Ce mémoire porte sur deux textes théâtraux tirés du répertoire de Bertolt Brecht, Mère Courage et ses enfants et La Vie de Galilée. Le choix de ces deux pièces tient à la place qu'y occupe l'Histoire : la première prend place au cours de la guerre de Trente ans, la seconde met en scène des éléments biographiques de la vie du véritable Galilée. L'objectif de notre réflexion est d'établir un modèle éthique de l'intrigue, c'est-à-dire de schématiser, dans ses mécanismes et ses enjeux, le problème éthique tel qu'il advient dans ces textes. Notre réflexion se découpe en trois parties, chacune d'elles articulée sur un principe précis : l'Histoire, l'éthique et la notion de sujet. Nous démontrons que l'éthique, telle qu'elle se présente chez dans ces textes de Brecht, est liée à l'inscription du sujet (du personnage principal) dans l'Histoire. Les pièces exposent des personnages confrontés, au niveau moral et éthique, à des situations dont l'ampleur et la portée sont historiques. Les actions des héros, ainsi que les rapports qu'ils entretiennent avec autrui, sont régis par cette responsabilité : les gestes et paroles des personnages ont un impact sur le cours des choses, sur le déroulement des événements et la collectivité. Cette inscription dans l'Histoire et la responsabilité qu'elle engendre ouvrent plusieurs questions, notamment celle de la fonction cognitive de l'éthique. L'éthique chez Brecht devient un outil explicatif, le moyen d'une démonstration didactique; elle vise à éveiller la conscience du spectateur, à susciter sa participation active dans le spectacle. À partir des situations (à la fois éthiques et historiques) qui lui sont présentées, le spectateur est amené à reconnaître les mécanismes et les enjeux qui fondent sa propre condition, à en prendre conscience et à trouver les moyens de l'améliorer. C'est à ce niveau que nous pouvons parler de modèle éthique : le modèle qui se profile dans les textes reproduit des structures sociales qui le débordent tout à fait, et résonnent dans le contexte de réception.

Trata-se aqui de uma pesquisa intercultural e interdisciplinar envolvendo teatro e literatura em que foram aproximados os romances Os anos de aprendizagem de Wilhelm Meister (1795-6), de Johann Wolfgang von Goethe (1749-1832), e Grande Sertão: Veredas (1956), de João Guimarães Rosa (1908-1967), por meio de uma ideia de formação desenvolvida a partir da relação entre Bildung e uma tradição intelectual brasileira de ensaios de formação. Aliaram-se a esse estudo as teorias sobre o Teatro de Aprendizagem de Bertolt Brecht (1898-1956). Esse aparato teórico é utilizado para analisar uma oficina teatral baseada em uma adaptação de Grande Sertão: Veredas, oficina realizada em diversos locais do Brasil e da Europa entre 2004 e 2006. Através do desenvolvimento e aprofundamento de elementos estéticos e teóricos presentes nessa oficina, intitulada atores da violência atores do diálogo, juntamente com a análise de sua recepção, buscou-se entender e organizar essa experiência cênica com vistas à proposição de um método pedagógico. / This text is the result of an intercultural and interdisciplinary research involving theater and literature in which an approach has been made between the novels Wilhelm Meister Apprenticeship (1795-6), by Johann Wolfgang von Goethe (1749-1832), and Grande Sertão: Veredas (1956), by João Guimarães Rosa (1908-1967), using the formation concept developed from the relationship between Bildung and the Brazilian intellectual tradition of formation essays. Bertolt Brecht (1898-1956) theories about his Learning Theater have been allied to this study. This theoretical apparatus is used to analyze a theatrical workshop based on a Grande Sertão: Veredas adaptation. This workshop was performed in several places in Brazil and Europe between 2004 and 2006. Through the development and deepening of theoretical and aesthetic elements presented in this workshop, with the title actors of violence actors of dialogue, along with the analysis of its reception, we sought to understand and organize this theatrical experience targeting the proposition of a pedagogical method.

