Made available in DSpace on 2016-01-13T13:27:17Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2015-06-29. Added 1 bitstream(s) on 2016-01-13T13:32:35Z : No. of bitstreams: 1 000856099.pdf: 23903176 bytes, checksum: 270cac79e67507891207467cad1d754a (MD5) / Esta pesquisa trata do trabalho do fotógrafo Germano Graeser, que juntamente com Mário de Andrade e Luiz Saia iniciaram as atividades do Serviço do Patrimô- nio Histórico e Artístico Nacional - SPHAN em São Paulo. Foram levantados, identificados e registrados com documentação fotográfica os patrimônios arquitetônicos do Estado de São Paulo pesquisados pelo Serviço, entre os anos de 1937 - 1966. A pesquisa também propõe uma atualização documental dos registros criados durante aqueles anos, com a utilização da tecnologia da fotografia digital e da técnica da fotografia panorâmica 360 graus, com as quais criaram-se tour virtuais pelos lugares fotografados. / This research is about the work of photographer Germano Graeser who along with Mario de Andrade and Luiz Saia started the activities of the National Historical and Artistic Heritage Service - SPHAN in Sao Paulo. It was collected, identified and recorded with photographic documentation the architectural heritage of the State of Sao Paulo surveyed by SPHAN between the years 1937 - 1966. The research also proposes a documentary update of records created during those years, with the use of photography digital technology and technique of photography panoramic 360 degrees, used to create a virtual tour of the places photographed.

Made available in DSpace on 2015-08-20T17:10:16Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2015-05-15. Added 1 bitstream(s) on 2015-08-20T17:25:40Z : No. of bitstreams: 1 000841078.pdf: 5308161 bytes, checksum: 5869a1c22cc723733fc244db82031ba3 (MD5) / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) / O artista ítalo-brasileiro Alfredo Oliani (1906-1988) é uma daquelas pessoas que nascem predestinadas ao sucesso, seu olhar e sua sensibilidade o levaram a produzir obra s magníficas presentes em cemitérios, igrejas e museus. Entretanto, seu talento não foi devidamente valorizado, fazendo com que suas obras ficassem à sombra das executadas por artistas como Galileo Emendabili (1898-1974) e Victor Brecheret (1894-1955), reconhecidos pelos trabalhos executados em espaços públicos e por algumas obras tumulares. A presente dissertação tem como objetivo a análise da biografia de Oliani, a catalogação de suas obras desenvolvidas no Estado de São Paulo, e a identificação de artistas que influenciaram de forma direta ou indireta sua produção artística. / El artista ítalo-brasileño Alfredo Oliani (1906-1988) es una de aquellas personas que nace predestinado al suceso, su mirada y su sensibilidad lo llevaron a producir obras magnificas presentes en cementerios, iglesias y museos. Sin embargo su talento no fue correctamente reconocido, haciendo con que sus obras se quedasen a la sombra de las ejecutadas por artistas como Galileo Emendabili (1898-1974) y Víctor Brecheret (1894-1955), reconocidos por los trabajos ejecutados en espacios públicos y por algunas obras en tumbas. La presente disertación tiene como objetivo el análisis de la biografía del Oliani, la catalogación de sus obras desarrolladas en el Estado de São Paulo y la identificación de los artistas que influenciaron de forma directa o indirecta su producción artística.

