L’œuvre du poète autrichien Georg Trakl (1887-1914) passe pour incontournable dans le contexte de création littéraire d’avant-guerre. Mais comparativement à sa portée expressionniste, la dimension intermédiale est peu mise en avant alors que la musique connaît dans cette poésie des formes de médiation originales. Il est donc question d’approcher la manière dont la musique est indirectement intégrée dans le texte trakléen. En faisant le choix d’élargir cette investigation de type musico-littéraire à l’ensemble de la création des années 1910-1925, il est également question d’élaborer une vision de l’époque moderne où la musique occupe, notamment en peinture, une place de choix dans les pratiques interartistiques. / The work of the Austrian poet Georg Trakl (1887-1914) is said to be essential in the context of creative writing before the war. But compared to his expressionist reach, intermedial dimension is not put forward whereas music features in this poetry original forms of mediation. It is therefore a question of approaching how music is indirectly included in the literary work of Trakl.By choosing to expand the investigation of musico-literary type the whole of creation 1910-1925 years, it is also about developing a vision of the modern era where the music plays, including painting, a first-order part in the interartistic practices.

Ce mémoire fait état des modalités de mon processus de création évoluant en deux étapes et ayant des préoccupations esthétiques particulières à chacune. D’abord, la phase dudessin naturaliste se constitue en de fines couches de tons de gris sur la surface granulée d’une pierre lithographique. Puis, cette imagetraitée afin de pouvoir être impriméeouvrela porte à différentes variations d’une même image selon des stratégies propres à la lithographie et qui sontdéployées lors de l’impression. Àcette étape, j’ai expérimenté des approches de l’impression en noir sur papier blanc, la superposition sur des aplats colorés réalisés en lithographie, l’inversion de l’image par impression en blanc sur fond coloré, la superposition avec ou sans utilisation de pochoirs ainsi que lechine colléqui ont enrichi ma démarche artistique dans la réalisation d’un corpus d’œuvres auxmultiples nuances esthétiques.Le sujet choisi pour devenir l’image spécifique à chaque œuvre est un fragment banal d’éléments naturels qui engage une expérience d’observation attentive suivie d’une interprétation tout aussi méticuleuse par les moyens du dessin. Cette étape est non seulement imprégnée d’une intention de raffinement sur leplan du rendu, mais tous les choix exigés par le processus de création se précisent dans la volonté de donner une singularité esthétique conforme à une vision abstraite sur ce qui peut apparaître dans l’œuvre au-delà de son rapport au sujet référence. Ainsi naît cette ambiguïté entre l’attrait naturaliste et l’énigmatique saisie d’une manière d’être abstraite du dessin.L’expositionqui a mis en espace de galerie l’ensemble du projet final a proposé une disposition des œuvres créant des interrelations entre les différentes variations générées dans le processus d’impression. Dans le parcours de l’exposition, le regard pouvait percevoir plus intimement chaquelithographietout en ayant des points de vue sur différents regroupementsdes œuvres imprimées.

