La pensée de Bergson situe l'esthétique à l'intérieur d'une philosophie de la nature, dont le principe métaphysique est loin d'être soumis au déterminisme, et encore plus loin de retomber dans le hasard, car elle se réfère à l'irréversibilité du temps. Au lieu d'être une discipline intellectuelle qui cherche la nature de la beauté, il s'agit d'une performance vitale, du processus virtuel de différenciation vers la position actuelle de nouveautés radicales, qui peuvent aboutir ou non à une activité artistique. Par conséquent, l'art n'est pas un ensemble d'attributs donnés ou la pratique de certaines compétences spécifiques. Il est, en effet, un mode d'action qui entremêle les régimes du virtuel et de l'actuel, sans jamais permettre que l'existence conquise recouvre complètement la consistance. Il se réalise exactement dans une telle ouverture métaphysique. Si la poussée de la vie est ce qui fait communiquer l'esprit et la matière, en insérant de la liberté dans la nécessité, il s'ensuit que l'activité artistique est l'une des voies où l'élan s'écoule, aux côtés des êtres vivants et de l'expression mystique. Pour que l'individuation d'une œuvre soit viable, il faut certains degrés de liberté et niveaux de conscience qui ne peuvent s'expliquer ni par l'espèce, ni par l'individu, car la durée prend d'autres tonalités vitales. Touché par une émotion créatrice, l'artiste va effectivement du Tout ouvert à la position de nouveaux mondes. Ainsi, le véhicule d'action se confond avec l'action elle-même, le créateur avec la créature, de sorte que le corps artistique instauré devient pur débordement de vitalité, excès joyeux à partir duquel le temps prend conscience de lui-même.

Texte remanié de: Diss.--Kunstgeschichte--Bochum, 1980. / Bibliogr. p. 395-410. Index.

Thesis (doctoral)--Technische Universiteit Delft, 1999. / Includes bibliographical references (p. 175-190).

Thesis (doctoral)--Technische Universität Berlin, 2005. / Includes bibliographical references (p. 290-318) and index.

Thesis (doctoral)--Technische Universiteit Delft, 1999. / Includes bibliographical references (p. 175-190).

Th. Ph. D.--Faculty of the college of arts and sciences--Washington--American University, 1970. / Bibliogr. p. 338-345.

Cette recherche met en relation un travail de création artistique par le dessin et une réflexion sur le notion de transformation dans l'imaginaire taïwanais. Il s'agit de penser artistiquement les processus de reconstruction d'une identité, pendant la compréhension et l'adaptation à une culture différente. L'accent est mis sur le processus qui transforme des sentiments inhibés en expériences d'images. Ces images dont la composition peut rappeler les technique surréalistes ou de l'art fantastiques renvoient au rêve construit à partir d'un imaginaire vernaculaire propre à la culture Taïwanaise: rites familiaux, cérémonies collectives religionsyncrétique pour manifester ce choc et le décalage imaginaire. Le dessin peut montrer des images irréalistes, comme un rêve. Cette thèse entend comprendre comment cet imaginaireune fois formalisé par le dessin construit une identité tant artistique que culturelle / This research connects the creative artistic work of a drawing to reflections on the change in the Taiwanese imagination. It means to artistically think through the reconstruction process of an identity as it comprehends and adapts to another culture. The emphasis is placed on the way inhibited feeling are transformed into visual experiences. Using what could appear to be surrealist techniques or fantastic art, these images evoke dreams built on distinctive vernacular concepts found in the Taiwanese culture, as in family rituals, or collective syncretic religious ceremonies, to shock an highlight the differences. The illustration can depict unrealistic imaginings like in a dream. This thesis aims to explain how this imagination, once formalized by a drawing, shapes both artistic and cultural identity