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:27Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2013-02-28Bitstream added on 2014-06-13T19:27:48Z : No. of bitstreams: 1 oliveira_srm_me_ia.pdf: 3367855 bytes, checksum: d8b28ad336f25c88adc37255b01c951a (MD5) / A presente dissertação aborda o conceito de Grotesco na Estética e na História da Arte, analisados sob dois aspectos principais: da forma como esse conceito foi transformado desde a época da Grécia Antiga até o século XIX (período de grandes mudanças formais da representação humana nas Artes) e do exemplo do artista Francisco de Goya, através de sua série de gravuras Los Desastres de la Guerra, composta por imagens violentas; grotescas, híbridas e trágicas, que refletem esteticamente o horror advindo da Guerra de Independência e do retorno de um Estado Monárquico e Absoluto. Nossa pesquisa tem por meta avaliar as mudanças políticas, sociais e culturais que influenciaram a transformação desses conceitos estéticos e a aceitação desses novos paradigmas que resultaram numa mudança de visão e fruição da própria Arte entre os séculos XVII e XIX (época de ascensão do Liberalismo e Iluminismo), mostrando como os acontecimentos históricos podem transformar os conceitos artísticos de acordo com as necessidades humanas de retratar seu próprio tempo. Os procedimentos metodológicos foram de revisão bibliográfica parcial sobre as questões do Grotesco na Arte e uma pesquisa sobre a vida e obra de Goya, utilizando as imagens acima citadas, que aqui são analisadas do ponto de vista iconológico / The current dissertation accosts the concept of “Grotesque” in Aesthetics and history of Arts analysed under two main aspects: the way this concept was transformed since the times of Ancient Greece until the nineteenth century ( a period of great formal changes of the human representation and other pictorial genres, and the example of the artist Francisco de Goya through his series of etchings The Disasters of War, composed by violent, hybrid and tragic images, which reflect aestheticly the horrors resulted from the War of Independence and the return of a Monarchic and Absolutist State. Our research objectives have the aim of appraising political, social and cultural factors that influenced the processing and acceptance of new paradigms such as the Grotesque in art making, that resulted in a change of vision and enjoyment of the Art itself between the seventeenth the nineteenth centuries (time of the rise of Liberalism and Iluminism), showing how this concept was transformed by artistic, cultural and historical events according to the Human needs of portraying their own time. The methodological procedures were of a partial bibliographical review about the issues of the Grotesque in art and a research of the life and work of Goya, using the prints cited before, which are here analysed from an iconological point of view

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:28Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2008-10-31Bitstream added on 2014-06-13T19:47:30Z : No. of bitstreams: 1 monteiro_as_me_ia.pdf: 516878 bytes, checksum: a6fe3cbea4f0b648a5239ba3d00932d6 (MD5) / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) / Este trabalho tem como objetivo principal a reflexão sobre minha produção plástica e poética, buscando uma integração da prática com a teoria. Para o desenvolvimento dessa pesquisa selecionei sete objetos artísticos, produzidos nos últimos três anos, que trazem como principais características o gênero fantástico, o humor e o cinetismo. São caixas de madeira pintadas que possibilitam ao público interagir com os cenários de seus personagens / The main goal of this paper is to reflect on my artistic and poetic production, seeking to integrate practical and theory. For the development of this research, I have selected seven artistic objects, produced in the last three years, which bring as main characteristics the fantastic genre, the humor and the kinetcs. |These are painted wood boxes, which allow the viewer to interact with the setting and its characters

Thesis (doctoral)--Odense University, 1990. / Includes bibliographical references (p. 230-243) and index.

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:27Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2010-12-17Bitstream added on 2014-06-13T20:49:04Z : No. of bitstreams: 1 jesus_dv_me_ia.pdf: 3843326 bytes, checksum: f6400c5bee7f7f889be36cabedca2097 (MD5) / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) / Este trabalho tem como objeto de pesquisa obras de artistas brasileiros, que nas décadas de 1960 e 1970 produziram seus trabalhos utilizando como procedimento artístico a apropriação e também a (re) inserção de suas obras no cotidiano. Dentre os que mais se destacaram nesta prática no período estudado, selecionaram-se para análise os artistas: Nelson Leirner, Cildo Meireles e Antonio Manuel. Definindo melhor o conceito de apropriação e retomando a história desse procedimento na arte foi possível fazer um levantamento de questões que este tipo de prática aponta e as mudanças de paradigma que ocasionou. Desde os readymades de Duchamp aos détournement dos situacionistas, a prática da apropriação problematizou questões como a autoria do artista e a própria natureza da arte. Como o suporte de tais obras são objetos do cotidiano, foi também analisada a questão do que definiria um objeto apropriado como obra de arte, tendo como base teórica a definição de arte de Arthur C. Danto (A Transfiguração do lugar-comum). Partindo para a arte brasileira, buscaram-se as primeiras manifestações desta prática para verificar sua adaptação aos ideais de arte nacional. Retomando o contexto sócio-políticoeconômico dos anos 1960 e 1970, em particular o período do AI-5, foi possível analisar se tal contexto influenciou na criação das obras dos artistas analisados. Tendo como referência o termo ‘contra-arte’ - cunhado pelo crítico Frederico Morais para referir-se à arte da geração AI-5 - verificou-se que esses artistas somaram a contestação política à contestação da própria arte, residindo neste último seu verdadeiro legado / The purpose of this work is to research the artwork of Brazilian artists, that in the 60`sand 70´s produced their artworks using as artistic procedure the appropriationand also the(re)insertionof theirartworks in the everyday life. Among those whostood out in the researched period, the following artists were chosen: Nelson Leirner, Cildo Meireles e Antonio Manuel. Better defining the concept of appropriationand retaking thehistory of this procedurein the arts,itwas possible to arise questions that this kind of process caused andthe changes in theparadigmthat it brought on. Since Duchamp´s readymades until the détournement of the Situationists, the appropriation practice brought problematic situations, as theartist`s authorship and the own nature of art. As thesupportfor that artworksare everyday lifeobjects, it was analyzed whatwould defineanappropriated object asan artwork, taking as a theorist reference, the definition of art of ArthurC.Danto (The transfiguration of the commonplace). Forthe Brazilian art, the first manifestations of this kindof art were researchedto see its adaptation to the ideals of national art. Taking into consideration the social,politicaland economic contextof the 60´s and 70´s mainly theAI-5 period, itwas possible to verify if thatcontext influenced theartwork creation of the researched artists. Having as reference the term ‘contra-arte’ – created bythe criticFredericoMorais to refer to the art of AI-5 generation,it wasconcluded that those artists added the political contestation to the contestation of the art itself, being the latter their true legacy

