Los temas tratados en esta publicación son un pretexto para apreciar y analizar una diversidad de creaciones en un recorrido que se aparta de la ruta histórica; y son, además, una ocasión para reflexionar de un modo inclusivo y transversal en una aventura que se hace más cercana con la información que acompaña cada obra escogida. De este modo se invita al disfrute, a la libre contemplación y a compartir estas experiencias, que, esperamos, provoquen en el lector ganas de vivir las suyas… de probar sus propios bocadillos.

La presente disertación incide sobre las prácticas pedagógicas del dibujo en el contexto de la educación artística y pretende comprender las condiciones que hoy las caracterizan. El trabajo intenta fijar estas condiciones en el ámbito de una problemática que no es solamente la de la enseñanza del dibujo, sino también, y sobre todo, la de su aprendizaje. Comprender el dibujo como dispositivo pedagógico y, en particular, la importancia de los ejercicios en el aprendizaje del dibujo, exige pensar el dibujo en la convergencia de diferentes circunstancias que concurren - simultáneamente - para tornarlo una experiencia contemporánea. Concebidos para fundar una pedagogía, los ejercicios de dibujo se revelan entonces determinantes para configurar un proceso cuya naturaleza es, sobre todo, práctica. Son estos ejercicios los que definen el espectro de lo que deberá ser trabajado en el contexto pedagógico, y lo que, hasta cierto punto, permitirá obtener una visión global y controlada sobre la estrategia de enseñanza que se derive de ahí - así como la fidelidad de las prácticas pedagógicas en función de los contenidos planeados. La enseñanza del dibujo apenas consta de contenidos identificados como relevantes para la formación del alumno. Esos contenidos, que cumplen designios al servicio de objetivos bien delimitados y que dependen de estrategias pedagógicas, apelan al mismo tiempo a mecanismos de instrucción y de experimentación, que tienen lugar en un medio pedagógico concreto. A pesar de ser aparentemente marginales y menores, tanto la naturaleza de estos dispositivos (los ejercicios de dibujo) como las especificidades que configuran el medio pedagógico (el aula) son indispensables para una práctica exitosa de aprendizaje del dibujo artístico contemporáneo. / Rodrigues Esteves, PJ. (2011). El dibujo como dispositivo pedagógico. Fundamentos del dibujo en la enseñanza contemporánea de las artes plásticas [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/15176

Made available in DSpace on 2009-05-14T21:06:48Z (GMT). No. of bitstreams: 1 CPDOC2008MariaAngelicaAlmeidadeMeira.pdf: 5497009 bytes, checksum: 6ae6285e0ac395c856ef22edf711c9a5 (MD5) / Submitted by Suemi Higuchi (suemi.higuchi@fgv.br) on 2009-05-14T21:06:48Z No. of bitstreams: 1 CPDOC2008MariaAngelicaAlmeidadeMeira.pdf: 5497009 bytes, checksum: 6ae6285e0ac395c856ef22edf711c9a5 (MD5) / This work aims at studying the visual arts panorama in the State of Pará between the 1940’s and the 1980’s departing from local painter and ceramist Ruy Meira (1921-1995). Meira, a member of a distinguished family of politicians and intellectuals in Northern Brazil, played a pivotal role in the ripening of the artistic métier in Pará, having been fundamental to the establishment of many important artistic and intellectual sociability networks, and having synthesized, in his artistic trajectory, the history of the absorption of the main currents of modern art in Pará. In order to study Meira’s artistic and social personality, we searched for support in his personal archive, which contains some important material, most of it unpublished, ranging from active and passive correspondence to pictures and exhibitions catalogues. / Este trabalho busca estudar o panorama das artes plásticas no Estado do Pará entre as décadas de 1940 e 1980 a partir da figura de Ruy Meira (1921-1995), pintor e ceramista paraense. Meira, membro de uma destacada família de homens públicos e intelectuais nortistas, desempenhou papel central no amadurecimento das artes no Pará, seja por ter sido fundamental para o estabelecimento de importantes redes de sociabilidade artístico-intelectuais, seja por ter, em sua trajetória artística, sintetizado a história da absorção das principais vertentes da arte moderna no Pará. Para estudar a personalidade artístico-social de Meira, buscamos apoio no arquivo pessoal do artista, que contém importante material, em boa parte inédito, constituído de correspondência ativa e passiva, fotografias e catálogos de exposição.

