Esta tese trata sobre a criatividade do amor criante de Deus, como fundamento para a criatividade do ser humano e seu processo de cura na vivência da criação artística. Dentro de uma metodologia interdisciplinar, apoiada numa hermenêutica fenomenológica, se construiu um arcabouço teórico para a compreensão de uma vivência prática na criação da obra de arte, intitulada Caso R., que ocorreu no Atelier de Arte Maria Glória Dittrich, na cidade de Brusque, Estado de Santa Catarina, Brasil. A primeira parte, chamada Vivência, apresenta nos seus três quadros uma abordagem sobre a história de vida da pesquisadora e sua descoberta do tema de pesquisa. Descreve o Caso R. como uma vivência de criação na arte, marcada pelo amor e pelo desejo de ajudar o ser humano e nela ocorre um processo de cura. Por último, apresenta a metodologia da pesquisa do tipo teórico-prático, dentro de uma hermenêutica fenomenológica. A segunda parte, chamada A Compreensão, se organiza em três quadros. O primeiro, mostra os fundamentos da criatividade do corpo-criante. Explica que a criatividade nasce na auto-organização do corpo-criante e sua base é o amor vital. No segundo, apresenta a concepção de corpo-criante como um todo multidimensional sustentado, na sua criatividade, por um fundamento último Deus - amor criante, espiritual, que dá coragem para o ser humano enfrentar a finitude e a infinitude da vida. O segundo, discute sobre a obra de arte como revelação da criatividade do amor criante de Deus e sua relação com a criatividade humana sob o movimento da vida. Aponta a razão profunda como instância capaz de desenvolver a obra de arte e dar sentido a ela. Mostra a obra de arte desde o conceito de revelação como mistério, como êxtase e milagre. Por último, a obra de arte é apresentada como revelação da criatividade do amor criante de Deus para a descoberta de sentido para o viver. O terceiro, mostra uma concepção de cura espiritual como vivência da criatividade do amor criante de Deus no ser humano diante das ambigüidades da vida. Conceitualiza a fé como um sentir-se possuído por uma força espiritual, criadora. Essa força causa impactos na estrutura e organização do corpo-criante, implicando um processo criativo para a cura. A cura espiritual é a manifestação do amor criante do Espírito de Deus, no espírito humano. Essa manifestação é processo de fé no movimento das três dimensões da vida. A terceira parte, intitulada O Testemunho, é a hermenêutica sobre o Caso R. Esta parte está organizada em três quadros. O primeiro, apresenta a descoberta da Maria Glória sobre o fundamento último da criatividade humana nas relações de criação na criação artística. Confirma que essa descoberta levou à tomada de consciência sobre a força do poder da criatividade do amor criante de Deus, para o ser humano descobrir um novo sentido de vida através da criação na arte. No segundo, a revelação da criatividade do amor criante de Deus acontece para Maria Glória e R., dentro de uma experiência inusitada de fé que se tornou palavra encarnada, sinalizando um processo de cura. Por último, apresenta a confirmação da cura espiritual do R., como uma vivência criativa em processo, sustentada pela criatividade do amor criante de Deus no corpo-criante humano e sua auto-afirmação no mundo pela sua criatividade. / This thesis is about the creativity of Gods creating love as basis for the creativity of human being and its cure process at the living experience of artistic creation. In an interdisciplinary methodology, supported by a phenomenological hermeneutic, it has been built a theoretical skeleton for the comprehension of a practical living experience in the creation of the work of art entitled Caso R., which occurred in the art atelier Maria Glória Dittrich, in the city of Brusque, state of Santa Catarina, Brazil. The first part, called Living Experience, shows in its three boards an approach on the researchers life story and her discovery on the subject of research. It describes Caso R. as a creation living experience in art, marked by the love and by the desire of helping human being and in it there occurs a cure process. At last, it shows the methodology of research of the theoretical-practical type, in a phenomenological hermeneutic. The second part, named The Comprehension, is organized in three boards. The first shows the basis of creativity of the creating body. It explains that the creativity grows from self-organization of the creating body and its basis is vital love. On the second, it shows the conception of creating body as a multidimensional whole, maintained, in its creativity, by an ultimate basis God creating, spiritual love, which gives courage to human being to face finiteness and infiniteness of life. The second discusses about the work of art as a revelation of the creativity of Gods creating love and its relation to human creativity under lifes motion. It points out the profound reason as an instance capable of developing the work of art and give it a meaning. It shows the work of art from the concept of revelation as mystery, as ecstasy and miracle.At last, the work of art is shown as revelation of creativity of Gods creating love for the discovery of meaning for living. The third shows a conception if spiritual cure as living experience of creativity of Gods creating love in human being in the presence of life ambiguities. It reputes faith as feeling possessed by a spiritual, creative force. This force causes impacts on the structure and organization of the creating body, implying a creative process for the cure. Spiritual cure is creating love manifestation of God Spirit in human spirit. This manifestation is a faith process in the motion of the three dimensions in life. The third part, entitled The Testimony, is the hermeneutic about Caso R. This part is organized in three boards. The first shows the discovery of Maria Glória about the ultimate basis of human creativity in relations of artistic creation. It confirms that this discovery led to the conscience take about the force of creativity power of Gods creating love, for the human being to discover a new meaning of life through creation in art. In the second, revelation of creativity of Gods creating love happens to Maria Glória and R., in an unsusual faith experience that has become embodied word, signalizing a cure process. At last, it shows confirmation of spiritual cure of R., as a creative living experience in process, maintained by creativity of Gods creating love in the human creating body and its self-affirmation in the world by its creativity.

