Este estudo tem como propósito pesquisar como as produtoras de animação publicitária em São Paulo absorveram gradativamente a tecnologia digital a partir de meados dos anos 1980 até os anos 1990, observando seu funcionamento antes, durante e após a implementação mais efetiva dos novos recursos, identificando os fatos e dados que apontam para o impacto no processo criativo em todas as suas etapas. A partir de uma revisão bibliográfica, apresenta-se o modelo de produção analógico em animação, permitindo-se conjecturar a respeito do ambiente sócio-cultural que propiciou o surgimento dos estúdios de animação que imprimiram sua marca na história da publicidade brasileira. Dentro de uma perspectiva de pesquisa qualitativa fundamentada na história oral, procura-se, por meio de entrevistas com os produtores, compreender o trajeto da realização de um filme de animação, tanto da era analógica como da era digital. Buscou-se, com a coleta de depoimentos, criar evidências para a pesquisa, esperando contribuir assim para o resgate histórico de um momento muito fértil em nossa animação, e de um segmento audiovisual tradicionalmente pouco contemplado nas discussões acadêmicas. Como resultado, obteve-se uma reflexão sobre a evolução do processo criativo, que se mostrou dar-se não apenas em função da tecnologia, mas também em função de um conjunto de elementos sócio-econômico-culturais que influenciam na fruição através dos tempos e determinam diretrizes de produtividade para o audiovisual / This study aims to research how animation advertising companies have gradually absorbed digital technology in São Paulo from the mid-1980s until the 1990s. By observing their functioning before, during and after the effective implementation of new resources, and, by this investigative approach, the study identifies the facts and data which point toward the impact on the creative process at all its stages. In the review of literature, the analog production model of animation is presented, which allows for conjecturing as to what socialcultural environment has enabled the emergence of animation studios which have left their mark in the history of Brazilian advertising. From a qualitative research perspective grounded on Oral History, it used interviews with producers, to document and gain a clearer understanding of the making of an animation film, in both in the analog as well as in the digital era. By the collecting accounts, research evidence hopes to contribute to a historical review of a particularly fertile moment in the history of Brazilian animation. As well this study documents an audiovisual segment that traditionally is not addressed in academic discussions. As a result, a reflection of the development of the creative process was obtained, not only because of technology used but also by virtue of a set of social-economic-cultural elements which have influenced the fruition throughout times and determined productivity guidelines for the audiovisual.

Esta dissertação tece uma reflexão sobre dois filmes brasileiros ligados a movimentos sociais em audiovisual: o filme Cinco vezes favela (1962) produzido pelo Centro Popular de Cultura da União Nacional dos Estudantes (CPC da UNE) e o filme 5x favela, agora por nós mesmos (2010) realizado pela produtora Luz Mágica em parceria com cinco ONGs/OSCIPs atuantes nas favelas cariocas (Cidadela, Cufa, AfroReggae, Observatório de Favelas e Nós do Morro). O trabalho tem como objetivo estudar como os dois filmes constroem, em suas historicidades próprias, uma reflexão estética e política sobre o país e o mundo, partindo das questões das favelas e da cultura popular. / This work is a reflection on two brazilian films related to social movements of cinema: the film Cinco vezes favela (1962) produced by the Centro Popular de Cultura da União Nacional dos Estudantes (CPC-UNE) and the film 5x favela, agora por nós mesmos (2010) conducted by producer Luz Mágica in partnership with five ONGs/OSCIPs working in Rio\'s slums (Cidadela, Cufa, AfroReggae, Observatório de Favelas and Nós do Morro). The work aims to study how those films make an aesthetic and political reflection about the country and the world, considering the issues of slums and popular culture.