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:28Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2010-12-16Bitstream added on 2014-06-13T19:48:47Z : No. of bitstreams: 1 rodrigues_ww_me_ia.pdf: 4116969 bytes, checksum: 5c2fb408175a773d2ce0dc6baa12372b (MD5) / O presente trabalho tem como tema a visão dos modernistas sobre o universo feminino, a partir de KLAXON – Mensário de Arte Moderna, primeiro periódico modernista. Foram utilizados conceitos do sociólogo francês Pierre Bourdieu (1930-2002), como referência teórica para estabelecer ligações entre o campo artístico e o campo social, no momento em que aconteceram os movimentos Modernista e Feminista emergentes. A investigação seguiu os rumos que a arte brasileira tomava para a inserção da mulher neste campo, como agente ativo, tendo em mente, principalmente, o papel desempenhado pela pintora Anita Malfatti enquanto “estopim do modernismo”. O período analisado compreende as mudanças ocorridas no final do século XIX (com a aceitação de matrícula de mulheres na Academia Nacional de Belas Artes), no Rio de Janeiro e se estende até o início da década de 30, quando o Modernismo se consolida como movimento com grande participação feminina. O recorte se dá com base nas artistas citadas em KLAXON: Agnes Ayres (1898-1940), Anita Malfatti (1889-1963), Antonietta Rudge (Miller) (1885-1974), Bebé Daniels (1901-1971), Céline Arnauld (1893-1952), Gloria Swanson (1899-1983), Guiomar Novaes (1894-1979), Perola White (Pearl White) (1889-1938), Sarah Bernhardt (1844- 1923), Tarsila do Amaral (1886-1973) e Zina Aita (1900-1967). Inclui, também, o estudo de três textos sobre mulheres: Sarah, de Rubens de Moraes; As Cortesãs (das canções gregas), de Guilherme de Almeida; e A Extraordinária História da Mulher que se tornou Infinita, de Antonio Carlos Couto de Barros. Os resultados apontam uma visão mais aberta sobre o universo feminino, em relação ao século precedente, mas ainda com aspectos conservadores / This work aims to reveal the judgments of Brazilian male modern artists concerning to female universe, and adopts as a main stream of arguments “KLAXON” – a monthly magazine of Modern Art, and the very first newspaper of Modernist Movement, in Brazil. Therefore, concepts and theories of the French-sociologist Pierre Bourdieu (1930-2002) were equally applied in order to put in a well-connected association some events from artistic camp and those from social camp, just a time when both Modernist and Feminist movements were exactly taking place in Arts and in society. This investigation keeps on following the route that had to be traced on Brazilian art and that had to give to those women some insertion at a powerful artistic scale, an example to have in mind is that one taken from the presence of the Brazilian female painter Anita Malfatti, whose role was very important for the so called “boom of Modernist Movement”. The historical period analyzed includes the changes that occurred by the final of the XIX century, when women were being admitted on the “Academia Nacional de Belas Artes”, in Rio de Janeiro, and its goes up to the end of the 30’s, a period when Modernist Movement is consolidated as a real movement, accompanied from a large contribution of women. The most precious examples that can be illustrated with female artists’ presence, cited by KLAXON, are: Agnes Ayres (1898-1940), Anita Malfatti (1889-1963), Antonietta Rudge (Miller) (1885-1974), Bebé Daniels (1901-1971), Céline Arnauld (1893-1952), Gloria Swanson (1899-1983), Guiomar Novaes (1894-1979), Perola White (Pearl White) (1889- 1938), Sarah Bernhardt (1844-1923), Tarsila do Amaral (1886-1973) e Zina Aita (1900- 1967). It also includes a study of three texts about women: Sarah, by Rubens de Moraes; As Cortesãs (“The Courtesans”, those from the Greek songs), by Guilherme de Almeida; and A Extraordinária História da Mulher que se tornou Infinita

