Cette étude s’inscrit dans un questionnement entourant les notions d’identité nationale et de construction allégorique. Elle s’inscrit également dans une problématique touchant les questions de la matérialité de la littérature et du cinéma. Dans la première partie de cette recherche, nous allons d’abord définir les notions d’allégorie et d’allégorie nationale. Par la suite, à partir de l’histoire d’Iracema, nous allons questionner deux œuvres qui travaillent la rencontre entre une autochtone et un blanc de manière distincte. La première œuvre est Iracema : lenda do Ceará de José de Alencar, un écrivain connu du XIXe siècle au Brésil. Véritable allégorie nationale de fondation, cette œuvre cherche à unir allégoriquement les différences sociales pour fonder une identité qui serait brésilienne. Le film Iracema : uma transa amazônica reprend cette histoire de construction nationale dans un contexte de dictature et montre ses contradictions et ses limites. En mettant l’accent sur les travailleurs et les marginalisés de l’imaginaire national, le film altère la sensibilité visuelle des spectateurs. Puisque l'oeuvre de Bodansky et Senna se situe à la limite entre le documentaire et la fiction, nous avons posé notre regard sur les résistances qu’offrent des images documentaires à l’interprétation allégorique de la nation. / This research explores the notions of national identity and of the rhetorical figure of the allegory. It also questions the materiality and the specificity of literature and cinema. In the first part of this research, we will define the notion of allegory and the concept of national allegory. In the second part, inspired by the story of Iracema, we will analyze two specific works that narrate singularly the encounter between a native and a white man. The first work, Iracema : lenda do Ceará (1865) is by José de Alencar, a well-known mid-nineteenth century Brazilian author. In this novel, the author tries to construct a Brazilian identity by allegorically and fictionally binding together social differences. The second work, Iracema : uma transa amazônica (1974) by Orlando Senna and Jorge Bodansky is a contemporary version of the story, depicting the limits and contradiction of the concept of national identity. Filmed during the dictatorship, this film displays the people who are excluded and marginalized from the project of Brazilian identity. With Bodansky and Senna’s work positioned in an ambiguous position between documentary and fiction, we will question the resistance exhibited by documentary images to the allegorical construction of the nation.

Lire la poésie de Pétrarque sous l'angle de la métamorphose est en soi une approche originale, d’autant plus que la métamorphose s'y présente sous de multiples formes : élément narratif explicite, transformation implicite par la métaphore, allusion à des mythes ovidiens, mutatio extérieure et intérieure des personnages de la fabula lyrique autobiographique, transformation des textes et de la poétique de l'auteur au fil du passage du temps, lui-même métamorphosant. Cette thèse aborde la poétique de Pétrarque en-dehors des sentiers battus, en étudiant d'abord la tradition médiévale des commentaires allégoriques des trois mythes ovidiens, Daphné, Méduse, Narcisse, qui sont fondamentaux dans les Rerum Vulgarium Fragmenta, afin de déterminer ensuite les points de contact ou de divergence avec les poésies du livre. C’est également par une démarche nouvelle que ces trois mythes principaux, auxquels s'ajoutent des fables secondaires, sont appréhendés d’après la chronologie réelle de l'écriture et ses interférences avec la construction progressive du livre-canzoniere. La thématique métamorphique d’ascendance ovidienne est ainsi confrontée à la problématique de la mutatio animi augustinienne. Enfin, la double présence des mythes métamorphiques et de la métamorphose comme réécriture, autobiographique ou métapoétique, est élargie aux Triomphes et à la poésie latine (Epystole, Africa, Bucolicum Carmen), jamais étudiés dans cette perspective. / Reading Petrarch's poetry from the angle of metamorphosis is in itself an original approach, all the more since metamorphosis takes there many different forms : a narrative explicit component, implicit transformation by metaphor, allusion to ovidian myths, external and internal mutatio of the characters of the lyric and autobiographical fabula, transformation of the texts and the author's poetics with the passing of time, which has itself a metamorphosing action. This thesis approaches Petrarch's poetics geting off the beaten paths, by studying first the medieval tradition of allegorical commentaries, particularly those concerning three ovidian myths, Daphne, Medusa, Narcissus, which are fundamental in the Rerum Vulgarium Fragmenta, with the purpose to determine then common features and divergences with the poems of the book. These three main myths, completed by secondary fables, are also studied by means of a new method, that is according to the chronology of writing and its implications with the progressive construction of the canzoniere. The metamorphic theme, of ovidian origin, is in this way confronted to the problematic of the augustinian mutatio animi. Lastly, the double presence of metamorphic myths and of metamorphosis as rewriting, autobiographical or metapoetical, is extended to the Triumphs and to latin poetry (Epystole, Africa, Bucolicum Carmen), never analysed from that viewpoint.

