Orientador: Luise Weiss / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-18T07:35:11Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Sans_PaulodeTarsoCheida_D.pdf: 4836600 bytes, checksum: 0e77c3ef110589288a8abe105cf1b0df (MD5) Previous issue date: 2009 / Resumo: Esta pesquisa em Arte é sobre a realização de uma produção artística que permeia a gravura, o objeto e a instalação. As obras foram criadas a partir da análise da produção do autor, verificando as principais características técnicas e elementos conceituais de suas obras mais recentes. Para embasamento dos processos criativos foram escolhidos quatro artistas contemporâneos brasileiros, Antonio Henrique Amaral, Arthur Bispo do Rosário, Luise Weiss e Rubem Valentim, que apresentam distintas temáticas que serviram como sintonia para a criação das obras híbridas realizadas pelo autor. As questões teóricas e processuais são estudadas, resultando numa análise reflexiva sobre a poética visual proposta / Abstract: This Art research is about the execution of an artistic production which approaches engraving, object and instalation. The artworks had been created from the analysis of the author's production, verifying the main technical characteristics and conceptual elements from his more recent artworks. As basis for the creative processes were chosen four Brazilian contemporary artists, Antonio Henrique Amaral, Arthur Bispo do Rosário, Luise Weiss and Rubem Valentim, who presents distinct thematics which had served as linking to the creation of the hybrid artworks carried through by the author. The theoretical and procedural questions are studied, as a result of a reflexive analysis about the poetic's visual proposed / Doutorado / Doutor em Artes

Orientador: Ernesto Giovanni Boccara / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-04T20:39:07Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Marin_Ronaldo_M.pdf: 2887638 bytes, checksum: efc217a82532ac587bc849ffd20cab1f (MD5) Previous issue date: 2005 / Resumo: Neste trabalho procuramos demonstrar a existência de uma base fisiológica para a divisão triádica da semiótica estabelecida por Charles Sanders Peirce e que, o reconhecimento dessas bases pode apontar para o estabelecimento de uma teoria semiótica da criatividade. Assim, esta dissertação propõe que a estrutura triádica da semiótica deriva da própria estrutura evolutiva do cérebro humano. Utilizando-se a abordagem primeiramente proposta por Paul MacLean, de que o cérebro humano é produto de um processo evolutivo através do qual são mantidas e aperfeiçoadas suas estruturas básicas fundamentais, o que nos permite dividi-lo em arquiocórtex, paliocórtex e neocórtex, procuramos demonstrar a existência de uma relação direta entre tais estruturas e as categorias universais estabelecidas por Peirce. Sendo assim, são analisadas as possíveis relações entre a Primeiridade, a Secundidade e a Terceiridade com, respectivamente, o que foi denominado por MacLean de cérebro ¿reptiliano¿, cérebro ¿límbico¿ e cérebro ¿mamífero superior¿. Tais relações demonstram que a estrutura triádica encontrada por Peirce, baseado em suas categorias universais, não poderia ser diferente, pois é inerente a um aparato cognitivo de estrutura também triádica: o cérebro humano. Depois de explicitada, a base fisiológica da estrutura triádica da semiótica, tomamo-la como paradigma para a elaboração de nova abordagem para os processos criativos, assumindo que os mesmos decorrem da maior ou menor sensibilidade do indivíduo por uma ou outra categoria de percepção da realidade subjetiva ou objetiva ou mesmo pelo conjunto delas. Para demonstrar tal abordagem, analisamos a obra de alguns artistas a partir desse ponto de vista, estabelecendo assim, subsídios para uma teoria semiótica da criatividade / Abstract: This work aim to demonstrate that there is a physiologic base for the triadic division of Peircean semiotic and, if we accept this, we can point to the establishment of new semiotic theory for the creativity. This paper come to prop that the semiotic¿s triadic frame derives from the own human brain¿s evolutionary structure. Using the approach propose first of all by Paul McLean were the human brain is a product of an evolutionary process that keeps and increase it own fundamentals structure ¿ which permits its approach as arquiocortex, paliocortex and neocortex ¿ we try