Les études sont mitigées sur les séquelles cognitives des commotions cérébrales, certaines suggèrent qu’elles se résorbent rapidement tandis que d’autres indiquent qu’elles persistent dans le temps. Par contre, aucunes données n’existent pour indiquer si une tâche cognitive comme l’imagerie mentale visuelle fait ressortir des séquelles à la suite d’une commotion cérébrale. Ainsi, la présente étude a pour objet d’évaluer l’effet des commotions cérébrales d’origine sportive sur la capacité d’imagerie mentale visuelle d’objets et d’imagerie spatiale des athlètes. Afin de répondre à cet objectif, nous comparons les capacités d’imagerie mentale chez des joueurs de football masculins de calibre universitaire sans historique répertorié de commotions cérébrales (n=15) et chez un second groupe d’athlète ayant été victime d’au moins une commotion cérébrale (n=15). Notre hypothèse est que les athlètes non-commotionnés ont une meilleure imagerie mentale que les athlètes commotionnés. Les résultats infirment notre hypothèse. Les athlètes commotionnés performent aussi bien que les athlètes non-commotionnés aux trois tests suivants : Paper Folding Test (PFT), Visual Object Identification Task (VOIT) et Vividness of Visual Imagery Questionnaire (VVIQ). De plus, ni le nombre de commotions cérébrales ni le temps écoulé depuis la dernière commotion cérébrale n’influent sur la performance des athlètes commotionnés. / The research is mitigated on the cognitive after-effects of a concussion. Some studies suggest the effects disappear rapidly whereas others observe a continuation in their manifestation. However, no research has been done to indicate whether a cognitive task like mental imagery brings out these effects following a concussion. This study will evaluate the effects of sport-related concussions on object and spatial visual mental imagery of athletes. To achieve this goal, we compare the mental imagery capacity between two groups of male football athletes of University level. The first group (n=15) with no history of concussions and the second group (n=15) with one or more concussions. We hypothesize that the non-concussed athletes visualize better than the concussed athletes. Our results invalidate our hypothesis. Both groups have similar results on the three following measures: Paper Folding Test (PFT), Visual Object Identification Task (VOIT) and Vividness of Visual Imagery Questionnaire (VVIQ). Furthermore, the quantity of concussions and the time past since the last concussion seems to have no impact on the visual mental imagery performance of concussed athletes.

L’imagerie hyperspectrale est très largement employée en télédétection pour diverses applications, dans le domaine civil comme dans le domaine militaire. Une image hyperspectrale est le résultat de l’acquisition d’une seule scène observée dans plusieurs longueurs d’ondes. Par conséquent, chacun des pixels constituant cette image est représenté par un vecteur de mesures (généralement des réflectances) appelé spectre. Une étape majeure dans l’analyse des données hyperspectrales consiste à identifier les composants macroscopiques (signatures) présents dans la région observée et leurs proportions correspondantes (abondances). Les dernières techniques développées pour ces analyses ne modélisent pas correctement ces images. En effet, habituellement ces techniques supposent l’existence de pixels purs dans l’image, c’est-à-dire des pixels constitué d’un seul matériau pur. Or, un pixel est rarement constitué d’éléments purs distincts l’un de l’autre. Ainsi, les estimations basées sur ces modèles peuvent tout à fait s’avérer bien loin de la réalité. Le but de cette étude est de proposer de nouveaux algorithmes d’estimation à l’aide d’un modèle plus adapté aux propriétés intrinsèques des images hyperspectrales. Les paramètres inconnus du modèle sont ainsi déduits dans un cadre Bayésien. L’utilisation de méthodes de Monte Carlo par Chaînes de Markov (MCMC) permet de surmonter les difficultés liées aux calculs complexes de ces méthodes d’estimation. / Hyperspectral imagery has been widely used in remote sensing for various civilian and military applications. A hyperspectral image is acquired when a same scene is observed at different wavelengths. Consequently, each pixel of such image is represented as a vector of measurements (reflectances) called spectrum. One major step in the analysis of hyperspectral data consists of identifying the macroscopic components (signatures) that are present in the sensored scene and the corresponding proportions (concentrations). The latest techniques developed for this analysis do not properly model these images. Indeed, these techniques usually assume the existence of pure pixels in the image, i.e. pixels containing a single pure material. However, a pixel is rarely composed of pure spectrally elements, distinct from each other. Thus, such models could lead to weak estimation performance. The aim of this thesis is to propose new estimation algorithms with the help of a model that is better suited to the intrinsic properties of hyperspectral images. The unknown model parameters are then infered within a Bayesian framework. The use of Markov Chain Monte Carlo (MCMC) methods allows one to overcome the difficulties related to the computational complexity of these inference methods.