Submitted by Cláudia Bueno (claudiamoura18@gmail.com) on 2015-12-10T13:32:30Z No. of bitstreams: 2 Tese - Aguinaldo Caiado de Castro Aquino Coelho - 2015.pdf: 2390971 bytes, checksum: 95369ddecaf680182c88841faefb15f7 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Approved for entry into archive by Luciana Ferreira (lucgeral@gmail.com) on 2015-12-11T07:51:13Z (GMT) No. of bitstreams: 2 Tese - Aguinaldo Caiado de Castro Aquino Coelho - 2015.pdf: 2390971 bytes, checksum: 95369ddecaf680182c88841faefb15f7 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Made available in DSpace on 2015-12-11T07:51:13Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Tese - Aguinaldo Caiado de Castro Aquino Coelho - 2015.pdf: 2390971 bytes, checksum: 95369ddecaf680182c88841faefb15f7 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Previous issue date: 2015-04-27 / Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de Goiás - FAPEG / This research aims to analyse and reflect on the Competitive Art Fair Event, System of the Art and the editions of the Annual Visual Art Contests that were held in the 1970’s decade by the bank Caixa Econômica do Estado de Goiás – that became known by Caixego Competitives Art Fairs. Five editions were held. The first one in regional or state terms, conceived in January and launched in July, 1973 , and the other four ones had a national character, from 1974 to 1977. The artistic collection resulting from the awarded works was the main former of the Contemporaneous Art Museum of Goiás, situated in Goiânia. A bibliographic and documental research was done in Caixego and museums files, local newspapers, microfilm images and open interviews with managers, organizers and artists who participated in the aforementioned Art Fairs and also professionals who work in current Art Fairs. The analysis of the characteristics of Caixego Competitives Art Fairs in comparison to the National Art Fairs, from that time and present ones, together with the concepts and evolution of the Competitive Art Fair Event and of the System of the Art, in national terms, but mainly in the State of Goiás in the 1970’s decade, with their elements and actors, constitute the objectives of this thesis. It also intends to investigate the Competitive Art Fairs capacity to gather collections for the Public Museums and the way in which they configure a strategic action of public Policy for identity construction and cultural projection of the State. The original purpose of Caixego Competitives Art fairs , as explained by the directors of the bank and by the then State Governor, was to form an art work Collection made by artists not only from Goiás but also national ones, some already well-known and others still new , and to promote nationally the Art made in Goiás. The Caixego Competitives Art Fairs had an effective participation of the artists from Goiás and also from a number of Brazilian States, nationwide wellknown invited artists, selected by active critics, who were jurors of São Paulo Bienal ( Biennial) and of the major National Competitives Art Fairs. / Esta investigación tiene por objetivo analizar y reflexionar sobre el evento Salón de Arte, sobre el Sistema del Arte y las ediciones de los Concursos Anuales de Artes Plásticas realizados en la década de 1970 por el banco Caixa Econômica do Estado de Goiás – Caixego, conocidos como Salones de Caixego.. Se realizaron 05 ediciones. La primera de ellas ocurrió en carácter estadual o regional, creado en enero y lanzado en julio de 1973, y las demás nacionales, de 1974 a 1977. El fondo artístico proveniente de los trabajos premiados fue el principal formador del Museo de Arte Contemporánea de Goiás, localizado en Goiânia. Para la preparación de esta tesis se llevó a cabo la investigación bibliográfica y documental en los archivos de la institución Caixego, de museo y periódicos, micro-filme imágenes y entrevistas abiertas con los directores, organizadores y participantes de estos salones y también com profesionales que trabajan en salones recientes. El análisis de las características de los Salones de Caixego en comparación a los Salones Nacionales, de la época y los actuales, juntamente con los conceptos y evolución del evento Salón de Arte y del Sistema de Arte, nacional y sobre todo del estado de Goiás en la década de 1970, con sus elementos o actores, constituyen los objetivos de esta tesis. Pretende aún investigar la capacidad de los salones de arte de formar fondos para los museos públicos y la forma cómo configuran una acción estratégica de política pública para la construcción de identidad y proyección cultural nacional del Estado. El propósito original de los Salones de Caixego, conforme a lo explicado por los dirigentes del Banco y por el gobernador del Estado en la época, era