Orientador: Edgar Salvadori De Decca / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciencias Humanas / Made available in DSpace on 2018-08-10T00:50:54Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Inacio_DeniseScandarolli_M.pdf: 26545099 bytes, checksum: 29e1d5edc3c1627c9d0d23eb47f9ecfd (MD5) Previous issue date: 2008 / Resumo: Dentre os grandes nomes da arte brasileira, mais precisamente da música, se encontra o de Antônio Carlos Gomes. Suas composições, cujo estilo operístico é o mais consagrado, e sua trajetória como artista foram apontados em vários discursos de diferentes épocas como exemplo de êxito da arte brasileira e, em alguns deles, utilizado como representação do ¿nacional¿ ou exaltação do mesmo. Essa visão da existência de uma postura ideológica ¿nacionalista¿, sem uma definição clara do que significa o termo, permeia a análise de suas obras até os dias atuais. Mas, em meio aos vários discursos sobre o compositor, esta dissertação busca compreender qual foi o discurso estruturado por seus conterrâneos no decorrer de seu percurso profissional, enfocando a relação entre seu trabalho e a crítica musical, além da construção de sua própria imagem como compositor, ou seja, uma releitura da trajetória do compositor a partir dos textos críticos publicados nos jornais da Corte brasileira (Rio de Janeiro) e das correspondências deixadas pelo artista / Abstract: Among the greatest names of the Brazilian art, most precisely in music, there is Antonio Carlos Gomes. His compositions, whose operistic style is the most consecrated, and his course as an artist were appointed in several discourses from different times as examples of the success of the Brazilian art and, in some of them, he was used as a representation of the ¿nation¿ or as it¿s exaltation. This view of the existence of a nationalist ideological posture, without a clear definition of the meaning of this term, has been found in analysis about his works until today. But, among this many discourses about the composer, this dissertation seeks a comprehension about what was the discourse structured by his fellow countrymen during his professional course, focusing the relation between his work and his music¿s reviews, besides the construction of his own image as a composer, meaning a new reading of the composer¿s course from the critic¿s texts published in the Brazilian¿s Court newspapers in Rio de Janeiro and from the letters that were left by the artist / Mestrado / Politica, Memoria e Cidade / Mestre em História

Orientador: Lenita Waldige Mendes Nogueira / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-10T02:18:16Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Virmond_MarcosdaCunhaLopes_D.pdf: 49401261 bytes, checksum: ca1d47fed823a3509e5efb26fb3174f6 (MD5) Previous issue date: 2007 / Resumo: Condor, estreada em 1891 no Teatro alla Scala de Milão, foi a última ópera escrita por Antônio Carlos Gomes. O estudo dos documentos textuais indica que o processo composicional envolveu a elaboração de um rascunho para canto e piano, a orquestração, uma extensa revisão final e a inclusão de um balé um ano após a estréia. A análise do rascunho, documento inicial da criação, revela alternativas composicionais que foram descartadas pelo autor se comparadas com o resultado definitivo tomado da edição para canto e piano de 1891. Usando-se esses documentos textuais, acrescidos do manuscrito autógrafo e da cópia profissional, foi possível reconstituir várias dessas alternativas ao longo do primeiro ato, analisa-las e discutir as possíveis razões para a conduta do compositor. Analisou-se também os aspectos de exotismo e orientalismo inerentes ao libreto abordados musicalmente por Gomes. Como resultado, verifica-se que Gomes construiu Condor ao longo de quatro fases: elaboração do rascunho, orquestração, uma revisão e introdução do Balé. As modificações promovidas indicam necessidade de condensação do discurso musical, reorganização