Thèse numérisée par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

Ce mémoire-création est né de la participation de l'auteure au programme de réalisation documentaire à l'Institut national de l'image et du son. Découlant de l'entente UQAM-INIS, ce projet jette un regard sur la manière dont les documentaristes de cinéma direct représentent la réalité à travers leurs œuvres. Ce genre, que les cinéastes québécois ont contribué à faire naître à partir de la fin des années 50, est toujours utilisé des décennies plus tard. Le style du direct et sa technique donnent des documentaires basés sur la confiance des gens filmés et qui sont souvent produits dans l'action. Ils suscitent une grande impression de vérité chez les spectateurs. La réflexion proposée dans ce document émane de deux volets du cursus de l'INIS: des entretiens avec six cinéastes québécois de renom et la réalisation d'un court métrage de cinéma direct. Les paroles des réalisateurs permettent d'esquisser les défis éthiques liés à la représentation de la réalité et d'en cibler les grands thèmes. Ceux-ci sont ensuite passés en revue et analysés grâce aux réflexions de théoriciens du documentaire et plus précisément du cinéma direct. Ces thèmes servent ensuite à examiner la production d'un court métrage réalisé lors du programme de l'INIS. Il est à noter que ce mémoire-création, qui apporte une réflexion à la jonction de la théorie et de la pratique, a été exclusivement pensé et préparé après le passage à l'Institut. Il ne s'agit donc pas de vérifier une hypothèse proposée avant le programme, mais bien d'apporter un questionnement basé sur l'expérience. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Documentaire, cinéma, représentation, éthique.

Cinéaste documentariste de profession, l'auteur de ces lignes a conçu et rédigé ce document de réflexion parallèlement à la réalisation d'un long métrage documentaire intitulé Bull's eye, un peintre à l'affût. Le contexte de création de ce film présenta deux premières majeures pour le cinéaste. D'abord, la réalisation d'un premier long métrage documentaire et ensuite, la production de celui-ci sans la participation directe d'un télédiffuseur. Ces deux nouveaux éléments exercèrent une influence considérable autant sur les divers processus de production de l'œuvre cinématographique - libérés de plusieurs contraintes techniques et temporelles - que sur les méthodes discursives déployées afin de mener à terme le récit documentaire proprement dit. Voilà donc l'objet central que propose d'analyser ce document d'accompagnement : en quoi ce contexte de production particulier permit au cinéaste d'explorer et de développer des approches d'écriture cinématographique différentes, tant au niveau de la recherche et de la scénarisation, que du tournage, et du montage. C'est d'ailleurs à partir de ces trois moments d'écriture propre au cinéma documentaire que s'articule principalement notre texte, alors que pour chacune de ces étapes, nous présentons d'abord les éléments théoriques ci rattachant avant d'examiner - au moyen de notes de tournage et d'exemples concrets - comment ces mêmes étapes se sont déroulées lors de la réalisation du documentaire long métrage Bull's eye, un peintre à l'affût. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Documentaire, cinéma direct, écriture cinématographique, tournage, montage

