A marca corporal como registro de existência e a pele como superfície de experiência: o contato como paradigma para as imagens impressas do corpo é uma pesquisa de mestrado em Poéticas Visuais que articula questões provenientes de uma prática artística que é fundamentada em procedimentos gráficos e numa produção textual reflexiva. O objeto de estudo desta pesquisa parte da idéia de inscrição e transferência de imagem, procedimentos encontrados na maioria dos processos ligados à gravura e à fotografia, meios gráficos explorados na prática em questão. Utilizo rugas, marcas e dobras gravadas na superfície da pele para apontar o corpo como superfície de inscrição singular (marcado pelo tempo e pelos acontecimentos vividos por cada um) bem como o gesto que marca, promovido por esse corpo marcado. O fluxo dos procedimentos e dos conceitos adotados na pesquisa aponta para uma poética da experiência, pois encontra no contato, no encontro entre as superfícies/corpos, o mote para a produção e reflexão do presente fazer. Apresento, como resultado da pesquisa, trabalhos/proposições e séries de imagens impressas que têm, como conceito operatório, a impressão da superfície do corpo humano, ou seja, o corpo como matriz para as imagens, bem como o seu gesto como produtor de imagens, pensando o corpo, o humano, como matéria para a produção de imagens, onde o tátil e o visual comungam na experiência artística e em seus resultados. Assim, busco uma crítica às imagens puramente visuais, convidando o “espectador” a contatar as superfícies, os corpos num movimento que procura, através do sentido tátil, a experiência artística heurística. O estudo conduz a aproximações com obras de artistas contemporâneos, com ênfase na produção dos artistas brasileiros Lygia Clark e Hélio Oiticica pelo caráter experimental de suas propostas artísticas; com a filosofia, pelo viés de autores como Gilles Deleuze, Henri Bergson e Walter Benjamin; com a história e crítica da arte, dialogando com ideias traçadas por Didi-Huberman e Mario Pedrosa. / The corporal mark as existence registration and the skin as surface of experience: the contact as paradigm for the images printed of the body is a master's degree research in Poetic Visual that articulates coming subjects of an artistic practice that it is based in graphic procedures and in a reflexive textual production. The object of study of this research part of the registration idea and image transfer, procedures found in most of the linked processes to the engraving and the picture, graphic means explored in practice in subject. I use wrinkles, marks and folds recorded in the surface of the skin to point the body as surface of singular registration (marked by the time and for the events lived by each one) as well as the gesture that marks, promoted by that marked body.The flow of the procedures and of the concepts adopted in the research appears for a poetic of the experience, because he/she finds in the contact, in the encounter among the surfaces/body, the motto for the production and reflection of the present to do. I present, as a result of the research, works/propositions and series of images printed that you/they have, as operative concept, the impression of the surface of the human body, in other words, the body as head office for the images, as well as his/her gesture as producing of images, thinking the body, the human, as matter for the production of images, where the tactile and the look take communion in the artistic experience and in their results. Like this, I look for a critic purely to the images visual, inviting the "spectator" to contact the surfaces, the bodies in a movement that seeks, through the tactile sense, the heuristic artistic experience. The study leads to approaches with contemporary artists' works, with emphasis in the Brazilian artists' Lygia Clark production and Hélio Oiticica for the experimental character of their artistic proposals; with the philosophy, for the authors' inclination as Gilles Deleuze, Henri Bergson and Walter Benjamin; with the history and critic of the art, dialoguing with ideas drawn by Didi-Huberman and Mario Pedrosa.

A presente dissertação originou-se a partir de uma experiência entre meu olhar e um quadro de formatura. Este objeto inicial portador de uma série de fotografias de rostos sofreu uma ressemantização, perdendo, assim, suas significações originais e gerando cinco trabalhos: Ninguém, Via, Fotos em 3x4, Bianca e Mim. O objetivo é refletir sobre a experiência do olhar a respeito do cotidiano, a partir da produção das obras, revelando memórias, fantasmas e desejos; e o quanto estes mesmos estão relacionados à presença e aos estranhamentos do corpo no espaço social; e se, de fato, o deslocamento desta experiência a um ambiente específico, o da arte, opera uma ressignificação deste olhar.

