António Ramos Rosa est une figure majeure dans le panorama de la poésie portugaise contemporaine, avec une œuvre singulière qui a contribué, dès les années 50, à la rénovation de l’espace poétique, en ayant un rôle d’intervention théorique et critique au sein des mouvements artistiques au Portugal Notre propos, dans cette recherche, a été d’étudier les rapports entre philosophie et poésie dans le cadre de la modernité, à partir du temps comme ligne d’orientation dans une perspective phénoménologique (Cf. Husserl, Heidegger, Derrida et Deleuze, entre autres). Considérant le langage et l’expérience esthétique comme l’enjeu privilégié de la modernité poétique, nous avons cherché à comprendre la façon dont le discours philosophique s’inscrit dans le matériau de l’œuvre poétique, et à montrer comment l’analyse des textes peut nous permettre de dégager des éléments pour une réflexion concernant leur implication sur le plan ontologique. Ainsi, dès les premières analyses, le temps a été confirmé, non seulement comme élément essentiel, mais aussi comme marqueur principal dans ce discours qui, dans cette poétique, convoque d’autres référents d’ordre phénoménologique contribuant à la structuration d’un langage novateur. Notre approche pragmatique a permis d’identifier le caractère prégnant de ces référents, dans son ensemble. C’est dans ce contexte que l’idée de transformation, de transparence et d’utopie surgissent. Il s’agit d’une situation énonciative qui rapproche poétique et dialectique dans un réseau d’images et modes du discours qui ont pour horizon l’ontologie et en matérialisant dans le langage du poème. / António Ramos Rosa is a major personality in the panorama of contemporary portuguese poetry. Since the decade of 1950, the remarkable originality of his works has been a contribution to the renovation of the poetical universe, having a theoretical and critical main role of intervention among the artistic movements in Portugal. Our project in this research, was to analyse the relations between poetry and philosophy having modernity as its framework, with the concept of time as our guide in a phenomenological perspective (Cf. Husserl, Heidegger, Derrida and Deleuze). Considering language and aesthetic experience as the privileged challenge of modernity in poetry, we have tried to understand in what way the philosophical discourse is inscribed in the poetic works of this author and to show how the analysis of texts allows us to separate the elements of a reflection with an implication on ontological plan. In that way, and since the very first analysis, the concept of time, besides from being an essential element, was to be confirmed as an important mark in the poetic discourse of António Ramos Rosa, and calls for other referents that contribute to structure an innovating language. Our pragmatic approach allows us to identify the particularity of those points, as also as to relevate the place of language and the subject in his totality. In this context the importance of transformation, transparence and utopia became clear. It is a situation of enunciation approaching poetics and dialectics within a web of images and modes of discourse having in the horizon ontology materialized in the language of the poem.

Les puritains interdisaient généralement de s’exprimer dans un style imagé et exigeaient que la Bible soit interprétée littéralement. Bunyan, écrivain puritain lui aussi, était en revanche en faveur de l'expression spirituelle et de la métaphorisation du texte biblique, convaincu que ce style était celui des Écritures. Cette thèse propose d'étudier ce paradoxe en essayant de comprendre la raison de cette crainte à l’égard des images littéraires, de la part des puritains, et la raison de leur utilisation par Bunyan, notamment dans « The Pilgrim's Progress ». La première partie examine la relation des puritains à la Bible dans trois chapitres. Le premier chapitre traite de la position des puritains face à l'Église Établie et la monarchie. Le deuxième chapitre analyse l'autorité de la Bible chez les écrivains puritains. Le troisième chapitre retrace les étapes scripturaires que Bunyan a traversées, avant et après sa conversion. La deuxième partie, composée de trois chapitres, étudie l’importance de l’image littéraire chez Bunyan. Le premier chapitre traite de la définition du terme « image » pour dissiper la confusion entre celui-ci et les autres figures du style. Il propose aussi au lecteur un bref historique de l’image littéraire et plastique depuis l’Antiquité jusqu’à l’époque de Bunyan, et des débats théologiques que le mot « image » a suscité. Le deuxième chapitre analyse comment et pourquoi l’auteur s’est servi de l’image comme support pédagogique dans l’édification de ses coreligionnaires. Le troisième chapitre traite des matériaux qu’il utilisa pour construire ces images dans « The Pilgrim’s Progress ». Enfin, la troisième partie analyse en détail deux images bibliques, le chemin et le lion, que Bunyan utilise dans « The Pilgrim’s Progress ». Elle explique les nuances de ces images, leurs origines bibliques, et leur