do discurso harmônico e otimização do discurso dramático em paralelo ao discurso musical. A abordagem musical do orientalismo em Condor é refinada e sutil, quase imperceptível, mas com suficiente densidade para criar uma cor local efetiva. Revela-se, assim um compositor cioso da qualidade de seu produto final e com expressiva competência técnica enquanto operista, atento ao ambiente cultural de sua época, criativo, inovador e com importante contribuição para a evolução do melodrama italiano em seu período de transição até o surgimento da giovane scuola / Abstract: Condor, premiered in 1891 at Teatro alla Scala in Milan, was the last opera by Antonio Carlos Gomes. The study of the textual documents reveal that the compositional process included the elaboration of a piano vocal sketch, the orchestration, an extensive revision and a later inclusion of a ballet one year after the premiere. Analysis of the sketch, the initial document for the creation, reveal compositional alternatives that were discharged by Gomes when compared to the printed piano vocal score issued in 1891. With these textual documents and the autograph manuscript and the hard copies, it was possible to reconstruct many of these alternatives along the firs act, to analyze them and to propose possible reasons for such compositional options. It was also analyzed the exotic and oriental aspects due to the libretto and its musical treatment by Gomes. As a result, it is seen that Gomes has elaborated Condor in four phases: a piano vocal sketch, the orchestration, a revisions and addition of a ballet. The modifications introduced are related to the need of condensation of the musical discourse, reorganization of the harmonic discourse and optimization of the dramatic discourse in parallel to the musical discourse. The musical approach to orientalism in Condor is subtle and careful, without obvieties, but with enough density to create an effective ambience. It is found in Gomes a composer concerned with the quality of his final product and with expressive technical skills as an opera composer, attentive to the cultural / Doutorado / Doutor em Música

Este trabalho analisa os arquétipos do malandro e do feminino presentes na Ópera do malandro, de Chico Buarque, pelo viés da psicologia analítica de Carl Gustav Jung, estabelecendo relações com as bases antropológicas do imaginário, de Gilbert Durand, com a mitologia grega e com os estudos culturais de gênero. Investiga, ainda, aspectos regionais vinculados ao bairro da Lapa, no Rio de Janeiro, na década de 1940, período em que a peça é ambientada. Sendo assim, o presente estudo defende que a dinâmica psíquica está constantemente sendo transformada pela capacidade humana de criar analogias e de dar significado ou representação simbólica a todas as coisas, mostrando, dessa forma, que quanto mais flexível for o ego do indivíduo, mais elementos internos ele terá para promover, para si mesmo e para o meio onde vive, uma vida mais plena em criatividade e em saúde mental. / This paper analyses the archetypes of the malandro and of the feminine that are present in Chico Buarque’s Ópera do Malandro, from the point of view of Carl Gustav Jung’s analytical psychology, forming relations with the anthropological basis of the imaginary, by Gilbert Durand, with the Greek mythology and with gender cultural studies. Besides, it investigates regional aspects that are attached to the Lapa neighborhood in Rio de Janeiro in the 1940s, the time when the theater play takes place. Thus, the present study defends that the psychic dynamic is constantly being transformed by the human capacity in creating analogies. And also in giving meaning or a symbolic representation to all the things. This way, showing that the more flexible the individual’s ego is, the more internal elements he will have to promote a life filled with creativity and mental health to himself and to the environment he lives in.

