Submitted by RAFAEL MARCURIO DA COL null (rafaeldacol@hotmail.com) on 2018-03-16T05:25:41Z No. of bitstreams: 1 Dissertação DEFESA - 2018 Rafael impressão.pdf: 2683132 bytes, checksum: 31cd1de3820ba190485148d369c9bf84 (MD5) / Approved for entry into archive by Milena Maria Rodrigues null (milena@fclar.unesp.br) on 2018-03-16T12:03:15Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Dissertação DEFESA - 2018 Rafael impressão.pdf: 2683132 bytes, checksum: 31cd1de3820ba190485148d369c9bf84 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-03-16T12:03:15Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Dissertação DEFESA - 2018 Rafael impressão.pdf: 2683132 bytes, checksum: 31cd1de3820ba190485148d369c9bf84 (MD5) Previous issue date: 2018-01-23 / Este trabalho tem o objetivo geral de analisar procedimentos discursivos que criam subjetivações de personagens homossexuais no cinema brasileiro, verificando a emergência dessa identidade a partir dos anos 1980. Esse objetivo nos leva também a investigar as condições de possibilidade que permitiram transformações da representação do homossexual que abrangem desde um momento em que era silenciado até a sua visibilidade no contemporâneo. Nosso corpus de análise foi constituído a partir do critério de momentos de ruptura que fizeram emergir distintas representações do homossexual, em quatro (4) filmes, que são: O Beijo no Asfalto (1980), Carandiru (2003), Madame Satã (2001) e Hoje Eu Quero Voltar Sozinho (2014). Sob a luz da Análise do Discurso derivada dos estudos de Michel Foucault, pretendemos analisar as práticas discursivas, numa perspectiva arqueogenealógica, a fim de perceber as relações de poder na historicidade desses enunciados. Também são importantes trabalhos de pesquisadores brasileiros sobre discursividade e cinema como os de Milanez (2014) e Xavier (2003; 2008). Com esses pressupostos teóricos, analisaremos a interdiscursividade das imagens que evidencia transformações da identidade do homossexual, delineando um movimento que vai das margens da sociedade para o seu centro, da falta ao excesso, em consonância com mutações políticas e sociais que ensejaram o aparecimento de novas discursividades. Assim, verificamos a normalização da identidade homossexual para que seja possível constituir um filme no cenário nacional, seguindo os padrões sociais de virilidade e deixando o homossexual afeminado nas denominadas heterotopias de desvio como a prisão e o bordel. Em suma, o homossexual passa do apagamento para uma hipervisibilidade das relações homoafetivas dentro do cinema nacional a partir dos anos 2000. No entanto, é possível verificar diversas articulações do dispositivo fílmico nacional que restringe e censura o que ainda pode emergir sobre essa subjetividade no cinema nacional que por um lado humaniza a relação homoafetiva, mas que por outro a normatiza e revela um ideal que deve ser seguido para que exista a possibilidade de emergência dentro da sociedade brasileira.

Rubim, Linda Silva Oliveira ver Rubim, Lindinalva Silva Oliveira / Submitted by Rangel Sousa Jamile Kelly (jamile.kelly@ufba.br) on 2012-06-27T19:58:54Z No. of bitstreams: 1 Dissertação Final.pdf: 927235 bytes, checksum: b28c1a3cd941c8a684f103f06beaadb3 (MD5) / Made available in DSpace on 2012-06-27T19:58:54Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Dissertação Final.pdf: 927235 bytes, checksum: b28c1a3cd941c8a684f103f06beaadb3 (MD5) / FAPESB / O cinema brasileiro é admirador do movimento do cangaço a décadas. Muitas são as narrativas em que este tema e seus personagens são centrais. A maioria dos filmes traz os homens como protagonistas destes filmes, o que não significa que não aja espaço para as mulheres. O presente estudo buscou mostrar como os filmes Corisco e Dadá (1996) e Baile Perfumado (1997) fogem à regra desta representação do cangaço como um movimento de participação exclusiva de homens. Mais do que isso, estas películas oferecem enredos sobre as relações de gênero presentes nestes filmes. O objetivo desta pesquisa foi perceber como são construídas estas representações das relações de gênero entre Corisco e Dadá; Lampião e Maria Bonita nas referidas obras. As análises mostraram que existem