to demonstrate that its possible a straight relationship between such structures and the Peirce¿s universal categories. Thus the work brings out the possible relationship of Firstness, Secondness and Thirdness with respectively, what was named by MacLean as reptilian-brain, limbic-brain and high-mammalian-brain. Such relationship shows us that triadic frame founded by Peirce couldn¿t be different since it is inherent to a cognitive apparatus, which also owns an inner ternary structure: the human-brain. Finally, we use the physiologics bases of the semiotic¿s triadic frame as a paradigm for a new approach for the creative process, proposing they arose from the minor or mayor sensibility the individual has about one or another categories of reality¿s perception ¿ that can be objective, subjective or both. For this demonstration we analyze the work of few artists from this point of view, offering thus dates for a semiotic theory of creativity / Mestrado / Mestre em Artes

Orientador: Lucia Helena Reily / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-07T11:30:29Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Silva_JoseOtavioMottaPompeue_M.pdf: 3495232 bytes, checksum: 8c2abb18d675dd1d926f211cb92d216e (MD5) Previous issue date: 2006 / Resumo: O objetivo desta pesquisa foi investigar os primeiros anos (de 1946 a 1957) do ateliê de pintura - localizado no hospital psiquiátrico do Engenho de Dentro, no Rio de Janeiro, Brasil - do ponto de vista dos artistas plásticos envolvidos, bem como a sua repercussão no campo da arte. Os dados foram coletados por meio de entrevistas com pessoas que participaram do início deste ateliê, análise de gravações em vídeo do acervo do Museu de Imagens do Inconsciente, revisão bibliográfica, incluindo consulta a jornais e revistas da época para reconstruir um panorama histórico sobre o ateliê de pintura. A literatura já mostrou como a psiquiatra Nise da Silveira, uma das mais importantes personalidades femininas do século passado no Brasil, associou-se ao jovem artista Almir Mavignier para criar um ateliê que usava a arte como recurso terapêutica no tratamento de um grupo de internos do hospital psiquiátrico. O presente estudo buscou reconstituir partes ignoradas desta história: como os internos foram convidados a freqüentar o ateliê, a atuação de Mavignier no desenvolvimento das atividades de arte, como se deu a confluência de outros artistas ao Engenho de Dentro, instigados pela produção plástica dos pacientes psiquiátricos e a organização de exposições em espaços culturais bem como em eventos de saúde mental. A produção plástica realizada neste ateliê, que deu origem ao Museu de Imagens do Inconsciente, ganhou notoriedade entre os críticos de arte da época, sendo exposta em importantes museus, como o Museu de Arte Moderna de São Paulo. Este estudo buscou mostrar os processos por meio dos quais os críticos tiveram contato com o trabalho. As obras do Museu de Imagens do Inconsciente foram reconhecidas internacionalmente por personalidades como C. G. Jung e Albert Camus. A produção plástica realizada neste ateliê também teve ressonância em artistas contemporâneos como Francisco Brennand, Ivan Serpa e Abraham Palatnik, que visitaram este ateliê. O estudo sugere que o fato de um artista plástico desenvolver os trabalhos no ateliê no contexto psiquiátrico representa um diferencial nos resultados. Concluímos que este ateliê de pintura faz parte do mosaico da história da arte no Brasil e que seu estudo mais sistemático nas diversas fases pode trazer contribuições para reflexões interdisciplinares nos campos da arte, saúde mental, e educação / Abstract: This study aimed to investigate the early years (from 1946 to 1957) of the art studio of the Engenho de Dentro Psychiatric Hospital in Rio de Janeiro, Brazil, from the point of view of the artists involved in the project, as well as its repercussions in the art world in Rio and São Paulo. Data was collected through interviews with participants who worked during the first years of the studio, analysis of video recordings from files owned by the Museu de Imagens do Inconsciente, and review of the literature, including research into articles published in newspapers and magazines of the period, all of which helped to reconstruct a historical ambience for this painting studio. Publications have shown how Nise da Silveira, psychiatrist, one