portée théologique, le tout dans le cadre de la foi protestante et puritaine qui était celle de Bunyan. / The Puritans generally forbade imagery and required a strict literal interpretation of the Bible. Bunyan, although a Puritan writer himself, was in favour of spiritual expression and metaphorical understanding of the Biblical text, convinced that this was the style of the Scriptures. This thesis sets out to study this paradox and understand the reason for the Puritans’ fear of literary images, as well as the reason why Bunyan used them, especially in "The Pilgrim’s Progress". The first part analyses the Puritans’ relationship with the Bible. The first chapter discusses their position toward the Established Church and the monarchy. The second chapter analyses the authority of the Bible. The third chapter depicts Bunyan’s scriptural steps before and after his conversion. The second part discusses the importance of imagery to Bunyan. The first chapter attempts to define the word "image" in order to elucidate its meaning, and to distinguish it from other figures of speech. A brief history of literary and artistic imagery from antiquity to Bunyan’s time, and the theological debates about the word "image" through the centuries are also proposed. The second chapter attempts to determine how and why Bunyan used images for the edification of his readers. The third chapter analyses the techniques used to compose "The Pilgrim’s Progress". Finally, the third part discusses in detail two biblical images that Bunyan used in "The Pilgrim's Progress": the Way and the lion. It explains the nuances of these images and their theological content, in the context of Bunyan's Protestant and Puritan beliefs.

Proust est un lecteur régulier et exigeant de Baudelaire, auquel il consacre des pages critiques qui ont compté dans la réception du poète au cours du XXe siècle. Toutefois, les liens qui unissent les deux auteurs sont loin de se réduire à cette dimension métatextuelle et permettent d’interroger plus avant la notion même d’intertextualité. La principale difficulté dans l’identification de la présence de Baudelaire tient à son côté diffus qui s’inscrit dans les linéaments de l’écriture. Loin d’être explicites, les renvois à l’œuvre du poète se font au mieux sur le mode de l’allusion, sinon au gré d’un filtrage intertextuel et culturel qui gomme presque totalement les traces de ce souvenir. Nous proposons de revenir à une définition de l’intertextualité entendue dans un sens large, associant l’étude du texte à l’histoire et à l’anthropologie culturelles, soulignant ainsi que l’écriture est autant mémoire qu’oubli, et, partant, que la mémoire du lecteur n’est pas moins ambivalente. Atteindre le Baudelaire de Proust suppose ainsi de comprendre quelle idée le romancier se faisait du poète, mais aussi par quelles médiations l’œuvre de Baudelaire, passée au filtre des sensations de Proust, de son histoire, de son époque s’est imprimée dans la Recherche. En d’autres termes, il convient tout à la fois d’établir la sociologie d’une lecture et celle d’un lecteur.Apparaissent ainsi deux Baudelaire : l’un est explicite et rapidement usée par la conversation et l’autre innerve la Recherche. On voit qu’un Baudelaire chasse l’autre, et que les réseaux intertextuels ne peuvent être que souterrains. L’œuvre de Baudelaire chez Proust est ainsi lue au prisme de la mémoire et de l’oubli. / A voracious and meticulous reader of Baudelaire, Proust’s non-fiction writing pays substantial attention to the poet, in criticism which would influence the reception of Baudelaire’s work throughout the twentieth century.However, the imbrication of these two writers extends far beyond the issue of metatextuality. Rather, by highlighting the pervasive presence of Baudelaire in Proust’s oeuvre, the object of scrutiny becomes the very notion of intertextuality itself. The challenge of identifying Baudelairean references in the Recherche arises from their diffusion. Seldom explicit, Proust’s allusions to the poet’s work are subtle, if not near camouflaged by the cultural and intertextual filters. This thesis argues for a return to intertextual analysis in the broadest sense of the term, namely a study that devotes attention to the text’s historical and cultural-anthropological facets. In so doing, the thesis underlines how the act of writing involves memory as much as forgetfulness, and that the reader’s memory is as ambivalent as the author’s. But also, and more importantly, my thesis undertakes to demonstrate the ways in which Baudelaire’s poetry is transformed through the Proustian prism: that is, the narrative and mood of the Recherche, being written in a particular period, with a particular aesthetic sensibility. The social conditions of a reading, and the social determinism of a reader, are placed here in parallel. There are thus two Baudelaire in the Recherche. One is referenced explicitly in banal exchanges; the other is referenced implicitly a Baudelaire diffuse who vitalises the Recherche. And so, each Baudelaire chases the other, creating intertextual networks.