quebras nos padrões patriarcais e machistas vivenciadas no contexto da época destas histórias, décadas de 1920 e 1930, em produções realizadas na década em 1990, no chamado “Cinema da Retomada”. Além disso, buscou-se avaliar como as identidades destes personagens foram construídas nos filmes. Para tanto, este estudo lançou mão dos estudos feministas, embasado principalmente nas discussões sobre patriarcado e gênero; e da teoria das representações sociais. Assim, foi possível concluir que o cinema nacional é uma ferramenta de diminuição das tensões referentes aos papéis e relações de gênero, possibilitando a aparição de outras linhas de representações e construções de identidades dos seus personagens. Nas películas que serviram de corpus deste estudo, vemos os cangaceiros e cangaceiras também como homens e mulheres, constituídos de sentimentos como afeto, amizade, companheirismo. Podemos enxergar estas personalidades sem as armaduras de guerreiros, visualizar os seres humanos por debaixo dos bornais e armas. / Salvador

MEDEIROS, Christiane Quaresma, também é conhecida em citações bibliográficas por: QUARESMA, Christiane / Submitted by Pedro Barros (pedro.silvabarros@ufpe.br) on 2018-08-15T20:27:15Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 811 bytes, checksum: e39d27027a6cc9cb039ad269a5db8e34 (MD5) DISSERTAÇÃO Chistiane Quaresma Medeiros.pdf: 10078218 bytes, checksum: 3ef5e340a07d2137f0b8a389aee4f047 (MD5) / Approved for entry into archive by Alice Araujo (alice.caraujo@ufpe.br) on 2018-08-17T21:35:37Z (GMT) No. of bitstreams: 2 license_rdf: 811 bytes, checksum: e39d27027a6cc9cb039ad269a5db8e34 (MD5) DISSERTAÇÃO Chistiane Quaresma Medeiros.pdf: 10078218 bytes, checksum: 3ef5e340a07d2137f0b8a389aee4f047 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-08-17T21:35:37Z (GMT). No. of bitstreams: 2 license_rdf: 811 bytes, checksum: e39d27027a6cc9cb039ad269a5db8e34 (MD5) DISSERTAÇÃO Chistiane Quaresma Medeiros.pdf: 10078218 bytes, checksum: 3ef5e340a07d2137f0b8a389aee4f047 (MD5) Previous issue date: 2016-07-29 / FACEPE / O ponto de partida da presente pesquisa foram as carências acadêmicas que o objeto de estudo trabalhado implica, ao combinar os atributos "animação", "super 8" e "experimental". Tratam-se de três instâncias cinematográficas que até os dias atuais ainda carecem de procedimentos historiográficos apropriados (em termos de mapeamento, restauração, catalogação e inserção na narrativa histórica do cinema nacional), bem como aprofundamentos teóricos que busquem visualizá-las segundo parâmetros analíticos concernentes a seus imperativos processuais, técnicos, estéticos e ideológicos. Com base nisso, o projeto possuiu três fases, a saben mapeamento, pesquisa de campo e análise. A última se deu a partir de um corpus que buscou evidenciar os trabalhos pintados diretamente sobre a película, técnica conhecida como "animação direta" e caracterizada pelo uso da película como tela. A discussão teve o processo animado como vetor, e a análise teve como foco os processos de destenitorialização (Deleuze) que tal conduta processual impõe ao sujeito criador, bem como ao dispositivo técnico do cinema. Observou-se também como o super 8 potencializa esta relação com o maquinário a partir de suas especificidades tanto técnicas, como também ideológicas, tendo por base o pensamento sobre o cinema que foi arquitetado em torno desta bitola no Brasil das décadas de 1970 e 1980. Os principais nortes teóricos incluem a noção de campo de Bourdieu, a fim de posicionar tais obras dentro de um contexto que permita aventar o esquema de valores e legitimidade que se colocam a partir destes filmes com a devida complexidade, evitando reduzir tais questões segundo categorias de oposição pré-estabelecidas. Recorre-se, ainda, a noção de destenitorialização de Deleuze, com o intuito de enriquecer o olhar sobre estes efeitos de reconfiguração que tais obras promovem, transversalmente, ao sujeito da criação, ao maquinário do cinema, bem como aos procedimentos artísticos que agregam em seu processo. / The start up of this research was the academic scarcity on the subject of this study, that combines attributes such as: "animation", "Super 8" and "experimental". These three cinematography instances still lack proper historiographical procedures (in terms of mapping, restoration, cataloging and inclusion in the historical narrative of national cinema) as well as theoretical insights that seek to visualise them through analytical parameters that concerns their procedural, technical, aesthetic and ideological imperatives. Based on that, this project had three phases: mapping, field research and analysis. The analysis stage used a group of films that were painted directly on to the strip film, a technique known as cameraless animation and characterized by the use of film as a canvas. The discussion used the animated process as a vector, and the analysis focused on the detenitorialization processes (Deleuze) that such procedural conduct imposes to the creative individual, as well as to the cinematographic device. It was also observed how the super 8 strip film enhances this relationship with the machinery from its specificities, both technical and ideological, based on the idea constructed around this equipment in Brazil, in the 1970s and 1980s. The main theoretical guides include Bourdieug Field Theory, in order to position those works within a context that would allow to express the scheme of values and legitimacy that arise from these films with condign complexity, avoiding to reduce such issues according to pre-established categories of opposition. The DeleuzeN detenitorialization concept is used in order to enrich the understanding of the reconfiguration effects promoted by those films, transversely to the creative individual, to the cinematographic machinery, and to the artistic procedures that are added to the process.

Orientador: Marcelo Bulhões / Banca: Rogério Ferraraz / Banca: Arlindo Rebechi Junior / Resumo: A adaptação cinematográfica passou a ser, há décadas, um dos expedientes mais vantajosos e lucrativos da indústria do cinema. E tal fenômeno não é recente. Filmes "inspirados" em obras literárias acompanham toda a história do cinema. Há muito, um gênero específico - que mais tarde seria chamado de noir - despontava como uma fonte para adaptações a partir de contos e romances publicados em livros ou revistas populares. O noir cinematográfico, gênero cujo apogeu se deu no início da década de 40 até o final dos anos 50, tendo sua "origem" nas letras, hoje espraia-se em produções nos dois meios, a literatura e o cinema, mostrando-se em uma relação simbiótica, recíproca de inflexões. Tal fenômeno como o noir não aconteceu somente nos Estados Unidos, ou melhor, trata-se de algo transnacional. No Brasil, algumas obras de ficção noir também expressaram uma permanente relação entre cinema e literatura, como nas obras de Rubem Fonseca. Este trabalho tem como objetivo fazer uma análise estilística do filme Bellini e a Esfinge, adaptação literária do romance homônimo de Tony Bellotto, cotejando-o com filmes clássicos do gênero noir. Busca-se, ainda, situar o filme, dirigido por Santucci em um "caso" em que a relação com a "matriz" norte-americana absorve e se associa a outros vieses audiovisuais, o que nos convida a alargar a dimensão do olhar para a questão da adaptação. Como base teórica recorremos ao problema da intertextualidade, em autores como Mikhail Bakhtin, Júlia Kristeva e I... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo) / The film adaptations has become, for decades one of the most advantageous and porfitable expedients of the cinema industry. And this isn't a new phenomenon. "Inspired" movies in literacy works to be the entire history of cinema. A specific genre - called noir - emerged as a source for adaptation from novels and short stories published in popular books or magazines. The noir genre whose heyday occurred in the early 40s to the late 50s, with its "origin" in the lyrics, now spreads into production in two different media, literature and cinema, showing up in a symbiotic relationship and mutual inflections. The noir phenomenon is not only happened in the United States of America, it is transnational phenomenon. In Brazil, for example, some noir fiction also expressed and ongoing relationship between cinema and literature, as with Rubem Fonseca