formar una colección de obras de arte de los artistas del Estado y de Brasil, consagrados y jóvenes y divulgar nacionalmente el arte hecha en Goiás. Los Salones de Caixego tuvieron una efectiva participación de los artistas de Goiás y también de varios estados, artistas convidados de renombre nacional, seleccionados por críticos actuantes, que eran jurados de la Bienal de São Paulo y de los mayores Salones Nacionales. / Esta pesquisa tem por objeto analisar e refletir sobre o evento Salão de Arte, sobre Sistema da Arte e as edições dos Concursos Anuais de Artes Plásticas realizadas na década de 1970 pelo banco Caixa Econômica do Estado de Goiás – Caixego, que ficaram conhecidos como Salões da Caixego. Foram realizadas 05 edições. A primeira delas ocorreu em caráter estadual ou regional, criado em janeiro e lançado em julho de 1973, e as demais nacionais, em 1974 a 1977. O acervo artístico decorrente dos trabalhos premiados foi o principal formador do Museu de Arte Contemporânea de Goiás, localizado em Goiânia. Para a elaboração desta tese foi realizada pesquisa bibliográfica e pesquisa documental em arquivos da instituição Caixego, museus e jornais da cidade, imagens de microfilme, além de entrevistas abertas com gestores, organizadores e artistas participantes dos referidos salões e também com profissionais que atuaram nos salões recentes. A análise das características dos Salões da Caixego em comparação com os Salões Nacionais, da época e os atuais, juntamente com os conceitos e evolução do evento Salão de Arte e do Sistema da Arte, nacional e principalmente do estado de Goiás na década de 1970, com seus elementos ou atores, constituem os objetivos desta tese. Pretendeu ainda investigar a capacidade dos salões de arte de formar acervo para os museus públicos e o modo como configuram uma ação estratégica de política pública para construção de identidade e projeção cultural nacional do Estado. O propósito original dos Salões da Caixego, conforme explicado pelos dirigentes do Banco e pelo então governador do Estado era formar uma coleção de obras de arte não só dos artistas locais, mas também do Brasil, alguns já consagrados e outros ainda novos e divulgar nacionalmenteessa produção. Os Salões da Caixego tiveram efetiva participação dos artistas de Goiás e também de vários estados, artistas convidados de renome nacional, selecionados por críticos atuantes, que eram jurados da Bienal de São Paulo e dos maiores Salões Nacionais.

Em Júlio Bressane, artes plásticas e erotismo são dois dos principais elementos de uma constelação particular que inclui a literatura, o modernismo brasileiro, a canção popular e, é claro, o próprio cinema. Em Filme de amor (2003), Bressane coloca em pauta o corpo nu e a questão do olhar, em uma pesquisa estética ligada a uma tradição pictórica que vai do Renascimento italiano (Sandro Botticelli, Raphael Sanzio) e da pintura espanhola (Diego Velázquez, Francisco Goya) até o realismo (Gustave Courbet) e o surrealismo de Balthus - nome central para o longa de 2003 - passando pela psicanálise (Lacan). Para Bressane, \"cinema inocente\" pode referir-se tanto aos filmes eróticos do Primeiro Cinema quanto ao momento da história das formas cinematográficas em que, dada a falta de referências anteriores, tudo é invenção. Nesse sentido, liberdade formal e liberalidade comportamental aproximam-se para criar uma espécie de utopia, uma \"Arcádia\" pessoal idealizada por seu cinema - época \"inocente\" e mitológica, anterior ao homem provar da árvore do fruto do conhecimento. A questão da melancolia (Benjamin) será central para entender o cinema de Bressane, bem como a ideia da História como fragmento e ruína. / Painting and eroticism are two main elements in Júlio Bressane\'s own private constellation that also includes literature, Brazilian modernism, popular Brazilian music, and cinema itself. Filme de amor (2003) deals with the questions of the naked body and the gaze, and connects itself with a large tradition, from Italian Renascence (Sandro Botticelli, Raphael Sanzio) and Spanish painting (Diego Velázquez, Francisco Goya) to realism (Gustave Courbet) and Balthus\' surrealism - a main artist for the 2003 film. Besides all that, it touches psychoanalysis\' issues related to Lacan\'s theory. To Bressane, \"innocent cinema\" may refer to erotic films from Silent Cinema or to the moment in the history of film forms when, as there were no previous references, everything is an invention. So, both formal and sexual freedom came closer and creates some kind of utopia, an own personal \"Arcadia\" idealized by Bressane\'s films: an \"innocent\" and mythological age, previous to man has proved the forbidden fruit of knowledge. From Benjamin, the director learns the ideas of Melancholy and of History as fragment and doom.