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:52:01Z (GMT). No. of bitstreams: 1 117119.pdf: 876523 bytes, checksum: 2d928883296ff247ee2657fcf27780b6 (MD5) Previous issue date: 2014-04-09 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / The present dissertation have as objective investigate the theatrical phenomenon from the ideas of Martin Heidegger. For this, understands the theater as a work of art, because there is only poetic happening in this condition. The essence of art is, according perspective of Heidegger, poetry and she unveils the truth of being. For better understanding of what is the poetic happen in theater this question was separated into three responses. The first one refers to the ontic condition of the scene through an outline of your story, where it shows, in this way, what is and isn´t art. The second response intends to overcome the ontic characteristics presented before but not deny them, because the being is not without the entity and, thus, show what is the art. And from this, deepen the layers of "poetic happen", once admit several layers: the opening , glade, technique, originating , time, presence , truth, World and Earth, home , entity and being. The third chapter cares to think about how do to arrive the work of art in the viewer , in another words, how it happens the "poetic happen" in the staging in instance of experience. Here is investigate the availability of the actor while the work of art server, because he is the immediate link in relation of work of art, artist and viewer. Questions such as listening, serenity and donation - three items that Heidegger considers fundamental to the artist let strengthen the work of art and not himself here are focused. As a final reflection the current theater is analyzed and the possibilities and the necessities (or not) of a theater as work of art too, a theater that has as path the sense of being, since art has to unveil and contribute to understanding the current historical time. / A presente dissertação tem como objetivo investigar o fenômeno teatral a partir das ideias de Martin Heidegger. Para tanto, toma o teatro enquanto obra de arte, pois só há acontecimento poético nessa condição. A arte por essência é, segundo a perspectiva heideggeriana, poesia e ela pode desvelar a verdade do ser. Para melhor compreensão do que é o acontecer poético no teatro, tal questão foi desmembrada em três partes. A primeira refere-se à condição ôntica da cena, através de um esboço de sua história, onde se evidencia o que, nesse percurso, é e não é arte. A segunda resposta pretende problematizar as características ônticas antes apresentadas e não negá-las, pois o ser não se dá sem o ente e, assim, revelar indícios do que pode vir a ser arte. E, a partir disso, descamar o acontecer poético, uma vez que admite várias camadas: abertura, clareira, técnica, originário, tempo, presença, verdade, Mundo e Terra, repouso, ente e ser. O terceiro capítulo se ocupa em pensar o modo, o como fazer para a obra chegar ao espectador, ou seja, como se dá o acontecer poético na encenação enquanto experiência. Aqui é investigada a disponibilidade do ator enquanto servidor da obra, pois é o elo imediato na relação entre obra, artista e espectador. Questões tais como escuta, serenidade e doação três quesitos que Heidegger considera fundamentais para que o artista deixe vigorar a obra de arte e não ele próprio são aqui enfocadas. Como reflexões finais são analisados o teatro atual e as possibilidades e necessidades (ou não) de um teatro enquanto obra arte, um teatro que tem como vereda o sentido do ser, uma vez que a arte desvela e contribui para a compreensão do tempo histórico atual.