Dans les années d’après-guerre entrent en ligne de compte des données démographiques et économiques nouvelles qui font évoluer la société française et lui imposent d’adapter son système éducatif, de décloisonner les disciplines et de favoriser l’interdisciplinarité. Seule l’école peut vaincre le déterminisme social lié à la naissance. C’est le colloque d’Amiens (1968) qui pose les bases d’une réflexion qui a nourri toutes les avancées sur l’éducation artistique depuis. Les années 70 sont celles de la réforme pour l’Education nationale et celles de la réflexion et des premières expérimentations pour la Culture. Les années 80 marquent une réelle ouverture de l’école, que ce soit vers les établissements culturels, à l’intervention de partenaires extérieurs au milieu scolaire ou à de nouvelles matières. Ouverture, mais aussi compromis entre les acteurs. Le protocole d’accord d’avril 1983 signé entre le ministère de la Culture et celui de l’Education nationale et la loi sur les enseignements artistiques de 1988 ont cédé aux compromis. Dans les années 90, penser l’éducation artistique de manière globale et à l’échelle d’un territoire apparaît comme le meilleur moyen de faire travailler ensemble les écoles et les équipements culturels à l’échelle d’une ville, d’un département ou d’une région, de garantir un maillage parfait du territoire et donc d’atteindre à la démocratisation culturelle. Mais finalement s’impose surtout le constat d’un empilement quelque peu désordonné des dispositifs. Le plan Lang/Tasca qui doit se réaliser sur cinq ans à partir du 14 décembre 2000 ouvre un nouveau chapitre. Mais l’exécution de ce nouveau plan n’est pas garantie par sa décision. / After the 2nd world war, the french society has to deal with new demographic and economic datas. It has to be taken into account by the french education system which should adapt, break down barriers between disciplines and promote intedisciplinary because just school can overcoming social determinism linked at birth. The Amiens’ symposium (1968) lays the foundation for reflection which fed all the thoughts about artistic education. The seventies see the amendment for School and first thinking and experimentations for Culture. Eighties tag an actual opening of school for cultural institutions, the mediation of external partners and new topics. Opening, but also agreement between all the characters. The protocole d’accord signed in April 1983 between ministry of culture and ministry of education and the law about arts education (1988) are the results of an agreement. In the nineties, thinking globally about arts education and on a territory scale seem to be the best way to make work together schools, cultural facilities and to ensure a perfect network coverage, and so to reach cultural democratisation. But actually, we observe a stack of messy contracts. The plan Lang/Tasca which should come true till december 14, 2000, opens a new chapter. But the achievement of that brand new plan is not insured by its decision.

Le présent travail étudie la manière dont la théorie artistique et la peinture italiennes de l' « automne de la Renaissance », chacune avec ses modalités propres, ont pensé le laid et l'ont progressivement rapproché du beau. La première partie est ainsi consacrée à la traditionnelle conception de la laideur comme simple contraire de la beauté, c'est-à-dire comme dysharmonie formelle. La seconde partie porte sur le passage de cette antithèse conceptuelle entre le beau et laid à leur articulation paradoxale, où la laideur se voit conférer des qualités généralement attribuées à la beauté. Plusieurs "belles laideurs" sont alors envisagées : celle des peintures sacrées « cruelles et horribles » (Gabriele Paleotti), qui tirent leur beauté de leur conformité aux Écritures, donc de leur vérité ; celle des figures dites "siléniques", dont les dehors repoussants laissent transparaître une bonté d'âme ; celle des "caprices" artistiques qui, sous une apparente difformité, recèlent une signification manifestant l‟ingéniosité de leur créateur ; ou encore celle relevant du paradoxe aristotélicien de la représentation, selon lequel des laideurs correctement imitées suscitent du plaisir chez l'observateur. Dans le cadre de l'esthétique baroque, la "belle laideur" devient un oxymore, où l‟horreur du contenu de la mimésis est consciemment exploitée afin de souligner, par contraste, le pouvoir transfigurateur de l'artiste. La théorisation de la caricature au cours du XVIIe siècle, évoquée en conclusion, viendra suggérer une coïncidence de la beauté et de la laideur qui, du moins dans leurs formes idéales, semblent en réalité constituer les deux faces d'une même médaille. / This research analyses the way Italian paintings and artistic theory from the late Renaissance conceptualised ugliness, and gradually drew it closer to beauty. The first part of this dissertation focuses on the traditional notion of ugliness as the mere opposite of beauty, in other words, ugliness as an expression of formal disharmony. The second part deals with the evolution from this conceptual antithesis to the paradoxical entwinement of these two notions, which led some authors to endow ugliness with qualities which had hitherto been applied to beauty. We will consider several forms of „beautiful ugliness‟: those of the “cruel and horrible” (Gabriele Paleotti) sacred paintings whose beauty resides in their faithful rendering of the Scriptures, or, in other words, in their truthfulness; those of the Silenus-like characters whose kindness pierces through revolting physical traits; those of the artistic capricci who, under their apparent deformity, hide the ingenuity of their creator; or those who take up the Aristotelian paradox, according to which the correct imitation of ugliness arouses a feeling of pleasure among the spectator. In the Baroque aesthetic, the „beautiful ugliness‟ is an oxymoronic creation in which the horrifying content of the mimesis is consciously used in order to highlight, by contrast, the transformative power of the artist. The conceptualisation of caricature in the 17th century, which we will mention at the end of this work, suggests that beauty and ugliness, at least in their ideal forms, are in fact the two sides of a same coin.