O objetivo deste trabalho é questionar a imagem cristalizada da ficção de Camilo Castelo Branco, usualmente polarizada em passional-satírico, lágrima-riso, sério-cômico, ou, em termos camilianos, coração-estômago, procurando mostrar que romances de classificações distintas podem ter mais semelhanças do que aparentam. Para isso, analisaremos a mais famosa obra de Camilo e principal representante da chamada tendência passional, Amor de Perdição, e um dos mais importantes exemplares da tendência satírica, Coração, Cabeça e Estômago, além de uma obra menos conhecida e de definição controversa, O Que Fazem Mulheres, ressaltando neles a mistura do sério e do cômico. Assim, buscaremos enfocar no que acreditamos ser uma característica comum nos três romances: o diálogo crítico de Camilo com os discursos ideológico-culturais e literários de seu tempo, construído através da paródia e do comentário metaliterário. Dessa forma, tencionamos propor uma reflexão sobre a estética camiliana, cujos recursos literários que produzem a quebra da tensão dramática podem ser aproximados do efeito de distanciamento utilizado por Bertolt Brecht em seu teatro épico. Finalmente, é nosso intuito discutir que, devido ao seu olhar distanciado, Camilo pode ser associado à tradição da sátira menipéia, cujos meios e fins são distintos da sátira de cunho moral. / The objective of this work is to question the crystallized image of Camilo Castelo Brancos fiction, usually polarized in passionate-satirical, tear-laughter, serious-comic, or, in camilian terms, heart-stomach, trying to show that novels of distinct classifications may have more similarities than they look like. In order to show it, we will analyze the Camilos most famous work and main representative of the so-called passionate tendency, Amor de Perdição, and one of the most important exemplars of the satirical tendency, Coração, Cabeça e Estômago, and also a less known work, of controversial definition, O Que Fazem Mulheres, giving prominence to the mixture of the serious and the comic at them. Thus, we will attempt to focus in what we believe that is a common characteristic in the three novels: Camilos critical dialogue with the ideological-cultural and literary discourses of his time, constructed through parody and metaliterary comment. Therefore, we intend to propose a reflection about the camilian aesthetics, which literary resources that produce the break of dramatic tension may be approximated to the estrangement effect used by Bertolt Brecht in his epic theater. Finally, it is our aim to discuss that, due to his distanced gaze, Camilo may be associated to the tradition of menippean satire, which means and ends are distinct of the moral type satire.

Esta pesquisa teve por objetivo verificar, nos filmes e na obra escrita de Glauber Rocha, a presença de elementos da estética de Bertolt Brecht. Foram selecionadas seqüências de O dragão da maldade contra o santo guerreiro e de Der leone have sept cabezas para análises mais detidas, passando-se em seguida a uma observação mais geral dos procedimentos e conceitos brechtianos na obra de Glauber Rocha. A análise dos filmes levou ao encontro da história do Brasil, da América Latina em sua relação com a África, da guerrilha, do pensamento político e da figura mítica de Che Guevara. A observação de recursos do teatro épico em uma obra cinematográfica gerou a apreciação das especificidades do cinema na busca por uma participação reflexiva e crítica do espectador, e o aprofundamento na compreensão da relação entre cinema e teatro. / This research is an attempt at finding, in the films and written work of Glauber Rocha, elements of Bertolt Brecht`s aesthetics. Scenes from O dragão da maldade contra o santo guerreiro and Der leone have sept cabezas were selected for deeper analysis, then moving on to a broader observation of brechtian concepts and procedures in Glauber Rocha`s work. The film analyses have led to the study of Brazillian history, Latin American history and their ties with Africa, with gerrilla warfare tactics and the mythical character of Che Guevara, whose political thoughts are also looked into in this study. By observing epic theatre techniques at work in a film, we could better appreciate cinema`s specific traits employed in its search for the reflexive and critical participation of its viewer, leading to a deeper understanding of the relationship between cinema and theatre.