O presente trabalho tem por objetivo estudar a trajetória de Gustavo Dahl com ênfase nos anos de 1960 e 1970, quando atuou, em diferentes medidas, como cineasta, crítico e teórico de cinema e gestor da Embrafilme (Empresa Brasileira de Filmes S/A). Levando em conta o turbulento contexto histórico estudado, que abarca os anos que precedem até mais da metade do que se configurou como o Regime Militar, buscamos delinear como suas ideias e textos escritos ao longo do recorte estudado se configuraram na prática quando era responsável pela área de distribuição da companhia estatal Embrafilme, levando em consideração sua concepção de mercado e suas influências, tanto no campo cinematográfico quanto nas esferas de poder. / This study aims to analyse the life of Gustavo Dahl focusing in the 1960s and 1970s when he acted as a filmmaker, film critic and manager of Embrafilme (Empresa Brasileira de Filmes S/A). Taking into consideration the turbulent historical context ranging from the year before and during the military rule in Brazil, we try to understand how his ideas and articles written throughout the years in questions were put into practice when he was responsible for the distribution of films at the state company also taking into consideration his conception of market and his influences in the cinema fields and also in the high levels of power.

Made available in DSpace on 2016-04-26T20:26:34Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Matheus Barbosa Emerito.pdf: 1957395 bytes, checksum: 704149e6769bf3605043f989475dad90 (MD5) Previous issue date: 2008-03-28 / Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico / This study has as its purpose the examination of a specific mode of representation: the fake documentary at its supports - television and cinema. Among hypothesis adopted, fake documentary has been analyzed as convention anti-normative in the face of its fiction predominance in a non-fiction body (discursive code) and its capacity to incorporate the documentary aspect of faith. Its creation agenda tends to deconstruct its significant, but in the other hand, can celebrate it by making parody. For all that matter, we pretend to assess and conceptualize documentary as a cinema genre to support the fake documentary definitions. Works of theorists as Bill Nichols were analyzed. Nichols made serious contributions to institute documentary as genre by texts which discuss since the cinema beginning to the emergence of documentary peculiar format structures. Fake documentary definitions were assessed having in its bases the study of Jane Roscoe and Craig Hight, who considered fake documentary as a fiction which works as non-fiction. However, it is necessary to inspect the documentary practices at television in order to adapt it into the concept. In this way, a disposition based on Arlindo Machado suggestion of television genre categories was organized: forms based on dialog; narrative in series; television news; live transmission. As for purpose to classify fake documentary, we discussed the possibility to divide it into two categories: parody and hoax. Studies of Linda Hutcheon defend that parody can only perform its function when recognized as something distinct from original. In opposite, hoax takes place as a parody not interpreted. This research had as its corpus: cinema movies which attend as fake documentaries. Specifically, the british movie called The War Game (Peter Watkins, 1965) was analyzed with more profundity aiming to verify the hypothesis adopted / Este trabalho tem como propósito estudar um específico modo de representação: o falso documentário no suporte televisivo e no cinema. Dentre as hipóteses adotadas, o falso documentário é analisado como convenção anti-normativa , ao predominar a ficção no corpo (código discursivo) de não-ficção e, assim, incorporar a qualidade de crédito da linguagem documental. Seu processo de criação tende, por um lado, a desconstruir seu significante, mas, por outro, o celebra através da paródia. Para tanto, pretendeu-se verificar e conceituar o documentário como gênero cinematográfico para amparar as definições do falso documentário. Foram analisadas obras, como a do teórico Bill Nichols, que institucionalizam o gênero através de textos que abordam desde a origem do cinema e do próprio gênero, até o surgimento de estruturas peculiares ao formato documental. Procurou-se definir o falso documentário tendo como base o estudo de Jane Roscoe e Craig Hight, que caracterizam o falso