O presente trabalho procura acompanhar a proposta modelar de Theodor W. Adorno, formulada de modo ensaístico e paratáxico na Teoria estética. Visa compreender esse modelo de pensamento, sua atualidade como manifesto crítico e como possibilidade de construção cognitiva não mais voltada a uma racionalidade que se sobrepõe às particularidades do objeto do conhecimento, reprimindo-as em favor da soberania do sujeito. Busca esclarecer como o estético, em Adorno, tornou-se um experimento teórico para apresentar objetos sociais e históricos – as obras de arte – que resistem ao jogo do valor de troca e que, por meio de uma linguagem enigmática e de uma perspectiva utópica, propõem mudanças para o atual estado de coisas. Pretende, ainda, mostrar que a Teoria estética superou os traços desesperançosos e pessimistas que marcavam o discurso de Adorno: a razão humana não está destinada a reprimir-se e a reprimir a natureza e os homens. A obra de arte resiste e, ao resistir, nega. Ao negar, propõe algo que não existe, um não-idêntico, algo que não se sabe o que é. O desejo de algo novo, liberto do peso totalizador da Aufklärung, atravessa a Teoria estética. / This paper is an attempt to study Theodor W. Adorno‟s model proposition formulated in an essay-like and parataxic-like model in his Ästhetische Theorie. The paper pursues a better understanding of Adorno´s thought model, its today‟s actuality both as a criticism manifest and as a possibility of cognitive construction no longer dependent on a rationality that supersedes the particularities of the object under study, inhibiting them in favour of the subject‟s sovereignty. The paper also tries to make it clearer how the concept of esthetics, in Adorno, has become a theoretical experiment to present social and historical objects – works of art – that do not yield vis-a-vis the exchange value game and which, by means of an enigmatic language and of a utopic perspective, propose changes in favour of the present-day status quo. Besides, this paper also tries to show that Adorno‟s Ästhetische Theorie has overcome the hopeless and pessimistic traits that marked Adorno‟s discourse: human nature is not bound to repress itself and to repress nature and men. A work of art resists and, upon resisting, it denies. Upon denying, it proposes something that does not exist, something non-identical, something one does not know what it really is. A desire for something new, free from the totalizing weight of the Aufklärung permeates the Ästhetische Theorie.

Esta tese investiga a Ideia e o modo como ela se realiza na obra de arte segundo a Estética de Hegel. No primeiro capítulo, o conceito de Ideia é apresentado nas três formas em que o mesmo se realiza segundo a Lógica enquanto Ciência do Conceito em Hegel. No segundo capítulo, procura-se estabelecer alguns pressupostos históricos da analogia entre belo e organismo e como esta mesma analogia pode ser reencontrada na Estética de Hegel. No terceiro capítulo, mostra-se como a ação também pode ser outra forma de interpretação e elemento estruturador da Ideia realizada na obra de arte. No quarto capítulo, apresenta-se o silogismo (e o juízo) como possível forma de explicação das diversas formas de arte. No quinto capítulo, as duas formas de realização da Ideia, enquanto vida e ação, são apresentadas como duas formas diferentes de expressão da Ideia realizadas respectivamente nas obras de arte das formas particulares de arte clássica e romântica. / This thesis investigates the idea and the way it is realized in the work of art according to Hegel\'s Aesthetics. In the first chapter the concept of idea is presented in three forms as it realizes itself according to the Logic as the Science of Concept in Hegel. In the second chapter, we try to establish some historical presuppositions of the analogy between beauty and organism and how this same analogy can be rediscovered in Hegel\'s Aesthetics. In the third chapter, it is shown how the action could also be another form of interpretation and structuring element of the idea realized in the artwork. The fourth chapter presents the syllogism (and judgment) as a possible form of explanation of the different particular forms of art. In the fifth and concluding chapter, the two forms of realization of the idea, as life or action, are presented as two different forms of expression of the idea realized respectively in the particular forms of art of classical and romantic arts.