literacy works. This research aims to make a stylist analysis of the film "Bellini and the Sphynx", literary adaptation of the novel by Tony Belloto, comparing it with classic film noir genre. Is souch also situate the film, directed by Santucciem a "case" in which the relationship with the "matrix" American absorbs and is associated with other audiovisual biases, which invites us to expand to see the size issues of adaptations. As a theoretical basis appealed to the problem of intertextuality in authors such as Mikhail Bakhtin Julia Kristeva and Ingedore Koch. For film analysis, the theoretical basis turn imporant to study David Bordwel and Jaques Amont and others / Mestre

Este estudo se propõe a investigar o processo social brasileiro recente, em diferentes dimensões, a partir da seleção e análise de alguns filmes nacionais produzidos a partir dos anos 2000. Levando-se em conta as transformações da conjuntura nacional durante o que se convencionou chamar de era Lula, a opção pela crítica de cinema com base materialista é uma tentativa de captar algumas dessas movimentações e, além disso, dar continuidade à tradição de investigação dos sentidos de nossa produção cinematográfica consolidada após sua fase de Retomada. Vistos em conjunto, os filmes não apenas permitem a visualização, em panorama geral, da situação de boa parte das classes sociais no Brasil, como também são capazes de figurar algumas projeções do imaginário nacional. Do ponto de vista estritamente estético, a configuração formal dos gêneros cinematográficos, reconhecida em perspectiva histórica, será confrontada com o estilo de cada uma das obras, garantindo assim a reflexão acerca das imbricações entre a lógica da obra de arte e a lógica da sociedade. / This study aims at investigating the recent Brazilian social process, in its different dimensions, from a selection and analyses of some Brazilian movies released after the year 2000. Taking into account the transformations of Brazilian context in the period commonly called Lulas era, the option of movie criticism, from a materialistic perspective, is an attempt to capture some of its movements and, in addition, to continue the scholarly tradition on the meanings of our film industry that has been strengthened since the age of its Renewal. Taken as a whole, the movies not only allow a view, a general panorama, of the conditions of social classes in Brazil, but they are also capable of illustrating part of national imaginary projections. From a strictly aesthetic point of view, the formal arrangement of cinematographic genres, recognized in a historical perspective, will be set against the style of each work analyzed individually, thus assuring a reflection on the interconnection between the logic of the work of art and the logic of society.

FundaÃÃo Cearense de Apoio ao Desenvolvimento Cientifico e TecnolÃgico / A personagem Iracema, do romance indigenista de Josà de Alencar foi concebida para tornar-se a mÃe mÃtica do Brasil. Pouco mais de cem anos depois, Carlos Coimbra adapta canonicamente para o cinema a bela e corajosa Ãndia em Iracema, a virgem dos lÃbios de mel (1979). Todavia, cinco anos antes, Jorge Bodanzky e Orlando Senna haviam concebido em Iracema, uma transa amazÃnica (1974) uma Iracema mundana, com traÃos que a virgem dos lÃbios de mel jamais poderia ter, jà que foi criada para estar prÃxima ao divino e à castidade. Este trabalho aproxima esses filmes a partir da recriaÃÃo de suas Iracemas e do projeto de fundaÃÃo alencarino do Brasil. Levantamos uma discussÃo teÃrica acerca da adaptaÃÃo cinematogrÃfica e determinados aspectos que a ela se relacionam, como os conceitos de traduÃÃo e transcriaÃÃo, o paradigma da fidelidade, o luto na traduÃÃo e a questÃo da autoria. Investigamos a caracterizaÃÃo da Iracema de Alencar a partir de seus traÃos de heroÃna mÃtica e estabelecemos alguns paralelos entre caracterÃsticas das heroÃnas clÃssicas Pocahontas, cuja biografia ganhou contornos de mito; Atala, personagem do romance de FranÃois-Renà de Chateaubriand; e Dido, Camila e LavÃnia, trÃs personagens da epopeia romana âEneidaâ, de PÃblio VirgÃlio Maro. TraÃamos, entÃo, os perfis da Iracema de Coimbra e da Iracema