documentário como obra ficcional que gesta a não-ficção. Porém, fez-se necessário examinar a prática do falso documentário na televisão para adequá-lo suficientemente ao conceito. Dessa forma, organiza-se uma disposição formada basicamente de acordo com a proposta de Arlindo Machado para os gêneros televisivos: formas fundadas no diálogo; a narrativa seriada; o telejornal; as transmissões ao vivo. Quanto ao propósito de classificar o falso documentário, levantamos a possibilidade de dividi-lo em duas categorias: a paródia e o trote. Partimos dos estudos das formas de arte de Linda Hutcheon, autora para quem a paródia somente desempenha o seu papel se for igualmente reconhecida como algo distinto do referente original. Opostamente, o trote ocupa o lugar deixado pela paródia não interpretada. A pesquisa teve como corpus : obras cinematográficas que atendem às características do falso documentário, em especial, o filme The War Game (Peter Watkins,1965), analisado com mais profundidade para a verificação das hipóteses propostas

Este é um estudo sobre os escritos do cineasta Dziga Viértov e sobre a publicação desses documentos na União Soviética e, posteriormente, na Rússia. Na primeira parte deste trabalho, é analisado o primeiro momento de resgate da obra de Viértov na então URSS pouco após o falecimento do cineasta, em 1954. Relacionando esse processo ao contexto mais amplo do chamado Degelo e analisando o período que vai de 1957 a 1967, vemos como o redescobrimento dos filmes de Viértov correu em paralelo com o redescobrimento de sua obra escrita, através da publicação de seus artigos, diários e roteiros inéditos inicialmente em revistas e jornais, depois na primeira coletânea desses escritos a ser publicada na URSS, Statí. Dnevnikí. Zámisli (Artigos. Diários. Projetos), organizada por Serguei Drobachenko. Lançada em 1966 e fonte comum de todas as principais traduções de textos de Viértov hoje disponíveis em diversos idiomas, esta coletânea é aqui analisada criticamente: partindo de comentários de pesquisadores como Liév Rochál, Aleksandr Deriábin, John MacKay e Dária Krujkôva a respeito de imprecisões na reprodução dos textos no volume, sobretudo em relação a cortes realizados por motivos políticos, foi realizado para este trabalho um cotejo de todos os documentos incluídos em Statí. Dnevnikí. Zámisli com as versões desses mesmos materiais na recente edição Iz Nasliêdia da obra escrita de Viértov, publicada na Rússia em dois volumes (2004, 2008). A íntegra desse cotejo é apresentada como a Parte IV deste trabalho; na Parte I, a partir de exemplos concretos de artigos que foram modificados, são propostas e analisadas as características gerais dos cortes e reescrituras deliberadas realizadas pelo editor do volume, sendo ressaltados os limites - estéticos e políticos - deste primeiro momento de recuperação da obra do cineasta na então URSS. Na Parte II, partimos de diversos materiais incluídos na recente edição Iz Nasliêdia (em grande parte, até então inéditos) e também de documentos preservados no fundo de Viértov no RGALI, em Moscou, e no Österreichiche Filmmusem, em Viena, para estudar a \"última fase\" da carreira de Viértov, de 1938 a 1954, anos durante os quais o cineasta realiza poucos filmes, mas desenvolve mais de trinta projetos que acabaram não sendo realizados. Destacamos suas tentativas de realizar filmes infanto-juvenis, suas experiências durante a Segunda Guerra Mundial, seus projetos de retratos de pessoas comuns, seus textos autoreflexivos da década de 1940 e os últimos artigos que escreve a partir de sua experiência no cinejornal Nôvosti Dniá, onde trabalhou de 1944 até sua morte em 1954. Na Parte III desta dissertação, são apresentadas traduções feitas a partir dos originais em russo (publicados em Iz Nasliêdia e preservados no RGALI e no Österreichiche Filmmusem) de catorze textos do cineasta comentados ao longo das partes I e II. / This is a work about the writings of Soviet filmmaker Dziga Vertov and their publication in Soviet Union and, more recently, in Russia. In its first part, we analyze the first wave of Vertov\'s posthumous recognition in the USSR after his death in 1954. Relating this process to the broader context of the so-called period of the Thaw and focusing on the time frame of 1957 to 1967, we discuss how the rediscovery of Vertov\'s films was accompanied by a rediscovery of his writings, through the publication of many previously unpublished articles, diaries and scripts initially in various film