of the most important Brazilian female figures of the last century, became associated with Almir Mavignier, visual artist, who together created the studio where art was to be used as a therapeutic resource for treating a group of patients at the psychiatric facility. The present study attempted to reconstruct unknown parts of this story: how eleven patients were chosen and invited to go to the studio, Mavignier's way of proposing and organizing art activities, how other visual artists began to flock to the Engenho de Dentro instigated by the artistic production of the psychiatric patients, and the organization of exhibits in culture centers, as well as mental health conferences. The visual arts products that came out of this studio, which gave way to the renowned Museu de Imagens do Inconsciente, began to intrigue art critics, and were exhibited in major museums, such as the Museum of Modem Art in São Paulo. This study aimed to show the processes whereby the critics came into contact with the work of psychiatric patients and their role in divulging these images." The production of the Museu de Imagens do Inconsciente was recognized internationally by people such as C. G. Jung and Albert Camus. There was also significant response from contemporary Brazilian artists such as Francisco Brennand, Ivan Serpa and Abraham Palatnik, all of whom visited the studio. This study suggests that the fact that a visual artist headed the work done at the studio in the psychiatric environment affected the results in important ways. We conclude that this painting studio is part of the mosaic of Brazilian art history and that a thorough study of the various phases in the history of the studio will bring important contributions to interdisciplinary thinking in the fields of art, mental health and education / Mestrado / Mestre em Artes

Orientador: Milton Jose de Almeida / Anexo folhas de desenho / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Faculdade de Educação / Made available in DSpace on 2018-07-27T14:58:58Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Oliveira_MariadoCeuDielde_D.pdf: 7729256 bytes, checksum: e5c9a217218ed16ff3d1d8e925a83b94 (MD5) Previous issue date: 2000 / Doutorado

Orientador: Maria Lucia Bueno Coelho de Paula / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas.Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-07-29T04:47:25Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Brandao_RonaldoMacedo_M.pdf: 6656688 bytes, checksum: 1c53f2f34f2b538b8a23d70662d6d760 (MD5) Previous issue date: 2001 / Resumo: Esta dissertação traz o relato e o resultado do processo de pesquisa em poética visual desenvolvido pelo artista plástico Ronaldo Macedo Brandão. O trabalho teve como tema o universo do sertão do norte de Minas Gerais e a presença da atividade carvoeira. A relação da arte com a natureza, da arte com o espaço industrial e aspectos da arte popular e barroca compõem um quadro de referência que dialogam com as propostas artísticas elaboradas: ¿Suplica¿ e ¿Nonada Sertão¿ / Abstract: Not informed. / Mestrado / Artes Visuais / Mestre em Artes

Orientador: Lucia Helena Reily / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-13T17:32:30Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Carvalho_RosaCristinaMariade_M.pdf: 6623497 bytes, checksum: 1bedeac1150cb712ed9ff56b196db9b6 (MD5) Previous issue date: 2008 / Resumo: Esta pesquisa discute a participação dos artistas plásticos Maria Leontina, Clélia Rocha e Moacyr de Vicentis Rocha na formação do Setor de Artes Plásticas dentro do Hospital psiquiátrico de Juqueri, o qual ficou conhecido como Escola Livre de Artes Plásticas em 1956. O estudo de documentos como livros, artigos de jornal, cartas e fotos possibilitaram a identificação e descrição das atividades artísticas nesse setor e a compreensão do diálogo entre saúde e arte promovido dos anos 1930 aos anos 50 pelo médico, intelectual e crítico de arte Osório Thaumaturgo Cesar. As entrevistas realizadas com parentes e amigos do artista Moacyr Rocha e estudiosos do assunto permitiram a construção de uma narrativa sobre a maneira como os artistas compreendiam o trabalho de artes no ambiente hospitalar. Os resultados mostraram a responsabilidade dos artistas na formação do ateliê no espaço hospitalar, pois ao trazerem os materiais mais apropriados para a realização das