Cities, regions, nations and other places have in recent decades become active participants in the global competitive economy, and now operate in a global marketplace, competing with other places all over the world for investors, tourists, residents and workforce. As a result, places use marketing and branding strategies and practices to gain reputation and competitive advantage. Chinese cities have, over the past decades, increasingly engaged in branding activities, and even taken the role of spearheads for China in its positioning in the global economy, seen for example in the organization of mega-events. The branding of Chinese cities nevertheless exhibits some differences compared with city branding in the West. The aim of this dissertation is to contribute to our knowledge of the internal-political aspects of place branding, using field studies of the imagery used in city branding practices in five Chinese mega-cities, namely Beijing, Shanghai, Shenzhen, Chengdu and Chongqing. The focus is on the images and language used in the cities’ branding, and on key political aspects involved in the branding of Chinese mega-cities. The theoretical lens incorporates concepts tied to images, language, imaginaries, ideology and power, and the study relies on an ethnographic, multiple case study approach, including longitudinal fieldwork in China. The findings consist of rich illustrations of the branding of the five Chinese mega-cities, and include an analysis of similar imagery found in all five cities, grouped into economic, international, cultural, social and environmental imaginaries. This shows that city branding in Chinese mega-cities is focused on creating international and competitive cities, while also paying attention to the environment, culture and internal target groups such as residents. A central contribution of this dissertation is the development of the concept ‘imagineering’, used in this study to conceptualize key political aspects of city branding in Chinese mega-cities. Imagineering contains three main elements, namely local adaptations of national directives, policies, plans and concepts; a strong future orientation while also accentuating selected elements from the past; and a focus on local populations with the creation of stability and harmony as a central goal. Imagineering is also conceptualized as a policy instrument exercised by a powerful élite, closely intertwined with urban governance, and used to influence people, values, places and, ultimately, city futures.

The purpose of this study is to ascertain if exercising mental training, analysis and research on a musical piece before beginning the physical practicing process will benefit and simplify the learning process. The piece chosen is Eduard Tubin’s “Ballade” for violin and piano. Different sections have been analysed and translated into a narrative from my point of view. Historical background information is presented and the piece is also visual as a graph. From my research I deduct that mental techniques should be much more engaged into the everyday practice routine to avoid frustration and physical injuries, and assist in the learning process. / <p>I presented the piece in my examination with Erik Lanninger playing the piano but the recording is made in the hall of Musikaliska with Iveta Calite as the pianist on 30/05/17.</p>

Mémoire numérisé par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal.