journals and newspapers and, in 1966, in the first collected edition of these materials to be published in the Soviet Union: Stat\'i. Dnevniki. Zamysly, organized by Sergei Drobashenko. As the main source for all of the most important translations of Vertov\'s writings to languages such as German, French and English, this edition is critically analyzed here: departing from commentaries by researchers such as Lev Roshal\', Aleksandr Deryabin, John MacKay and Daria Kruzhkova about the many imprecisions existent in the reproduction of Vertov\'s texts in this 1966 edition - such as the omission of certain paragraphs and sentences due to their political content -, a thorough comparative analysis was made for this work between all the texts included in Stat\'i. Dnevniki. Zamysly and the reproduction of these same materials in the recent Russian two-volume edition of Vertov\'s writings, Iz Nasledya (2004, 2008). The full text of this comparison is presented as Part IV of this work; in Part I, the general characteristics of these cuts and deliberate rewritings of certain passages within the texts, made by the volume\'s editor, are discussed on the basis of some concrete examples of documents that were considerably altered. By means of this analysis, we also discuss the aesthetical and political limits of this first wave of posthumous interest in Vertov in the USSR. In Part II, we depart from various materials included in the recent Iz Nasledya edition (many of which were previously unpublished) and also from documents preserved in Vertov\'s fund in the RGALI, in Moscow, and in the Dziga Vertov Collection of the Österreichische FIlmmuseum, in Vienna, to study the \"later period\" of Vertov\'s career, from 1938 to 1954, years during which he was able to make only a few films, but developed over 30 projects that remained unrealized. We discuss his unrealized projects for children\'s films, his experiences during the Second World War, his projects for portraits of ordinary people, his reflexive autobiographical texts of the 1940s and the last articles he wrote on the basis of his experience in the Novosti Dnia newsreel, which occupied Vertov from 1944 until his death in 1954. In Part III, we present translations to Portuguese from the Russian originals (published in the Iz Nasledya edition and preserved in the RGALI and in the Österreichische Filmmuseum) of fourteen of the filmmaker\'s texts commented in parts I and II of this work.

Esta tese aborda a circulação no Brasil de versões em espanhol produzidas por estúdios de Hollywood nos primeiros anos do cinema sonoro. Procuramos identificar nestes filmes algumas representações que os produtores norte-americanos vincularam à identidade latina. Temos o Rio de Janeiro e São Paulo como recorte geográfico, a partir da pesquisa histórica de recepção nas revistas Cinearte e A Scena Muda e nos jornais Correio da Manhã e O Estado de São Paulo. Entre 1930 e 1935, esses periódicos mencionaram uma série de produções hollywoodianas em língua espanhola, que nossas revistas consideraram inferiores aos filmes originais em inglês devido à barreira da língua e aos padrões de qualidade cinematográficos estabelecidos. Visamos demonstrar como a recepção das versões pela imprensa carioca e paulistana marcou o distanciamento que alguns grupos de nossa elite cultural projetavam em relação à América Latina, bem como um espelhamento nos Estados Unidos, afirmando uma relação imperialista pela via da cultura. / This dissertation approaches the circulation in Brazil of the Spanish-language versions produced by Hollywood Studios in the early years of sound cinema and aim to identify in these films some representations of Latinidad made by American producers. The cities of Rio de Janeiro and Sao Paulo constitute the geographic approach. The magazines Cinearte and A Scena Muda, and the newspapers Correio da Manhã and O Estado de São Paulo were the main reference for the historical research. Between 1930 and 1935 these journals mentioned some Hollywood Spanish-language productions, which Brazillian magazines considered worse than the original English-language films because of the language barrier and the established film quality standards. This work aims to demonstrate how the reception of the Spanish-language versions by the Brazilian press marked the distancing that some groups of Brazil´s cultural elite projected towards Latin America, as well as a mirroring in the United States. It marks an imperialist relation through culture.