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:28Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2012-06-26Bitstream added on 2014-06-13T20:49:04Z : No. of bitstreams: 1 lima_lcs_me_ia.pdf: 716961 bytes, checksum: 6634410aa6cf8fa3a13a74ccc37e3534 (MD5) / Universidade Estadual Paulista (UNESP) / A música é uma das formas de linguagem presentes na vida humana, desde a préhistória. Vários são os estudos a respeito da origem dos efeitos sonoros sobre o ser humano, sabe-se que o homem fazia música em seus rituais de caça e adoração. Objetivo: pesquisar como o ensino de História da Arte com o recurso da musicalidade com as crianças influencia na aprendizagem significativa. Método: Pesquisa descritiva, qualitativa realizada com as séries iniciais de uma escola da rede privada de ensino da cidade de São Paulo, em 2008. Resultados: Pelo estudo realizado, percebeu-se a importância da atuação do professor que busca provocar nos alunos um entendimento sobre a área de conhecimento, baseada nas experiências vividas em salas de aula; e esta atuação distingue-o do professor tradicional; e os alunos não precisam ter um conhecimento prévio da obra de Arte, mas, é importante que a vivência seja provocada para que, além da Experiência, tenham uma vivência sonora e visual, para que haja a aprendizagem em Arte / Music is one of the language forms that have been present in human life since Prehistoric times. There are several studies about the origin of the sound effects on human beings; it is known that man created music in their hunting rituals and worship. Objective: To investigate how musical resources added to Art History teaching influences students’ meaningful learning. Method: A descriptive, qualitative study was conducted with the initial series of a private school in the city of Sao Paulo in 2008. Results: Through this research, based on classroom experiences, it was observed that the performance of the teacher who motivates students towards significant learning is of great importance; and that this practice differs from traditional practices; that students do not necessarily have to possess a prior knowledge of a work of Art, but it is important to activate a connection of it to sounds and visuals stimuli, so that besides the Experience, they can have an auditory and visual involvement, and thus, learn Art