No arco da última década e meia, uma confluência de fatores de impacto mundial tem originado novos entendimentos e organizações de ordens econômica e urbana. Insere-­-se nesse quadro a eclosão dos debates acerca da \"economia criativa\" e, de forma mais recente, da \"cidade criativa\". No Brasil, ainda há parca bibliografia a respeito de ambos os temas e dos benefícios que poderiam gerar ao contexto urbano. A presente tese responde fundamentalmente a duas questões: caracterizar o que seria uma cidade criativa e analisar se São Paulo pode ser caracterizada como uma. Para tanto, unem-­-se neste trabalho revisão conceitual; cunhagem de um conceito norteador de cidade criativa; experimentação de sua aplicabilidade a três cidades; e uma análise prática da aderência desse conceito à cidade de São Paulo, sob dois recortes: de forma abrangente; e de modo aprofundado, tendo as artes plásticas contemporâneas como instrumento de estudo. / Over the past fifteen years, a convergence of factors of global impact has motivated new understandings and organisations of economic and urban order. This is the background leading up to the emergence of the \"creative economy \" and, more recently, the \"creative city\". In Brazil, the bibliography of both subjects is still scarce, the same applying to their potential benefits to the urban context. The present thesis aims to respond fundamentally to two questions: to draw the features of a creative city and to analyse if São Paulo could claim to be one. Therefore, this work encompasses a conceptual review; the proposal of a driving concept of creative city; an experimentation of its suitability to three cities; and a practical analysis of its adherence to the city of São Paulo, at two levels: comprehensive and in-­-depth, using contemporary art as a tool for analysis.

Este trabalho consiste no estudo da atuação do artista e cenógrafo Flávio Império no campo da arquitetura e do ensino de arte e de arquitetura, onde sua contribuição para a historiografia da arquitetura e da arte brasileiras foi ímpar durante os anos 60, 70 e 80. Foram analisadas suas obras arquitetônicas concebidas individualmente e em parceria com os seus amigos, colegas de ensino e de profissão, Sérgio Ferro e Rodrigo Lefèvre, principalmente durante a década de 60. Foi analisado o trabalho de Império como professor, visando identificar os aspectos de sua participação específica na formação dos futuros profissionais da área de arquitetura, e as naturezas de suas práticas de ensino ligadas às suas experiências em outras áreas de atuação como no teatro. A presente dissertação abrange o estudo da obra arquitetônica de Flávio Império; a relação entre o arquiteto e os outros arquitetos que foram referências para a sua obra, com os quais muitas vezes trabalhou; o estudo de seu trabalho como professor de linguagens visuais; as relações entre a sua produção artística, cenográfica, arquitetônica e a sua atuação acadêmica. O maior objetivo desse estudo foi fazer uma análise comparativa entre a linguagem específica das produções de cenários e figurinos (para teatro), e suas pinturas, serigrafias e gravuras (em artes plásticas), com os seus trabalhos em arquitetura e no ensino de arquitetura. Procuramos demonstrar como sua atuação como arquiteto e professor sempre estiveram ligadas as suas experiências em oficinas de preparação de atores por ele freqüentadas durante suas práticas teatrais, junto aos grupos Arena e Oficina, em suas experimentações com o teatro épico brechtiano (nos anos 60), assim como com o trabalho no Centro de Estudos Macunaíma (já na década de 70), entre outros. Isso foi realizado primeiramente através de uma pesquisa que buscou complementar a base documental dos projetos arquitetônicos dos quais ele participou. Foram realizados também levantamentos de dados referentes às aulas ministradas por ele na FAU-USP (Faculdade de Arquitetura e Urbanismo da Universidade de São Paulo) e em outras instituições de ensino, além da realização de entrevistas