Le mémoire présenté résume ma vision de l'identité et sens de l'appartenance chez les immigrants arabes au Canada. Les lignes générales de ce sujet dont je pourrais classifier les résultats dans le présent résumé sont : De nos jours, le monde est plein de conflits de ce genre (trouver une identité) parce que nous sommes dans un temps où la révolution technologique envahit la terre et fait changer les critères essentiels qui ont été utilisés, auparavant, pour définir l'identité. Par exemple, les valeurs anciennes comme la nation, la patrie, la culture, en rajoutant tous les attachements qui relient la personne avec les constituants de sa personnalité ou bien de son identité. Chercher l'identité, ou bien le sens de l'appartenance, est une question qui ne touche pas uniquement les émigrants, mais également chaque personne dans le monde. En plus elle est essentielle et sensible; elle se pose et s’impose chaque jour et partout. On partage en premier lieu notre humanité. Chacun parmi nous appartient à une identité culturelle différente de l'autre, celle qu'on doit défendre et garder pour garantir la richesse humaine et culturelle de notre monde. Être immigrant veut dire appartenir à deux pays (natal et d'accueil) et avoir deux identités civiques différentes. Mais décider à quel pays on appartient est relié à l'identité culturelle qui est responsable de nous donner la reconnaissance et le respect de notre existence comme des membres de l'humanité qui ont les mêmes droits. Le mémoire écrit/film se propose d'analyser le phénomène d'identité de l'immigrant, non seulement comme un phénomène d'immigration et d'intégration des immigrants arabes dans la structure sociale québécoise, mais aussi comme un aspect indissociable de leurs appartenances. C'est aussi un exemple de réussite, au-delà des mots, des rapports en tant que ponts créés entre la vie nouvelle et l'existence passée. L'objectif du mémoire écrit/film sera de mettre en lumière la vie de quatre personnages arabes vivant au Canada depuis longtemps, mais ayant conservé leurs traditions et leur mode de vie. Ces personnages ont échappé aux rudes conditions de vie dans leur pays d'origine, mais continuent de considérer le Canada comme un hôtel. Un hôtel dans lequel ils ont pourtant l'intention de rester pour une période indéterminée. La forme documentaire exprime le but de mon projet, évite ou essaie d'éviter le plus possible de transmettre un jugement précis aux spectateurs (la fonction de reportage), et tend en même temps à provoquer des questions en eux, des sentiments, des doutes, etc. La fonction de ce genre cinématographique résume ma définition du documentaire. C'est bien là la méthodologie générale adoptée par le film, qui puise son essence et son objectif dans le cinéma-vérité sans se conformer littéralement aux lois qui le caractérisent et que nous avons vues dans certains films des premiers réalisateurs québécois. Nous avons suivi la logique la plus générale et essayé de mettre en œuvre notre vision spécifique dans la présentation et l'interprétation. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : L'identité, Immigrants, Patrie, Documentaire, Cinéma-vérité.

Le présent mémoire définira ce qu’on entend par modernité et postmodernité, tout en juxtaposant ces concepts philosophiques au cinéma pratiqué par le documentariste Pierre Perrault. Les modernistes influencés par les Lumières ont toujours considéré les progrès scientifiques comme des avancées nécessaires à l’atteinte d’une béatitude universelle. Pour eux, le salut des sociétés nécessite un passage du côté de la science, du rationalisme. Le problème avec une telle démarche est que tout discours qui se dissocie de la rationalité est immédiatement annihilé au profit d’une (sur)dominance du progrès. Il ne s’agit pas de dire que la modernité est à proscrire – loin de là! –, mais il serait temps d’envisager une remise en question de certaines de ses caractéristiques. La postmodernité, réflexion critique popularisée par Jean-François Lyotard, s’évertue à trouver des pistes de solution pour pallier à cette problématique. Elle est une critique de la domination exagérée des sciences dans la compréhension de notre monde. Il existe pourtant d’autres façons de l’appréhender, tels les mythes et les croyances. Ces récits irrationnels cachent souvent en eux des valeurs importantes (qu’elles soient d’ordre moral, écologique ou spirituel). Or, l’œuvre de Perrault regorge de ces petites histoires communautaires. Les deux films choisis pour notre travail – Le goût de la farine (1977) et Le pays de la terre sans arbre ou le Mouchouânipi (1980) – en sont l’exemple prégnant. Chacun d’eux présente des traditions autochtones (celles des Innus) opposées à la dictature du progrès. Et cette même opposition permet au réalisateur de forger un discours critique sur une modernité prête à tout pour effacer les coutumes uniques. Le cinéaste agit ainsi en postmoderniste, offrant une réflexion salutaire sur les pires excès véhiculés par les tenants du progrès. / This dissertation, juxtaposing modernity and postmodernity to Pierre Perrault’s documentary movies, will define what we understand from those philosophic concepts. Influenced with Les Lumières, modernists have always considered necessary to put forward scientific technology progress to reach universal beatitude. For them, science is the key to society’s salute and rationalism. The problem with this process is that all thinking dissociating from rationality brings its immediate annihilation by progress and “over-progress” domination. Far from us to say that modernity needs to be forbidden but maybe it would be time to call into question some of these concepts. Popularized by Jean-François Lyotard, postmodernity criticizes the exaggerated science domination into trying to understand our world and wants to find solutions to counter the problem. Yet, there are other ways to apprehend this world of ours, like myths and believes. These irrational stories often reveal important moral, ecologic or spiritual values. The works of Perrault abound with community stories to refer to and we have chosen two pictures that are obvious examples. Le goût de la farine (1977) and Le pays de la terre sans arbre ou le Mouchouânipi (1980) present Innus’ traditions opposed to progress dictatorship. This same opposition allows the movie director to create a critical thinking about this modernity (in brief, a postmodernist thinking).