Cette thèse articule le concept de « catastrophe » à l’esthétique du récit pour mettre en lumière des spécificités conceptuelles et narratives des récits littéraires et cinématographiques issus des périodes de violence de masse en Amérique latine. Elle a ainsi comme principal objet d’étude les narrations de la catastrophe. Pour ce faire, elle choisit comme étude de cas trois pays, l’Argentine, le Chili et le Mexique. À partir d’un corpus réduit de 12 œuvres, ce travail aborde, notamment, deux types de récits, le récit de la catastrophe et le récit catastrophiste, correspondant, chacun, à une période historique déterminée. Le premier se circonscrit aux périodes dites de « terrorisme d’État », donc à des moments d’extrême vulnérabilité citoyenne, et le second à celles dites « de transition », c’est-à-dire, à des moments où cette vulnérabilité est prise en charge par des gouvernements et des organismes de la société civile. Cette thèse a donc une double portée, à la fois d’analyse historique et d’analyse esthétique du récit. Elle s’applique notamment à préciser les rapports du concept de catastrophe avec le témoignage, les expériences de vulnérabilité propres aux périodes, la tentation du silence provoquée par ces états de vulnérabilité et le catastrophisme, autant de notions qui nourrissent et établissent les bases du rapport global entre récit et catastrophe. Elles permettent de proposer un outillage conceptuel facilitant la compréhension des narrations de la catastrophe et, par ce même biais, de proposer de nouvelles clefs de lecture des situations et des discours politiques propres à chaque période et à chaque pays étudié. / This study set out to describe, using the concept of “catastrophe” and its relationships with aesthetic narration, conceptual and narrative specificities of literary and cinematographic works derived from mass violence periods in Latin America. Thus, its main object of study is the narrative of catastrophe in three countries, Argentina, Chile and Mexico. It made use of a corpus composed by 6 films and 6 literary texts, classed by two main narrative configurations, the narrative of the catastrophe and catastrophism narrativity, and two main historical periods. The first period under discussion is circumscribed to the apparition of “state terrorism” and citizens’ vulnerability, and the second one taken into account is “transitional periods”, where this vulnerability is carried out by government policies and civil organizations’ initiatives. In this sense, this thesis has a double objective, the analysis of two historical periods through narrative configurations and the formulation of the two narrative configurations that highlight those two periods. These two formulations take into account the relationships between the concept of catastrophe with testimonial and fictional texts, with experience of vulnerability, silence or self-censorship and with catastrophism. These notions constitute the conceptual background that defines the narratives of catastrophe and that offer new readings on historical and narrative discourses from the two studied periods.

José Saramago (1922-2010), prix Nobel de littérature en 1998, est un écrivain portugais dont l’œuvre a une portée universelle, et ce grâce à l’emploi, en particulier, d’une figure, l’allégorie. Elle a été longtemps rejetée au profit du symbole, en particulier par les romantiques allemands. Pour José Saramago, elle est devenue nécessaire à la construction de son univers fictionnel et à la transmission de son message. La construction allégorique est donc chez cet écrivain un appel à l’éveil de l’homme contemporain. Elle sert également de support à une prise de conscience et un avertissement à un monde qui se révèle être de plus en plus plongé dans la déraison. Cette thèse mène une réflexion sur l’évolution de l’allégorie chez José Saramago, son emploi, son dialogue avec les arts plastiques et avec d’autres figures et son importance dans l’ensemble de l’œuvre de l’écrivain portugais. Son objectif est de montrer les différentes manières dont l’allégorie opère dans la construction du sens de l’œuvre de cet auteur et à quel point elle est essentielle à la transmission des systèmes idéologiques au lecteur. Pour ce faire, sont convoquées les théories de Walter Benjamin et, plus près de nous de Francine Wild, Éléonore Reverzy, Tzvetan Todorov, Bernard Vouilloux, Flávio Kothe qui poursuivent également des recherches sur l’allégorie. La théorie littéraire, dans notre travail, côtoie l’herméneutique de l’allégorie, du mythe, du symbole, de la métaphore, afin de mieux comprendre le sens global de l’œuvre saramaguienne. / José Saramago (1922-2010), Literature Nobel Prize in 1998, is a Portuguese writer whose work has a universal reach and thanks to the use, in particular, of a figure, allegory. Germany Romanticists slighted over this figure rather than the symbol for a long time. José Saramago has used this writing feature which was really necessary to create his fictional universe and hence for the transmission of his message. To this writer, the allegorical construction is an invitation to the awakening of the contemporary man. It serves as a support to cause an awareness and also a warning to a world that is revealed to be increasingly immersed in unreason. This thesis conducts a reflection on the evolution of allegory in José Saramago, his job, his dialogue with the arts and other figures and their importance in the work of this Portuguese writer. His goal is to show the different ways the allegory operates in the construction of this author's work of meaning and to what extent it is essential in the transmission of ideological systems to the reader. For this, he presents theories of Walter Benjamin as well as other nearby theorists, such as Francine Wild, Éléonore Reverzy, Tzvetan Todorov, Bernard Vouilloux, Flávio Kothe that have developed in turns research on allegory. Literary theory, in our work, goes side by side with the hermeneutics of allegory, myth, symbol, metaphor, in order to better understand the overall meaning of Saramago's work.