En s’emparant de la question ornementale, le cinéma s’inscrit dans une réflexion reliant les territoires balkaniques de l’art, au-delà de l’opposition entre les beaux-arts, les arts décoratifs et le design. La pensée de l’ornement au cinéma ne relève pas de l’évidence, tant il est vrai que l’histoire de la notion est marquée par sa relégation au seuil de la création artistique. Pourtant, il semble bien que l’ornement soit présent partout où il faut combler du vide, décorer un objet, embellir le corps. À quoi tient l’attrait de l’ornement au cinéma ? Quelles sont les relations qu’entretient le cinéma avec la pensée ornementale des images ? Contre le préjugé qui frappe l’ornement d’insignifiance, il semble nécessaire d’éclairer ses implications morales, sociales et politiques. À travers un corpus circonstancié qui se déploie à l’entour du cinéma, de l’histoire de l’art et de la culture visuelle, ce travail de recherche entend cartographier les enjeux critiques, formels et perceptifs du régime visuel de l’ornement. Penser l’ornement aujourd’hui, c’est opérer un basculement dans l’ordre des valeurs dont il se fait l’héritier. Il s’agit non seulement de faire retour sur son histoire et son élaboration conceptuelle, mais également d’emmener l’ornement vers un au-delà du discours de la subsidiarité pour établir une pensée dynamique de l’ornemental au cinéma. À travers différentes propositions théoriques, se formulent autant de constellations articulant les enjeux esthétiques, historiques et politiques de l’ornement : le régime de la dépense et le corps féminin en exercice, le processus de réification de « l’ornement de la masse » dans la modernité, le discours sur la couleur ornementale et la hantise cosmétique, les formes naturelles et abstraites, le paradigme du tapis et la texture des images, les états altérés de la perception. Les questions ornementales adressées au cinéma s’intègrent dans une pensée rénovée du style – point vif de la tension qui anime l’art et la vie – en tant que procédure de qualification des formes. / As it seized the ornamental issue, cinema has become part of a reflection process relating the scattered territories of arts, beyond the opposition between fine arts, decorative arts and design. Thinking the ornament in cinema is far from obvious, since this notion, throughout its evolution, has always been marginalized at the threshold of artistic creation. Yet, it does seem that the ornament is present wherever a void needs to be filled, an object to be adorned or a body to be embellished. What makes the ornament appealing in cinema? What relationships does the cinema hold with the ornamental visual thinking? To counter prejudices confining the ornament within insignificance, it appears necessary to clarify its moral, social and political implications. Through a detailed corpus spreading around cinema, history of art and visual culture, this research paper aims at mapping the critical, formal and perceptual issues of the visual regime of the ornament. Thinking the ornament today means swaying the order of the values it has inherited. It is not only about looking back on its history and its conceptual elaboration, but also about bringing the ornament beyond the subsidiary speech to establish a dynamic thinking of the ornamental in cinema. By way of different theoretical suggestions, many constellations are being elaborated. They connect the aesthetic, historical and political stakes of the ornament: the regime of consumption and the gestures of the feminine body, the process of reifying the “mass ornament” into modernity, the speech on decorative colour and the cosmetic obsessive fear, the natural and abstract forms, the carpet paradigm and the texture of images, the altered states of the perception of ornaments. The ornamental issues, which are addressed to the cinema, blend into a renovated thinking on style – central in the tension that stirs arts and life – as a process of qualifying forms.

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L'art américain de la deuxième moitié du 20e siècle, en particulier la peinture, a su s'imposer au monde occidental et nous proposer des productions riches de significations. Parmi ces dernières, les oeuvres de Jackson Pollock et de Mark Rothko se classent parmi les plus marquantes. Leurs toiles ont révolutionné le monde de la peinture et ont confronté le regardeur à des modes d'expression novateurs et inédits. L'objet visé par notre recherche consiste à saisir la dimension surtout existentielle des oeuvres des deux peintres étudiés. Nous avons d'abord proposé un cadre de référence nous permettant d'analyser certaines réalisations de Pollock et Rothko, en nous appuyant en particulier sur la pensée existentialiste française et sur celle issue des écrivains américains de la Lost Generation. L'examen des pratiques artistiques des deux peintres américains a été précédé par une analyse sommaire de l'expressionnisme abstrait, courant auquel ils sont rattachés. Une étude des oeuvres retenues a suivi et a abouti à une comparaison permettant de faire ressortir les différences, mais surtout les similarités entre les oeuvres des deux artistes. En conclusion, nous avons tenté de situer le travail des deux artistes en tant que questionnement fondamental sur la condition humaine. L'intérêt d'une telle démarche réside d'une part dans la compréhension de l'expression artistique de ces deux représentants majeurs de l'art américain au 20e siècle et, d'autre part, dans l'interprétation philosophique du "drame humain" incarné par leurs productions.