de Bodanzky e Senna a partir de algumas tÃcnicas de anÃlise fÃlmica, como estudo de planos e sequÃncias e anÃlise do filme como narrativa. Aproximamos as personagens a partir de seus contrapontos e elaboramos uma reflexÃo sobre um traÃo identificado em ambas: o processo de erotizaÃÃo. Da bibliografia que norteou a elaboraÃÃo deste trabalho podemos destacar os estudos de Linda Hutcheon, Marcel Silva, Julio Plaza, Paul Ricoeur, Jacques Aumont e Laura Mulvey. Encerramos com uma reflexÃo acerca da importÃncia histÃrica das produÃÃes cinematogrÃficas brasileiras e da numerosa quantidade de material de que dispomos para estudos em pesquisas acadÃmicas. / The character Iracema, of the novel of Jose de Alencar was conceived to become the mythical mother of Brazil. A little more than a hundred years later, Carlos Coimbra canonically adapts to the cinema the beautiful and courageous India in Iracema, a virgem dos lÃbios de mel (1979). However, four years earlier, Jorge Bodanzky and Orlando Senna had conceived in Iracema, uma transa amazÃnica (1974) a mundane Iracema, with traits that the virgin of the lips of honey could never have, since she was created to be close to the divine and the chastity. This work approximates these motion pictures from the reinvention of its Iracemas and the foundation project of Alencar. We raise a theoretical discussion about the cinematographic adaptation and certain aspects that relate to it, such as the concepts of translation and transcription, the paradigm of fidelity, bereavement in translation and the question of authorship. We investigated the characterization of Iracema de Alencar from his mythical heroine traits and established some parallels between characteristics of classic heroines, such as Pocahontas, whose biography gained contours of myth; Atala, character of the novel of FranÃois-Renà de Chateaubriand; and Dido, Camilla and Lavinia, three characters from the Roman epic "Aeneid", by Publius Virgilio Maro. We then traced the profiles of Iracema of Coimbra and Iracema of Bodanzky and Senna, from some techniques of film analysis, such as study of plans and sequences and analysis of the film as narrative. We approach the characters from their counterpoints and elaborate a reflection on a trait identified in both: the erotization process. From the bibliography that guided the elaboration of this work we can highlight the studies of Linda Hutcheon, Marcel Silva, Julio Plaza, Paul Ricoeur, Jacques Aumont and Laura Mulvey. We conclude with a reflection on the importance of the history of Brazilian cinematographic productions and the large amount of material we have available for studies in academic research.

Submitted by Pós-Com Pós-Com (pos-com@ufba.br) on 2013-11-01T14:48:42Z No. of bitstreams: 1 Vanessa Kalindra.pdf: 1149798 bytes, checksum: c0a60a5be7fa18975c3a2c09f298cb0c (MD5) / Approved for entry into archive by Alda Lima da Silva (sivalda@ufba.br) on 2013-11-29T18:58:01Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Vanessa Kalindra.pdf: 1149798 bytes, checksum: c0a60a5be7fa18975c3a2c09f298cb0c (MD5) / Made available in DSpace on 2013-11-29T18:58:01Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Vanessa Kalindra.pdf: 1149798 bytes, checksum: c0a60a5be7fa18975c3a2c09f298cb0c (MD5) / CNPQ / A dissertação intitulada O Cinema Nacional Contemporâneo: A Produção de Fernando Meirelles Sob a Perspectiva do Pós-Moderno, apresentada ao Programa de Pós-Graduação em Comunicação e Cultura Contemporâneas da Universidade Federal da Bahia, objetiva estabelecer diálogos entre o contexto da pós-modernidade e a cinematografia contemporânea produzida pelo diretor brasileiro Fernando Meirelles. Utiliza-se, assim, o conceito pós-moderno e suas proposições teórico-culturais como um tipo de poética para realizar as análises do corpus da pesquisa, composto pelos filmes: Domésticas (2001), Cidade de Deus (2002), O Jardineiro Fiel (2005), Ensaio sobre a Cegueira (2008) e 360 (2012). Trata-se, portanto, de investigar o modo de representação e a construção das narrativas dos discursos fílmicos a partir da relação constante entre o contexto onde eles são produzidos e as características imanentes de suas linguagens.