A travers un état de l'art critique, cette thèse explore de nouvelles méthodes d'ingénierie des connaissances pour le développement d'une intelligence collective centrée sur la stimulation, l'expression et le partage de connaissances dans les milieux humains. Parallèlement aux recherches théoriques concernant l'épistémologie des langages symboliques et leurs éventuels dépassements par l'usage de langages allégoriques, les questions autour d'une méthode de conceptualisation à partir d'une cartographie éthico-ontologique sont abordées en référence à des conceptions issues de travaux philosophiques, anthropologiques et des sciences de l'information et de la communication. L'objectif est de poser les bases d'une recherche interdisciplinaire sur la conception d'un modèle générique de design d'information qui s'inspire de l'analogie du jardin pour cultiver des connaissances.

L'hypothèse principale qui sous-tend cette recherche est que les œuvres de Maurice Blanchot (recueils critiques, romans et récits) s'inscrivent dans un projet métapolitique dont le fil rouge est la problématique de la souveraineté. C'est celle-ci qui fournit le point d'articulation entre les interventions publiques et les textes littéraires de Blanchot. Le rôle central dévolu par cet auteur à la Révolution et à la Loi, ainsi que l'encrage allégorique de ses textes dans les conditions historiques qui président à leur émergence sont des éléments qui permettent de les soustraire à l'idéologie néo-moderniste. D'autre part, on a voulu montrer qu'il s'agit d'une œuvre charnière, à partir de laquelle peut être investigué un double tournant. Celui-ci affecte à la fois la médiation juridique du pouvoir, axée sur la figure du souverain, et la doctrine de l'Etat esthétique fondée sur la relation entre la production de l'art et la constitution du peuple. L'exemple de Blanchot permet d'envisager un renouvellement des conditions représentationnelles, et c'est sans doute pour cette raison que cet auteur est devenu une référence inaugurale pour les pensées contemporaines qui se proposent de dépasser l'horizon juridico-politique de la souveraineté. En ce qui concerne le corpus analysé, le parti-pris de cette thèse est de privilégier des textes moins discutés par l'exégèse blanchotienne. Ainsi, plutôt que de relire les grands recueils critiques, il s'est agi d'analyser de manière détaillée le volet en quelque sorte caché du dispositif mis en place par Blanchot: les articles des années 1930, qui n'ont pas été, pour la plupart, réédités ; les chroniques publiées dans le Journal des débats, entre 1941 et 1944 ; les interventions politiques et culturelles postérieures à 1958 ; sur le plan de la fiction, les premiers récits dystopiques, " Le dernier mot " et " L'Idylle ", ainsi que le roman Le Très-Haut.

