are and the conditions they have. Heraclitus\' aphorism is pertinent (frag. 119.1-120.1): hÅqoj a)nqrw¯pwi daimwn, \"a man\'s character is his fate\" or \"a man\'s fate is his character\". There is a relation of cause between the character of a tragic personage and what befalls him. Such character is investigated through psychic terms that Euripides uses for his protagonists (frh/n and cognates, kardi/a, yuxh/, qumo/j etc.).

A dissertação de mestrado intitulada A busca da adequação entre formas literárias e momento histórico: um estudo comparativo entre O guarani de José de Alencar e O escravo de José Evaristo de Almeida tem o objetivo de fazer um estudo comparativo dos romances em questão, apontando os elementos do gênero épico presentes em O guarani, e os elementos do gênero trágico presentes em O escravo. Para tanto, reportaremos o leitor ao momento histórico pelo qual passava o Brasil e Cabo Verde, porque a representação da realidade política e social desses países demandava um diálogo com esses gêneros clássicos, os quais, sem dúvida, deram uma maior legitimidade e verossimilhança aos romances. / The dissertation entitled \'A busca da adequação entre formas literárias e momento histórico: um estudo comparativo entre O guarani de José de Alencar e O escravo de José Evaristo de Almeida\' has the purpose of presenting a comparative study of the romances in question, underlying the elements of the epic genre present in O guarani, and the elements of the tragic genre present in O escravo. For this, we will lead the reader to the historical moment of Brazil and Cabo-Verde, because the representation of the political and social reality of these countries demand a dialog with these classical genres, that certainly, gave a greater legitimacy and verosimilitude to the romances.

Tomando como base teórica os Estudos da Recepção de Clássicos, esta pesquisa de mestrado centrou-se durante três anos na tragédia latina Medeia, de Sêneca, incluindo sua tradução em português e uma análise abrangente de aspectos retóricos, para identificar elementos que se tenham provado elos permanentes na cadeia de recepção de peças de teatro da Antiguidade clássica. Esta investigação assumiu como textos mediadores nesse intervalo de vinte séculos tanto o repertório shakespeariano como o Teatro da Crueldade de Antonin Artaud, sendo que ambos foram em alguma medida apropriados por dramaturgos do século XX como Heine Müller, Sarah Kane e Ted Hughes. Todos os três se voltaram para Sêneca antes de escrever suas respectivas peças Medeamaterial, Phaedras Love e Senecas Oedipus, que também foram objeto deste estudo. / Taking into account the concepts of the Reception Studies of Classics, this three-year long Masters Degree investigation centered on Seneca\'s Medea Latin tragedy, including its translation into Portuguese and a thoroughly analysis of rhetorical aspects, in order to identify elements which have proven themselves as permanent links into the Reception chain of Ancient theatre plays. This research took as mediating texts in this 20th century span transmission net William Shakespeare\'s repertory and Antonin Artaud\'s Cruelty Theatre, both of which have in some extent been appropriated by 20th century playwrights such as Heiner Müller, Sarah Kane and Ted Hughes, the three of them having gone back to Seneca before setting up their Medeamaterial, Phaedra\'s Love and Seneca\'s Oedipus plays, respectively, which also make up the corpora of this study.

Este projeto tem como objetivo investigar duas obras teatrais que poderiam ser pensadas como uma expressão do trágico no mundo contemporâneo. Tal investigação parte da tentativa de compreender o que seria essa tragicidade pesquisando o que haveria de intrínseco à tragédia na Grécia a partir de diferentes olhares filosóficos, e de que modo esse trágico poderia ainda existir hoje. Para delinear os parâmetros do que será chamado de trágico se partirá da conceituação do que é a tragédia feita pelos helenistas Vernant e Vidal-Naquet, para posteriormente entender como pensadores modernos olharam de modo particular para esta questão. Então se tomará como base a ideia de trágico definida por Steiner e os estudos filosóficos de Nietzsche e Agamben sobre tragédia e contemporaneidade. Paralelamente se investigará a teoria antropológica de René Girard sobre como a possibilidade da tragédia pode estar associada ao mecanismo da vítima expiatória. Em seguida será feita a análise das obras teatrais escolhidas justamente porque foram elaboradas a partir de uma pesquisa artística sobre o trágico e se terá como objetivo investigar como os seus criadores compreendem essa retomada da tragicidade e de que modo eles dialogam com os pensadores estudados. Os espetáculos contemporâneos escolhidos para análise são: Tragedia Endogonidia, uma série de episódios teatrais realizados pelo grupo Socìetas Rafaello Sanzio (2002-2004), e a peça Mantenha Fora do Alcance de Crianças, escrita em processo colaborativo com o coletivo [PH²] - estado de teatro (2009). / This project has as an objective investigates two theater works that might be thought like an expression of tragic in the contemporary world. That investigation begins with the tentative of understand what could be that tragic researching what have intrinsic in tragedy from Greece starting with different philosophical views, and how that tragic could still exist today. For outline the parameters that we will call tragic, we begins with the conceptualization of what is the tragedy made by Hellenists Vernant and Vidal-Naquet, for after understand how the modern theorists have a particular look for that question. So, we will build on the idea about tragic defended by Steiner and the philosophical studies from Nietzsche and Agamben about tragedy and contemporaneity. At the same time we will investigate the anthropological theory from René Girard of how the possibility of the tragedy could be associated with expiatory victim mechanism. After that, we will analyst the theatre plays chosen right because were created from an artistic research about tragic and we will have with objective investigate how yours creators understand that resumption of the tragic and how they talk with the theorists studied. The contemporary plays chosen for the analyze are: Tragedia Endogonidia, one series of theater episodes realized by the group Socìetas Rafaello Sanzio (2002-2004), and the play Mantenha Fora do Alcance de Crianças, written in collaborative process with the collective [PH²] - estado de teatro (2009).