O objetivo deste trabalho é questionar a imagem cristalizada da ficção de Camilo Castelo Branco, usualmente polarizada em passional-satírico, lágrima-riso, sério-cômico, ou, em termos camilianos, coração-estômago, procurando mostrar que romances de classificações distintas podem ter mais semelhanças do que aparentam. Para isso, analisaremos a mais famosa obra de Camilo e principal representante da chamada tendência passional, Amor de Perdição, e um dos mais importantes exemplares da tendência satírica, Coração, Cabeça e Estômago, além de uma obra menos conhecida e de definição controversa, O Que Fazem Mulheres, ressaltando neles a mistura do sério e do cômico. Assim, buscaremos enfocar no que acreditamos ser uma característica comum nos três romances: o diálogo crítico de Camilo com os discursos ideológico-culturais e literários de seu tempo, construído através da paródia e do comentário metaliterário. Dessa forma, tencionamos propor uma reflexão sobre a estética camiliana, cujos recursos literários que produzem a quebra da tensão dramática podem ser aproximados do efeito de distanciamento utilizado por Bertolt Brecht em seu teatro épico. Finalmente, é nosso intuito discutir que, devido ao seu olhar distanciado, Camilo pode ser associado à tradição da sátira menipéia, cujos meios e fins são distintos da sátira de cunho moral. / The objective of this work is to question the crystallized image of Camilo Castelo Brancos fiction, usually polarized in passionate-satirical, tear-laughter, serious-comic, or, in camilian terms, heart-stomach, trying to show that novels of distinct classifications may have more similarities than they look like. In order to show it, we will analyze the Camilos most famous work and main representative of the so-called passionate tendency, Amor de Perdição, and one of the most important exemplars of the satirical tendency, Coração, Cabeça e Estômago, and also a less known work, of controversial definition, O Que Fazem Mulheres, giving prominence to the mixture of the serious and the comic at them. Thus, we will attempt to focus in what we believe that is a common characteristic in the three novels: Camilos critical dialogue with the ideological-cultural and literary discourses of his time, constructed through parody and metaliterary comment. Therefore, we intend to propose a reflection about the camilian aesthetics, which literary resources that produce the break of dramatic tension may be approximated to the estrangement effect used by Bertolt Brecht in his epic theater. Finally, it is our aim to discuss that, due to his distanced gaze, Camilo may be associated to the tradition of menippean satire, which means and ends are distinct of the moral type satire.

Esta pesquisa aborda a influência de métodos e técnicas da interpretação do ator no contexto do cinema brasileiro moderno, quando o trabalho, o estilo e os métodos de interpretação do Teatro de Arena encontraram seu desdobramento no estilo de interpretação de atores, em filmes precursores e clássicos do Cinema Novo. Para isso vamos identificar quais as influências técnicas desta interpretação, como o sistema de Stanislavski, o método do Actors Studio, o efeito de distanciamento de Bertold Brecht. Na análise de cenas e sequências de filmes focalizo no trabalho dos atores a interação com a estética, a câmera e a montagem, para a compreensão destas influências. Assim analiso o desempenho de Gianfrancesco Guarnieri no filme O Grande Momento de Roberto Santos, 1958; Nélson Xavier no filme Os Fuzis de Ruy Guerra, 1963; Paulo José em O Padre e a Moça de Joaquim Pedro de Andrade, 1965; Othon Bastos no filme Deus e o Diabo na Terra do Sol de Glauber Rocha, 1963, único não-representante do Teatro de Arena, mas que consolidou sua carreira de teatro na Bahia e mais tarde no Grupo de Teatro Oficina em São Paulo. Estes atores fazem parte do florescimento de uma nova abordagem de interpretação teatral, influenciados pelo estudo das técnicas e na ênfase em retratar o homem brasileiro deste momento sociopolítico e cultural. Os cineastas do Cinema Novo, que buscavam estéticas alternativas e novas formas de diálogo com a realidade brasileira, vão encontrar nestes intérpretes as parcerias para a realização de seus filmes. Sendo assim, esta pesquisa busca um aporte original à