Submitted by NATÁLIA DE OLIVEIRA CONTE DELBONI null (nataliausc@hotmail.com) on 2016-09-21T17:04:23Z No. of bitstreams: 1 merged.pdf: 3394772 bytes, checksum: 98d8ae7ff0a3896e33c9b992a1afd386 (MD5) / Approved for entry into archive by Juliano Benedito Ferreira (julianoferreira@reitoria.unesp.br) on 2016-09-26T20:35:16Z (GMT) No. of bitstreams: 1 conte_n_me_bauru.pdf: 3394772 bytes, checksum: 98d8ae7ff0a3896e33c9b992a1afd386 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-09-26T20:35:16Z (GMT). No. of bitstreams: 1 conte_n_me_bauru.pdf: 3394772 bytes, checksum: 98d8ae7ff0a3896e33c9b992a1afd386 (MD5) Previous issue date: 2016-07-27 / A adaptação cinematográfica passou a ser, há décadas, um dos expedientes mais vantajosos e lucrativos da indústria do cinema. E tal fenômeno não é recente. Filmes “inspirados” em obras literárias acompanham toda a história do cinema. Há muito, um gênero específico - que mais tarde seria chamado de noir - despontava como uma fonte para adaptações a partir de contos e romances publicados em livros ou revistas populares. O noir cinematográfico, gênero cujo apogeu se deu no início da década de 40 até o final dos anos 50, tendo sua “origem” nas letras, hoje espraia-se em produções nos dois meios, a literatura e o cinema, mostrando-se em uma relação simbiótica, recíproca de inflexões. Tal fenômeno como o noir não aconteceu somente nos Estados Unidos, ou melhor, trata-se de algo transnacional. No Brasil, algumas obras de ficção noir também expressaram uma permanente relação entre cinema e literatura, como nas obras de Rubem Fonseca. Este trabalho tem como objetivo fazer uma análise estilística do filme Bellini e a Esfinge, adaptação literária do romance homônimo de Tony Bellotto, cotejando-o com filmes clássicos do gênero noir. Busca-se, ainda, situar o filme, dirigido por Santucci em um “caso” em que a relação com a “matriz” norte-americana absorve e se associa a outros vieses audiovisuais, o que nos convida a alargar a dimensão do olhar para a questão da adaptação. Como base teórica recorremos ao problema da intertextualidade, em autores como Mikhail Bakhtin, Júlia Kristeva e Ingedore Koch. Para a análise fílmica, recorreremos a David Bordwel e Jaques Amont, entre outros. / The film adaptation has become, for decades, one of the most advantageous and profitable expedients of the cinema industry. And this isn't a new phenomenon. "Inspired" movies in literary works to be the entire history of cinema. A specific genre - called noir - emerged as a source for adaptations from novels and short stories published in popular books or magazines. The noir genre whose heyday occurred in the early 40s to the late 50s, with its "origin" in the lyrics, now spreads into production in two different media, literature and cinema, showing up in a symbiotic relationship and mutual inflections. The noir phenomenon is not only happened in the United States of America, it is transnational phenomenon. In Brazil, for example, some noir fiction also expressed an ongoing relationship between cinema and literature, as with Rubem Fonseca literary works. This research aims to make a stylistic analysis of the film "Bellini and the Sphynx", literary adaptation of the novel by Tony Bellotto, comparing it with classic film noir genre. Is souch also situate the film, directed by Santucciem a "case" in which the relationship with the "matrix" American absorbs and is associated with other audiovisual biases, which invites us to expand to see the size issues of adaptations. As a theoretical basis appealed to the problem of intertextuality in authors such as Mikhail Bakhtin, Julia Kristeva and Ingedore Koch. For film analysis, the theoretical basis turn important to study David Bordwel and Jaques Amont and others.

CoordenaÃÃo de AperfeiÃoamento de NÃvel Superior / Esse trabalho estuda as manifestações culturais cosmopolitas na constituição do cinema nacional durante o intervalo de 1960 a 1968. Naquele momento, as demandas promovidas pela crítica cinematográfica, principalmente após a I Convenção nacional da crítica, voltam-se para a necessidade de lançar pontes entre a prática e a inteligência cinematográficas, não raro, em um quadro de conflitos em torno da apropriação dos influxos estrangeiros pelo cinema. O movimento cinema novo surge em meio a esse debate atraindo as atenções da crítica nacional e internacional. De modo simultâneo, uma política estatal mais atuante em relação ao meio transforma o cinema em importante tópico de ação cultural estatal. Desse modo, itinerários de percepção elaborados a partir das críticas dos filmes permitem delinear um cosmopolitismo cinematográfico historicamente situado, fazendo saltar a tessitura dos tempos que tornou possível as imagens dos cineastas Walter Hugo Khouri e Luís Sérgio Person. A partir desse olhar específico, ambos são estudados em suas trajetórias intelectuais e os seus filmes, enquanto práticas de cinema que fazem do engajamento através das fronteiras como características constitutivas de seu próprio fazer. Em filmes como São Paulo sociedade anônima (1965), de Person, e O Corpo ardente (1966), de