Orientador: Maria Betania Amoroso / Dissertação (mestrado) - Universidade EStadual de Campinas, Instituto de Estudos da Linguagem / Made available in DSpace on 2018-08-13T14:46:52Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Aguedo-Silva_JoseLuis_M.pdf: 911871 bytes, checksum: 44097ad9cd9946bce1fdcec2925e4b07 (MD5) Previous issue date: 2009 / Resumo: A ópera sempre teve, desde seus primórdios, uma grande importância para a sociedade, tanto como fonte de lazer como transmissora do pensamento de uma época. E era esta característica que Giuseppe Mazzini (1805-1872), o maior teórico do Risorgimento, considerava primordial: a ópera repassaria a seus ouvintes os ideais risorgimentali. Para isso, era necessário que sobretudo libretistas e compositores estivessem engajados nessa causa. Era o caso de um dos mais representativos libretistas do século XIX, Salvatore Cammarano (1801-1852), prolífico autor, que escreveu libretos para diversos compositores em quase vinte anos de carreira. Dada a sua importância para a História da ópera, enquanto um de seus criadores mais ativos, ele foi escolhido como o objeto principal de nossa pesquisa. Tomamos como objeto de estudo, entre os mais de trinta libretos que Cammarano escreveu, a obra que consideramos a síntese do período: Il Trovatore (1853), ópera em quatro partes com música de Giuseppe Verdi (1813-1901). Il Trovatore nos parece essencial para ir mais a fundo nas pesquisas sobre o Romantismo na Itália. Numa época em que o romance tentava se fixar, a ópera teve uma participação fundamental na divulgação não só dos ideais do Risorgimento, como já citado, mas também na propagação de elementos do movimento romântico, então em voga. Na ópera, o período que coincide com o Romantismo europeu costuma ser chamado Bel Canto tardio, e são consideradas suas datas limite os anos de 1823 (quando da première da Semiramide, de Gioacchino Rossini e Gaetano Rossi) e 1853 (justamente com a Il Trovatore - sendo este mais um motivo para a escolha dessa obra). Dentre os objetivos de nossa pesquisa está o de proporcionar um estudo em português sobre o libreto, uma vez que a literatura relacionada ao assunto é escassa em nossa língua. Além disso, quisemos fazer um panorama da evolução do texto operístico com o passar do tempo, mostrando diferenças e pontos de vista, culminando na última obra de Cammarano, analisada mais profundamente / Abstract: Opera has always had, since its first years, a great importance to society, as a source of leisure and as a transmitter of the thoughts of a time. And the last characteristic is the one which Giuseppe Mazzini (1805-1872), the most important theorist of Risorgimento, considered essential: opera would be able to pass to its listeners the risorgimentali ideals. In order to do that, it was necessary that librettists and composers were engaged in this cause. That was the case of one the most representatives librettists of the 19th century, Salvatore Cammarano (1801-1852), prolific author, who wrote librettos for several composers in almost twenty years of a career. Given his importance to opera history, as one of its most active creators, he was chosen as the main object of our research. We chose to study, among more than thirty librettos written by Cammarano, the work that we consider the synthesis of the period: Il Trovatore (1853), opera in four parts set to music by Giuseppe Verdi (1813-1901). Il Trovatore seems essential to us in order to go further in our understanding of Italian Romanticism. In a time when the novel tried to fix itself, opera had a fundamental participation in spreading not only the risorgimentali ideals, as already said, but also the Romantic elements present in the age. In opera, the period which coincides with the European Romanticism is usually called late Bel Canto, and its limit dates are 1823 (when Semiramide, by Gioacchino Rossini and Gaetano Rossi was premièred ) and 1853 (with Il Trovatore). Among the objectives of our research is to provide a study in Portuguese about libretto, since the literature related to this subject is scarce in our language. Besides, we wanted to make an overview of the evolution of operatic text over time, showing differences and points of view, culminating in the last work of Cammarano, which we analyzed more profoundly / Mestrado / Literatura e Outras Produções Culturais / Mestre em Teoria e História Literária