questão, e parte da experiência do teatro para fazer a análise do trabalho do ator brasileiro no cinema, levando em conta as diferenças de técnica e de condições do trabalho, mas pensando tais diferenças como o lugar de um mútuo aprendizado que evidencia muito bem tudo o quanto há de comum entre o teatro e o cinema. / This study addresses the influence of acting methods and interpretation techniques in the context of modern Brazilian cinema, when the work, style and interpretation methods of the Teatro de Arena were prominent in the styles of actors\' interpretations in the classic Cinema Novo films and their precursors. The technical influences of interpretation will be identified, such as Stanislavksi\'s system, the Actors Studio method, and Bertold Brecht\'s estrangement effect. In the analysis of film scenes and sequences, I focus on the actors and their interaction with the esthetics, the camera, and the set, to better understand these influences. Thus, I analyze the performance of Gianfrancesco Guarnieri in Roberto Santos\' 1958 film The Grand Moment; Nélson Xavier in Ruy Guerra\'s 1963 film The Guns; Paulo José in Joaquim Pedro de Andrade\'s 1965 film The Priest and the Girl; and Othon Bastos in Glauber Rocha\'s 1963 film Black God, White Devil. Othon Bastos, the only actor not representative of the Teatro de Arena, spent his formative theatrical years in the state of Bahia and later in the Grupo de Teatro Oficina in the city of São Paulo. These actors represent the flourishing of a new approach to theatrical interpretation, influenced by the study of techniques and by the emphasis on portraying Brazilians in their social, political and cultural context. The Cinema Novo filmmakers, seeking alternative esthetics and new ways to engage the Brazilian reality, find in these actors the partners they need to make their works. Thus, this study seeks to make an original contribution to the question, analyzing the work of Brazilian actors in cinema based on experience in the theater, taking into account the differences in technique and working conditions, but thinking of these differences as providing space for mutual learning, clearly demonstrating the extent of commonalities between theatre and cinema.

Alors que la post-modernité en avait proclamé la fin, alors que le post-dramatique s’était déployé contre, les grands récits semblent de retour sur les scènes du théâtre public depuis les années 1990, et plus encore les années 2000 et 2010. Cette thèse se propose d’explorer ce mouvement vers l’épique depuis que la création théâtrale n’est plus aussi explicitement tendue par de grands vecteurs politiques et idéologiques, soit, symboliquement, depuis la chute du bloc soviétique avec celle du mur de Berlin. Comment de nouvelles formes épiques s’inventent-elles alors au plateau, dans le souvenir de Brecht mais sans s’adosser comme lui à une téléologie marxiste ? Comment ce nouvel épique théâtral refonde-t-il sa verticalité ou s’invente-t-il sans verticalité ? Quel lien entretient-il avec l’édifice théorique du dramaturge allemand mais aussi quel rapport construit-il aux épopées homériques ? En observant les grandes tendances épiques contemporaines, cette thèse s’attache à dégager un concept d’épique qui soit pertinent dans le contexte démocratique et égalitaire qui est le nôtre. / While post-modernity had proclaimed their end and post-dramatic theatre had unfolded against them, grand narratives seem to have returned to the stages of French public theatre since the 1990s, and even more so in the following decades. This thesis sets out to explore this movement towards the epic genre since dramatic creation is no longer propelled by great political and ideological vectors, given the fall of the Soviet bloc and the fall of the Berlin Wall. How can new epic forms be invented on the set, following the heritage of Brecht but without leaning against a Marxist teleology? How does this new dramatic genre of epic rebuild its verticality or reinvent itself without verticality? What is its relation with the theoretical work of the German dramatist, as well as with the Homeric epic poems? By observing major contemporary epic trends, this thesis seeks to identify a concept of epic that is relevant in the democratic and egalitarian context in which we live.