La version intégrale de cette thèse est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l’Université de Montréal (www.bib.umontreal.ca/MU). / La présente thèse explore les relations esthétiques entre la poésie et la musique. Elle examine les éléments qui unissent et qui différencient les deux formes d’art, en mettant l’accent sur les caractéristiques que la poésie contemporaine et la musique électroacoustique ont en commun. Pour tenter d’expliquer la façon dont les caractéristiques de la poésie peuvent servir d’outil de composition musicale, ce document s’appuie sur des recherches récentes et plus anciennes concernant la musique et le récit, l’esthétique des musiques électroacoustiques, la psychoacoustique, la poétique, la sémiologie, la linguistique ainsi que l’histoire de la poésie et de la musique. Cette approche globale présente une analogie entre le son environnemental et le mot poétique, communicateur d’image, de sentiment et d’histoire qui, lorsque recontextualisé en musique, peut à la fois transmettre et provoquer des émotions. En effet, dans la musique électroacoustique, le son environnemental peut détailler de manière explicite les caractéristiques d’un espace acoustique réel; cependant, grâce à la transformation créée par le traitement du signal, le son peut également passer du côté abstrait. Ce mouvement entre les sons perçus comme réels et ceux perçus comme abstraits se compare à celui observé dans la poésie contemporaine. Les deux formes d’art peuvent également exprimer un sens littéral et symbolique. La présente thèse cherche à définir la façon dont ces éléments communs, entre autres, permettent de surmonter les obstacles intercommunicationnels naturellement entraînés par les différences syntaxiques entre la poésie et la musique afin de permettre une interprétation associative de la poésie en musique. La thèse se termine par l’analyse musicale de quatre compositions, dont trois ont été créées grâce au soutien du Conseil des arts du Canada. Ces trois pièces, qui forment le noyau de mon doctorat, exemplifient la musique inspirée par la poésie et composée à partir d’enregistrements de sons environnementaux. Trois œuvres des poètes canadiens John Steffler, Don Domanski et Marilyn Dumont évoquent les différentes régions du Canada d’où les enregistrements sont tirés. Ces poèmes, variés sur le plan esthétique, utilisent un langage distinct pour décrire la diversité de l’écologie canadienne moderne. Le contenu de chaque poème, de concert avec mon propre souvenir empirique des environnements qui font l’objet des enregistrements, est la source d’inspiration principale de la musique. La quatrième pièce utilise également la poésie comme base de la composition; il s’agit toutefois d’une œuvre antérieure, moins axée sur l’exploitation du potentiel de l’enregistrement de sons environnementaux pour créer une œuvre musicale représentative d’une imagerie poétique portant sur un lieu précis. Elle est présentée à titre d’exemple de l’évolution de mes stratégies et de mes préoccupations compositionnelles. / This thesis explores aesthetic relationships between poetry and music. It looks at both the analogous and disparate traits of the two arts with a focus towards the shared qualities of contemporary poetry and electroacoustic music. In suggesting how those of the former lend themselves as a tool for the composition of the latter, the paper touches on current and past research concerning music and narrative, electroacoustic aesthetics, psychoacoustics, poetics, semiology, linguistics and the history of poetry and music. This broad approach considers environmental sound as similar to the poetic word – a communicator of image, feeling, and history that, when re-contextualized in music, has the ability to both convey and elicit emotion. Indeed, in electroacoustic music, environmental sound can explicitly detail the characteristics of a real acoustic space, however, with the transformative effects of signal processing it can also shift into the abstract. This motion between sounds perceived as real and abstract parallels motion in contemporary poetry. Both arts can also express literal and symbolic meaning. This thesis investigates how these and other shared traits overcome intercommunicative barriers that arise naturally from their syntactical differences to mediate associative interpretations of poetry in music. The thesis ends with the musical analysis of four compositions, three of which were created with the support of the Canada Council for the Arts. These three pieces are the fruition of much of my doctoral work, exemplifying music inspired by poetry and composed from recordings of the Canadian environment. The regions represented in these recordings feature in the work of contemporary Canadian poets, John Steffler, Don Domanski and Marilyn Dumont. Varying in aesthetic, these poems use distinct language to depict the diversity of modern Canadian ecology. The content of each poem, in combination with my own experiential memory of the recorded environments, provides the inspiration for much of the music. The fourth piece presented also uses poetry as a foundation for composition; however, it is an earlier work that is less concerned with exploiting the potential of environmental recordings to create music representative of location-bound imagery in poetry. It has been included as an example of how my compositional strategies and concerns were refined.

Thoughts on magic, spectacle, arena, material, materiality, marrow, invincibility, repetition, performance, sculpture, time, decay, temporality, tools, marks, gestures, writing, coaxing, site, stage, architecture, and movement.

This study seeks insight into the use of visual aids in contemporary post-compulsory teaching. The importance of the study is linked to the large number of students who enter Higher Education; many of whom regularly receive lectures supported by visual displays which comprise textual summaries of a lecturer’s speech. This thesis comprises a two-part study and employs a mixed methods approach. The first part inquires into teachers’ and lecturers’ practice with regard to their visual aids, and the second compares the effectiveness of text, images and imagery displayed in support of a lecture. The investigation into lecturers’ practice found many post-compulsory teachers and lecturers had received no training in the design and use of visual aids during their initial teacher training. It is suggested this privation may underpin a de facto choice of projected text as a visual aid, the use of which is not clearly supported by contemporary models of memory and mental processing. In a comparison of visual modalities, an increase in learner engagement was recorded for the display of carefully designed images, and also for directed imagery. No positive impact was recorded for text summaries of 50-64 words displayed concurrently with speech, although recall was improved when text was restricted to five words or fewer. The conclusion is drawn that the display of this modality without temporal pauses may offer limited educational advantage to students, and a method of planned apportionment of speech and text is proposed in which contemporary theories of memory and processing are taken into account. These observations have significant implications for a lecture environment in which such text summaries are often relied upon for visual support. The findings of the thesis are combined to propose a principle of Visual Working Memory Utilisation (VWMU), upon which future research into visual aid design and use in post compulsory education might be based.