A iniciativa deste trabalho decorre de um desdobramento de minha produção recente e propõe-se a evidenciar – a partir de um conjunto de ações e ensaios que procuram assinalar uma espécie de ruptura com a idéia de objeto artístico consumado e estruturado apenasmente como produto de exposição –, o caráter e as particularidades de uma experiência de investigação artística como condição de entrega à deambulação, ao desvio, ao encadeamento intencional de mudanças e aos raciocínios transversais ou sinuosamente orientados. Tal caracterização tem como base uma ação programada de deslocamento físico em paisagens previamente determinadas e a produção de uma série de reflexões, expressas pela escrita, que – apesar de não terem como condição de elaboração uma ligação mútua e direta com a ação proposta – giram em torno dos possíveis confrontos entre o exercício físico e a própria paisagem como possibilidades de deliberar um movimento e projetar a execução de uma meditação sistemática a partir de uma experiência de transmutação do pensamento, do gesto e do próprio fundamento de um envolvimento com a arte como um campo aberto para a não especificidade. Acompanhando o nascimento e a formação, sob as diversas perspectivas de apreensão e entendimento, de um entrecruzamento das diversas atitudes, aptidões, convenções e intenções que estimulam a projeção de uma experiência artística na cotidianidade, este trabalho apresenta-se, precipuamente, como uma busca de soversão da coerência que fundamenta a grande maioria das experiências artísticas culminantes em resultados que se possam apresentar sob os moldes de exibição convencional. Sendo assim, minha expectativa é a de que este trabalho contribua para a discussão sobre a crescente fragmentação estrutural e conceitual (que evidencia a instantaneidade de nossa atual realidade e, não obstante, torna o objeto artístico cada vez mais desencontrado em sua conciliação espacial e na própria vinculação concreta com nossas preocupações ou atividades diárias e rotineiras) que, já há algum tempo, se pode notar na investigação artística contemporânea. Não obstante, como uma aposta na abertura de uma espécie de transfixação da experiência artística, do raciocínio fragmentário e do entrelaçamento de situações heteróclitas na realidade cotidiana, o que esta pesquisa pretende também salientar é a convicção que nutro de que, seja no campo da arte ou no terreno das diligências ordinárias, a intensidade da experiência e do pensamento não pode ser sedentarizada. / The will to make this work comes from an unfolding of my recent production and aims to make clear – from a group of actions and essays which seek for signing a kind of rupture with the idea of an artistic object consummated and structured only as an exhibition product –, the character and specificities of an experience of an artistic investigation as a condition for devoting to wander, to turn aside, to intentional enchainment of changes and to transversal or sinuously oriented reasoning. That group of specifications is based on a programmed action of physical dislocation through previously determined landscapes and on the production of a series of reflections, expressed by this writings, which – although not having, as a condition of elaboration, a mutual and direct connection with the proposed action – turns around the possible confrontations between physical exercise and the landscape itself as possibilities of deliberating a movement and projecting the performance of a systematic meditation from an experience of transmutation of thought, gesture and the basis of an involvement with art as an open field for the non-specificity. Accompanying the appearance and formation, under the various perspectives of apprehension and understanding, of a crossing path of the diverse attitudes, abilities, conventions and intentions which stimulate the projection of an artistic experience nowadays, this work is, above all, a search for the subversion of coherence that basis the great majority of the artistic experiences culminating in results which may present themselves under models of conventional exhibition. In such case, my expectation is that this work may contribute for the discussion of a crescent structural and conceptual fragmentation (which makes evident the immediacy of our actual reality and, in spite of it, turns the artistic object into something that is day by day more disconnected in its spatial conciliation and in its own concrete entailment to our daily activities or concerns) which, it has been already some time, may be noticed in contemporary artistic investigation. In spite of the fragmentary reasoning and of the crossing of heteroclite situations in daily reality, as a stake in the opening of a kind of transfixation of artistic experience, what this research also intends to point out is the conviction that I maintain that, whether in the field of art or in the terrain of ordinary diligences, the intensity of experience of thought cannot be formed sediment.