Esta pesquisa teve por objetivo verificar, nos filmes e na obra escrita de Glauber Rocha, a presença de elementos da estética de Bertolt Brecht. Foram selecionadas seqüências de O dragão da maldade contra o santo guerreiro e de Der leone have sept cabezas para análises mais detidas, passando-se em seguida a uma observação mais geral dos procedimentos e conceitos brechtianos na obra de Glauber Rocha. A análise dos filmes levou ao encontro da história do Brasil, da América Latina em sua relação com a África, da guerrilha, do pensamento político e da figura mítica de Che Guevara. A observação de recursos do teatro épico em uma obra cinematográfica gerou a apreciação das especificidades do cinema na busca por uma participação reflexiva e crítica do espectador, e o aprofundamento na compreensão da relação entre cinema e teatro. / This research is an attempt at finding, in the films and written work of Glauber Rocha, elements of Bertolt Brecht`s aesthetics. Scenes from O dragão da maldade contra o santo guerreiro and Der leone have sept cabezas were selected for deeper analysis, then moving on to a broader observation of brechtian concepts and procedures in Glauber Rocha`s work. The film analyses have led to the study of Brazillian history, Latin American history and their ties with Africa, with gerrilla warfare tactics and the mythical character of Che Guevara, whose political thoughts are also looked into in this study. By observing epic theatre techniques at work in a film, we could better appreciate cinema`s specific traits employed in its search for the reflexive and critical participation of its viewer, leading to a deeper understanding of the relationship between cinema and theatre.

Submitted by Edineia Teixeira (edineia.teixeira@unioeste.br) on 2018-11-08T13:48:45Z No. of bitstreams: 2 Sandra_Silva_2018.pdf: 1053978 bytes, checksum: 44a284d8cb94dba426f9246bfe53216d (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Made available in DSpace on 2018-11-08T13:48:45Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Sandra_Silva_2018.pdf: 1053978 bytes, checksum: 44a284d8cb94dba426f9246bfe53216d (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Previous issue date: 2018-08-09 / This dissertation contemplates a comparative study between the dramaturgical text The Threepenny Opera (1928) and The Threepenny Novel (1934), by Bertolt Brecht, in which focuses the comprehension of the esthetic elements developed by Brecht in the epic theater: distancing effect and social gestus. The research presents reflections on the development and self-appropriation of the conceptual formulations proposed by Brecht in different textual genres, but which maintains narrativity, since epic theater is essentially narrative. Understanding the formal differences among literary genres, temporalities and historical contexts, we tried to verify how Brecht transmigrates elements of his dialectical epic theater to the romanesque narrative and how these elements contribute to read the social relations and their historical and idiosyncratic temporalities. The research also presents a study on Brazilian theater groups and collectives that re-elaborate Brechtian aesthetics in their plays in contemporary times. So, the present dissertation is articulated from three parts, named as acts. Act One has a reflection on the theory of the Brechtian dialectic theater, especially on the distancing effect and the social gestus, and based on these reflections, it is analyzed how these elements of the Brechtian theater are presented in the play The Threepenny Opera. Act Two presents a comparative analysis between the play and the novel, showing how the epic theater elements are presented in The Threepenny Novel. In Act Three we reflected on the scope of the Brechtian aesthetics in the Brazilian Collectives of Theater Companhia do Latão, Companhia do Feijão and Coletivo de Teatro Alfenim, and how these groups reimport the Brecht’s aesthetic. / Esta dissertação contempla um estudo comparado entre o texto dramatúrgico A Ópera dos Três Vinténs (1928) e o Romance dos Três Vinténs (1934), de Bertolt Brecht, no qual se foca a compreensão dos elementos estéticos desenvolvidos por Brecht no teatro épico: efeito de distanciamento e gestus social. A pesquisa apresenta reflexões sobre o desenvolvimento e as autoapropriações das formulações conceituais propostas por Brecht em gêneros textuais diferentes, mas que mantêm entre si a narratividade, uma vez que o teatro épico é essencialmente narrativo. Compreendendo-se as diferenças formais entre gêneros literários, temporalidades e contextos históricos, procurou-se verificar de que modo Brecht faz transmigrar elementos do seu teatro épico dialético para a narrativa romanesca e como tais elementos contribuem para para que se leia deles as relações sociais e suas temporalidades históricas e idiossincrasias. A pesquisa apresenta também um estudo sobre grupos e Coletivos de Teatro Brasileiros que reelaboram a estética brechtiana em suas peças na contemporaneidade. Desse modo, a presente dissertação está articulada a partir de três partes, intituladas como atos. O Ato I volta-se para a reflexão sobre a teoria do teatro dialético brechtiano, em especial sobre o efeito de distanciamento e o gestus social. Com base nestas reflexões, analisa-se como esses elementos do teatro brechtiano se apresentam na peça teatral Ópera dos Três Vinténs. O Ato II apresenta uma análise comparativa entre a peça e o romance, mostrando como tais elementos do teatro épico se fazem presentes no Romance dos Três Vinténs. No Ato III, refletimos sobre o alcance da estética brechtiana nos Coletivos de teatro Companhia do Latão, Companhia do Feijão, Coletivo de Teatro Alfenim, e como esses grupos ressignificam a estética brechtiana.