Les mythes américains génèrent des symboles et des stéréotypes fréquents dans l’imaginaire collectif. Leur usage dans la littérature québécoise exclut toute idéologie, privilégiant l’acte fondateur d’une nouvelle mythologie. Les mythes québécois se sont d’abord distingués de ceux de l’Amérique. Ils ont porté un regard critique sur la globalisation que peut susciter le territoire américain. En élaborant leur littérature nationale, les auteurs québécois de la Révolution tranquille ont formulé d’autres pistes interprétatives autour des mythes américains. L’américanité offre des perspectives anthropologiques fluides à l’adaptation du mythe au cinéma et en littérature. Le mythe tel que le définit Roland Barthes permet une interprétation contemporaine de chaque mythe québécois présenté dans cette étude. Le corpus est donc composé d’œuvres québécoises et étatsuniennes, de films de Denys Arcand et Clint Eastwood, de romans et textes argumentatifs de notre auteur tranquille référent, Jacques Godbout mais aussi de Jacques Poulin, Philippe Aubert de Gaspé, Antonine Maillet, Anne Hébert, Jack Kerouac. / American myths generate recurring symbols and stereotypes in the collective imagination. In Quebec literature, the use of these myths ignores ideology, favouring the founding act of a new mythology. Quebec myths firstly distinguished themselves from American myths, carrying with them a critical perspective on the globalising process driven by the American territory. In developing their national literature, Quebec authors from the Quiet Revolution shaped new interpretations of American myths. Americanness offers changing anthropological perspectives for the adaptation of myths into film and literature. The myth as Roland Barthes defines it, enables a contemporary interpretation of each Quebec myth you can find in this study. Thus, the corpus in my dissertation is made up of Quebec and American works, movies directed by Denys Arcand and Clint Eastwood and novels or argumentative essays by the quiet author who is the subject of this dissertation, Jacques Godbout as well as Jacques Poulin, Philippe Aubert de Gaspé, Antonine Maillet, Anne Hébert and Jack Kerouac.

Ce mémoire propose une analyse de la collaboration à l’intérieur de projets cinématographiques dans l’œuvre de Pierre Perrault. Comme la collaboration entre cinéaste et participants soulève des questions éthiques, cette recherche étudie deux films pivots dans la carrière de ce cinéaste soit Pour la suite du monde et La bête lumineuse. Tout en contrastant le discours du cinéaste avec celui d’un protagoniste nommé Stéphane-Albert Boulais, cette étude détaille les dynamiques de pouvoir liées à la représentation et analyse l’éthique du créateur. Ce mémoire présente une description complète de la pensée de Pierre Perrault, ainsi que sa pratique tant au niveau du tournage que du montage. Cette étude se consacre à deux terrains cinématographiques pour soulever les pratiques tant au niveau de l’avant, pendant, et après tournage. Ce mémoire se penche ensuite sur Stéphane-Albert Boulais, qui grâce à ses nombreux écrits sur ses expériences cinématographiques, permet de multiplier les regards sur la collaboration. Après une analyse comparative entre les deux terrains cinématographiques, ce mémoire conclut sur une analyse détaillée de l’éthique du créateur à l’intérieur de projets collaboratifs. / This research presents an analysis of collaboration in Pierre Perrault’s film projects. Since collaboration between filmmaker and participants raises ethical issues, this research examines two pivotal films in Perrault’s career: Pour la suite du monde and La bête lumineuse. Contrasting the filmmaker’s discourse with that of Stéphane-Albert Boulais, a protagonist in one of the movies, this study details the power dynamics linked to representation and analyzes the filmmaker’s ethics. This research presents a full description of Pierre Perrault’s approach to filmmaking, as well as his practice in both shooting and editing the movies. It focuses on two film locations to highlight Perrault’s practices before, during and after the shooting of these movies. It then looks at Stéphane-Albert Boulais, whose many writings documenting his filmmaking experiences, provides multiple views on collaboration. Following a comparative study of both film locations, this research concludes with a detailed analysis of Perrault’s ethics within the framework of collaborative projects.