Neste trabalho analisamos a história do Instituto Cubano del Arte e Indústria Cinematográficos, primeiro organismo cultural criado após a Revolução cubana, e seu papel na política cultural, entre 1959 e 1991. Por meio da análise de documentos da política cultural, da revista Cine Cubano, além de depoimentos, críticas e alguns filmes que repercutiram especialmente os dilemas e questionamentos dos intelectuais cubanos, abordamos as tensões entre a política cultural oficial, o ICAIC e os projetos dos cineastas. Esse Instituto, pelo qual circularam muitos cineastas latino-americanos e europeus, foi palco de debates, disputas políticas e diversas polêmicas envolvendo filmes e tendências estéticas, como o realismo socialista e a nouvelle vague. Nossa tese é de que o ICAIC, pode ser considerado uma instituição privilegiada no meio cultural cubano, pois consolidou uma autonomia relativa em relação aos mecanismos de controle governamentais, por meio da ação dos cineastas e da mediação da direção do Instituto. Esta autonomia foi abalada, em diversos momentos, em função de fatores como a reestruturação do Estado, os fracassos econômicos e o acirramento do autoritarismo em Cuba, principalmente a partir dos anos 70. Ainda assim, o Instituto se readaptou às demandas políticas governamentais num jogo político de adesão e resistência à política cultural oficial, que tornou possível a produção de vários filmes ambíguos e críticos ao regime, ao longo desse período. / This work analyzes the history of the Cuban Institute for Art and Film Production (ICAIC) ? the first cultural organization created after the Cuban Revolution ? and its role in cultural policy between 1959 and 1991. Through the analysis of documents on cultural policy, the magazine Cine Cubano, in addition to testimonies, critiques and a set of films specifically relevant to the issues and dilemmas of Cuban intellectuals, the thesis delves into the tensions between official cultural policy, the ICAIC, and film makers? projects. Various Latin American and European film makers were involved with the institute, and it served as a forum for debate, political discussions and varied polemics related to film and aesthetic tendencies, including Socialist Realism and New Wave. The thesis proposes that ICAIC constituted a privileged institution in the Cuban cultural environment because ? through the action of film makers and the mediation of the Institute?s leadership ? it attained relative autonomy with respect to mechanisms of government control. This autonomy was unsettled, at different points, by factors such as state restructuring, economic failure and the entrenchment of authoritarianism in Cuba, especially from the 1970s onward. Still, the institute adapted to the demands of government policy through a political dynamic that alternated adhesion and resistance to official cultural policy, making possible the production of various films that were ambiguous and critical of the regime during that period.

Made available in DSpace on 2016-04-28T20:40:16Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Jane Martins.pdf: 1104290 bytes, checksum: 2db2c9cf2d70b10e3e7050a7c98a45c6 (MD5) Previous issue date: 2010-05-26 / Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico / This paper investigates theoretical psychoanalytic constructs in Freud and Lacan, and critic successors who refer to femininity constitution, women relationship with the constitution of human subjectivity and to destiny of subjectivity articulated to some possible effects on the practice of Women representation in cinema. Initially, there is a discussion on the relationship between language and psychoanalysis, considering the former is included in all analytical processes, from theoretical constructs to techniques. Following, it shows what Freud says hysterical language is and Lacan, hysterical discourse, taking as reference literatures that are dedicated to clarify the term. Next chapter describes how clinical structures, in particular, the hysterical neurosis, are related to symbolic registration and castration. And finally, femininity is considered as a possible inheritance of hysteria, refocuses on issues relating to castration, to phallus, its unique relationship