Orientadores: Adriana Giarola Kayama, Paulo Mugayar Kuhl / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-09T01:51:15Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Pacheco_AlbertoJoseVieira_D.pdf: 94448031 bytes, checksum: 23cbf4b3ae1fd2b7cc68d14448fc57a6 (MD5) Previous issue date: 2007 / Resumo: Na presente tese, descreve-se a prática vocal carioca do início dos oitocentos, ressaltando como ela teria sido influenciada pela presença da corte portuguesa. Para tanto, consultamos um grande número de fontes primárias, tanto musicais quanto históricas. As fontes musicais mais importantes foram o próprio repertório composto no Rio daqueles dias e um grande número de livros de teoria e métodos musicais escritos tanto no Brasil quanto em Portugal. Por sua vez, dentre as fontes históricas usadas, podemos citar cartas, livros de despesa do governo, relatórios de dirigentes da Capela Real, periódicos, entre tantas outras. A partir da análise destes documentos, pudemos fazer um estudo biográfico abrangente dos cantores atuantes no Rio de Janeiro joanino, apresentando sempre que possível uma descrição de seu estilo interpretativo e de suas vozes. A descrição vocal individualizada foi baseada nos solos dedicados nominalmente a alguns cantores e compostos pelo Pe. José Maurício e por Marcos Portugal. Confirmou-se que a presença da corte portuguesa no Rio representou uma grande transformação na prática vocal carioca e, através da análise de grande parte da linha vocal solista do Pe. José Maurício, foi possível exemplificar como isto de fato se deu. Ao final, concluímos que até o início da década de 1840 o modelo de excelência vocal mais influente no Rio de Janeiro era a escola setecentista de canto italiano, representada principalmente pelos vários castrati da Real Capela. Esta pesquisa, que alia interesses tanto musicológicos quanto da prática interpretativa, é um exemplo do quanto a análise das atividades dos intérpretes contribui para se entender melhor a produção musical como um todo / Abstract: This thesis describes the vocal practice in Rio de Janeiro in the early nineteenth century, with particular emphasis on how it was influenced by the presence of the Portuguese court. To this end a substantial number of primary sources have been consulted, both musical and historical. The most important musical sources are those of the actual repertoire composed there at that time, as well as a considerable body of books on musical theory and methods written in both Brazil and Portugal. Among the historical sources consulted are letters, government expense ledgers, reports by those in charge of the Royal Chapel, and periodicals. From an analysis of these documents, it has been possible to carry out a wideranging biographical study of the singers active in Rio de Janeiro during the regency and reign of King João VI, whenever possible including a description of their interpretative style and their voices. The descriptions of individual voices are based on the solos expressly written for certain singers and composed by Father José Maurício Nunes Garcia and by Marcos Portugal. The data confirms that the presence of the Portuguese court in Rio did indeed lead to considerable change in vocal practice there and, by means of an analysis of most of the vocal lines by Fr. José Maurício, it can be shown how this actually occurred. We may conclude that up to the early 1840s the most influential model of vocal excellence in Rio de Janeiro was the eighteenth-century Italian school, represented above all by a number of castrati at the Royal Chapel. This research, which links questions relating to both musicology and interpretation, provides an example of how an analysis of the activities of performers contributes to a better understanding of musical output as a whole / Doutorado / Praticas Interpretativas / Doutor em Música

Submitted by Erika Demachki (erikademachki@gmail.com) on 2015-05-22T15:58:29Z No. of bitstreams: 2 Dissertação - Gleiciele Mendes Viana Moscardo - 2012.pdf: 6640649 bytes, checksum: 88adb9875ad3fd59c33a460239672412 (MD5) license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5) / Approved for entry into archive by Erika Demachki (erikademachki@gmail.com) on 2015-05-22T16:04:36Z (GMT) No. of bitstreams: 2 Dissertação - Gleiciele Mendes Viana Moscardo - 2012.pdf: 6640649 bytes, checksum: 88adb9875ad3fd59c33a460239672412 (MD5) license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5) / Made available in DSpace on 2015-05-22T16:04:36Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Dissertação - Gleiciele Mendes Viana Moscardo - 2012.pdf: 6640649 bytes, checksum: 88adb9875ad3fd59c33a460239672412 (MD5) license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5) Previous issue date: 2012-06-20 / This research addresses the musical comedy "Opera do Malandro" composed by Chico Buarque in 1978 and set during 40´s , at Rio de Janeiro, the final phase of the Estado Novo (1937-45). This investigation considers how Chico Buarque, using poetry and music, handled the censorship during the military dictatorship of the 70´s. It inserts "Opera do Malandro" in the context of the military dictatorship of the 70´s, considering the inclusion of multiple times in the preparation of the piece; the processes of hybridization that resulted in the "Opera do Malandro" and yet, the processes of identity representations, in particular those embodied in the figure of the rascal. Meaning to elucidate these questions, based on the concepts of phenomenological analysis and seeking support for the relationship between lyrics and music in musical rhetoric and Luiz Tatit´s studies, an analysis was made of the following poetic-musical songs that composes the piece: “O Malandro”, “Homenagem ao Malandro”, “Ópera” e “O Malandro nº2”. The analysis and interpretation of the query have confirmed the hypothesis presented that, from a language of "cracks" centered on the image of the rascal and the game of temporalities and hybridizations, Chico Buarque, using metaphores, presented the political, social and economic conditions of the country at those years, the 70´s. / A presente pesquisa aborda a comédia musical “Ópera do Malandro” composta por Chico Buarque em 1978 e ambientada no Rio de Janeiro dos anos de 1940, fase final do Estado Novo (1937-45). Constituem-se como eixos estruturantes desta investigação: a maneira como Chico Buarque lidou em termos poéticos e musicais com a censura durante a ditadura militar da década de 1970; a inserção da “Ópera do Malandro” no contexto da ditadura militar dos anos de 1970; a imbricação de tempos múltiplos na elaboração da peça; os processos de hibridação dos quais resultou a “Ópera do Malandro”, e ainda, os processos de representações identitárias, em especial, aquelas consubstanciadas na figura do malandro. Visando elucidar tais questões, baseando-se nos conceitos da análise fenomenológica e buscando respaldo para a relação letra e música na retórica musical e nos estudos de Luiz Tatit, foi realizada uma análise poético-musical das seguintes canções que compõe a peça: “O Malandro”, “Homenagem ao Malandro”, “Ópera” e “O Malandro nº2”. A análise e a interpretação dos questionamentos levantados confirmaram a hipótese apresentada de que, a partir de uma linguagem de “frestas” centrada na imagem do malandro e do jogo de temporalidades e hibridações, Chico Buarque metaforizou a situação política, social e econômica do país dos anos de 1970.

Inicialmente, a seguinte tese foi baseada em uma revisão bibliográfica de tudo o que se havia escrito sobre Carlos Gomes, segundo as bibliografias da música brasileira realizadas por Luiz Heitor Correia de Azevedo e Vicente Salles a segunda restrita à bibliografia do compositor - até a época da Semana de Arte Moderna. Tivemos o objetivo de avaliar o que se conhecia, nesta época, sobre Carlos Gomes, para então estudar o efeito que a Semana e o Modernismo exerceram sobre sua imagem, privilegiando sempre a ótica de Mario de Andrade. Por fim, foram estudadas as conseqüências do mesmo efeito sobre a bibliografia musical subseqüente, visando rever alguns conceitos e preconceitos - arraigados em nossa cultura - que foram prejudiciais ao compositor. / Initially, the following thesis was based on a bibliographical review of all that had been writen about Carlos Gomes, according to bibliographies of brazilian music realized by Luiz Heitor Correia de Azevedo and Vicente Salles - the second work restricted to the bibliography of the composer - until Modern Art Week. We intended to evaluate what had been known, by that time, concerning Carlos Gomes, in order to study the effect that the Modern Art Week as well as the Modernism performed upon his image, always privileging the point of view of Mario de Andrade. In conclusion, there have been studied the consequences of the efect abovementioned under the subsequent brazilian musical historiography, aiming to analyze some concepts and predjucides - deep-rooted to our culture - which had been prejudicial to the composer.