Ce travail est consacré à l’étude du personnage allégorique de la Folie sur la scène de l’Académie Royale de Musique entre 1697 et 1718. Qu’il soit suggéré ou personnifié, ce caractère féminin est abondamment présent dans les spectacles de cette période. A la fin du règne de Louis XIV, la Folie fait peu à peu son entrée à l’Opéra. Entourée de Momus, du Carnaval, de Bacchus, de l’Amour et des personnages de la commedia dell’arte, la Folie « ramène les tendres Jeux », « chasse la Raison cruelle » et invite sans cesse à « goûter les charmes de la vie ». En accédant à l’Opéra, cette figure extravagante et enjouée signale une évolution de ton qui préfigure le changement de mœurs associé à la Régence. Mais au-delà de la philosophie hédoniste qu’elle dispense, quel est le sens caché des paroles de la Folie ? Faut-il voir dans la présence de ce personnage une remise en cause de l’ordre établi, de la politique sociale et de l’austérité marquant la fin du règne ? Son utilisation permet-elle, sous la couverture d’une « maladie de l’âme », de critiquer la politique et les mœurs de Louis XIV ? Qui se cachent derrière le discours subversif de la Folie ? Quel est le rôle de cette figure dans les débats esthétiques de l’époque ? Cette recherche explore le rôle, ainsi que le traitement musical, dramatique et scénique d’une telle figure à travers l’étude d’ouvrages créés à l’Opéra. Nous proposons ici un portrait physique, moral et social de la Folie, à la lumière de multiples documents musicaux, textuels et iconographiques de l’époque, et présentons différents traits de caractère du personnage et plusieurs thèmes qui lui sont liés afin de comprendre les raisons de sa présence à cette époque. / This work is devoted to the study of the allegorical figure of Folly on the stage of the Académie Royale de Musique between 1697 and 1718. Suggested or personified, this female character is abundantly present in the spectacles of this period. At the end of the reign of Louis XIV, Folly appears little by little at the Opera. Surrounded by Momus, Carnival, Bacchus, the god of love and the characters of the commedia dell'arte, Folly "brings back the soft Games", "banishes the cruel Reason" and continually invites to "taste the charms of life”. By accessing the Opera, this extravagant and playful figure indicates a change of tone that foreshadows the changing attitudes of the Regency. But beyond the hedonistic philosophy that she provides, what is the hidden meaning of Folly’s words? Should we see a calling into question of the established order, the social policy and the austerity marking the end of the reign? Does its use allow, under the cover of a “disease of the soul”, to criticize the policy and manners of Louis XIV? Who hides behind the subversive speech of Folly? What is the role of this figure in the aesthetic debates of the period? This research explores the role, as well as musical, dramatic and scenic treatments of such a figure through the study of works created at the Opera. We propose here a physical, moral and social portrait of Folly, in the light of multiple musical, textual and iconographic documents of the time, and present different character traits and several themes that are related to it in order to understand the reasons for its presence at this time

Considéré comme un continuateur de Chrétien de Troyes, Raoul de Houdenc s’inscrit dans la lignée des écrivains dits « arthuriens ». Avec son roman d’aventures Meraugis de Portlesguez, il retravaille les motifs mis à l’honneur par le maître champenois et bestourne la matière bretonne dans une indéniable intention parodique. Par l’étude comparative de ce récit avec les romans en vers de Chrétien de Troyes mais aussi avec le cycle en prose du Lancelot-Graal, on observe combien le personnage romanesque arthurien se révèle modelable : jouant habilement avec une structure traditionnelle (la Table Ronde avec ses gardiens immuables, l’errance formatrice, les monstres et les coutumes à abattre), l’auteur tourne en dérision l’agencement de ce système si bien policé par Chrétien de Troyes (1ère partie). Nous étudierons ensuite ses mêmes personnages sous l’angle de l’apprentissage : le héros éponyme, ainsi que plusieurs des personnages qui l’entourent, sont des êtres en devenir que l’auteur va faire grandir et mûrir. À travers le regard évolutif de ses créatures, Raoul va livrer sa propre conception de la courtoisie, conception qui s’accorde avec celle qu’il donne du parfait chevalier du Dit et du Roman des Eles, tissant entre ses deux œuvres un remarquable jeu d’échos (2e partie). Enfin, le personnage houdanesque crée un miroir avec la personne de ce début du XIIIe siècle : ses héros contrastés, et la voix de l’auteur-narrateur- personnage du Songe d’Enfer en proie au doute face aux courants de pensée contradictoires de son époque ancrent l’écriture houdanesque dans les œuvres alliant imagination et réflexion (3e partie). / Considered as one of Chrétien de Troyes’ successors, Raoul de