with speech and even to the unrepresentative. The discussing of exposed concepts follows by analyzing two films: The girl with a Pearl Earring and The hours. These are films that enable a questioning of feminine position representation and psychic matted involved, by cinema, also engaged in setting up and the removal of meanings in our culture / Este trabalho investiga construções teórico-psicanalíticas em Freud e Lacan, e sucessores críticos, os quais se referem à constituição da feminilidade, à sua articulação com a constituição da subjetividade humana e aos destinos da subjetividade articulados a alguns possíveis efeitos sobre a prática de representação do feminino pela arte cinematográfica. Inicialmente, é feita uma discussão sobre as relações entre linguagem e psicanálise, levando-se em consideração que a primeira está incluída em todos os processos analíticos, das construções teóricas à técnicas. A seguir, mostra-se o que Freud chama de linguagem histérica, e Lacan, discurso histérico, tomando-se como referência obras que se dedicam ao esclarecimento do termo. No capítulo seguinte, é descrito como as estruturas clínicas, em especial, as neuroses histéricas, estão em relação ao registro simbólico e à castração. E, finalmente, a feminilidade é abordada como uma possível herança da histeria, ressituada com as questões atinentes à castração, ao falo, à sua singular relação com os discursos e, mesmo, o irrepresentável. Segue-se a interlocução dos conceitos expostos com a análise de duas obras: A moça com brinco de pérola e As horas. Trata-se de obras que permitem um questionamento sobre a representação da posição feminina e o emaranhado psíquico aí implicado, a partir da arte cinematográfica, também empenhada na constituição e destituição de sentidos em nossa cultura

Made available in DSpace on 2015-04-14T14:41:07Z (GMT). No. of bitstreams: 1 422672.pdf: 11458708 bytes, checksum: b4c6e2d6a85c66b0321a83fcae19573e (MD5) Previous issue date: 2010-03-12 / A pesquisa tem por objetivo a an?lise da imagem da viol?ncia urbana no cinema document?rio brasileiro, utilizando como objeto de estudo, um grupo de cinco document?rios, realizados entre 2002 e 2004: ?nibus 174 (Jos? Padilha, 2002), Fala tu (Guilherme Coelho, 2003), O c?rcere e a rua (Liliana Sulzbach, 2004), O prisioneiro da grade de ferro (Paulo Sacramento, 2004) e Justi?a (Maria Augusta Ramos, 2004). O trabalho se concentrar? em longas metragens produzidos no Brasil e que chegaram ao circuito comercial. Trata-se de um recorte espec?fico e representativo de um aspecto da produ??o audiovisual nacional, que se refere ? rela??o do document?rio com a viol?ncia urbana. Neste sentido, ser?o examinadas as quest?es da representa??o e da impress?o de realidade proporcionadas pelas imagens cinematogr?ficas, servindo como suporte para o estudo das obras. Na an?lise dos cinco document?rios, se objetiva o exame das particularidades da viol?ncia, buscando compreender a rela??o dos elementos culturais e cinematogr?ficos que conduzem ? constitui??o de um imagin?rio. Partindo desta constata??o, ser?o esbo?adas duas no??es que contribuir?o para este estudo, que s?o o espa?o urbano e a alteridade. O m?todo utilizado ser? a an?lise tem?tica proposta por Francesco Casetti.

Made available in DSpace on 2015-04-14T14:41:25Z (GMT). No. of bitstreams: 1 430699.pdf: 3582415 bytes, checksum: 6770bae811c5466b80825ef1487db5aa (MD5) Previous issue date: 2011-03-16 / O presente estudo tem como objetivo identificar os principais marcos tecnol?gicos do cinema e suas implica??es nos processos cinematogr?ficos contempor?neos. O trabalho aborda as atividades de produ??o, distribui??o e exibi??o de filmes, para entender como a substitui??o da tecnologia vem transformando cada setor, estes em fase de adapta??es para o chamado cinema digital. O projeto busca analisar o que ocorre com as principais atividades cinematogr?ficas, verificando como o cinema contempor?neo vem sofrendo a a??o direta ou indireta desses processos de transforma??o. O cinema vive um processo de transi??o, e este estudo pretende analisar como as tecnologias digitais est?o alterando o paradigma do suporte f?lmico, transformando o cinema em um hibridismo de tecnologias anal?gicas e digitais