Taking as its starting point Nancy's and Barthes' concepts of myth, this thesis investigates discourses around community, democracy, 'origin' and 'Western identity' in stage adaptations of 'classical' Greek tragedy on contemporary European stages. It addresses the ways in which the theatre produces and perpetuates the myth of 'classical' Greece as the 'origin' of Europe and how this narrative raises issues around the possibility of a transnational European community. Each chapter explores a pivotal problem around community in modern appropriations of Greek tragedy: Chapter 1 analyses the notion of collectivity as produced by approaches to the Greek chorus. It investigates shifting paradigms from Schiller to twentieth-century avant-garde experiments and focuses on case studies by Müller, Vinaver, Ravenhill and others. Chapter 2 explores the representation of violence and sex, assessing the 'obscene' as a historically-constructed notion, comprising those segments of reality that are deemed unsuitable for public consumption in a given cultural context. Through a comparative analysis of five adaptations of the myth of Phaedra - from Euripides to Sarah Kane - it assesses changing attitudes towards 'obscenity', touching upon legal, aesthetic and moral issues. The chapter concludes with a discussion of the limits of representation in relation to censorship through Castellucci's Purgatorio and Warlikowski's (A)pollonia. Chapter 3 explores the myth of the simultaneous birth of theatre and democracy in 'classical' Athens and investigates the ideological assumptions implied by imagining the audience as the demos of democracy. It argues that adaptations of Greek tragedy have been used in the 'democratic' West to achieve self-definition in the context of globalization and European 'transnationalisation'. This idea is explored through adaptations of Aeschylus's The Persians, which defined 'democratic' Athens in opposition to the 'barbarians'. Works by Sellars, Bieito, Gotscheff and Rimini Protokoll are discussed in this context. The thesis concludes with an analysis of Rimini Protokoll's Prometheus in Athens.

This thesis offers a materialist account of dramatic genre. It shows how English revenge tragedies were mediated by the social circumstances of their early modern dramatic production, and how in turn such circumstances found expression in dramatic form. Its method draws on Marxist critical theory, but the work also makes extensive use of traditions in English social history and more conventional literary criticism. Influenced by Walter Benjamin’s early work, 'Urprung des deutschen Trauerspiels', in which ‘origin’ (Ursprung) is distinguished from ‘genesis’ (Entstehung), the dissertation offers an account of the genre’s dialectical relationship with the social realities and legal circumscriptions accompanying theatrical performance at the time revenge plays became popular. Focusing on the characterization of avenging protagonists, the dissertation suggests how the ambivalent disposition of such figures to narrative and scene drew on historical problems of social and occupational identity in early modern England. The first chapter dwells on the ambiguities of the avenger’s marginalisation in Thomas Kyd’s seminal revenge play, The Spanish Tragedy. This chapter realizes the problem of revenge as one relating to the household, and in turn connects this to the image of the early professional theatre as a disorderly house. Building on this analysis of the historical grounds of Hieronimo’s disenfranchisement and revenge, the second chapter explores the resources of characterization provided for such avengers by the dramatic tradition of the Vice which, by the 1570s and 1580s, had become associated with the professional actor. The third chapter examines how the idiom of the ruin in the two tragedies of John Webster might invite a Benjaminian analysis of the revenge play as a vulnerable allegory of production. This chapter looks to link revenge plays’ representations of death to contingencies of performance. The final two chapters are connected by an interest in the relationship between characterization and forms of historical risk. Chapter 4 explores the duel at Hamlet’s climax from a variety of perspectives, arguing that its debased nature as a ritual of valour interacted in highly sophisticated ways with the problems of intentionality and invention associated with earlier revenge plays as well as with performance itself. The final chapter builds on the arguments of Chapter 4 while recalling many of the arguments made earlier in the thesis. Demonstrating the dialectical interaction of the actor-as-servant and the servant-intriguer, this fifth chapter situates the study of such characterization within the historiographical controversies surrounding the early-modern wage labourer. This dissertation aims (i) to provide innovative criticism of English revenge tragedy, insisting upon the genre’s dialectical foundation in processes of dramatic production; (ii) to outline a viable, dialectically materialist genre criticism; (iii) to show how changes in socio-economic dependencies produced specific dramaturgical effects, particularly as these related to the process of characterization.