La précarité aujourd’hui prend de plus en plus de place dans notre vie quotidienne. Elle place celui ou celle qui la subit dans un état incertain, une situation instable ou un temps indéterminé. Aujourd’hui, de nombreux artistes s’intéressent à des espaces touchés par cette précarité, comme les bidonvilles, les camps de migrants, les favelas, etc., en les considérant comme lieu d’expérimentation artistique. Quel est le sens de telles actions artistiques autour, dans et à partir de ces espaces, surtout quand il s’agit de collaboration directe avec ses habitants ? Dans quelle éthique la relation entre l’artiste et ces personnes doit-elle s’envisager lors de la construction d’un travail collaboratif ? Les réponses à ces questions sont proposées à travers une analyse d’oeuvres d’artistes qui ont rencontré cette population et travaillé auprès d’elle, ainsi que par la mise en place de certaines de mes créations artistiques. La première partie de cette thèse dessine les contours du concept de « précarité », en le situant dans des espaces qui permettent de l’appréhender. La deuxième se concentre sur mon expérience auprès des personnes migrantes habitant dans les camps de Calais, ainsi que sur une analyse d’autres travaux artistiques comme ceux de l’artiste Monica Nador, réalisés dans des favelas au Brésil, afin de voir comment l’art permet de créer de la rencontre, d’engendrer du lien social autant que collectif auprès des personnes rencontrées. La dernière partie traite du concept de frontière sous ses différents aspects, et envisage les interventions artistiques permettant des perceptions différentes de la frontière. La thèse se clôt sur la manière dont les actions artistiques peuvent renouveler notre représentation des espaces précaires et de ceux qui les occupent. Par ailleurs, l’impact de la précarité sur les productions artistiques conduit à une autre manière de concevoir la posture de l’artiste quand son art est déplacé dans un terrain d’expérimentation non institutionnel. / Precarity takes more and more place in our life nowadays. It conditions the person who undergoes it in an uncertain state, an unstable situation or an indefinite time. Many artists are interested today in spaces affected by this precarious situation, such as shantytowns, migrant camps, favelas, etc., as a place for artistic experimentation. What is the meaning of artistic actions performed in, from and around these spaces, especially those involving a direct collaboration with itsinhabitants ? What is the ethics in relationship between the artist and these people when building a collaborative work ? I tried to find answers for these questions in this thesis, through the analysis of work of artists who met these people and worked with them, as well as through some of my artistic creations. The first part of this thesis draws the outlines of the concept of « precariousness », situating it in spaces that allow to comprehend it. The second focuses on my experience with migrant people living in the Calais camps, as well as an analysis of other artistic works such as those of Monica Nador, made in Brazil’s favelas, in order to see how art could make it possible to create encounters, to generate social and collective links between people in these places. The last part deals with the concept of border in its various aspects, and considers the artistic interventions allowing different perceptions of the border. The thesis concludes with the way that artistic actions could renew our representation of precarious spaces and those who occupy them. Moreover, the impact of precariousness on artistic productions leads to another way of conceiving the artist’s posture when his art is carried out into a non-institutional field of experimentation.