Khouri, a partir de um entrelaçamento e de uma estrutura temporal idiossincráticas, que revelam sentidos insuspeitos. A indisposição de se filiar a grupos artísticos, a prática de cinema assumidamente individual e os modos singulares de abordar os recursos técnicos e a cultura cinematográfica são algumas da peculiaridades que ressaltamos. Seus itinerários transformam-se, nessa perspectiva, em artefatos imagéticos fundamentais para o estudo da organização das práticas de olhar na cultura visual da época, sendo inseparáveis da diversidade cultural na construção do campo cinematográfico nacional, notável pela sua pluralidade de práticas. / This work aimed to study the cultural cosmopolitan movements in the Brazilian movie industry from 1960 to 1968, which was a period that set forth a field for national cinematography. We firstly performed a historical background showing the cinematographic circles that discussed the intellectual dilemmas in the 1950âs. We next investigated how the demands placed by cinema essayists of the period, mainly after the I Convenção nacional da crítica [1st National Convention on Film Criticism] raised the need of building bridges between the practice and intellectual means of the cinematographic circles. We also investigated the conflicts that sprang from foreign influences on the work of Brazilian filmmakers. The group cinema novo [new cinema] came up parallel to this debate attracting the attention of national and international film analysts. At that same time, Brazilian State and its financial policies focused on the film production that highlighted the cultural importance of this medium. We set forth a cinematographic cosmopolitanism concept specific to that historical background through the layouts of perception that we made taking as depart station the film reviews of that time. In this conceptual frame elaborated from the prior chapters, Walter Hugo Khouri and Luís Sérgio Person were studied through the analysis of their intellectual trajectory and of their films. Both moviemakers made the imaginative engagement across the boundaries as an essential element of their careers. In films as São Paulo sociedade anônima (1965), by Person, and O Corpo Ardente (1966), by Khouri, they expressed dialogues with foreign referentials in an intense way. They dealt with the international style and forms of cinema as a constitutive element of their own practices, intertwining the idiosyncratic time structure to Brazilian culture through their films and cultural practices. Both were reluctant to fit into artistic groups, admitting their works as individual practices of cinema and introducing their unique treatments to technical resources and cinematographic culture. They directed films that make possible routes of perception to the study of visual culture of that time. Their works were inseparable from the cultural diversity in the construction of national cinematographic field, which was remarkable by its plurality of practices.

Made available in DSpace on 2016-04-27T19:30:42Z (GMT). No. of bitstreams: 1 PrecisamosTerUmCinemaNacional.pdf: 2959954 bytes, checksum: 8d34dcb3dc8e732318e7eca665a2a539 (MD5) Previous issue date: 2005-10-19 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / The subject of the present dissertation is the Return of Brazilian national cinema, since the creation of the Audiovisual Bill, in 1993, up to the creation of ANCINE in 2003. Two questions guided this research: do we need to have national cinema? What kind of cinema do we find desirable? Both questions require reflecting over three aspects, which constitute the cinematographic phenomena: the mass culture industry, the Audiovisual policy and the imaginary. The first reflection investigates whether it is possible for the movies industry, whose goal is to serve the market s economical interests, to produce insightful works. The second one discusses the conflict of interests between Brazilian filmmakers, foreign companies and the National Government in debating the adoption of protective measures to benefit national cinema. The third one interprets the films Cronicamente Inviável and Terra Estrangeira, relating them to the abovementioned aspects in the light of the social environment in which they are inserted / O tema deste trabalho é a Retomada do cinema nacional, desde a criação da Lei do Audiovisual, em 1993, até a constituição da ANCINE em 2002. Duas indagações direcionaram a pesquisa: precisamos ter um cinema nacional? Qual cinema queremos ter? Elas exigiram reflexões em três aspectos que compõem o fenômeno cinematográfico: a indústria cultural, a política do Audiovisual e o imaginário. A primeira trata da possibilidade de a indústria cinematográfica, que visa atender aos interesses do mercado, produzir obras reflexivas. A segunda aponta as fragilidades da política do audiovisual e a necessidade de ela criar medidas que limitem a invasão do cinema estrangeiro e favoreçam o cinema nacional. A terceira, interpreta os filmes Cronicamente Inviável e Terra Estrangeira para relacionar os aspectos citados ao ambiente social no qual se inserem