Orientadores: Edgar Salvadori de Decca, Raphaelle Legrand / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciências Humanas / Made available in DSpace on 2018-08-23T02:09:49Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Inacio_DeniseScandarolli_D.pdf: 2793606 bytes, checksum: 011827e909f7e020655b8406892c6003 (MD5) Previous issue date: 2013 / Resumo: Nos anos de 1840, chegaram ao Rio de Janeiro duas companhias francesas de teatro, se instalaram em teatros da corte e começaram a apresentar um repertório bastante específico, vaudevilles e opéra-comiques. É da Compagnie Dramatique Française e da Compagnie Lyrique Française que esta tese vai se ocupar. Apesar de haver um verdadeiro silêncio sobre a trajetória desses dois grupos de artistas, o impacto que sua atuação causou nas práticas teatrais da corte brasileira é fundamental no processo de desenvolvimento de vários eixos ligados a essa arte, como a crítica artística, os regimentos das salas de espetáculos, o discurso que buscava a estruturação de um teatro nacional, a censura, o confronto com os significados do "civilizado" e dos valores franceses, etc. Dessa forma, compreender os mecanismos de atuação desses artistas franceses no Rio de Janeiro e as relações que eles estabeleceram entre as diversas instâncias ligadas à arte, possibilita entender os processos de formação cultural da corte e os diálogos estabelecidos com a arte francesa, os quais envolvem muito mais o estranhamento que o reconhecimento / Abstract: In the 1840s, the French theater companies Compagnie Française Dramatique, and Compagnie Française Lyrique arrived in Rio de Janeiro. They settled in the Brazilian court with a specific repertoire composed mostly by vaudeville and opéra-comiques, and even though little was known about the story of these two group, their actions impacted theatrical practices of the court. This thesis addresses the story of these French companies. They were fundamental in the development of multiple axes, and remarkably connected with regiments of spectacle rooms, artistic criticism, and censorship, to structure a national theater and confronted with the meanings of "civilized" and French values. One can therefore understand the cultural dialogues established with French art by the mechanisms of action of these artists in Rio de Janeiro, and the relationships established among the different entities related to the Art / Doutorado / Politica, Memoria e Cidade / Doutora em História

Orientador(a): Lia Vera Tomás / Banca: Yara Borges Caznok / Banca: Graziela Bortz / Banca: Carin Zwilling / Banca: Mário Videira / Resumo: Este trabalho tem como objetivo discutir os vários sentidos do conceito de imitação relacionados à ópera inglesa do século XVIII. Através do exame de textos britânicos do século XVIII quanto à estética musical e de teóricos como Thomas Rymer, John Dennis, Thomas Twining, dentre outros, que se referiram à imitação e expressão em música, nos perguntamos: quais concepções imitativas e modelos miméticos foram de uso corrente na Inglaterra daquele período? De que modo as teorias imitativas foram estabelecidas e utilizadas como critério de julgamento estético para a ópera e porque esse critério foi visto com ressalvas por autores como Daniel Webb e John Hawkins? O que podemos derivar dos ataques e defesas feitos a elas? Em que medida a Inglaterra dialoga (ou não) com a França sobre esse problema? Para responder a essas questões, consideramos o modo como a música, a ideia de natureza e razão foram compreendidas no século XVIII, e como essa compreensão atuou na concepção estética da música. Procurou-se seguir a trajetória da imitação como prerrogativa para a execução da ópera, e como ela se perdurou no decorrer desse século, mesmo em meio às polêmicas e à instauração da ideia de expressão em música, que trouxe possibilidades autônomas para a música, tornando-se independente das teorias imitativas em música. Os resultados a que se chegou foram que a estética musical vinculada aos sentimentos como critério de gosto e de valoração da música a partir da expressão musical foi suplantando... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo) / Résumé: Cet article vise à discuter des différentes significations du concept d'imitation lié à l'opéra anglais du 18ème siècle. En examinant des textes britanniques du XVIIIe siècle sur l'esthétique musicale et des théoriciens tels que Thomas Rymer, John Dennis, Thomas Twining, entre autres, qui ont évoqué l'imitation et l'expression en musique, nous nous sommes posé la question suivante: quelles conceptions imitatives et quels modèles mimétiques étaient utilisation actuelle en Angleterre de cette période? Comment les théories imitatives ont-elles été établies et utilisées en tant que critère de jugement esthétique pour l'opéra et pourquoi ce critère a-t-il été interprété avec réserve par des auteurs tels que Daniel Webb et John Hawkins? Que pouvons-nous tirer des attaques et des défenses qui leur ont été faites? Dans quelle mesure l'Angleterre dialogue-t-elle (ou pas) avec la France sur ce problème? Pour