Esta dissertação tem como principal objetivo formular uma reflexão acerca do processo de instauração das três propostas artísticas, apresentadas como resultados práticos da pesquisa: Faça fácil, Autoretratos e Sonhos. Tal reflexão é conduzida por questionamentos que, suscitados pelo próprio processo, colaboram para o estabelecimento do mesmo enquanto um dispositivo ficcional. Ou seja, meu processo artístico é entendido como um sistema por meio do qual instauro e apresento universos ficcionais. Sendo assim, o objeto de estudo desta dissertação é os procedimentos para a construção dos universos ficcionais instaurados pelo processo. Partindo da hipótese de que os universos são instaurados, principalmente, por meio da construção de personagens ficcionais, seres imaginários, frutos de uma invenção, proponho uma análise dos procedimentos para a construção dos personagens que figuram em minhas obras. Desta forma, a discussão desenvolve-se em torno da seguinte questão: como, concretamente, são construídos os personagens ficcionais, em meu processo artístico? Uma possível resposta a essa questão leva ao ponto de irradiação de Faça fácil, Auto-retratos e Sonhos e, conseqüentemente, ao eixo principal da pesquisa: pelo tensionamento da fronteira que existe entre a realidade e a ficção, ou melhor, entre a realidade da vida cotidiana e os universos ficcionais instaurados pelo meu processo artístico. / This dissertation has as main objective to formulate a reflection concerning the process of instauration of the three artistic proposals, presented as practical results of the research: Do easy, Self-portraits and Dreams. Such reflection is driven by questions that, suscitated by the own process, they collaborate for the establishment of the same while a fictional device. In other words, my artistic process is understood as a system through which I establish and I present fictional universes. Being thus, the object of study of this dissertation is the procedures for the construction of the fictonal universes established by the process. Starting from the hypothesis that the universes are established, mainly, through the construction of fictional personages, imaginary beings, fruits of an invention, I propose an analysis of the procedures for the personages' construction that figure in my works. This way, the discussion develops around the following question: how, concretely, are constructed the fictional personages, in my artistic process? A possible answer to this question takes to the point of irradiation of Do Easy, Self-portraits and Dreams and, consequently, to the main axis of my research: by the tension of the border that exists between the reality and the fiction, or better, between the daily life's reality and the universes established by my artistic process.

A presente dissertação, intitulada “Livro, Faca de Corte, Coração: Projeto de uma Instalação Focalizando a Interação Espectador-Obra” versa sobre o conceito de Instalação, a partir da realização do projeto e apresentação de uma instalação específica – “Livro, Faca de Corte, Coração” – considerando as dimensões de espaço e tempo e enfocando, principalmente, a interação entre o espectador e esta categoria da arte contemporânea. Na seqüência, faz-se uma abordagem histórica, desde suas primeiras manifestações até a arte contemporânea – quando, por fim, assim a denomina. / The present dissertation, entitled “Book, Cutting Knife, Heart: An Instalation Project Focusing the Spectator-Work Interaction” studies the Instalation concept through the accomplishment and presentation of a specific instalation - “Book, Cutting Knife, Heart” - taking into account space and time dimensions, and having as main focus the investigation of the way the spectator interacts with this contemporary category of art. There follows a historical approach of the Instalation, from its first appearances to the present, when it was, finally, so denomin ated.

Este trabalho examina as quatro primeiras edições da Bienal do Mercosul, ocorridas entre 1997 e 2003, tendo como referência principal o depoimento de artistas que participaram da mostra. Ao mesmo tempo, essa dissertação investiga o espaço histórico, onde o modelo expositivo bienal surge e desenvolve-se; o espaço transitório, próprio da proliferação de eventos culturais; e o espaço subjetivo, onde ocorre a experiência da arte. / This piece of work examines the first four editions of the Bienal do Mercosul occurred between 1997 and 2003, taking as main reference testimonies of participant artists. In parallel, this dissertation inquires into the historical space, where the exposition model of 'bienal' emerges and develops; the transitory space, proper of the reproduction of cultural events; and the subjective space, where art experience itself occurs.