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:30Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2007-05-25Bitstream added on 2014-06-13T19:27:56Z : No. of bitstreams: 1 marques_eg_me_ia.pdf: 1186471 bytes, checksum: 89aa75e6cf37fc39bfec90c42aba06ba (MD5) / Objetiva-se com esta pesquisa resgatar a história de Santos através do conjunto arquitetônico Carmelita, que guarda obras de Padre Jesuíno Monte Carmelo, Benedito Calixto, retábulo-mor com elementos ornamentais do estilo nacional português, azulejos marianos originais e imaginárias do século XVII e XVIII. A abordagem da pesquisa procura resgatar a visualidade, a técnica, e os acontecimentos históricos que envolveram os padres carmelitas junto com a formação da vila de Santos em 1540. A igreja da ordem terceira foi erguida 150 anos depois da igreja da ordem primeira do Carmo, no entanto, as duas foram unidas por uma torre, criando uma fachada incomum no barroco brasileiro. Na presente pesquisa o arcervo de ambas foi catalogado e analisado seguido as orientações do IPHAN- Instituto do Patrimônio Histórico Artístico Nacional. Ainda estão incluídas nesta abordagem a comparação dos templos carmelitas de Itu, Mogi das Cruzes e Santos, ampliando a compreensão do universo símbolico e dos sentimentos que permeavam a população que vivia no período de arte barroco/rococó. A alegoria e a metáfora permeiam as comprarações das três igrejas, significativamente, portas, janelas, dragões, arcos e volutas ganham força e sentimentos. A comunicação não precisa de palavras, é o querer ver, algo que se materialize do subjetivo para o objetivo. O espaço é imagem e entra em comunicação com seu espectador. Toda a documentação da pesquisa está envolvida com o fato histórico e a documentação fotográfica visa o entendimento da obra religiosa com a análise de sua técnica e composição estética. Deste modo, está dissertação oferece aos interessados uma reflexão da história dos carmelitas e sua contribuição artística para os templos religiosos de estilo barroco/rococó. / The objective of this research is to rescue the imaginary of Santos City, which preserves work of art of Priest Jesuíno from Carmel Mount, Benedito Calixto, altarpieces, ornamental tiles of centuries XVII and XVIII. The approaching of the research seeks to rescue the visibility, technique and the events that had involved the Carmel priests together with the foundation of Santos village in 1540. The Church of the third order was raised 150 years after the church of the first order of Carmo, however, the two had been joined by a tower, creating an uncommom front ion the Baroque Brazilian style. In the present paper the quantify of both was catalogued and analyzed following the orientations of the IPHAN Instituto do Patrimônio Histórico Artístico Nacional (Brazilian Historical Institute). There are still enclosed in this research a comparison between the Carmelite temples of Itu, Mogi das Cruzes and Santos, extending the understanding of the symbolic universe and the Feelings that permeat the population that lived in the period of baroque / recoco arts. The representation and metaphor permeat the comparisons beteen the three churches, significantly, dors, windows, dragons, arcs and scrolls gain force and feelings. The communication does not need words, is the fondness to see, something that materializes of the subjetive onto the objective. The space is image and enters in communication with the observer. All the documentation of the research is involved with the historical fact and the photographic documentation aims the understanding of the religious masterpiece with the analysis of its technique and aesthetic composition. In this way this paper offers a reflection to the interested parts a reflection of the in Carmelite history and their artistic constribution for the religious temples of the Barroque art/rococó style.

La iconografía musical, o el estudio de las manifestaciones musicales (principalmente organológicas) presentes en las obras de arte, es una disciplina humanística relativamente nueva, que hace su aparición en el último tercio del siglo XX. En el Perú, se trata, prácticamente, de una disciplina desconocida e inexplorada. La presente investigación es un primer paso en el desarrollo de esta disciplina en nuestro medio. A través del estudio de las fuentes iconográficas musicales presentes en las pinturas de la llamada Escuela cuzqueña de los siglos XVII y XVIII, esta investigación no sólo demuestra las diversas correspondencias entre la pintura de esta escuela y las prácticas reales de las capillas musicales del Virreinato peruano, sino, y lo que es más importante, las profundas vinculaciones del arte de la escuela cuzqueña con la realidad circundante y el pensamiento y sensibilidad de la sociedad colonial de su tiempo, más allá de estereotipos y formulismos derivados del arte europeo, principalmente, de la copia de grabados. La investigación, finalmente, pone en evidencia la importancia y necesidad de desarrollar estos estudios iconográfico- musicales en nuestro medio, ya que constituyen una valiosa herramienta para la Historia del arte. / Musical iconography, or the study of musical manifestations (mainly organological) present in works of art, is a relatively new humanistic discipline, which made its appearance in the last third of the 20th century. In Peru, it is practically an unknown and unexplored discipline. The present investigation is a first step in the development of this discipline in our environment. Through the study of the musical iconographic sources present in the paintings of the so-called Cuzco school of the 17th and 18th centuries, this research not only demonstrates the various correspondences between the painting of this school and the actual practices of the musical chapels of the Peruvian Viceroyalty if not, and what is more important, the profound links between the art of the Cuzco school with the surrounding reality and the thought and sensitivity of the colonial society of its time, beyond stereotypes and forms derived from European art, mainly from the copy of engravings. The research, finally, shows the importance and need to develop these iconographic-musical studies in our environment, since they constitute a valuable tool for the History of art. / Tesis