répondre à ces questions, nous examinons comment la musique, les notions de nature et de raison ont été comprises au XVIIIe siècle et comment cette compréhension a agi dans la conception esthétique de la musique. Nous avons cherché à suivre la trajectoire de l'imitation comme une prérogative pour la représentation de l'opéra et comment elle a duré tout au long de ce siècle, malgré les controverses et l'instauration de la notion d'expression dans la musique, qui a apporté des possibilités autonomes de indépendant des théories imitatives en musique. Les résultats ont été que... (Résumé complet accès életronique ci-dessous) / Abstract: This paper aims to discuss the various meanings of the concept of imitation related to 18th century English opera. By examining eighteenth-century British texts on musical aesthetics and theorists such as Thomas Rymer, John Dennis, Thomas Twining, among others, who referred to imitation and expression in music, we ask ourselves: what imitative conceptions and mimetic models were of current use in England of that period? How were imitative theories established and used as an aesthetic judgment criterion for opera, and why was this criterion viewed with caveats by authors such as Daniel Webb and John Hawkins? What can we derive from the attacks and defenses made to them? To what extent does England dialogue (or not) with France about this problem? To answer these questions, we consider how music, the idea of ​​nature and reason were understood in the eighteenth century, and how this understanding acted in the aesthetic conception of music. We sought to follow the trajectory of imitation as a prerogative for the performance of opera, and how it lasted throughout this century, even amid the controversies and the establishment of the idea of ​​expression in music, which brought autonomous possibilities for music, making independent of imitative theories in music. The results were that the musical aesthetics linked to feelings as a criterion of taste and appreciation of music from musical expression was supplanting the power of imitative theories, making the music adapt to the... (Complete abstract click electronic access below) / Doutor

El canto lírico y el canto popular son estilos que por mucho tiempo se han considerado divergentes. Sin embargo, hace menos de 5 años surgió en la pedagogía vocal el término Vocal Cross-training, un tipo de entrenamiento que propone interrelacionar las herramientas de ambos estilos de canto con el fin de conseguir una retroalimentación entre ellos y una mejor ejecución vocal en general. Por ello, la presente investigación tiene como objetivo analizar cómo podría influenciar el Vocal Cross-training en la ejecución de cantantes populares en etapa de formación; para así brindar información podría resultar valiosa para las(os) estudiantes de la comunidad artística que desean optimizar su entrenamiento vocal, pedagogos vocales y profesionales de la voz en general. De esta forma la investigación, como herramienta metodológica, diseña un laboratorio en el que tres participantes se disponen a realizar el entrenamiento señalado, guiadas por dos maestras especialistas en canto lírico y canto popular. Finalmente, el análisis y discusión de resultados nos ha permitido concluir que el Vocal Cross-training influye favorablemente en la ejecución artística de las 3 cantantes populares del laboratorio. Los diversos ejercicios que propone el entrenamiento enriquecen considerablemente el manejo de aspectos de su técnica vocal como lo son: la coordinación fono respiratoria, los registros fonatorios, la resonancia, el rango vocal, flexibilidad y la producción vocal en general, logrando también la aplicación efectiva de estos al repertorio. Además, este permite desarrollar la propiocepción en las participantes, concediéndoles seguridad en ellas mismas respecto a sus voces y su capacidad para la interpretación en la performance.

Made available in DSpace on 2016-08-03T12:29:40Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Jose Eduardo Paraiso Razuk2.pdf: 1559120 bytes, checksum: 4eccb41146b97eb337af7d36fd73a870 (MD5) Previous issue date: 2012-12-10 / RESUMO O objeto deste trabalho é o teatro de Chico Buarque, especialmente suas peças criadas como frutos de um processo de adaptação. São elas: Calabar, o elogio da traição, Gota D`Água, e Ópera do Malandro. Como objetivos da análise buscamos respostas às questões relacionadas aos processos midiáticos envolvidos na criação, produção, divulgação e crítica desses produtos culturais e a compreensão da poética do artista no momento político em que as obras se realizaram, o período da ditadura militar brasileira. É condição primordial de análise o contexto histórico, político e cultural em que as peças foram escritas e tiveram suas primeiras encenações. O entendimento das mesmas envolve a análise do discurso dramatúrgico e os processos midiáticos decorrentes da criação, produção e divulgação das obras: autoria, adaptação, montagem de peça teatral, reportagens, críticas jornalísticas e materiais de divulgação.