Autorreferencialidade em Território Partilhado trata-se de uma investigação em pintura e fotografia a partir de uma definição mais ampla do que seja do campo da pintura. Contrapondo-se as definições modernistas que estabeleciam ser do campo da pintura somente seus elementos essências, ou seja, o plano, a cor e o gesto, esta investigação parte de uma definição ampliada demonstrando que se tomarmos o ilusionismo, o diálogo com outras linguagens e a narrativa como capacidades inerentes à linguagem pictórica, alcançaremos um número muito mais amplo de significações. A autorreferencialidade aqui referida trata-se da representação das três instâncias que perpassam o trabalho artístico: o espaço de produção, o espaço de representação e o espaço de apresentação da obra. Em virtude disso, a presença do dispositivo fotográfico nesse processo torna-se fundamental não apenas como recurso documental ou mera referência, mas revela-se como um agente determinante na constituição das imagens pictóricas. O cruzamento das três instâncias citadas acima somado às confluências entre pintura e fotografia funda, então, o Território Partilhado. A análise do papel dos documentos de trabalho na constituição do trabalho artístico evidenciará, também, sua presença dinâmica nesse processo. A presença do dispositivo fotográfico no processo da pintura gera a representação en abyme. A representação en abyme como recurso caracteristicamente autorreferencial tem como objetivo colocar as três instâncias em circularidade infinita. Como um recurso especular, faz a obra dobrar-se sobre si mesma, sobre suas referências e sobre seu modo de apresentação. Autorreferencialidade em Território Partilhado trata-se de um processo de auto-análise no qual pintura e fotografia questionam-se sobre suas capacidades e comungam em uma mesma direção: a construção do olhar. Do olhar reflexivo, sempre en abyme. / Self-referentiality in a Shared Territory is an investigation into both painting and photography, considering a broader definition of the field of painting. In contraposition to modernist definitions, which established that only essential elements, such as plane, color, and gesture, belonged to the field of painting, this investigation has stemmed from a broader definition, showing that, if we regard illusionism, the dialogue with other languages, and narrative as capacities inherent to the pictorial language, we will reach a more significant number of significations. Self-referentiality here concerns the representation of the three instances that permeate the art work: the production space, the representation space, and the exhibition space. Because of that, the presence of the photographic device in this process is not only fundamental as a documental resource or reference, but is also a determining agent in the constitution of pictorial images. The crossing of the three instances mentioned, together with the confluences between painting and photography, has founded the Shared Territory. The analysis of the role of work documents in the constitution of the art work has also evidenced its dynamic presence in this process. The presence of the photographic device in the painting process generates a mise en abyme representation. Mise en abyme representation, as a resource that is characteristically referential, aims at putting the three instances in endless circularity. As a specular resource, it makes the art work fold on itself, its references, and its mode of exhibition. Self-referentiality in Shared Territory is a self-analysis process in which painting and photography question their capacities and join the same direction: the construction of the look - the reflective look, always mise en abyme.

Gravidade por um fio: o peso e a leveza em um projeto de instalação é uma pesquisa em Poéticas Visuais, com a qual pretende-se discutir sobre os valores do peso e da leveza passíveis de serem apresentados em uma instalação, cujo título é Noventa Graus. Trata-se de pesquisa poïética, que visa verificar como a instauração deste trabalho plástico - aqui compreendido enquanto processualidade e projeto - responderia às diversas nuances que a relação peso/leveza poderia abarcar: materiais, visuais, gestuais, físicas, relacionais, abrindo espaços para que se possam perceber as nuances semânticas. Como estrutura de construção das análises das obras em processo, adotou-se os parâmetros metodológicos colocados por Sandra Rey, que busca articular as idéias iniciais do trabalho, os procedimentos técnicos utilizados, os referenciais artísticos, chegando aos conceitos operacionais: vinculações a conceitos de outras áreas do conhecimento, dadas a partir do próprio fazer. Para tal, os dados de análise foram esboços, estudos de planta-baixa da galeria, fotomontagens, maquetes e ensaios de fragmentos de trabalhos, realizados após a experiência fenomenológica no espaço vazio da Pinacoteca do Instituto de Artes. Como referenciais artísticos e teóricos, foram utilizados depoimentos de artistas e suas obras para análise, análises críticas de obras modernas e contemporâneas, conceitos dentro da Teoria da Arte, História da Cultura, Psicologia e Filosofia Contemporânea.