O presente trabalho procura acompanhar a proposta modelar de Theodor W. Adorno, formulada de modo ensaístico e paratáxico na Teoria estética. Visa compreender esse modelo de pensamento, sua atualidade como manifesto crítico e como possibilidade de construção cognitiva não mais voltada a uma racionalidade que se sobrepõe às particularidades do objeto do conhecimento, reprimindo-as em favor da soberania do sujeito. Busca esclarecer como o estético, em Adorno, tornou-se um experimento teórico para apresentar objetos sociais e históricos – as obras de arte – que resistem ao jogo do valor de troca e que, por meio de uma linguagem enigmática e de uma perspectiva utópica, propõem mudanças para o atual estado de coisas. Pretende, ainda, mostrar que a Teoria estética superou os traços desesperançosos e pessimistas que marcavam o discurso de Adorno: a razão humana não está destinada a reprimir-se e a reprimir a natureza e os homens. A obra de arte resiste e, ao resistir, nega. Ao negar, propõe algo que não existe, um não-idêntico, algo que não se sabe o que é. O desejo de algo novo, liberto do peso totalizador da Aufklärung, atravessa a Teoria estética. / This paper is an attempt to study Theodor W. Adorno‟s model proposition formulated in an essay-like and parataxic-like model in his Ästhetische Theorie. The paper pursues a better understanding of Adorno´s thought model, its today‟s actuality both as a criticism manifest and as a possibility of cognitive construction no longer dependent on a rationality that supersedes the particularities of the object under study, inhibiting them in favour of the subject‟s sovereignty. The paper also tries to make it clearer how the concept of esthetics, in Adorno, has become a theoretical experiment to present social and historical objects – works of art – that do not yield vis-a-vis the exchange value game and which, by means of an enigmatic language and of a utopic perspective, propose changes in favour of the present-day status quo. Besides, this paper also tries to show that Adorno‟s Ästhetische Theorie has overcome the hopeless and pessimistic traits that marked Adorno‟s discourse: human nature is not bound to repress itself and to repress nature and men. A work of art resists and, upon resisting, it denies. Upon denying, it proposes something that does not exist, something non-identical, something one does not know what it really is. A desire for something new, free from the totalizing weight of the Aufklärung permeates the Ästhetische Theorie.

Estudo da possibilidade de restauro urbano da cidade patrimônio cultural. Reforça o caráter artístico da cidade, reconhece a sua materialidade através da percepção espacial, e identifica condições físicas de espaços urbanos. Discute suas transformações para a preservação. Adota, como estudo de caso, Serro (MG) reconhecendo sua natureza artística. Interpreta a teoria do restauro de Cesare Brandi focando o espaço urbano percebido, a partir da leitura da cidade antiga brasileira, através dos princípios artísticos de Camillo Sitte. Conclui que a cidade passa por transformações que podem comprometer sua condição artística, necessitando, desta forma, de ações de preservação apropriadas. / Study of possibility of the restore urban of the patrimony city. It reinforces the artistic character of the city, it recognizes your materiality through the space perception and it identifies physical conditions of urban spaces. It discusses your transformations for the preservation. The city of Serro (MG) was used as case study due its artistic nature. This study interprets the Cesare Brandi´s theory of restoration applied the urban space, and this urban space is interpreted through analysis of the brasilian old city (colonial city), according to artistic principles of Camillo Sitte. Like this we ended that the city changes and this change can to alter its artistic nature, imposing apropriate preservation action.

Cette thèse, qui met en relation réflexion théorique et création artistique, entend comprendre pourquoi au cours de la contemplation d’une oeuvre d’art notre attention dépasse rarement ses qualités formelles, esthétiques ou conceptuelles.Contrairement à d’autres artefacts que nous rencontrons au quotidien, nous identifions les œuvres d’art au fait qu’elles ne satisfont pas des fins utilitaires. Leur place dans le musée ou la galerie en atteste et conduit à faire en sorte qu'elles n’ont pas d'autre rôle que d’attirer notre attention sur leurs caractéristiques propres. Cette thèse oppose à ce constat un mode de réception qui repose sur l’articulation de l’artefact à un environnement social. Cela suppose un mode de création et d’expression basé sur la fabrication d’instruments ou dispositifs susceptibles d'interpeller le spectateur. / This thesis, which combines theoretical analysis with artistic creation, attempts to understand the reason why, when contemplating works of art, we rarely look beyond their aesthetic, formal or conceptual qualities. Unlike many other objects that we encounter in our lives, works of art are recognizable by the fact that they serve no practical purpose. Their idle existence in galleries and museums confirms this and ensures that works of art fulfill no other function than that of drawing our attention to their inherent qualities. That being the case, this thesis proposes a way of appreciating art that relies on the articulation between an artefact and a social setting. This assumes a way of creating art and expressing ourselves that is grounded on the fabrication of instruments or devices predisposed to engage the beholder.