atividades, ao ensinarem a linguagem do desenho, pintura, gravura, escultura e cerâmica aos alienados, ao instaurarem um espaço expositivo dentro da seção de artes, eles mostraram que a produção dos alienados, incentivada inicialmente por psiquiatras, merecia a atenção e dedicação dos profissionais da arte. Os três artistas focalizados neste estudo reconheceram a importância da experiência de ateliê hospitalar para a sua vida profissional, ao concretizarem a possibilidade de conhecer novos meios de criação artística no espaço do hospital psiquiátrico. / Abstract: This study discusses the participation of the visual artists Maria Leontina, Clélia Rocha and Moacyr de Vicentis Rocha in the Arts Sector inside the Juqueri Psychiatric Hospital, that by 1956 became known as the Escola Livre de Artes Plásticas. This is a documentary study using books, newspaper articles, correspondence and photographs that enabled us to identify and describe the artistic activities that were proposed in this sector. This material also helps us understand how Osório Thaumaturgo César, medical doctor, intellectual and art critic, promoted a dialogue between the fields of art and health from the nineteen thirties through the fifties. Interviews with Moacyr Rochas's relatives and friends and with other researchers studying this period enabled us to build a narrative about how the artists understood the making of art within the hospital context. The results demonstrated the artists' role in the development of the art workshop in the hospital setting. As they brought materials that were more appropriate for visual arts productions, as they taught the patients about the language of drawing, painting, printmaking, sculpture and ceramics, as they established exhibition spaces within the Arts Section, they were able to show that the production of the alienated men and women, which at first had been mainly a concern of psychiatrists, was worth the attention and dedication of arts professionals. The three visual artists focused in this study recognized the importance of the experience of a workshop in the hospital for their professional lives as artists, as they promoted new means of artistic creation within the psychiatric hospital setting. / Mestrado / Mestre em Artes

Orientador: Luise Weiss / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-14T05:31:36Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Santos_MarcioElias_M.pdf: 5544235 bytes, checksum: bca16f07cc37307732585e9a2164ad20 (MD5) Previous issue date: 2009 / Resumo: O que originou esta pesquisa talvez tenha sido um certo incômodo, uma situação de desconforto. Situação que não tem outra causa senão a pergunta: é possível pintar? Se é, como? Vejo a pintura como possível por ser um meio expressivo necessário que, como tantos outros, possui problematizações e questionamentos próprios. Depois de tantas sentenças de morte e ondas de ressurgimento, atreladas a circunstâncias históricas, a pintura retornou ao status de médium, de meio para se chegar a algo. Partindo desse princípio, decidi observar como a pintura é feita e como poderia ser feita. O objetivo desta pesquisa é compreender um pouco melhor a pintura, não como fenômeno, mas como experiência, como campo de possibilidades onde se fazem escolhas. Para isso, pretendo utilizar o meu trabalho de pintura a encáustica, analisando o seu desenvolvimento e pontuando as escolhas feitas durante o seu próprio processo prático. As observações e reflexões registradas neste texto estão, de certa forma, submetidas ao trabalho prático, que as precede. Essas observações tentam registrar o processo de criação artística como uma forma de produção do conhecimento, o qual possui um tempo próprio, uma fala própria. O trabalho resultará em uma exposição, uma ocupação física de um espaço, durante um determinado tempo. E, somando-se a isso, o texto indica alguns pontos que julgo importantes na compreensão do seu processo de criação, definindo alguns marcos no desenvolvimento do trabalho, e propõe uma reflexão sobre as escolhas feitas e os sentidos possíveis. / Abstract: What originated this research was maybe a certain disturbance, an uncomfortable situation. Situation that has no other cause but the question: is it possible to paint? If it is, how is it possible? I see painting as a necessary expressive means, and such as other means, it has its own