Esta dissertação foi estruturada com base no pressuposto de que a experiência artística se dá através do corpo sensível - seja sob o ponto de vista do artista, na gênese do processo criativo, seja na ótica do processo de recepção estética de uma obra ou proposição artística. Através de propostas performáticas, fotografadas ou filmadas, que realizo com meu corpo, produzo meu trabalho como uma maneira de perceber, refletir e conhecer o mundo a minha volta. Chamo tal soma de conhecimentos, neste texto, de auto-experiência. Ao relacionar-me com o mundo sob a tutela do corpo, percebo que, em conjunção com o conteúdo estético das performances que proponho, meu corpo se confunde com a paisagem. Isto significa que, como intuição oriunda da própria prática criativa, meu corpo capta e reflete o que o rodeia, tornando a realidade que manipulo também uma evocação daquilo que sou. As imagens que sobram desta prática intensificam a experiência que as gerou; pois que, ao ver meu corpo em ação, ao visualizar as imagens resultantes das ações performáticas que realizo, a intuição de que este se confunde com a paisagem se evidencia de maneira contundente. Minha proposta, nesta dissertação, é, portanto, a de especular a respeito deste processo; o que inevitavelmente me leva à questão: quais são as minhas motivações para realizar tal trabalho? Não obstante, esta indagação me conduz a refletir, também, sobre o que penso sobre a arte em geral, como percebo sua ligação com a vida, e como se dá, para mim, a experiência estética de contato com uma obra de arte, e, mais especificamente, com as imagens que proponho para o outro. / This dissertation was structured upon the presupposition that the experience of art is given through the sensual body, whether from the artist perspective, during the creative process, or during the process of aesthetic reception of an art work or proposition. Through performance propositions, photographed and filmed, which I carry out with my own body, I produce my work as a way of perceiving, reflecting and knowing the world around me. I call that knowledge, in this text, self-experience. As I relate to the world through my body, I realize that, together with the aesthetic content of the performances I propose, my body confounds itself with the landscape. That means that, in an intuition given during the creative process, my body captures and reflects what is around it, making the reality which I manipulate also an evocation of what I am. The images that result from this exercise intensify the experience which have generated them, as, seeing my own body in action, viewing the images that remain from a performance, the intuition that it (my body) confounds with the landscape becomes evident. Therefore, I intend, with this dissertation, to speculate on this creative process, which inevitably will lead me to the question: what are my motivations to carry out this practice? However, this question also takes me to reflect upon what I think about art in general, how I perceive its connection to life, and how, to me, the aesthetic experience is given when facing a work of art, and, more specifically, facing the images I offer to the viewer.

119 f.:il / Submitted by JURANDI DE SOUZA SILVA (jssufba@hotmail.com) on 2013-03-22T13:13:24Z No. of bitstreams: 6 dissertacaocarmoledinapt 6.pdf: 1646302 bytes, checksum: 79de50acc1c94381c2b17a9839618893 (MD5) dissertacaocarmoledinapt 5.pdf: 3009238 bytes, checksum: 2bf5502c2e18d8f6cdde3f8b8d51c8bf (MD5) dissertacaocarmoledinapt 4.pdf: 5084844 bytes, checksum: 572923dca3a0ead79b5abbbdf2d8a249 (MD5) dissertacaocarmoledinapt 3.pdf: 5860730 bytes, checksum: 4f6bb1a0c2280aaf1a290fbea2f4cf68 (MD5) dissertacaocarmoledinapt 2.pdf: 6362133 bytes, checksum: 325f4f1d2b21d00225a3d41723a8f883 (MD5) dissertacaocarmoledinapt 1.pdf: 3722597 bytes, checksum: 489b4912180c41689ae0f9b41e3f6ba5 (MD5) / Approved for entry into archive by Lêda Costa(lmrcosta@ufba.br) on 2013-04-18T12:30:32Z (GMT) No. of bitstreams: 6 dissertacaocarmoledinapt 6.pdf: 1646302 bytes, checksum: 79de50acc1c94381c2b17a9839618893 (MD5) dissertacaocarmoledinapt 5.pdf: 3009238 bytes, checksum: 2bf5502c2e18d8f6cdde3f8b8d51c8bf (MD5) dissertacaocarmoledinapt 4.pdf: 5084844 bytes, checksum: 572923dca3a0ead79b5abbbdf2d8a249 (MD5) dissertacaocarmoledinapt 3.pdf: 5860730 bytes, checksum: 4f6bb1a0c2280aaf1a290fbea2f4cf68 (MD5) dissertacaocarmoledinapt 2.pdf: 6362133 bytes, checksum: 325f4f1d2b21d00225a3d41723a8f883 (MD5) dissertacaocarmoledinapt 1.pdf: 3722597 bytes, checksum: 489b4912180c41689ae0f9b41e3f6ba5 (MD5) / Made available in DSpace on 2013-04-18T12:30:32Z (GMT). No. of bitstreams: 6 dissertacaocarmoledinapt 6.pdf: 1646302 bytes, checksum: 79de50acc1c94381c2b17a9839618893 (MD5) dissertacaocarmoledinapt 