A travers le parcours de dix rappeurs en France dans les années 2000, cette thèse se propose de renseigner des pratiques artistiques « critiques » ainsi que des pratiques d'engagement politique des artistes. Ce travail de recherche a été effectué à partir d'une enquête de terrain de six années mêlant des entretiens semi- directifs, des observations de type ethnographique, des recueils de données journalistiques et des analyses sociologiques d’œuvres. Il s'intéresse aux manières dont les processus de socialisation influencent les œuvres, les discours et les pratiques. Dans le cadre d'une sociologie de la critique, il cherche à identifier des discours et des manières de faire de la musique rap particulièrement contestataires. Il observe également les modes de valorisation et de mises en scène de ces postures singulières. Les pratiques d'engagement politique, qui voient les rappeurs impliquer leurs ressources artistiques, leurs ressources liées à leur notoriété ou leur individualité « anonyme » dans un travail conjoint avec certaines structures des mouvements sociaux et politiques, sont interrogées. En saisissant les nombreux enjeux qui résident dans l’émergence de ces activités artistiques, la thèse dresse un panorama des constructions sociales des pratiques des rappeurs tout en examinant les façons dont ils souhaitent, à leur tour, construire le social. L’ensemble de ces problématiques permet de proposer un regard sur les apports et les transformations d'une parole artistique et politique, historiquement et socialement située du côté des luttes de l'immigration et du postcolonialisme. / Through an examination of the trajectory of ten French rappers during the 2000s, the present PhD thesis aims to shed light on artists' « critical » artistic practices as well as on their practices of political commitment. The research for this thesis was carried out on the basis of a six-year field investigation, involving semi-structured interviews, ethnographic observation, assembling of data from the press and sociological analysis of works of art. It develops a particular interest for the ways in which socialisation processes influence works of art, discourses and practices. Within the framework of a sociology of critique, it aims to identify discourses and ways of producing rap music in which the protest element is particularly strong. It also observes the modes of valorisation and presenting of these singular attitudes. Practices of political commitment, where the rappers implicate their artistic ressources, their fame or their « anonymous » individuality in common work with certain structures of social and political movements, are examined. By grasping the manifold stakes involved in the emergence of these artistic activities, the thesis attempts to produce an overview of the social construction of the rappers' practices while at the same time it examines the ways in which they aim to construct the social. This set of questions enables us to develop an analysis of the contribution and the transformations of an artistic and political discourse, historically and socially anchored in the struggle postcolonial migrants and its political legacy.

Résumé: Limits of work of copyright in visual art This diploma thesis primarily deals with the concept of copyright work in the current Czech law and its relation towards works of contemporary visual art. The main aim of this thesis is to carry out a complex analysis of conceptual features of work of copyright under the Czech Copyright Act No. 121/2000 Coll. (including key and not always properly interpreted terms such as work of art, originality, or creativity) and then to apply these features to examples of the world's major works of visual art from the twentieth and twenty-first century. Author of this thesis tries to find out whether even specific works of visual art "meet legal requirements" imposed on works of copyright and thus may enjoy the copyright protection in the Czech legal system. It is the effort to identify boundaries between works of copyright and objects which are not under the protection of copyright law what is reflected in the title of this diploma thesis. Text of this thesis is divided into two main units. The first unit, which is the core of the thesis, is called "Limits of work of copyright", the second unit is called "Limits of appropriation". In the general part of the first unit the author tries to focus deeply on theoretical inquiry about the concept of work of copyright under...

(in English): My goal in this diploma thesis is to verify the claim that "dandy is a work of art". The figure of Dandy is often defined by the claim that it truly is a work of art. Dandy is after all defined like that by the founders of the debate on dandysm (Barbey d`Aurevilly, Charles Baudelaire and Oscar Wilde) and also by contemporary theoreticians of dandysm (such as Francois Coblence, Daniel S. Schiffer and Karin Becker). However, despite the numerous occurrences of the definition, the claim was never extended into general theory of dandy as work of art. I am here trying to do that. First, I am looking for a definition that best suits the concept of dandy according to the founders. I confront the concept of dandysm with several definitions of art (mimetic, expressive, formalistic, institutional or functionalist). With the definition that the comparison shows as the most appropriate - the functionalist theory of art - I continue to operate. With a structuralist definition of Jan Mukařovský. From the structuralistic point of view I answer the basic questions connected within the discourse of aesthetics with the concept of the work of art. I am looking for a basic material (material norm) that would create the identity of dandy as a specific kind of artwork. Based on that, I distinguish artistic...