issues and questionings. After a few death sentences and rebirths, attached to historical circumstances, painting has returned to the medium status, a means to get to something. Starting from this principle, I decided to observe how the painting is made and how it can be made. The objective of this research is to comprehend painting better. To comprehend it not as a phenomenon, but as an experience, as a field of possibilities where choices are made. To show that, I intent to use my encaustic painting work, analyzing its development and pointing out the choices made during its own practical process. The observations and reflections registered in this text are in a certain way submitted to the practical work, which precedes them. These observations try to register the process of artistic creation as a way of producing knowledge, which has its own timing, its own language. The work will turn into an exhibition, a physical occupation of a space, during certain time. And adding to that, the text indicates some points that I consider important to the understanding of its creation process, defining some steps in the development of the work, and proposes a reflection on the choices made and its possible senses. / Mestrado / Mestre em Artes

Orientador: Lygia Arcuri Eluf / Acompanha desenhos estruturados em séries: Série 1. cerca de 120 desenhos sem titulo em formato A5, reproduzidos sobre papel canson com caneta hidrografica com 31,4 x 21,5cm e 21,5 x 31,4cm - Série 2. 'rolos' seis faixas de desenho realizado com caneta nanquim sobre sulfite sendo quatro deles destacados: Rolo Mora com 31,5 x 517,5 cm; Rolo 3 graças medindo 30,2 x 534cm; Rolo Theda com 31,5 x 700cm; Rolo japones em nanquim sobre papel japones com 20,32 x 609,6cm - Série 3. 'deslivros' cinco livros, um em tamanho original e outro reduzido, duas versões para o fac-simile reproduzido em tamanho original cujos dados são: caneta nanquim sobre papel chines (livro aberto 74,7 x 69cm, livro fechado 25 x 35cm); original reproduzido em tamanho reduzido: caneta nanquim sobre papel japones (livro aberto 95,4 x 63,6cm, livro fechado 19,2 x 26cm) - Série 4. 'sedas' cerca de 300 desenhos sendo reproduzidos 54 deles sobre papel de seda com caneta nanquim com 50,5 x 70,3cm ou 70,3 x 50,5cm, nas ultima imagens são utilizados recortes, além da caneta - Série 5. 'rolo sombra' com tinta sumie sobre papel chines com 69,5 x 1000cm cujos recortes se encontram na caixa; japs, desenhos derivados dos deslivros realizados com caneta nanquim sobre papel japones com 95,4 x 63,6cm; japsombra realizados com tinta sumie e caneta nanquim sobre papel japones com 63,6 x 95,4 ou 95,4 x 63,6cm; fotos, colagem e imagem em oleo sobre tela medindo 100 x 82 / Dissertação (Mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-09T19:51:52Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Santos_DanielaMaurados_M.pdf: 20763221 bytes, checksum: 36bb95ca1af41245fc5e43151a444585 (MD5) Previous issue date: 2006 / Resumo: O trabalho apresenta uma investigação da linguagem do desenho fundamentada em dois de seus elementos basicos: a linha e a forma. A figura humana e suas relações são o tema e são os elementos que estruturam a representação do espaço. O volume foi estruturado por séries de imagens que compõem narrativas visuais que evidenciam o processo, a pesquisa e o pensamento. Minha intenção é criar através das imagens e do texto possibilidades de aproximação de um pensamento visual / Abstract: In this work I present an investigation of the language of drawing from the perspective of two structural elements: line and form. The construction of the space through the relations between different human figures is the driving force. It is organized as a serie of images which produces visual narratives and put on evidence the process, the research and the visual thinking. My intention is to create means of approximation to the visual thinking throug the drawings and the text / Mestrado / Mestre em Artes