L’imagerie musicale involontaire (IMIN) est un phénomène mental extrêmement commun. Il peut être défini en tant que type d’imagerie mentale musicale qui devient consciente sans effort ou intentionnalité et qui n’est pas pathologique. La forme la plus connue d’IMIN est le « ver d’oreille », qui se présente généralement comme un court extrait musical tournant en boucle en tête et dont on se débarrasse difficilement. L’objectif principal de la présente thèse est d’investiguer les mécanismes cognitifs sous-tendant le phénomène puisque, malgré l’intérêt répandu dans les médias populaires, son étude expérimentale est récente et un modèle intégré n’a pas encore été proposé. Dans la première étude, l’induction expérimentale a été tentée et les caractéristiques des images mentales d’épisodes d’IMIN ont été investiguées. Dans le laboratoire, des chansons accrocheuses (versus des proverbes) ont été présentées répétitivement aux participants qui devaient ensuite les chanter le plus fidèlement possible. Ils ont par après quitté le laboratoire, une enregistreuse numérique en mains, avec la consigne d’enregistrer une reproduction vocale la plus fidèle possible de ce qu’ils avaient en tête lors de tous leurs épisodes d’IMIN sur une période de quatre jours, ainsi que de décrire leur timbre. L’expérience a été répétée deux semaines plus tard. Douze des dix-huit participants du groupe expérimental ont rapporté des pièces induites comme épisodes d’IMIN, ce qui confirme l’efficacité de la procédure d’induction. La tonalité et le tempo des productions ont ensuite été analysés et comparés à ceux des pièces originales. Similairement pour les épisodes d’IMIN induits et les autres, les tempi produits et, dans une moindre mesure pour les non-musiciens, les tonalités étaient proches des originaux. Le timbre décrit était généralement une version simplifiée de l’original (un instrument et/ou une voix). Trois études se sont ensuite intéressées au lien entre le potentiel d’IMIN et la mémorabilité. Dans une étude préliminaire, 150 chansons du palmarès francophone radiophonique ont été évaluées en ligne par 164 participants, sur leur niveau de familiarité, d’appréciation et de potentiel d’IMIN. Les pièces ont ensuite été divisées en groupes de stimuli à faible et à fort potentiel d’IMIN, qui ont été utilisés dans une tâche typique de rappel libre/reconnaissance, premièrement avec des francophones (pour qui les pièces étaient familières) et ensuite avec des non-francophones (pour qui les pièces étaient non-familières). Globalement, les pièces à fort potentiel d’IMIN étaient mieux rappelées et reconnues que les pièces à faible potentiel. Une dernière étude a investigué l’impact de la variabilité inter-stimulus du timbre sur les résultats précédents, en demandant à une chanteuse d’enregistrer les lignes vocales des pièces et en répétant l’expérience avec ces nouveaux stimuli. La différence précédemment observée entre les stimuli à fort et à faible potentiel d’IMIN dans la tâche de reconnaissance a ainsi disparu, ce qui suggère que le timbre est une caractéristique importante pour le potentiel d’IMIN. En guise de conclusion, nous suggérons que les phénomènes mentaux et les mécanismes cognitifs jouant un rôle dans les autres types de souvenirs involontaires peuvent aussi s’appliquer à l’IMIN. Dépendamment du contexte, la récupération mnésique des pièces peut résulter de la répétition en mémoire à court terme, de l’amorçage à court et long terme ou de l’indiçage provenant de stimuli dans l’environnement ou les pensées. Une des plus importantes différences observables entre l’IMIN et les autres souvenirs involontaires est la répétition. Nous proposons que la nature même de la musique, qui est définie par la répétition à un niveau micro- et macro-structurel en est responsable. / Involuntary Musical Imagery (INMI) is a widely prevalent musical phenomenon. It can be defined as a type of musical mental imagery that becomes accessible to consciousness without any effort or intent and that is not pathological. The best known form of INMI is the “earworm”, which usually presents as a short excerpt of music running repetitively through one’s mind and which is difficult to get rid of. The goal of the present thesis is to build a better understanding of the cognitive mechanisms at play, because, although the phenomenon is discussed abundantly in the popular literature and media, the scientific inquiries are recent and an integrated model has yet to be proposed. In the first study, experimental induction was attempted and the characteristics of INMI episodes’ mental images were assessed. In the laboratory, catchy songs (versus proverbs) were presented repeatedly to participants who had to sing them back (or reproduce the proverbs’ prosody) as accurately as possible. Participants then left for four days with a recording device, singing their INMI episodes as similarly as possible to their mental imagery and describing their timbre. The experiment was repeated two weeks later. Twelve out of the eighteen participants in the experimental group reported INMI episodes of the induced songs, which confirms the effectiveness of the induction procedure. The sung productions were then analyzed for key and tempo and were compared to the original versions. Produced tempi and, to a smaller extent in the case of non-musicians, keys were close to the originals, for both the induced and other INMI episodes. Described timbre was generally a simplified version of the original (one instrument and/or voice). Three studies then addressed the link between INMI potential and memorability. In a preliminary study, 150 francophone hit songs were evaluated online by 164 participants, as to their familiarity, liking and INMI potential. They were then divided into high and low INMI potential song groups and were used as stimuli in a typical free recall/recognition task, first with Francophones (for whom the songs were familiar) and then with non-Francophones (for whom the songs were unfamiliar). Globally, high INMI potential songs were better recalled and recognized than low INMI potential songs. A final study investigated the impact on the previous results of the timbre variability between songs, by asking a single female singer to make vocal recordings of the stimuli and repeating the experiment. The previously observed difference between high and low INMI potential songs on the recognition task disappeared, suggesting that timbre plays an important role in INMI potential. In conclusion, we suggest that mental phenomena and cognitive mechanisms applying to other involuntary thoughts and memories can also apply to INMI. Depending on the context, memory retrieval of the songs can happen as the result of short-term memory rehearsal, short and long-term priming or cuing from stimuli in the environment or thoughts. The biggest difference between INMI and other types of involuntary memories is repetition. We suggest that the nature of music, which is defined by repetition at a micro- and macro-structural level, explains this discrepancy.