Les puritains interdisaient généralement de s'exprimer dans un style imagé et exigeaient que la Bible soit interprétée littéralement. Bunyan, écrivain puritain lui aussi, était en revanche en faveur de l'expression spirituelle et de la métaphorisation du texte biblique, convaincu que ce style était celui des Écritures. Cette thèse propose d'étudier ce paradoxe en essayant de comprendre la raison de cette crainte à l'égard des images littéraires, de la part des puritains, et la raison de leur utilisation par Bunyan, notamment dans " The Pilgrim's Progress ". La première partie examine la relation des puritains à la Bible dans trois chapitres. Le premier chapitre traite de la position des puritains face à l'Église Établie et la monarchie. Le deuxième chapitre analyse l'autorité de la Bible chez les écrivains puritains. Le troisième chapitre retrace les étapes scripturaires que Bunyan a traversées, avant et après sa conversion. La deuxième partie, composée de trois chapitres, étudie l'importance de l'image littéraire chez Bunyan. Le premier chapitre traite de la définition du terme " image " pour dissiper la confusion entre celui-ci et les autres figures du style. Il propose aussi au lecteur un bref historique de l'image littéraire et plastique depuis l'Antiquité jusqu'à l'époque de Bunyan, et des débats théologiques que le mot " image " a suscité. Le deuxième chapitre analyse comment et pourquoi l'auteur s'est servi de l'image comme support pédagogique dans l'édification de ses coreligionnaires. Le troisième chapitre traite des matériaux qu'il utilisa pour construire ces images dans " The Pilgrim's Progress ". Enfin, la troisième partie analyse en détail deux images bibliques, le chemin et le lion, que Bunyan utilise dans " The Pilgrim's Progress ". Elle explique les nuances de ces images, leurs origines bibliques, et leur portée théologique, le tout dans le cadre de la foi protestante et puritaine qui était celle de Bunyan.

Le vieux différend entre le philosophe et le poète, entre logos et mythos, peut être converti en accord à condition de changer de point de vue. Alors que Platon n’a voulu voir dans leurs différences qu’une source de discorde et de division, Aristote en a tiré une poétique et une rhétorique, les poètes de la Renaissance une philosophie poétique et Vico une anthropologie du langage et une archéologie de la pensée. Ce qui est pour les modernes une « pensée sauvage » a longtemps été considéré par les anciens comme une sagesse archaïque, qui s’exprimait par figures et « traduisait en langue des dieux » les voix de la nature.On se propose ici de réévaluer les notions de pensée poétique et de pensée mythique en adoptantle point de vue des poètes de la Renaissance et de l’âge baroque, qui identifièrent l’une et l’autre à la pensée ingénieuse productrice de métaphores, de figures et de fictions. Mais il faut remonter aux sources antiques pour pouvoir rendre compte de l’active polysémie des anciennes méthodes d’interprétation des mythes qui, loin de séparer les points de vue de la physique, de la morale et de la théologie, les associaient en une « science poétique » qui faisait la synthèse de tous les savoirs du monde, et qui est désormais une science fossile. / The old dispute between the Philosopher and the Poet, which leads to the dichotomy betweenLogos and Mythos, can be turned into a settlement as long as one changes one’s viewpoint. WhilePlato only considered their difference as a source of discord and division, Aristotle drew from it aPoetic and a Rhetoric, the Renaissance poets a Poetical Philosophy, and Vico a language’sAnthropology and an Archeology of the Thought. What is considered by the Moderns to be a « wildthinking » was seen by the Ancients as an archaic wisdom, expressed through figures and« translating the voices of nature into the language of gods ».The purpose here is to reassess the concepts of Poetic and Mythic thought by adopting theviewpoint of the poets of the Renaissance and the Baroque era. Those cleary identified these twospecific thinkings with the wit’s power to produce metaphors, figures and fictions. In order to achievethis research, it is important to revisit the antic sources, so as to enlight the effective polysemysupporting the ancient ways used to interpret myths. Far from categorising the stance of the physics,the morals and the theology, the Ancients used to gather them into a comprehensive « poeticscience » : it reunited the synthesis of all knowledge but has become a fossilised science