5.pdf: 3009238 bytes, checksum: 2bf5502c2e18d8f6cdde3f8b8d51c8bf (MD5) dissertacaocarmoledinapt 4.pdf: 5084844 bytes, checksum: 572923dca3a0ead79b5abbbdf2d8a249 (MD5) dissertacaocarmoledinapt 3.pdf: 5860730 bytes, checksum: 4f6bb1a0c2280aaf1a290fbea2f4cf68 (MD5) dissertacaocarmoledinapt 2.pdf: 6362133 bytes, checksum: 325f4f1d2b21d00225a3d41723a8f883 (MD5) dissertacaocarmoledinapt 1.pdf: 3722597 bytes, checksum: 489b4912180c41689ae0f9b41e3f6ba5 (MD5) Previous issue date: 2009 / A presente dissertação revela a investigação prático-teórica em processos criativos utilizando como material a Nicotiana Tabacum (folhas e o fumo de corda) e outros tipos de cordas no processo criativo através de técnicas diferenciadas, fundamentada na, poïetica traduzindo-se em resultados de uma pesquisa em arte. A fenomenologia da percepção dos objetos encontrados na memória do eu coletivo gera uma poética, baseada em elementos e materiais, com significados plásticos conceituais a partir da estética do odor na construção da obra de arte; sustentados principalmente, por conceitos de filósofos e pensadores como Gilles Deleuze, Luigi Pareyson, Merleau-Ponty, René Passeron e Sandra Rey. O método experimental de diafanização e cortes histológicos permitiu submeter a matéria às variações de textura, cor, brilho, volume, resistência, durabilidade observando os resultados e utilizando-se de conhecimentos científicos da folicular Nicotiana tabacum dos pesquisadores Kraus, Arduin, Silva e colaboradores, para diálogo da descrição harmônica da matéria em relação as idéia. Esse resultado refere-se à conquista do sentido social da obra de arte,utilizando-se de materiais e texturas de que o artista se vale para representar e transmitir suas convicções intelectuais e políticas, enraizadas na história da cultura baiana, onde se ligue identidade e contemporaneidade. / Salvador

243f. / Submitted by Suelen Reis (suziy.ellen@gmail.com) on 2013-04-08T16:52:15Z No. of bitstreams: 2 Lolataparte2.pdf: 481191 bytes, checksum: bf4f832facf4711c8366fd043b828e91 (MD5) Lolataparte1.pdf: 4301129 bytes, checksum: f0b9a7db3aa76f888da998fa21f004b2 (MD5) / Approved for entry into archive by Lêda Costa(lmrcosta@ufba.br) on 2013-04-18T12:27:03Z (GMT) No. of bitstreams: 2 Lolataparte2.pdf: 481191 bytes, checksum: bf4f832facf4711c8366fd043b828e91 (MD5) Lolataparte1.pdf: 4301129 bytes, checksum: f0b9a7db3aa76f888da998fa21f004b2 (MD5) / Made available in DSpace on 2013-04-18T12:27:03Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Lolataparte2.pdf: 481191 bytes, checksum: bf4f832facf4711c8366fd043b828e91 (MD5) Lolataparte1.pdf: 4301129 bytes, checksum: f0b9a7db3aa76f888da998fa21f004b2 (MD5) Previous issue date: 2005 / Este trabalho buscou entrar no universo da produção do artista plástico baiano Marepe. Para compreender melhor a inserção de sua obra num patamar de grande reconhecimento internacional - sendo este artista jovem, presente, aproximadamente, há quinze anos no meio artístico e, ainda, residindo em uma cidade do interior da Bahia -, foi fundamental uma breve trajetória da história da arte, a qual partiu de um universo macro, do início do século XX, e afunilou até chegar à arte brasileira dando ênfase ao movimento Neoconcreto carioca. Através da produção dos artistas neoconcretistas, como Lygia Clark e Hélio Oiticica, e do pensamento gerado neste contexto, foram verificadas semelhanças de propostas entre esses e os artistas contemporâneos da Bahia, como Ieda Oliveira, Maxim Malhado e Marepe. Adentrou-se mais na obra de Marepe e foram encontradas relações importantes, principalmente, entre o “Esquema Geral da Nova Objetividade”, de Hélio Oiticica, que em vários textos adaptou as teorias do filósofo francês Merleau-Ponty, sobre fenomenologia, para o contexto das artes plásticas.Com uma adaptação semelhante, também, as teorias de outro filosofo francês ligado à mesma corrente, Gaston Bachelard, foram facilmente relacionadas às propostas de Marepe, que, no geral, carregam lembranças e devaneios de sua infância, da casa vivida. Como forma de contextualizar a trajetória desse artista,traçou-se um panorama histórico do Salão do Museu de Arte Moderna da Bahia,como um referencial para o crescimento da arte contemporânea no referido Estado, no qual o artista está inserido. Utilizou-se análise comparativa de textos críticos e de imagens e, também, foram feitas comparações entre trabalhos artísticos, com parâmetros teóricos já bem definidos.Registrou-se uma série de entrevistas com artistas e com personalidades do meio da arte, o que gerou um respaldo às análises. Com a produção de Marepe tendo alcançado grande visibilidade entre a produção nacional, realizou-se uma pesquisa sobre o desenvolvimento da sua poética, o que confirmou a força regional e a linguagem universal que sua produção propõe, além da retomada de características desenvolvidas por alguns neoconcretos, precursores do experimentalismo, com ênfase no fim da dicotomia entre sujeito e objeto. / Salvador