Houdenc joins in the lineage of writers known as "Arthurians" writers. Through his adventure novel Meraugis de Portlesguez, he reinvents the motives highlighted by master Champenois and bestourne the Breton material in an undeniable parodic intention. Through the comparative study of this narrative with Chrétien de Troyes’ novels in verse; but also with the cycle in prose of Lancelot-Graal, we observe how much the Arthurian romantic character shows himself flexible: skilfully playing with a traditional structure (the Round Table with its unchanging guards, the formative wandering, the monsters and the customs that need to be destroyed), the author ridicules the organization of this system so well polished by Chrétien de Troyes (1st part). We will study then the same characters under the angle of the apprenticeship: the eponymous hero, as well as some of the characters who surround him, are constantly evolving beings that the author will make grow up and mature. Through the evolutionary glance of his creatures, Raoul will deliver his own conception of courtesy, a conception that agrees with the one that he gives of the perfect knight of the Dit and of the Roman des Eles, weaving between his two works a remarkable game of echoes (2nd part). Eventually, the houdanesque character creates a mirror with the person of the beginning of the 12th century: his contrasted heroes, and the voice of the author-narrator-character of the Songe d’Enfer; which is in the grip of doubt when faced with contradictory currents of thoughts of his time; fixes the houdanesque writing in the works that blend imagination and reflection (3rd part).

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Les nouvelles de Fitz-James O’Brien ont été réévaluées dès les années 1970 et jusqu’au début du XXIe siècle à la lumière de son origine irlandaise. L’enjeu de cette thèse est d’analyser les processus de re-nationalisation à l’œuvre dans l’interprétation de ses nouvelles : de déplacements sémantiques en projections langagières, le critique risque d’être hanté par l’histoire de l’Irlande. Il est nécessaire pour ce faire de retracer le parcours littéraire et journalistique de O’Brien, depuis ses débuts en tant que contributeur anonyme du courrier des lecteurs du journal nationaliste irlandais The Nation, jusqu’à la fondation du journal satirique américain Vanity Fair et sa mort d’une blessure qu’il a reçue au cours d’un combat de la guerre de Sécession. Il conviendra notamment d’analyser, tout le long de son parcours, le rôle de la bohème littéraire dans la construction d’un idéal artistique sans frontières et le rôle de la presse comme outil de diffusion de cet idéal et, paradoxalement, de construction d’un champ littéraire spécifiquement américain. Nous examinerons ensuite la réception de ses nouvelles et leurs adaptations. Enfin, il s’agira d’étudier les mécanismes interprétatifs qui mettent spécifiquement l’Irlande et l’« irlandicité » au cœur de la lecture des textes, ainsi que de mettre en lumière les effets rhétoriques qui permettent une telle lecture, tant dans les textes critiques que dans les nouvelles elles-mêmes. A cause de la nature éminemment référentielle de l’écriture d’O’Brien, le sens symbolique, parfois satirique, voire allégorique de ses nouvelles se dérobe au lecteur d’aujourd’hui qui se trouve contraint d’effectuer une laborieuse quête herméneutique. / Between the 1970’s and the early years of the 21st century, Fitz-James O’Brien’s short stories have been analysed with reference to his Irish birth. This dissertation aims to examine the mechanisms of re-nationalisation at work in the interpretation of his stories: by means of semantic displacements and linguistic projections, the critic runs the risk of being haunted by Irish history. It is thus necessary to reconstruct O’Brien’s literary and journalistic career, from his early anonymous contributions to the “correspondence” column of the Irish nationalist newspaper The Nation, to the creation of the American satirical magazine Vanity Fair, and his death from a wound he recieved in a skirmish during the American Civil War. This dissertation will analyse particularly the part that literary Bohemia played in creating an artistic ideal of “borderlessness,” and the part that the press played in circulating this idea, all the while partaking in the construction of a specifically American literary field. I will then examine the reception of O’Brien’s stories and how they were adapted throughout decades in various media. Finally, I will study interpretative mechanisms which place Ireland and Irishness at the centre of text-reading and I will highlight the rhetorical effects allowing such a reading, both in the critical texts and in O’Brien’s stories themselves. Because of the highly referential nature of his magazine writing, the symbolical, sometimes satirical or even allegorical meaning of his stories eludes today’s reader, who has no choice but to embark on a laborious hermeneutic quest.