Submitted by Daniella Sodre (daniella.sodre@ufpe.br) on 2015-04-13T14:35:54Z No. of bitstreams: 2 DISSERTAÇÃO Cláudia Regina Badaró.pdf: 9144785 bytes, checksum: c202957c3341267578bdb51b5bfe8798 (MD5) license_rdf: 1232 bytes, checksum: 66e71c371cc565284e70f40736c94386 (MD5) / Made available in DSpace on 2015-04-13T14:35:54Z (GMT). No. of bitstreams: 2 DISSERTAÇÃO Cláudia Regina Badaró.pdf: 9144785 bytes, checksum: c202957c3341267578bdb51b5bfe8798 (MD5) license_rdf: 1232 bytes, checksum: 66e71c371cc565284e70f40736c94386 (MD5) Previous issue date: 2014-12-15 / No decorrer da história da arte, o homem vem demonstrando seu interesse ambíguo pela categoria estética do grotesco. A atração e a inquietação que o grotesco exerce nas pessoas, como ele se reinventa, assume novas formas e invade vários meios lhe confere um poder de instigação e de subversão que revela, diversas vezes, até mesmo, um teor ideológico. A reflexão sobre as manifestações do grotesco na arte contemporânea gerou o interesse por essa pesquisa, tendo em vista a necessidade de estudos acerca dessas expressões que, embora possam causar polêmicas, são cada vez mais utilizadas por artistas da atualidade. Este trabalho se propõe a analisar se algumas representações imagéticas do artista plástico contemporâneo Rodrigo Braga, que dialogam com vários meios e expressões, apresentam a estética grotesca em suas estruturas, bem como se esse tipo de criação pode ser reflexo da contemporaneidade e de seus conflitos e tensões em esferas sociais, políticas e econômicas. Os trabalhos emblemáticos de Rodrigo Braga saltam o olhar diversificando, amplamente, nosso repertório imagético e trazem à tona as inquietações da relação entre arte e vida/cotidiano. A importância que a pesquisa atribui à história da arte, especialmente ao estudo do percurso histórico do feio e do grotesco, aos aspectos da arte contemporânea e seus abrangentes processos criativos (tradicionais e campos mais expandidos) também deram suporte epistemológico para a realização do trabalho. No mundo contemporâneo, encontra-se o grotesco cada vez mais presente, em diversos campos da arte, sobretudo nas artes visuais, na literatura e no cinema.