Nesta tese, é analisado o crescente papel do mercado nos circuitos artísticos contemporâneos, enfocando a ascensão das feiras como uma instância que expressa um mundo da arte heterônomo. As feiras são discutidas como ferramenta nos processos de internacionalização da produção artística brasileira. A partir da SP-Arte, ArteBA e Art Basel Miami - três diferentes modelos em distintos circuitos comerciais - é feita uma reflexão sobre como suas respectivas escalas e dinâmicas repercutem na reputação de tais eventos, problematizando as correntes noções de local e global. Considerando questões geopolíticas, que se fazem cruciais nestes dinâmicos ambientes, a pesquisa problematiza o uso do termo ecossistema para descrever a complexidade das relações existentes no cenário da arte contemporânea. Admitindo as limitações dos métodos quantitativos de mensuração dos mercados de arte, nesta pesquisa também são apresentadas algumas das principais narrativas que delineiam e reforçam as crenças contemporâneas na formação de valor. Tais narrativas, simultaneamente conflitantes e convergentes, expõem, nas feiras de arte, suas paradoxais repercussões nos processos de legitimação da arte contemporânea.

Resumo não disponível

O presente estudo buscou compreender as relações que as crianças estabelecem com a arte contemporânea quando a mesma é apresentada, discutida e explorada no contexto escolar. Refletindo sobre a desarticulação e lacuna existente entre a arte contemporânea e a concepção de arte escolar, pensada somente como um produto e aquém de um processo, esta pesquisa se propôs a investigar junto às crianças como elas se articulam com a arte contemporânea, a partir de ações propositivas que ampliam suas formas de perceber os materiais e objetos do cotidiano. Neste sentido, a arte contemporânea serviu para pensar a metodologia de pesquisa e as crianças. Sendo utilizadas referências artísticas como: Marcel Duchamp, Joseph Kosuth, Nelson Leirner, Lia Menna Barreto e Sandro Ka, investigação ancorou-se teoricamente nos estudos sobre Pesquisas com Crianças (Pereira, Rabello de Castro, Tomás, Sarmento), nos estudos da Arte Contemporânea (Archer, Cauquelin, Chiarelli e Canton), e nos estudiosos que discutem acerca das Crianças Contemporâneas (Dornelles e Heywood). Tratou-se, portanto, de uma investigação realizada dentro de uma escola pública na cidade de Porto Alegre/RS, com um grupo de nove crianças de um primeiro ano. Para este estudo foram realizadas duas semanas de observação, dezessete encontros, além de uma visita ao MARGS – Museu de Arte do Rio Grande do Sul – ocorridos entre os meses de julho a dezembro de 2012. Como recursos metodológicos, foram utilizados os encontros propositivos – denominados metodologicamente como “Encontros Crianceiros” – os registros audiovisuais, diário de campo da pesquisadora e os materiais explorados e produzidos pelas crianças. As perguntas centrais deste estudo: como as crianças se relacionam com as modalidades que a arte contemporânea suscita? E como as crianças exploram a arte quando ela adentra a escola? Foram respondidas por meio das análises feitas, que se desdobraram ao longo do período da pesquisa com as crianças. As concepções sobre arte, as maneiras como seus processos de criação ocorreram e suas relações com a materialidade, e ainda, a experimentação dos objetos por meio dos afetos estabelecidos foram os eixos principais de análises. O estudo destaca a potência existente no encontro entre as crianças e a arte contemporânea, principalmente no que se refere à proximidade e receptividade dos pequenos com as modalidades da mesma. Além disto, a pesquisa demonstra através dos processos de criação das crianças como estes são encharcados de significados e relações externas ao contexto escolar, que emergem em suas experimentações, assim como os afetos e enfrentamentos que se estabelecem na exploração, ressignificação e apropriação dos materiais e materialidades. Ao aproximar os pequenos da arte contemporânea, este estudo dá suporte para que se pense e discuta as articulações existentes entre arte e crianças nos contextos escolares, e o quanto estas relações podem ser pautadas pelos processos de experimentação e ressignificação, além de serem possibilidades de ampliação de repertórios, tanto para crianças, quanto para os educadores. / This study sought to understand the relationships that children have with contemporary art when it is presented, discussed and explored in the school context. Reflecting on the disarticulation and gap between