Made available in DSpace on 2016-04-18T21:31:43Z (GMT). No. of bitstreams: 6 Maria Clarice Lima Rodrigues1.pdf: 1625547 bytes, checksum: 08f4dbfe35662fac759b407c89c425dd (MD5) Maria Clarice Lima Rodrigues2.pdf: 3342755 bytes, checksum: 2b2e5f9b3aad590f7f5c6d7ba126a584 (MD5) Maria Clarice Lima Rodrigues3.pdf: 3272978 bytes, checksum: 82a51b6b87960cb73c34dd3574e109c8 (MD5) Maria Clarice Lima Rodrigues4.pdf: 1364254 bytes, checksum: b85318cfaee922ae97ee966853cce001 (MD5) Maria Clarice Lima Rodrigues5.pdf: 2796482 bytes, checksum: 58073e41c20ffb2d71800b07bf6c3861 (MD5) Maria Clarice Lima Rodrigues6.pdf: 799728 bytes, checksum: e91b149c76eead026df3a3eaf4d634da (MD5) Previous issue date: 2008-08-04 / The present work centralizes the political practice of Giuseppe Verdi and the analysis of the feminine voices in the Romantic Opera Aida. Through music and an exemplar personal conduct, the nationalist composer has expressed his own political opinions with his operas, which made him a symbol of the conquest of independence and national unity, a period known as Risorgimento, a movement of the Italian history that sought the country s unification between 1875 and 1870. Composed in his maturity, Aida (1871) reflects two crucial aspects of his carrier: the political theme and the concern about man within the society. His contribution for the Italian Romantic Opera development brought innovations in two ways: a) the evolution of drama, where we find the ideal solution between text and music, the word Scenic that first occurred in the end of the XIX and beginning of the XX century; b) the vocal typology of the end of Romanticism the specificity that Verdi gave vocal registries of his characters in that period achieved much importance, so now it is known as Verdian Vocal Evolutions. As a historical reference of Aida and its period of composition from the time it was ordered to its premiere in Cairo and Milan this research seeks after the dialogue in the correspondences between Verdi and his friends, and his co-participation in a libretto with Antonio Ghislanzoni. In relation to the feminine voices, we have investigated the detailing of Verdi s vocal registries and particularities in the vocal line of characters Aida (soprano) and Amneris (mezzo-soprano), presenting a descriptive analysis of the musical excerpts studied in accordance with the evolution of the drama. / O presente trabalho centraliza a prática política de Giuseppe Verdi e a análise das vozes femininas em sua ópera romântica Aída. Através da música e de sua exemplar conduta cívica, o compositor nacionalista expressou suas opiniões políticas com suas óperas. Desse modo transformou-se em símbolo do processo de conquista da independência e da unidade nacional, período conhecido como Risorgimento, movimento na história italiana que buscou entre 1815 e 1870 unificar o país. Composta na maturidade, Aída (1871) reflete dois aspectos cruciais de sua carreira: o tema político e a preocupação com o homem dentro da sociedade. Sua contribuição para o desenvolvimento da ópera romântica italiana trouxe importantes inovações em duas vertentes: a) na evolução do drama, onde encontramos a solução ideal entre texto e música, a palavra cênica, ocorrida na virada do século XIX para o XX e b) na tipologia vocal no final do Romantismo a especificidade que Verdi concedeu aos registros vocais de suas personagens no período, a ponto de chamarmos mais particularmente como evolução das vozes verdianas. Como referência histórica de Aída e seu período de composição - da encomenda à estréia no Cairo e Milão - nossa pesquisa busca o relato das correspondências entre Verdi e seus amigos e sua co-participação no libreto com Antonio Ghislanzoni. Com relação às vozes femininas, investigamos o detalhamento dos registros vocais em Verdi e particularidades da linha vocal das personagens Aída (soprano) e Amneris (mezzo-soprano) apresentando numa análise descritiva os trechos musicais em estudo de acordo com evolução do drama.