Orientador: Lygia Arcuri Eluf / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-15T18:23:00Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Barbosa_MarliGoncalves_M.pdf: 118793232 bytes, checksum: 88f03908dc399391633fa0683694031d (MD5) Previous issue date: 2006 / Resumo: Este Projeto de Mestrado, sob a orientação da Professora Doutora Lygia Arcuri Eluf, originou-se a partir de uma série de desenhos que vem sendo desenvolvidos desde 1998, dos quais selecionamos parte deles para a apresentação deste trabalho. O trabalho foi estruturado em grupos de imagens que tratam o desenho como uma forma de aproximação do outro e de mim mesma, do meu modo de estar no mundo. O que se pretende nesta dissertação é, por meio da linguagem visual e dos procedimentos técnicos do desenho, valorizar o fazer criativo: a intenção, o ato de criar, transformar e realizar algo. / Abstract: This Master's Project under the guidance of Professor Lygia Eluf Arcuri, originated from a series of drawings that have been developed since 1998. Some of them were selected for the presentation of this work. The work was divided into groups of images that deal with the drawing as a way to approach the other and myself, to my way of being in the world. The aim of this work is, through the visual language and technical processes of drawing, value the creative making: the intention, the act of creating, transforming and accomplishing something. / Mestrado / Artes Visuais / Mestre em Artes

Orientador: Anna Paula da Silva Gouveia / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-11T01:08:39Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Rodrigues_LigiaLuciene_M.pdf: 12550285 bytes, checksum: 4f284662bc2db2aca73e8df0bb416bee (MD5) Previous issue date: 2008 / Resumo: Esta pesquisa teve por objetivo investigar a utilização da perspectiva na arte contemporânea por meio do trabalho da artista plástica brasileira Regina Silveira. Uma das preocupações foi analisar as questões que estão por trás da presença da perspectiva dentro da produção artística atual, como por exemplo, a crítica à natureza da imagem e seus meios de representação, a manipulação do ponto de vista, a simulação e a ilusão do espaço e ainda como deformação no caso das anamorfoses. Todas essas questões foram permeadas pela teoria da percepção visual e da psicologia da percepção em análises das obras da artista brasileira, seus trabalhos gráficos (desenhos e gravuras), objetos e instalações a partir do final dos anos 70 até os mais atuais, como também os chamados desenhos preparatórios e as maquetes, que são projetos nos quais a artista desenvolve as idéias de seus trabalhos e são neles que mais se percebe a manipulação da perspectiva. Também foram analisados trabalhos de outros artistas que discutiram ou discutem as mesmas questões que a artista brasileira, como por exemplo, Marcel Duchamp e Jan Dibbets. Essa análise mostrou que cada período histórico possui sua visão de mundo e uma maneira de dirigir o olhar para um determinado ponto de vista, portanto uma maneira de utilizar a perspectiva. Nos dias atuais, a subversão do olhar do espectador e, ainda, a destruição da estabilidade de sua percepção causada por essa subversão, fazem da manipulação do ponto de vista a partir do uso da perspectiva, uma atitude contemporânea no trabalho desses artistas / Abstract: This research was intended to investigate the use of perspective in contemporary art through the work of the Brazilian artist Regina Silveira. One of the concerns was the issues behind the presence of perspective within the current artistic production, for example, the critical of the image¿s nature, the resources of representation, the manipulation of viewpoint, the simulation, the space illusion and the deformation as in the case of anamorphosis. All these questions were related to the theory of visual perception and the psychology of perception in analyses of the Regina Silveira¿s work, in graphics (drawings and prints), objects and installations from the end of 70 to the current, but also the called preparatory drawings and models, that are projects in which the artist develops the ideas of their work and more if realizes the manipulation of perspective. Were also analyzed works of other artists who discussed or discuss the same issues as the Silveira, for example, Marcel Duchamp and Jan Dibbets. The analysis showed that each historical period has its vision of the world and to deal the look for a particular viewpoint, so a way to use the perspective. Nowadays, the subversion of the look of the spectator and, yet, the destruction of stability of their perception caused by such subversion, make the manipulation of viewpoint a contemporary attitude in the work of such artists / Mestrado / Mestre em Artes