O objetivo deste trabalho é apresentar uma edição crítica da ópera Le Fate (1902-1903), de Henrique Oswald (1952-1931), a partir dos manuscritos autógrafos encontrados na Biblioteca da Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo, no Arquivo Nacional e na Biblioteca Nacional, ambos no Rio de Janeiro. Para isso utilizamos o método do textobase como apresentado por Figueiredo em seu trabalho sobre as teorias e práticas editoriais aplicadas à música sacra brasileira dos séculos XVIII e XIX, apoiado por outros autores que abordam o assunto da edição crítica, como Grier, no âmbito musical, Cambraia e Spina, no campo literário. No decorrer de nosso trabalho fazemos uma análise dos manuscritos e apresentamos uma edição do libreto e da partitura, ambos com seus aparatos críticos, precedidos por uma discussão dos problemas encontrados e dos critérios utilizados para resolvê-los. Além disso, apresentamos algumas informações para a identificação do libretista, Eduardo Filippi, fornecendo subsídios para futuras pesquisas sobre este autor, pois até o momento não encontramos nenhum trabalho que apresentasse qualquer informação sobre ele. A edição da ópera Le Fate, assim como de qualquer outra obra deste porte, apresenta vários desafios ao editor, com relação às necessárias correções e modificações implícitas na atividade de edição crítica musical. Seguindo a bibliografia especializada, buscamos a definição da melhor metodologia de trabalho e a análise crítica, apoiada pelo conhecimento da obra, do estilo e do compositor, adquirido ao longo da pesquisa. / The aim of this work is to present a critical edition of the opera Le Fate (1902-1903), by Henrique Oswald (1952-1931), from the autograph manuscripts found in the Library of the School of Communication and Arts at the University of São Paulo, in the National Archive, and the National Library, both in Rio de Janeiro. For this purpose we used the copy-text method as presented by Figueiredo in his work on the theories and editorial practices applied to Brazilian sacred music of the 18th and 19th centuries, supported by other authors who address the subject of the critical editing, such as Grier in the musical sphere and Cambraia and Spina in the literary field. In the course of this work we analyze the manuscripts and present an edition of the libretto and the score, both with their critical apparatus, preceded by a discussion of the problems encountered and the criteria used to solve them. In addition, we present some information for the identification of the librettist, Eduardo Filippi, providing a contribution for future research on this author, for so far as this moment, we have not found any work that presents any information about him. Editing the opera Le Fate, as well as any other work of this size, presents several challenges to the editor, regarding the required corrections and the modifications implied in the musical critical editing activity. Following a specialized bibliography, we sought the definition of the best working methodology and the critical analysis, supported by the knowledge of the work, the style and the composer, acquired throughout the research.