A Ópera Mouffe (1958) é um filme inaugural na obra da cineasta Agnès Varda. Um \"documentário-ficcional\" que utiliza diferentes modos expressivos, construído a partir de imagens em fluxo constituídas de forma ficional, a partir de elementos simbólicos, ou registradas em situações observacionais na rua Mouffetard, em Paris. De natureza subjetiva, o filme exibe, ainda, o primeiro registro do corpo de Varda em sua obra, na ocasião grávida de sua primeira filha, Rosalie. Foi a gestação que a mobilizou para a feitura do filme e a maternidade é o foco da narrativa. Varda faz desse pequeno curta uma espécie de manifesto feminista sensorial, ao apresentar, de forma poética, os conflitos reveladores das angústias das mulheres no interior da sociedade patriarcal, através da expressão em consonância dos arquétipos de Vênus e Deméter, respectivamente a Amante e a Mãe, conjugados na personagem central. Em vários de seus filmes posteriores, Varda irá expandir a configuração e combinação destes mitos, através de personagens que apresentam conflitos em relacionamentos, comportamentos, ou traços de personalidades que ecoam esses arquétipos. Essa característica possibilitou a Varda apresentar narrativas que permitem analisar criticamente o papel reservado às mulheres em nossa sociedade. / The Mouffetard Opera (1958) is an inaugural film in the work of French filmmaker Agnès Varda. A \"fictional documentary\" that uses different expressive modes, constructed from a flow of images constituted of fictional form, symbolic elements, and documentary images registered in observational situations at the Mouffetard Street, in Paris. Of subjective nature, the film also shows for the first time Varda\'s body in her work, at the time when she was pregnant of her first daughter, Rosalie. It was the gestation that mobilized her to make the film and motherhood functions as the trigger of the narrative. That short film is as a kind of sensorial feminist manifesto which reveals, in a poetic way, conflicts engendered by the anguish women experience within patriarchal society through the consonant expression of the archetypes of Venus and Demeter, respectively the Lover and the Mother, combined in the central character. In several of her ulterior films, Varda will expand the configuration and combination of those myths through characters that present conflicts in relationships, behaviors, or personality traits that echo those archetypes. Such tools allowed Varda to present narratives that allow a critical perspective over the role offered to women in our society.

Este trabalho tem por objetivo principal identificar a influência exercida pela Literatura Brasileira sobre a ópera lírica italiana através da composição e apresentação da ópera Il Guarany, de Antônio Carlos Gomes, no Teatro alla Scala de Milão, em 1870. Esta pesquisa centra-se em cinco pontos de referência: as origens de Carlos Gomes e a sua formação inicial; a vida teatral e literária na Corte durante o Segundo Império e a ida de Gomes para o Rio de Janeiro a fim de estudar no Conservatório Nacional, suas produções musicais durante esse período; o período de transição do melodrama italiano em meados do século XIX, grandemente influenciado pela grand-opéra francesa, na época em que Gomes estudou no Conservatório de Milão; o indianismo como discurso nacionalista romântico, que deu origem ao romance O Guarani, de José de Alencar, que foi adaptado como libreto da ópera de Gomes; os efeitos que a ópera Il Guarany produziu na Itália e no Brasil. Por fim, apresentamos o libreto em italiano, extraído da partitura e a tradução que foi elaborada para a apresentação da ópera em português, no Brasil, concluindo com as considerações que levam em conta a influência exercida pela grande literatura sobre os compositores de ópera / This work has a main objective identify the influence of the Brasilian Literature on the Italian lyric opera through of composition and presentation of lyric opera Il Guarany, by Antônio Carlos Gomes, in Scala Theater from Milan, in the 1870. This research is centered in five focal reference points: the origins of Carlos Gomes and his professional training; the theatrical and literary life in the Court during the Second Reign and his departure for Rio de Janeiro to study in the National Conservatory; the period of transition in mid-nineteenth-century Italian melodrama, greatly influenced by French grand-opéra, a period during which Gomes finished his studies in Milan; the Indianismo as a Romantic Nationalistic discourse, which originated the novel O Guarani, by José de Alencar, later adapted as a libretto for Gomes´ opera; the effects of the opera in Italy and Brazil. Finally we present the libretto in Italian drew on the score and the translation particulary maked for your presentation in Portuguese language, in Brazil. We conclude speak about the influence over great literature on the opera composers