com vários de seus ex-alunos e ex-colegas de profissão e ensino. / This work consists in the study of the activities of artist and scenographer Flávio Império in the field of architecture and arts and architecture teaching, in which his contribution to Brazilian architecture and arts historiography was unsurpassed during the 60´s, 70´s and 80´s. Both his individually conceived architectonic works and his works developed as the result of a partnership with Sérgio Ferro e Rodrigo Lefèvre, his friends, teaching and working colleagues, mainly during the sixties decade, have been analyzed. It has also been analyzed Imperio´s work as a teacher, in an attempt to identify aspects of his specific role in the education of future architects, and the nature of his teaching methods, related to his experience in other fields, as Theatre. This dissertation includes the study of Flavio Império´s architectonic works; the relation between him and other architects who were models to him, and with whom he worked several times; the study of his work as a Visual Languages teacher; the relation between his artistic, scenographic and architectonic production and his academic activities. The main objective of these studies was to make a comparative analysis of the language he used in the production of sceneries and costumes (for theater), his paintings, serigraphies and gravures (plastic arts), and his works in architecture and architecture teaching. This aims to show how his activities as architect and teacher have always been connected to his experiences in acting workshops, which he attended during his theater activities in Arena and Oficina groups, to his experiments with Brechtian epic theatre (in the 60´s) and to his work in Centro de Estudos Macunaíma (in the 70´s), among others. This work was developed first by a research which tries to complement the documental basis of the architectonic projects in which he took part. Collection of data related to his classes in FAU-USP (Faculdade de Arquitetura e Urbanismo da Universidade de São Paulo) and other schools has also been made, along with interviews with many of his former students and teaching and working colleagues.

No arco da última década e meia, uma confluência de fatores de impacto mundial tem originado novos entendimentos e organizações de ordens econômica e urbana. Insere-­-se nesse quadro a eclosão dos debates acerca da \"economia criativa\" e, de forma mais recente, da \"cidade criativa\". No Brasil, ainda há parca bibliografia a respeito de ambos os temas e dos benefícios que poderiam gerar ao contexto urbano. A presente tese responde fundamentalmente a duas questões: caracterizar o que seria uma cidade criativa e analisar se São Paulo pode ser caracterizada como uma. Para tanto, unem-­-se neste trabalho revisão conceitual; cunhagem de um conceito norteador de cidade criativa; experimentação de sua aplicabilidade a três cidades; e uma análise prática da aderência desse conceito à cidade de São Paulo, sob dois recortes: de forma abrangente; e de modo aprofundado, tendo as artes plásticas contemporâneas como instrumento de estudo. / Over the past fifteen years, a convergence of factors of global impact has motivated new understandings and organisations of economic and urban order. This is the background leading up to the emergence of the \"creative economy \" and, more recently, the \"creative city\". In Brazil, the bibliography of both subjects is still scarce, the same applying to their potential benefits to the urban context. The present thesis aims to respond fundamentally to two questions: to draw the features of a creative city and to analyse if São Paulo could claim to be one. Therefore, this work encompasses a conceptual review; the proposal of a driving concept of creative city; an experimentation of its suitability to three cities; and a practical analysis of its adherence to the city of São Paulo, at two levels: comprehensive and in-­-depth, using contemporary art as a tool for analysis.