O objetivo deste trabalho é apresentar uma edição crítica da ópera Le Fate (1902-1903), de Henrique Oswald (1952-1931), a partir dos manuscritos autógrafos encontrados na Biblioteca da Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo, no Arquivo Nacional e na Biblioteca Nacional, ambos no Rio de Janeiro. Para isso utilizamos o método do textobase como apresentado por Figueiredo em seu trabalho sobre as teorias e práticas editoriais aplicadas à música sacra brasileira dos séculos XVIII e XIX, apoiado por outros autores que abordam o assunto da edição crítica, como Grier, no âmbito musical, Cambraia e Spina, no campo literário. No decorrer de nosso trabalho fazemos uma análise dos manuscritos e apresentamos uma edição do libreto e da partitura, ambos com seus aparatos críticos, precedidos por uma discussão dos problemas encontrados e dos critérios utilizados para resolvê-los. Além disso, apresentamos algumas informações para a identificação do libretista, Eduardo Filippi, fornecendo subsídios para futuras pesquisas sobre este autor, pois até o momento não encontramos nenhum trabalho que apresentasse qualquer informação sobre ele. A edição da ópera Le Fate, assim como de qualquer outra obra deste porte, apresenta vários desafios ao editor, com relação às necessárias correções e modificações implícitas na atividade de edição crítica musical. Seguindo a bibliografia especializada, buscamos a definição da melhor metodologia de trabalho e a análise crítica, apoiada pelo conhecimento da obra, do estilo e do compositor, adquirido ao longo da pesquisa. / The aim of this work is to present a critical edition of the opera Le Fate (1902-1903), by Henrique Oswald (1952-1931), from the autograph manuscripts found in the Library of the School of Communication and Arts at the University of São Paulo, in the National Archive, and the National Library, both in Rio de Janeiro. For this purpose we used the copy-text method as presented by Figueiredo in his work on the theories and editorial practices applied to Brazilian sacred music of the 18th and 19th centuries, supported by other authors who address the subject of the critical editing, such as Grier in the musical sphere and Cambraia and Spina in the literary field. In the course of this work we analyze the manuscripts and present an edition of the libretto and the score, both with their critical apparatus, preceded by a discussion of the problems encountered and the criteria used to solve them. In addition, we present some information for the identification of the librettist, Eduardo Filippi, providing a contribution for future research on this author, for so far as this moment, we have not found any work that presents any information about him. Editing the opera Le Fate, as well as any other work of this size, presents several challenges to the editor, regarding the required corrections and the modifications implied in the musical critical editing activity. Following a specialized bibliography, we sought the definition of the best working methodology and the critical analysis, supported by the knowledge of the work, the style and the composer, acquired throughout the research.

A presente pesquisa traça um percurso referencial artístico que culminou num gênero de performance digital denominado electropera. Este gênero híbrido é formado pelo encontro, numa mesma arena, da performance art, da música contemporânea assistida por tecnologias eletrônicas digitais e das mídias visuais manipuladas (cinema found footage e vídeo arte). A pesquisa parte da abordagem da performance na música com preocupações analíticas acerca da construção da persona no performer musical; caminha para os desdobramentos sonoros nas vanguardas e alcança os movimentos de música experimental resultantes da contracultura dos anos 60; analisa as concepções estéticas de alguns compositores referenciais que saíram dos limites restritivos da escrita musical e optaram pela inserção de múltiplas linguagens em suas obras e lança um olhar analítico sobre novo papel das mulheres como performers e conceptoras de trabalhos musicais no universo da multimídia. A síntese de toda essa genealogia conceitual, histórica e auto-referencial culminou com a produção e a análise crítica e processual de um trabalho pessoal, a electropera Ópio. / This research traces the referential path which culminated in a gender of digital performance entitled electropera. This hybrid gender is constituted by the encounter, in a same arena, of performance art, contemporary music assisted by digital electronic technologies and the manipulation of visual medias such as found footage and video art. This study analytically approaches performance in music by focusing on the elaboration of a persona by the musical performer. Including the sonorous developments on the avant-garde movements through the resulting experimental music derived from the sixties counter-culture and the conceptual aesthetics of some chosen composers which transgressed the restrictive boundaries of musical composition by encompassing multiple art forms. Allowing an analytical glimpse on the new role of women as performers and creators of musical works in the multimedia universe. The synthesis of this conceptual historicized and self-referential genealogy culminated in the production, critical and process analyses of an authorial work, the electropera Ópio.