Au début des années 40, de jeunes artistes motivés par une volonté de transformer les valeurs établies, tant esthétiques que socio-politiques, se rassemblent autour de Borduas et forment le groupe des automatistes. Ces artistes envisagent l'avènement d'un art nouveau, d'une peinture "vivante", c'est-à-dire libérée de toute idéologie et que l'on conçoit alors comme abstraite. L'Automatisme participe à l'émergence d'une pratique de la Modernité au Québec en posant d'entrée de jeu la question de l'abstraction et en provoquant un affrontement entre les tenants d'un art figuratif et ceux d'un art nouvellement nonfiguratif. Dans le milieu culturel québécois, on assiste ainsi à une volonté de définition de l'esthétique automatiste mais également au désir d'une plus grande compréhension des deux pôles de l'art de cette époque, l'abstraction et la non-figuration. Les artistes automatistes visent à la fois une peinture nonfigurative et une transformation de l'espace traditionnel. Pourtant, ils n'abordent pas, dans l'ensemble, l'abstraction proprement dite: avec l'Automatisme, on quitte la semi-figuration pour parvenir à la semi-abstraction. C'est pourquoi on ne peut considérer l'Automatisme comme une première apparition d'un art pictural québécois résolument abstrait: en ne réussissant pas à modifier en profondeur les structures de composition de l'espace traditionnel, cette pratique aura plutôt joué le rôle de catalyseur dans la transformation radicale de cet espace.

Les compétences sont des objets de gestion complexes mais indispensables à l’employeur pour spécifier ses besoins et au travailleur pour tracer son profil. Agrégées en postes, emplois, métiers, elles forment des cadres transactionnels dans un espace constitué d’objets abstraits et de leurs liens. Cette thèse vise à affirmer la centralité d’un dispositif cartographique à travers l’examen : des bénéfices d’une mise au net de cet espace, notamment face à la transformation numérique ; du recours indispensable à un artefact médiateur technologique ; du rôle de cartographe, le maître d’oeuvre de la fonction RH, investie de la médiation et de la régulation sociales. La recherche s’appuie sur un parcours professionnel dans le domaine RH et, sur le plan méthodologique, croise les besoins de la gestion des compétences avec les apports de la cartographie moderne. Elle aboutit à une proposition méthodologique pour cartographier des espaces abstraits, appuyée par un démonstrateur internet SaaS. / Skills are complex management objects which are essential to define employers’ needs and draw one’s profile and wishes. Aggregated in positions, jobs, professions, they form a transactional framework in a space of abstract artefacts and their links. This thesis aims to assert the centrality of a mapping device by examining: the benefits of a clearing of this space, especially trough digital transformation; the indispensable support of technological artefacts to help a person or a group, to identify, decide, evolve in this space; the role of cartographer to be taken by the human resources function. The research is based on a professional career in the field of human resources and methodologically, crosses needs around the notion of competence with the contributions of modern cartography (GIS, geomatics, data visualisation). It leads to a synthesis by the design of a SaaS platform demonstrator, and a cartographic methodology for abstract space.

Créé le 8 novembre 1948 à Paris par huit peintres et écrivains belges, hollandais et danois, Cobra est l’acronyme de Copenhague, Bruxelles, Amsterdam. Le mouvement se propose rapidement de devenir un lien souple entre artistes et poètes de différents pays, par le biais d’un certain nombre de publications et d’expositions. Son existence officielle sera brève, puisqu’elle prend fin en 1951 avec le dernier numéro de la revue éponyme. Si les premières tentatives d’analyse historique et de synthèse sont venues des artistes et des poètes membres du mouvement, plusieurs études abouties ont vu le jour depuis les années 1970.<p>S’appuyant sur un certain nombre d’affirmations émanant des acteurs de Cobra comme des historiens ayant écrit sur le sujet, l’auteur s’est penché sur la question de la violence picturale et théorique au sein de ce mouvement. Picturale, par la propension des artistes à brouiller la lisibilité de la composition et des figures, par leur volonté de « faire brut » et enfantin, de « mal peindre », de maltraiter le sujet en le rendant méconnaissable, hybride, défiguré. Théorique, par un certain nombre de déclarations (pour la plupart, parues dans la revue Cobra) véhémentes, engagées, politiques, relatives au climat sociopolitique de l’après-guerre comme au contexte artistique et culturel contemporain.<p>Au cours des recherches, il est apparu que la violence de Cobra était plus ambiguë que ce qui avait été imaginé initialement. Elle relève en réalité d’une forme d’instrumentalisation émanant des acteurs, qui ont multiplié les effets rhétoriques, les attitudes et les déclarations allant dans ce sens, conduisant Cobra à user d’une violence « décorative » nettement instrumentée :un outil utilisé par les artistes dans la construction de leur image, de leur identité individuelle et collective. Cette piste a ainsi débouché vers d’autres résultats que ceux imaginés au préalable mais n’en a pas moins permis de réévaluer le mouvement sur le plan de l’histoire des représentations, en étudiant les stratégies développées par ses membres dans les œuvres et les discours. La mise en perspective critique de ceux-ci a permis de cerner la capacité rhétorique de certains membres de Cobra, qui ont valorisé l’image d’un mouvement artistique résolument « moderne », c’est-à-dire violent et revendicateur, tout en puisant leur inspiration dans certaines formes d’art primitives et brutes.<p>La thèse s’articule de façon thématique, autour de quatre pôles révélateurs des formes et du sens de la violence détectée dans les œuvres et les discours des Cobra :<p>Répondre à la guerre – Cobra face au siècle<p>Une violence générationnelle<p>Le primitif ou le jeu de la violence<p>Aspirations libertaires<p> / Doctorat en Histoire, art et archéologie / info:eu-repo/semantics/nonPublished