La notion de personnage est problématique dans le contexte de l’épopée antique, en particulier pour les dieux et pour le héros virgilien, Énée. Réhabiliter cette notion afin de mieux cerner le personnage épique et, avec lui, le Lecteur Modèle de l’épopée, nécessite donc une étude de la terminologie. La première partie s’attache ainsi à définir les critères et les limites à donner à l’effet-personnage dans l’Énéide en envisageant notamment la tradition d’interprétation allégorique des dieux. Les deux parties suivantes sont centrées chacune sur un personnage et l’on y examine les rapports qui s’établissent entre narrateur, personnage et lecteur en partant du postulat selon lequel le narrateur, en tant que relais d’une identification primaire, apparaît comme un guide dans la réception du personnage. Énée, parce qu’il est l’élu du destin, se voit parfois dénier le titre de personnage ; par sa nature de demi-dieu, il se situe en outre à la croisée des deux mondes, humain et divin. La déesse Junon offre l’occasion d’appliquer les principes définis dans la première partie pour l’attribution du statut de personnage aux dieux ; en outre, c’est son action qui constitue la matière de l’action racontée et confère son rythme au récit. / The litterary concept of character considered in the context of Ancient Epic is a source of controversial, especially for the gods and Vergil’s hero, Aeneas. Reconsidering this notion, in order to figure out more clearly the epic character and the epic « Model Reader », requires a close study of the terminology. The first part of this thesis tries to determine the criteria defining the « character-effect » in the Aeneid and the limits of this notion, surveying, among others, the allegoric traditions about the gods in Ancient Epic. Each of the two following parts focuses on a single character and analyses of the relationship between the narrator, the character and the reader, starting from the premise that the reader identifies primarily with the narrator, who will guide him in his reception of the characters. To Aeneas, as the Elected of fate, the title of character is sometimes denied ; as a demi-god, he stands at the intersection of the divine and the human worlds. A study of Juno then brings the opportunity to assess the principles defined in the first part about the gods and their status as characters of the epic ; moreover, Juno’s actions supply the narrative material, and contribute to define its tempo.

Depuis le début des années 2000, l’un des traits distinctifs de la littérature nigériane tient dans son utilisation du genre littéraire du Bildungsroman , dont cette thèse considère les différentes évolutions chez les romancières et romanciers dits de la troisième génération. En examinant une vingtaine de romans, de Waiting for an Angel (2002) de Helon Habila à Freshwater (2018) d’Akwaeke Emezi, ce travail se propose de brosser un portrait panoramique d’un pan de la littérature nigériane ultra-contemporaine par le prisme du Bildungsroman. Prenant appui sur les études de genre, cette étude considère tout d’abord les différentes variations féminines d’un genre littéraire au penchant androcentrique. Les réécritures féminines du Bildungsroman mettent en lumière le développement (ou son échec) d’un point de vue et d’une voix individuels alors que les héroïnes tentent de (se) construire un moi unifié. La tendance allégorique du Bildungsroman sous sa forme traditionnelle est également centrale, et l’Histoire de la nation nigériane, depuis la guerre civile (ou guerre du Biafra, 1967-1970), jusqu’au début des années 2000, est au cœur des intrigues tissées par les ouvrages du corpus : la Bildung des protagonistes se fait en parallèle de celle de la nation. Enfin, au XXIè siècle, les frontières nationales ne semblent plus être tout à fait pertinentes pour les romancières et romanciers nigérians qui, de par leur propre expérience en tant qu’individus, détaillent les nouvelles conditions de développement dans une société mondialisée, multiculturelle, ou transculturelle, où les frontières (géographiques, identitaires, génériques) tendent à s’estomper voire à disparaître. Nous proposons donc de nous interroger sur l’existence d’une spécificité nigériane du Bildungsroman en ce début de XXIè siècle. / Since the beginning of the 2000s, one of the distinctive features of Nigerian literature has been the use of the literary genre of the Bildungsroman . This thesis considers the different evolutions of this genre among male and female third-generation Nigerian novelists. It examines more than twenty novels, from Waiting for an Angel (2002) by Helon Habila to Freshwater (2018) by Akwaeke Emezi, thereby providing a picture of contemporary Nigerian fiction. This study aims at analysing contemporary Nigerian fiction through the genre of the Bildungsroman. By using gender theory, it considers the feminine variations on an androcentric genre. These feminine rewritings put forth the development (or lack thereof) of the heroines from an individual viewpoint as they try to build a unified self. The allegorical tendency of the traditional Bildungsroman is also central, and the History of the Nigerian nation, from the civil war (or Biafra war, 1967-1970), to the beginning of the 2000s, is at the heart of the plots woven by the novels chosen in the corpus: the Bildung of the protagonist parallels the Bildung of the nation. Finally, in the 21st century, national borders do not seem to hold any longer for the third-generation writers who, because they experience mobility themselves, describe the new conditions of development in a globalized society, which is increasingly multicultural or transcultural; borders (whether they be geographical, linked to identity, or generic) tend to fade away, or disappear. This thesis examines whether or not a Nigerian specificity of the Bildungsroman exists in the 21st century.