La presente tesis fue galardonada con el Premio Extraordinario de Doctorado, según acuerdo de la Junta de Gobierno con fecha 13 de marzo de 1992. Debido a sus especiales características, una parte del material anexo a esta tesis no se reproduce en la presente edición, pero puede consultarse en la publicación en microfichas. Una selección del material videográfico de apoyo a esta tesis puede visualizarse en : http://www.youtube.com/watch?v=Msua3bM_26M / El primer capítulo trata de la dificultad que supone encuadrar un tema de estudio por lo que comporta de excluir y se justifican múltiples opciones que no se siguen. Del capítulo dos, dedicado a la novela, se recoge el carácter iniciático que para el autor supuso este viaje al Sur, visto como un lugar anárquico, en busca del orden interno que lo sustenta. Y la identificación de Carmen con este Sur en el que el espíritu/intelecto del autor se aproxima a la materia/naturaleza, a la madre tierra que le atrae pero a la que no sabe dominar, y porque le da miedo, la destruye. Carmen representa el eterno enfrentamiento entre los pares de opuestos irreconciliables: Norte/Sur, Vasco/Gitana, Hombre/Mujer, Orden/Anarquía, y la constante búsqueda del individuo para encontrar su conciliación. En la base de la investigación está la elección de la pasión, la muerte, la libertad y el destino que, simbolizados por la flor, el cuchillo, el anillo y las cartas, recorren la mayoría de las reinterpretaciones. En el tercer capítulo, dedicado a la ópera, se recoge el efecto amplificador que la música y el libreto han proporcionado a la novela. En la traslación de códigos que supone el paso de la novela a la escena el elemento decisivo es el hecho de que se convierte en espectáculo: cada Carmen que canta está representando el rito y reviviendo el sacrificio, sacralizándolo. Los tres personajes alrededor de los cuales gira la novela: el viajero, Carmen y Don José se convierten en cuatro. Micaela y Escamillo aportan la dimensión espacio temporal en tanto que parejas ideales para D. José y Carmen respectivamente; si no hubiera aparecido la FATALIDAD alterando el orden del espacio social y provocando la tragedia. El elemento trágico equilibrado por otros cuatro secundarios, Frasquita, Mercedes, Remendado y Dancaire, aportando el elemento ligero y cómico, mientras que los coros confirman el carácter mítico y la dimensión social: Don José puede matar a Carmen pero no a las cigarreras que cantan al placer que sienten al fumar, ni a los bandoleros que exaltan su libertad en las montañas, ni a los niños que parodian a los soldados. La música de Bizet es un ingrediente importante en la popularización de la anécdota y en su devenir mítico. El capítulo cuarto está dedicado principalmente al cine. La colocación de la cámara, la ausencia/presencia de sonido y cromatismo, la utilización de una u otra música, son, junto con la estructura narrativa que se elija en cada caso, así como las respectivas presencias físicas de los protagonistas, elementos que tienden a diversificar la obra. Se demuestra que las inferencias sociales que se traducen en ciertas aportaciones anecdóticas traslucen mucho más de lo que en apariencia representan. La pasión amorosa para Carmen es su forma de vida, el Amor para Carmen no puede ser sino búsqueda y juego. Y como en todo juego, el riesgo forma parte de lo inevitable. La "infidelidad" de Carmen es libertad en el hecho de amar y por tanto fidelidad hacia su propia concepción del amor. Don José no entiende estos códigos y se siente víctima de un sortilegio, del que sólo podrá librarle el "sacrificio" de la culpable. El aire de libertad que respira Carmen, la mujer que no obedece, que no está sometida, es la destilación del aire de libertad colectiva de los pueblos que han aprendido a rebelarse contra la Monarquía en la Revolución Francesa y siguen haciéndolo contra Napoleón, la República, o la Comuna. Al ser esta tesis pluridisciplinar, ha sido acompañada por un trabajo videográfico que la ilustra y la completa. / A study of the novel Carmen by Prosper Mérimée and, more especially, of its protagonist and the subsequent transmutations she has inspired in other creative artists in various media. The thesis is divided into five chapters and also includes a bibliography and six appendices. The first chapter explains the concept and methodology employed. The second deals with the genesis of Mérimée's novel. It starts with a view on life and politics in Spain, from 1830 to 1870 and continues with an approach on Mérimée's life and interests and a description of the novel and its literary precedents. The third chapter refers to Bizet's opera. It starts with a view on the impressions left by travelers visiting Spain in the 1850's, presents Bizet and the librettists Meilhac and Halévy, a functional analysis of the opera and concludes with opinions and commentaries about the work by some of the artists who have interpreted it. The fourth chapter provides a panoramic view on the 50 films on the subject for which there are entries in the filmogra¬phy, and analyses 15 of them. There is a view on the productions by Peter Brook in Theatre and T.V., and on some of the known choreography in ballet, and the work in theatre of Antonio Gala in Carmen, Carmen. The fifth chapter is devoted to the conclusions. The appendices are: 1. The technical script and literary commentary on the videocassette which accompany and complete the thesis. 2. A discography of recordings of the opera from 1908 to 1984. 3. A filmography of over 50 films on the theme from 1904 to 1990. 4. Ephemera: a collection of articles from newspapers and magazines in French, English and Spanish from 1980 to 1990. 5. The text of Les Bohémiens by Pushkin in its translation into French by Mérimée, which is used in the thesis 6. The catalogue of two books illustrated by Picasso which relate to two editions of Carmen.