La Bouquechardière est une histoire universelle moralisée écrite à partir de 1416 par Jeande Courcy, un chevalier normand. En dépit de cette appropriation plutôt inhabituelle d’un genrehistorique particulièrement ancré dans la théologie, le texte de Jean de Courcy a peu suscitél’intérêt de la critique. Notre présent travail vient combler cette lacune en questionnant lamanière dont l’auteur laïque revisite les codes historiques et homilétiques qui constituaientjusque-là l’apanage des clercs. À un niveau plus large, notre étude permet aussi de cernerdavantage la variabilité d’un panorama auctorial et d’une communication littéraire en pleineévolution à la fin du Moyen Âge. Issu d’une culture laïque, Jean de Courcy doit imposer sacrédibilité à la fois intellectuelle et morale dans le champ des écritures. Sans usurper les rôlesdu clerc ou de l’intellectuel, il crée sa propre fonction auteur : celle de l’écrivain amateur quifonde sa légitimité sur une expérience acquise dans le monde, une accumulation du savoir parla lecture et une attitude dévotionnelle. Son approche chrétienne et édifiante de la lecturedétermine le choix d’écrire une histoire antique à une époque où les écrivains ont plutôttendance à réagir à l’actualité. En effet, la manière dont il ordonne, compile, sélectionne etrecompose la matière trahit une forte soumission de l’histoire à la perspective eschatologique.Traçant un continuum historique des acteurs de l’Antiquité jusqu’au lecteur contemporain, lecompilateur crée les conditions nécessaires à son actualisation. La finalité spirituelle de lalecture autorise alors l’insertion surprenante des fables ovidiennes dans la trame historique. Lafiction mythologique historicisée contient un potentiel herméneutique : elle s’offre comme unsigne de Dieu à déchiffrer au moyen d’une méthode analogique et allégorique. C’est donc enlecteur modèle que Jean de Courcy apprend à son lecteur à fixer le sens des mots et des chosespour qu’au moment de refermer le livre, le processus de refiguration de l’histoire voit le jour.En d’autres termes, la lecture mène à la conversion spirituelle. / The Bouquechardière is a moralized universal history written from 1416 by Jean deCourcy, a Norman knight. Despite this rather unusual appropriation of a historical genreparticularly rooted in theology, Jean de Courcy's text has not aroused much critical interest. Ourpresent work fills this gap by questioning the way in which the lay author revisits the historicaland homiletic codes that were until then the prerogative of clerics. On a broader level, our studyalso makes it possible to better identify the variability of an auctorial panorama and a literarycommunication in full evolution at the end of the Middle Ages. Coming from a secular culture,Jean de Courcy must impose his intellectual and moral credibility in the field of writing.Without usurping the roles of the cleric or the intellectual, he creates his own « fonctionauteur »: an amateur writer who bases his legitimacy on an experience acquired in the world,an accumulation of knowledge through reading and a devotional attitude. His Christian andedifying approach to reading determines the choice to write an Ancient History at a time whenwriters tend to react to current events. Indeed, the way in which he ordered, compiled, selectedand recomposed the material reveals a strong submission of history to the eschatologicalperspective. Tracing a historical continuum from the actors of Antiquity to the contemporaryreader, the compiler creates the necessary conditions for its actualisation. The spiritual purposeof the reading then allows the surprising insertion of Ovidian fables into the historicalframework. Historicalized mythological fiction contains a hermeneutical potential : it is offeredas a sign of God to be deciphered by using an analogical and allegorical method. It. As a modelreader, Jean de Courcy teaches his own reader to fix the meaning of words and things, so thatwhen the book is closed, the process of « refiguration » of history is born. In other words, thereading leads to spiritual conversion.