contemporary art and design art school designed only as a product and a process falling short, this research proposes to investigate with the children how it relates to contemporary art, from purposeful actions that expand their ways of perceiving the materials and everyday objects. In this sense, contemporary art served to think about the research methodology and the children. Being used as artistic references: Marcel Duchamp, Joseph Kosuth, Leirner, Lia Menna Barreto and Sandro Ka. The research anchored itself theoretically in studies on Research with Children (Pereira, Rabello de Castro, Tomás, Sarmento), Studies of Contemporary Art (Archer, Cauquelin, Chiarelli and Canton), and researchers who discuss about the Contemporary Children (Dornelles and Heywood). It was, therefore, an investigation into a public school in the city of Porto Alegre / RS, with a group of nine children of a first year. For this study were made twice weeks of observation, seventeen meetings, plus a visit to MARGS - Art Museum of Rio Grande do Sul - occurred between the months from July to December 2012- As methodological resources were used in propositional meetings - as methodologically called "Encounters Crianceiros" - audiovisual records, the researcher's field journal and materials exploited and produced by children. The central questions of this study: how children relate to the modalities that contemporary art raises. And how children explore art when it enters the school? Were answered through of the analyzes performed, which unfolded over the period of research with children. Conceptions of art, the ways their creative processes occurred and its relationship with materiality, and also experimentation of objects using of affections were established the main axes of analysis. The study highlights the potency existing in the meeting between children and contemporary art, especially in relation to the proximity and responsiveness of children with the same modalities. Apart from this, research demonstrates through the processes of creation of children as they are drenched in meanings and relationships outside the school context, that emerge in their experimentations, as well as affections and confrontations that are established in the exploration, redefinition and appropriation of materials and materiality Approaching the children of contemporary art, this study supports that think and discuss the joints between art and children in school contexts, and also how these relationships can be guided by the processes of experimentation and reframing as well as being possibilities expansion of repertoire, both for children and for educators.

Esta pesquisa tem como objetivo debater o lugar da arte computacional, a partir da constatação da sua ausência nos acervos dos museus de arte contemporânea brasileira, considerando a efemeridade tecnológica como uma das problemáticas para a preservação e manutenção das obras. Situamos, neste trabalho, a arte computacional no conceito mais amplo de arte digital, inserida no universo da arte contemporânea, destacando a recente história das tecnologias computacionais na arte e os problemas da sua materialidade. Nosso ponto de partida foi a investigação dos acervos de trinta museus brasileiros e do Instituto Itaú Cultural a fim de identificar os problemas relativos ao meio, manutenção e conservação da arte computacional. Considerando o museu como um espaço de legitimação e memória da arte, e constatando as ausências da arte computacional no cenário institucional contemporâneo brasileiro, foram investigadas algumas obras computacionais emergentes no início do século XXI e sua situação hoje, bem como de outras obras mais recentes que ainda não fazem parte de acervos brasileiros. / This research aims to discuss the place of computer art, from the observation of its absence in the collections of museums of contemporary Brazilian art, considering the ephemerality of technology as a problem for the preservation and maintenance of the works. We situate this work, the art in computational broader concept of digital art, set in the world of contemporary art, highlighting the recent history of computer technology in art and the problems of its materiality. Our starting point was the investigation of acquired thirty Brazilian museums and Itau Cultural Institute to identify problems related to the environment, maintenance and repair of computer art. Considering the museum as a space of legitimacy and memory art and noting the absence of computer art in contemporary Brazilian institutional setting, some works were investigated computational emerging at the beginning of the XXI century and their situation today, as well as other more recent works that not yet part of Brazilian collections.