Le présent mémoire définira ce qu’on entend par modernité et postmodernité, tout en juxtaposant ces concepts philosophiques au cinéma pratiqué par le documentariste Pierre Perrault. Les modernistes influencés par les Lumières ont toujours considéré les progrès scientifiques comme des avancées nécessaires à l’atteinte d’une béatitude universelle. Pour eux, le salut des sociétés nécessite un passage du côté de la science, du rationalisme. Le problème avec une telle démarche est que tout discours qui se dissocie de la rationalité est immédiatement annihilé au profit d’une (sur)dominance du progrès. Il ne s’agit pas de dire que la modernité est à proscrire – loin de là! –, mais il serait temps d’envisager une remise en question de certaines de ses caractéristiques. La postmodernité, réflexion critique popularisée par Jean-François Lyotard, s’évertue à trouver des pistes de solution pour pallier à cette problématique. Elle est une critique de la domination exagérée des sciences dans la compréhension de notre monde. Il existe pourtant d’autres façons de l’appréhender, tels les mythes et les croyances. Ces récits irrationnels cachent souvent en eux des valeurs importantes (qu’elles soient d’ordre moral, écologique ou spirituel). Or, l’œuvre de Perrault regorge de ces petites histoires communautaires. Les deux films choisis pour notre travail – Le goût de la farine (1977) et Le pays de la terre sans arbre ou le Mouchouânipi (1980) – en sont l’exemple prégnant. Chacun d’eux présente des traditions autochtones (celles des Innus) opposées à la dictature du progrès. Et cette même opposition permet au réalisateur de forger un discours critique sur une modernité prête à tout pour effacer les coutumes uniques. Le cinéaste agit ainsi en postmoderniste, offrant une réflexion salutaire sur les pires excès véhiculés par les tenants du progrès. / This dissertation, juxtaposing modernity and postmodernity to Pierre Perrault’s documentary movies, will define what we understand from those philosophic concepts. Influenced with Les Lumières, modernists have always considered necessary to put forward scientific technology progress to reach universal beatitude. For them, science is the key to society’s salute and rationalism. The problem with this process is that all thinking dissociating from rationality brings its immediate annihilation by progress and “over-progress” domination. Far from us to say that modernity needs to be forbidden but maybe it would be time to call into question some of these concepts. Popularized by Jean-François Lyotard, postmodernity criticizes the exaggerated science domination into trying to understand our world and wants to find solutions to counter the problem. Yet, there are other ways to apprehend this world of ours, like myths and believes. These irrational stories often reveal important moral, ecologic or spiritual values. The works of Perrault abound with community stories to refer to and we have chosen two pictures that are obvious examples. Le goût de la farine (1977) and Le pays de la terre sans arbre ou le Mouchouânipi (1980) present Innus’ traditions opposed to progress dictatorship. This same opposition allows the movie director to create a critical thinking about this modernity (in brief, a postmodernist thinking).

No description available.

Cette étude s’intéresse aux écrits portant sur le cinéma québécois qui ont été publiés durant les décennies 1960-70 dans les quatre principales revues de cinéma du Québec, soient Séquences, Objectif, Cinéma/Québec et Champ libre. Cherchant à les comprendre historiquement, elle situe ces publications dans l’évolution de la critique cinématographique au Québec et dans le développement sociopolitique de l’époque. Abordant chacune des revues individuellement, ce texte présente les rédacteurs, le rôle que se donnent les comités de rédaction, ainsi que leur approche du cinéma. Il soulève également les principaux enjeux abordés par chacune d’entre elles et il révèle le discours sur le cinéma québécois qui y est publié. Par la suite, cherchant à établir des constatations sur la critique cinématographique, à partir du corpus étudié, cette étude expose les interactions existant entre ces revues : les raisons derrière leur fondation et les réactions des comités de rédaction lors de l’arrivée de nouvelles concurrentes. En définitive, soulignant les différences et les ressemblances entre les discours sur le cinéma québécois retrouvées dans ces publications, cette étude présente la perception générale de la critique envers la production cinématographique de cette époque. / This study explores the writings on Quebec cinema found in the four main Quebec film magazines of the 1960s and 70s: Séquences, Objectif, Cinéma/Québec et Champ libre. In order to understand them historically, the publications are situated in relation to the development of film criticism in Quebec and within the socio-political context of the time. Examining each of the publications individually, the study presents the editors, the roles of the board of editors, and their approach to cinema. It also identifies the key issues each of the journals addressed by outlining the discourses on Quebec cinema that were published. Based on an analysis of the corpus, and seeking to draw more definitive conclusions about film criticism, this study then examines the various levels of interaction existing between the journals : the reasons for their establishment, and the editorial boards’ reactions to the arrival of new competitors. Highlighting the differences and similarities between the discourses on Quebec cinema found in these publications, this study ultimately reveals film criticism’s general perception toward the film productions of the time.