Notre recherche se compose de trois parties essentielles. La première présente une définition de l’allégorie en général, puis dans les arts visuels et pour finir au Cinéma. La deuxième partie consiste à analyser l’allégorie dans Underground de Kusturica. Dans cette deuxième partie, nous commencerons par exposer les caractéristiques générales du cinéma d’Emir Kusturica avant d’analyser la manière dont le réalisateur utilise l’allégorie dans Underground pour dénoncer une guerre. Enfin, dans la troisième partie, nous évoquerons les risques qu’un traitement allégorique peut comporter en parlant de la polémique qu’Underground provoqua lors de l’attribution de la Palme d’or au festival de Cannes en 1995. Nous faisons l’hypothèse que Kusturica a eu recours à l’allégorie, non pas pour contourner la censure, mais pour contourner les éventuelles critiques. / Our research is in three parts. The first is a definition of the allegory in general, in the visual arts and in film. The second part analyzes the allegorical dimension of Kusturica film Underground. After having mentioned the main characteristics of Kusturica’s cinema, I will examine the ways in which the director has used the allegory in his film : officially, the allegory was presented as a means to denounce the war in the the Balkans, but we will try to see if there weren’t another reason of the director’s choice of this figure. In the third part, we will discuss the debate that the film started and the political views of the director. / Memoire creation

Cette thèse traite de la carrière politique et du « service de plume » de Blaise de Vigenère (1523-1596), agent du roi et voyageur, puis traducteur et commentateur érudit dans le dernier tiers de sa vie. À travers une étude biographique et contextuelle, elle met en évidence une figure sociale trop méconnue du champ des lettres et de l’histoire : celle du secrétaire. Elle interroge ensuite du point de vue de la poétique le statut d’observateur que Vigenère se donne dans ses écrits : le sens de la merveille et l'analyse de la raison technique y vont de pair. La riche expérience de serviteur de l'ombre théorisée dans les traités italiens, et surtout les pratiques d’écritures qui rejoignent l’humanisme constituent un héritage que Vigenère dépasse cependant. L’entreprise de publication, abondante et efficace, est remise en contexte et peut être comprise comme une prudente tentative de courtiser et de conseiller le pouvoir par l’image ou l’allusion. Dans les dernières œuvres où l’allusion le cède au symbole, Vigenère manie le plan littéral et le plan symbolique. Il se montre kabbalisant catholique et pré-nationaliste. En « Politique » de la fin des guerres de religion, il défend alors l’institution monarchique contre la Ligue catholique. Mais les images du Discours sur l’histoire du roy Charles VII (1594) sont les derniers feux d’une herméneutique inquiète. / This study deals with the career and the service to the monarchy of the penman Blaise de Vigenère (1523-1596), who was an agent to the king and was travelling through Europe. He became a translator and scholarly annotator during the last period of his life. I study biography, historical and sociological context, in order to highlight an essential yet overlooked figure : the secretary. I try to show that the personal point of view in his writings is double : while he admires wonders and signs in nature, he is also a sceptical analyst looking for technical explanations. He inherits the experience of those shadowy figures, awarely described in italian trattati, and their practices of writing – those of humanists. But he goes over. Publishing a lot of manuscripts in a short time, he tries to have an effect on the monarch and to court him. His last works are more explicit. Vigenère combines litteral meaning and symbolic interpretation : he uses a kind of catholic kabbalah in a pre-nationalist purpose. As a « Politique », at the end of the Civil Wars, he is a partisan of the monarchy against the Catholic League. But the images of the Discours sur l’histoire du roy Charles VII (1594) might be the swansong of the Renaissance hermetic symbolism.