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Cette thèse est une étude du mouvement Cobra à travers les œuvres collectives, une de ses composantes caractéristiques. Il s’agit tout d’abord de comprendre le mouvement, ses origines et influences, ainsi que sa visée d’un art libre, ouvert, expérimental, partie prenante de la vie. Dans un contexte social d’après-guerre, souvent politisé, Cobra défend l’action collective, définie notamment dans les notions d’antispécialisme et d’interspécialisme. Il convient de mettre en exergue les origines de cette pratique, et saisir les divers aspects qu’elle arbore, notamment au travers de revues, d’expositions ou de créations partagées. Le poète Christian Dotremont, animateur et âme de Cobra, favorise le travail de collaboration et contribue à son développement en stimulant les rencontres artistiques. Il se fait le passeur et le permanent "agitateur"» de cette notion. Les peintures-mots qu’il crée avec d’autres artistes participent à sa réflexion majeure sur l’écriture et la peinture. Ce lien interpelle quelques artistes belges comme Pierre Alechinsky, mais il passionne Christian Dotremont qui ne cesse de multiplier les expériences à ce propos, pour aboutir à ce qu’il nomme les logogrammes, remarquable fusion de la peinture et de la poésie, et aboutissement de toute une vie de recherche. <p>Ce travail est structuré en trois points. Le premier établit une étude du contexte artistique et social des années précédent Cobra puis la mise en place du groupe. Le second aborde les années d’intense activité "officielle" du groupe, au service du collectif. Enfin, le troisième propose de suivre l’évolution post-Cobra des œuvres collectives et des recherches sur l’écriture et la peinture. / This thesis is a study of the Cobra movement through one of its characteristic components: the collective works. First of all it's about understanding the movement, its origins (three countries), its influences and its purpose of a free art, open, experimental, involvement with life. In a social after-war context, often politicized, Cobra defends collective action, notably defined in concepts of anti-specialism and inter-specialism. We should therefore underline the origins of this practice and undestand different aspects that it shows, in particular through publications, exhibitions or shared creations. The poet Christian Dotremont, leader and soul of Cobra, promotes cooperative work by collaboration and contributes to its development by stimulating artistic meetings. He is the purveyor and permanent "agitator" of this concept. The words-paintings that he creates with other artists, take part of his major thinking about writing and painting. This link interpellates a few Belgian artists like Pierre Alechinsky, but it fascinates Christian Dotremont who keeps experimenting on it, in order to reach what he calls the logograms, a remarkable fusion of painting and poetry, and a culmination of a life-time of research.<p>This work is structured in three parts. The first one draws a study of the artistic and social context of the years preceding Cobra and the setting up of the group. The second one talks about years of intense "official" activity of the group serving collective way of work. Finally, the third one offers to follow the post-Cobra evolution of collective works and researches about writing and painting. / Doctorat en Histoire, art et archéologie / info:eu-repo/semantics/nonPublished