Submitted by Cristiane de Melo Shirayama (cristiane.shirayama@unifesp.br) on 2018-05-08T22:57:32Z No. of bitstreams: 1 R.AC. O LUGAR DE CARLOS GOMES NA FORMAÇÃO SOCIAL DA MÚSICA BRASILEIRA. 2013.pdf: 768783 bytes, checksum: d934efe41fb44ffd282d241c09dc6356 (MD5) / Approved for entry into archive by Cristiane de Melo Shirayama (cristiane.shirayama@unifesp.br) on 2018-05-10T20:07:14Z (GMT) No. of bitstreams: 1 R.AC. O LUGAR DE CARLOS GOMES NA FORMAÇÃO SOCIAL DA MÚSICA BRASILEIRA. 2013.pdf: 768783 bytes, checksum: d934efe41fb44ffd282d241c09dc6356 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-05-10T20:07:14Z (GMT). No. of bitstreams: 1 R.AC. O LUGAR DE CARLOS GOMES NA FORMAÇÃO SOCIAL DA MÚSICA BRASILEIRA. 2013.pdf: 768783 bytes, checksum: d934efe41fb44ffd282d241c09dc6356 (MD5) Previous issue date: 2013-02-18 / O presente trabalho, focado na trajetória de Antônio Carlos Gomes, compositor campineiro que se tornou representante da música nacional no projeto cultural do Segundo Reinado, visa compreender seu quinhão nos pródromos da formação social da música brasileira e no programa político que objetivava a formação nacional brasileira. A segunda metade do século XIX é marcada pela empreitada política que visava endossar a independência do Brasil através da construção de uma imagem cosmopolita e séria da excolônia lusitana. Carlos Gomes esteve presente nesse movimento e teve seu papel no estabelecimento de uma música nacional. Assim, este trabalho visa investigar como se deu esse processo a fim de compreender o lugar e o tempo de Carlos Gomes na história social da música no país. / This research is focused on the trajectory of Antônio Carlos Gomes, composer from Campinas that became the representative of national music in the Second Realm's cultural project, aims at the comprehension of Gomes' role in the prodromes of the social formation of Brazilian music and in the political program that objectified the creation of the national issue in the country. The second half of the 19th Century is characterized by the political enterprise which sought to endorse Brazil's independence through the construction of a cosmopolitan and serious image of the portuguese ex-colony, Carlos Gomes was present in this venture and had his role in the estabilishment of a national music. Thus, this thesis aims at investigating this specific process in an attempt to comprehend Carlos Gomes' place and time in Brazilian music and social history.

A presente pesquisa traça um percurso referencial artístico que culminou num gênero de performance digital denominado electropera. Este gênero híbrido é formado pelo encontro, numa mesma arena, da performance art, da música contemporânea assistida por tecnologias eletrônicas digitais e das mídias visuais manipuladas (cinema found footage e vídeo arte). A pesquisa parte da abordagem da performance na música com preocupações analíticas acerca da construção da persona no performer musical; caminha para os desdobramentos sonoros nas vanguardas e alcança os movimentos de música experimental resultantes da contracultura dos anos 60; analisa as concepções estéticas de alguns compositores referenciais que saíram dos limites restritivos da escrita musical e optaram pela inserção de múltiplas linguagens em suas obras e lança um olhar analítico sobre novo papel das mulheres como performers e conceptoras de trabalhos musicais no universo da multimídia. A síntese de toda essa genealogia conceitual, histórica e auto-referencial culminou com a produção e a análise crítica e processual de um trabalho pessoal, a electropera Ópio. / This research traces the referential path which culminated in a gender of digital performance entitled electropera. This hybrid gender is constituted by the encounter, in a same arena, of performance art, contemporary music assisted by digital electronic technologies and the manipulation of visual medias such as found footage and video art. This study analytically approaches performance in music by focusing on the elaboration of a persona by the musical performer. Including the sonorous developments on the avant-garde movements through the resulting experimental music derived from the sixties counter-culture and the conceptual aesthetics of some chosen composers which transgressed the restrictive boundaries of musical composition by encompassing multiple art forms. Allowing an analytical glimpse on the new role of women as performers and creators of musical works in the multimedia universe. The synthesis of this conceptual historicized and self-referential genealogy culminated in the production, critical and process analyses of an authorial work, the electropera Ópio.