Contrary to Westerners' long-maintained denial of fashion in Chinese dress, recent scholarship has provided convincing textual evidence of fashion in early modern China. Research into this fashion commentary has complicated our understanding of Chinese consumption history, yet we still know little about fashion design, production, or dissemination. By prioritising the textual over the visual or material, this history remains confined to the written source, rather than asking what objects might tell us of Qing fashions. Though many fashionable styles of dress survive in Western museums, these are rarely considered evidence of the Chinese fashion system. Instead museum scholarship remains influenced by twentieth-century interpretations of Chinese dress as art; dominated by dragon robes and auspicious symbols, oriented around the trope of the genteel Chinese seamstress. Within this art historical account, nineteenth-century women's dress has been characterized by decay and viewed with disdain. This thesis questions these assumptions through the study of a group of late Qing women's jackets featuring embroidered narrative scenes, arguing that in this style - regulated by market desires rather than imperial edict - fashion formed at the intersection of commerce and culture. Contrary to the prevailing production model in which the secluded gentlewoman embroidered her entire wardrobe, I position the jackets within the mid-Qing commercialization of handicrafts that created networks of urban guilds, commercial workshops and sub-contracted female workers. By drawing the contours of Suzhou's commercial networks - a region renowned for its embroidery - I demonstrate how popular culture permeated the late Qing fashion system, and explicate the appearance and conceptualization of the embroidered scenes through contemporary prints and performance. My exploration of how dramatic narrative was represented in female dress culture highlights embroidery's significance as a tool to reflect upon contemporary culture, a finding I support by recourse to representations of embroidery as act and object in Suzhou's vernacular ballads and dramas. Thus, these little-studied jackets not only evidence how fashionable dress articulated women's relationship with popular culture, but also how embroidery expressed contemporary concerns, allowing a re-appraisal of women's role as cultural consumers and producers.