Submitted by Amanda Silva (amanda.osilva2@ufpe.br) on 2015-04-14T15:43:38Z No. of bitstreams: 2 TESE Iomana Rocha Silva.pdf: 4759189 bytes, checksum: ffcc86f029c864933a471f33fef6f33a (MD5) license_rdf: 1232 bytes, checksum: 66e71c371cc565284e70f40736c94386 (MD5) / Made available in DSpace on 2015-04-14T15:43:38Z (GMT). No. of bitstreams: 2 TESE Iomana Rocha Silva.pdf: 4759189 bytes, checksum: ffcc86f029c864933a471f33fef6f33a (MD5) license_rdf: 1232 bytes, checksum: 66e71c371cc565284e70f40736c94386 (MD5) Previous issue date: 2014 / A partir da observação do contexto atual da produção do cinema independente experimental brasileiro, notamos a interação estética e conceitual deste cinema com elementos da arte contemporânea. Esta produção nos remete a um contexto caracterizado pela expansão dos conceitos do que se entende por cinema, transbordando as características formais e estéticas do cinema tradicional. Numa primeira parte enfatiza-se alguns filmes dentro do que chamamos aqui de cinema independente experimental contemporâneo brasileiro, e a partir deles é feito uma analise associativa com segmentos da arte contemporânea, como a performance, arte processual, arte conceitual, criações em rede, minimalismo, entre outros. Em uma segunda parte, observase esta produção cinematográfica e essa interação com a arte contemporânea enfatizando a experiência estética. Foca-se na valorização da sensibilidade e subjetividade do espectador em sua relação com a obra, tendo por base teóricos como Didi-Huberman e Merleau-Ponty. Por fim, embasado pelo conceito de “efeito cinema” de Philippe Dubois, apontamos para um cenário de filmes fluidos, uma experiência imersiva que evoca a participação do espectador para preencher seus vazios, filmes em que o espectador se faz necessário para a obra se fazer completa, evocam uma experiência estética específica, à qual associamos o conceito de “efeito instalação”.

Made available in DSpace on 2014-06-12T16:26:02Z (GMT). No. of bitstreams: 2 arquivo1877_1.pdf: 1812777 bytes, checksum: b5262c8cc1167203540edf197f46f026 (MD5) license.txt: 1748 bytes, checksum: 8a4605be74aa9ea9d79846c1fba20a33 (MD5) Previous issue date: 2008 / O presente trabalho faz uma reflexão sobre a fotografia e a arte contemporânea, tendo como base principal a obra da artista plástica Rosângela Rennó nas obras Hipocampo, Bibliotheca, Imemorial, Série Vermelha, todas pensadas sob a dimensão dos conceitos de alegoria, museologia, memória. Para isso, seguimos uma trilha de investigação de seu trabalho a partir do que caracteriza uma teoria crítica da comunicação, particularmente, no tocante ao conceito de alegoria de Walter Benjamin. Aqui, orientamos o debate do alegórico na arte contemporânea com base na tentativa de sua atualização por Craig Owens, que o descreve como a apropriação, o sentido de ruínas/fragmentação e, por fim, a acumulação, baseada na fotomontagem. Rennó desloca a dinâmica da fotografia, dandolhe outras possibilidades de uso da linguagem fotográfica, rompendo com o sentido de sua representação social. Neste processo de recodificação do código fotográfico, através dos mecanismos de sua própria desconstrução, utiliza-se de diversas linguagens como artes plásticas e literatura