Esta pesquisa aborda a influência de métodos e técnicas da interpretação do ator no contexto do cinema brasileiro moderno, quando o trabalho, o estilo e os métodos de interpretação do Teatro de Arena encontraram seu desdobramento no estilo de interpretação de atores, em filmes precursores e clássicos do Cinema Novo. Para isso vamos identificar quais as influências técnicas desta interpretação, como o sistema de Stanislavski, o método do Actors Studio, o efeito de distanciamento de Bertold Brecht. Na análise de cenas e sequências de filmes focalizo no trabalho dos atores a interação com a estética, a câmera e a montagem, para a compreensão destas influências. Assim analiso o desempenho de Gianfrancesco Guarnieri no filme O Grande Momento de Roberto Santos, 1958; Nélson Xavier no filme Os Fuzis de Ruy Guerra, 1963; Paulo José em O Padre e a Moça de Joaquim Pedro de Andrade, 1965; Othon Bastos no filme Deus e o Diabo na Terra do Sol de Glauber Rocha, 1963, único não-representante do Teatro de Arena, mas que consolidou sua carreira de teatro na Bahia e mais tarde no Grupo de Teatro Oficina em São Paulo. Estes atores fazem parte do florescimento de uma nova abordagem de interpretação teatral, influenciados pelo estudo das técnicas e na ênfase em retratar o homem brasileiro deste momento sociopolítico e cultural. Os cineastas do Cinema Novo, que buscavam estéticas alternativas e novas formas de diálogo com a realidade brasileira, vão encontrar nestes intérpretes as parcerias para a realização de seus filmes. Sendo assim, esta pesquisa busca um aporte original à questão, e parte da experiência do teatro para fazer a análise do trabalho do ator brasileiro no cinema, levando em conta as diferenças de técnica e de condições do trabalho, mas pensando tais diferenças como o lugar de um mútuo aprendizado que evidencia muito bem tudo o quanto há de comum entre o teatro e o cinema. / This study addresses the influence of acting methods and interpretation techniques in the context of modern Brazilian cinema, when the work, style and interpretation methods of the Teatro de Arena were prominent in the styles of actors\' interpretations in the classic Cinema Novo films and their precursors. The technical influences of interpretation will be identified, such as Stanislavksi\'s system, the Actors Studio method, and Bertold Brecht\'s estrangement effect. In the analysis of film scenes and sequences, I focus on the actors and their interaction with the esthetics, the camera, and the set, to better understand these influences. Thus, I analyze the performance of Gianfrancesco Guarnieri in Roberto Santos\' 1958 film The Grand Moment; Nélson Xavier in Ruy Guerra\'s 1963 film The Guns; Paulo José in Joaquim Pedro de Andrade\'s 1965 film The Priest and the Girl; and Othon Bastos in Glauber Rocha\'s 1963 film Black God, White Devil. Othon Bastos, the only actor not representative of the Teatro de Arena, spent his formative theatrical years in the state of Bahia and later in the Grupo de Teatro Oficina in the city of São Paulo. These actors represent the flourishing of a new approach to theatrical interpretation, influenced by the study of techniques and by the emphasis on portraying Brazilians in their social, political and cultural context. The Cinema Novo filmmakers, seeking alternative esthetics and new ways to engage the Brazilian reality, find in these actors the partners they need to make their works. Thus, this study seeks to make an original contribution to the question, analyzing the work of Brazilian actors in cinema based on experience in the theater, taking into account the differences in technique and working conditions, but thinking of these differences as providing space for mutual learning, clearly demonstrating the extent of commonalities between theatre and cinema.