Este trabalho consiste no estudo da atuação do artista e cenógrafo Flávio Império no campo da arquitetura e do ensino de arte e de arquitetura, onde sua contribuição para a historiografia da arquitetura e da arte brasileiras foi ímpar durante os anos 60, 70 e 80. Foram analisadas suas obras arquitetônicas concebidas individualmente e em parceria com os seus amigos, colegas de ensino e de profissão, Sérgio Ferro e Rodrigo Lefèvre, principalmente durante a década de 60. Foi analisado o trabalho de Império como professor, visando identificar os aspectos de sua participação específica na formação dos futuros profissionais da área de arquitetura, e as naturezas de suas práticas de ensino ligadas às suas experiências em outras áreas de atuação como no teatro. A presente dissertação abrange o estudo da obra arquitetônica de Flávio Império; a relação entre o arquiteto e os outros arquitetos que foram referências para a sua obra, com os quais muitas vezes trabalhou; o estudo de seu trabalho como professor de linguagens visuais; as relações entre a sua produção artística, cenográfica, arquitetônica e a sua atuação acadêmica. O maior objetivo desse estudo foi fazer uma análise comparativa entre a linguagem específica das produções de cenários e figurinos (para teatro), e suas pinturas, serigrafias e gravuras (em artes plásticas), com os seus trabalhos em arquitetura e no ensino de arquitetura. Procuramos demonstrar como sua atuação como arquiteto e professor sempre estiveram ligadas as suas experiências em oficinas de preparação de atores por ele freqüentadas durante suas práticas teatrais, junto aos grupos Arena e Oficina, em suas experimentações com o teatro épico brechtiano (nos anos 60), assim como com o trabalho no Centro de Estudos Macunaíma (já na década de 70), entre outros. Isso foi realizado primeiramente através de uma pesquisa que buscou complementar a base documental dos projetos arquitetônicos dos quais ele participou. Foram realizados também levantamentos de dados referentes às aulas ministradas por ele na FAU-USP (Faculdade de Arquitetura e Urbanismo da Universidade de São Paulo) e em outras instituições de ensino, além da realização de entrevistas com vários de seus ex-alunos e ex-colegas de profissão e ensino. / This work consists in the study of the activities of artist and scenographer Flávio Império in the field of architecture and arts and architecture teaching, in which his contribution to Brazilian architecture and arts historiography was unsurpassed during the 60´s, 70´s and 80´s. Both his individually conceived architectonic works and his works developed as the result of a partnership with Sérgio Ferro e Rodrigo Lefèvre, his friends, teaching and working colleagues, mainly during the sixties decade, have been analyzed. It has also been analyzed Imperio´s work as a teacher, in an attempt to identify aspects of his specific role in the education of future architects, and the nature of his teaching methods, related to his experience in other fields, as Theatre. This dissertation includes the study of Flavio Império´s architectonic works; the relation between him and other architects who were models to him, and with whom he worked several times; the study of his work as a Visual Languages teacher; the relation between his artistic, scenographic and architectonic production and his academic activities. The main objective of these studies was to make a comparative analysis of the language he used in the production of sceneries and costumes (for theater), his paintings, serigraphies and gravures (plastic arts), and his works in architecture and architecture teaching. This aims to show how his activities as architect and teacher have always been connected to his experiences in acting workshops, which he attended during his theater activities in Arena and Oficina groups, to his experiments with Brechtian epic theatre (in the 60´s) and to his work in Centro de Estudos Macunaíma (in the 70´s), among others. This work was developed first by a research which tries to complement the documental basis of the architectonic projects in which he took part. Collection of data related to his classes in FAU-USP (Faculdade de Arquitetura e Urbanismo da Universidade de São Paulo) and other schools has also been made, along with interviews with many of his former students and teaching and working colleagues.

Esta pesquisa trata da contribuição de Mário Pedrosa e de Ferreira Gullar para o ambiente artístico brasileiro na década de 50 e início da década de 60. Para esse empreendimento, não nos limitamos à transposição literal de registros sobre a produção artística naquele período, mas implementamos uma análise do ideário dos críticos. Assim, houve uma tentativa de esclarecimento tanto dos posicionamentos de Pedrosa e de Gullar como do valor atribuído por eles à nossa produção artística. Em suma, a pesquisa se dirigiu para uma apreciação histórica das idéias dos críticos como ponto dialogador e de tensão com a produção plástica / -