Submitted by Divisão de Documentação/BC Biblioteca Central (ddbc@ufam.edu.br) on 2018-06-19T19:21:26Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) ficha catalografica.pdf: 1840 bytes, checksum: 09525d56585ae9189a945a27e90b4c55 (MD5) / Approved for entry into archive by Divisão de Documentação/BC Biblioteca Central (ddbc@ufam.edu.br) on 2018-06-19T19:21:39Z (GMT) No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) ficha catalografica.pdf: 1840 bytes, checksum: 09525d56585ae9189a945a27e90b4c55 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-06-19T19:21:39Z (GMT). No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) ficha catalografica.pdf: 1840 bytes, checksum: 09525d56585ae9189a945a27e90b4c55 (MD5) Previous issue date: 2018-04-25 / The present research, Art Performance: an analysis in Francisco Rider’s Reservoir, aims to analyze the performatic rite in the Reservoir, by the Amazonian performer Francisco Rider, whose presentation was held during the I Manaus Visual Arts Exhibition and was promoted by the Fundação Municipal de Cultura, Turismo e Eventos (ManausCult), an organ linked to the Prefeitura Municipal de Manaus (PMM). The research has support in the Phenomenology, being this the epistemological paradigm under a qualitative approach. The investigation of the Performance phenomenon in the context of contemporary art in Manaus presents a synthesis of the artistic language with the use of the body in the global, national and local context. Next, an interlocution is made with the paradigm of complexity, allowing to understand the Amazonian multiculturalism in its varied historical and cultural aspects. The Performance Reservoir had its first presentation in Judson Memorial Church (New York, USA) in 2004, space that integrates Laboratory Movement Research. After 16 years, it emerges with new formats in an open environment, occupying for almost an hour, the Dom Pedro II square, in the historic center of the Amazonian capital. The presentation of the Reservoir integrates constitutive elements of an environment that pulsates life, being this the object investigated. / A presente pesquisa, Arte Performance: uma análise na obra Reservoir de Francisco Rider, objetiva analisar o rito performático na obra Reservoir, do performer amazonense Francisco Rider, cuja apresentação foi realizada durante a I Mostra Manaus Artes Visuais e foi promovida pela Fundação Municipal de Cultura, Turismo e Eventos (ManausCult), órgão vinculado a Prefeitura Municipal de Manaus. A pesquisa tem suporte na Fenomenologia, sendo esta o paradigma epistemológico sob uma abordagem qualitativa. A investigação do fenômeno da Performance no contexto da arte contemporânea em Manaus apresenta uma síntese da linguagem artística com o uso do corpo no contexto global, nacional e local. Em seguida, se faz uma interlocução com o paradigma da complexidade, permitindo compreender a multiculturalidade amazônica nos seus variados aspectos históricos e culturais. A Performance Reservoir teve sua primeira apresentação em Judson Memorial Church (New York, EUA), em 2004, espaço que integra o Laboratório Movement Research. Depois de 16 anos, surge com novos formatos em ambiente aberto, ocupando por quase uma hora, a praça Dom Pedro II, no Centro histórico da capital amazonense. A apresentação da Reservoir integra elementos constitutivos de ambiente que pulsa vida, sendo este o objeto investigado.

Made available in DSpace on 2014-06-12T23:15:08Z (GMT). No. of bitstreams: 2 arquivo6591_1.pdf: 7265740 bytes, checksum: 7c4bb1ec9bc70ccc6dded408432196d1 (MD5) license.txt: 1748 bytes, checksum: 8a4605be74aa9ea9d79846c1fba20a33 (MD5) Previous issue date: 2011 / Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico / Há diferentes possibilidades para se investigar a fruição da arte. Apresentando-se como resultado de uma pesquisa de mestrado, este trabalho se propõe a analisar empiricamente a relação do público com a arte contemporânea sob o viés sociológico, procurando compreender os fatores que tendem a influenciar nessa relação. Nesse sentido, entende público como uma coletividade configurada em um dado contexto social, estando sujeita às hierarquias e às disputas que regem a lógica de funcionamento do campo artístico, bem como aos processos desiguais de formação do olhar. Compreende arte contemporânea como o termo que se impõe nas artes visuais, a partir do século XX, na condição de paradigma antagônico ao modelo de arte consagrado pela modernidade. E entende ainda relação como o diálogo mediado pela noção de gosto, aqui tomada como uma questão social. Sem deixar de considerar outras contribuições, o estudo lança mão do legado de Pierre Bourdieu como sua principal referência teórico-metodológica, valendo-se de conceitos-chave do autor (habitus, capital cultural, gosto e campo). Eles orientaram a pesquisa de campo com visitantes espontâneos da 29ª Bienal de São Paulo realizada entre 25 de setembro e 12 de dezembro de 2010 , assim como a análise dos dados quantitativos e qualitativos que norteia o presente trabalho. As informações foram coletadas por meio da aplicação de questionários (método survey) e de registros feitos através da técnica da observação. O estudo tornou possível a percepção de que a despeito do discurso da arte contemporânea, capaz de defender o livre acesso às obras para além da ideia de deleite, distanciamento e contemplação estética, o gosto continua sendo um intermédio válido para se pensar não apenas os significados atribuídos à arte, mas ainda os mecanismos de exclusão também atrelados à relação com essa produção contemporânea