La présente recherche aborde la notion d’écriture technomorphe dans la musique contemporaine. Ce procédé, consistant à transposer des modèles électroniques dans la domaine instrumental, est apparu peu après la création des studios de la Westdeutscher Rundfunk (WDR) et du Groupe de Recherche Musicale (GRM). Au cours de ce mémoire, nous verrons l’origine et l’évolution de cette écriture, ses possibles formes ainsi que des exemples de sa dissémination dans la musique contemporaine. Nous présenterons également quatre oeuvres, réalisées dans le cadre de la maîtrise, proposant l’idée de musique hantologique instrumentale, écriture technomorphe inspirée par les artéfacts audio venant de la défectuosité des supports d’enregistrement analogiques et numériques. / This research explores the notion of technomorphic writing in contemporary music. This process, consisting of transposing electronic models into instrumental music, appeared shortly after the creation of the Westdeutscher Rundfunk (WDR) and Groupe de Recherche Musicale (GRM) studios. This dissertation addresses the origin and evolution of this approach, its possible forms and examples of its dissemination in contemporary music. Four new pieces, created during this master's degree, further explore the idea of hauntological instrumental music, inspired by audio artifacts from the defective analog and digital recording media.

La région du Saguenay-Lac-St-Jean est géographiquement située dans une enclave qui a contribué à l’isolement des populations s’y étant installées. Aussi cet éloignement aurait-il favorisé la présence de certaines spécificités culturelles dans cette région, spécificités ayant été relevées au sein de plusieurs domaines tel que la génétique, la linguistique, le patrimoine culinaire, l’histoire et la musique. Cette recherche vise à documenter plus spécifiquement l’élément musical dans la région du Saguenay-Lac-St-Jean par l’analyse du style et du répertoire de quatre joueurs de violon traditionnel ayant appris par transmission orale. La classification du répertoire et l’identification de différentes techniques de jeu au niveau du style permettent de relever à la fois des éléments communs et distincts chez les quatre violoneux. Outre les analyses quantitatives et qualitatives proposées au niveau du répertoire et du style, cette recherche comprend un survol de l’histoire des populations de la région avançant différentes pistes sur les origines et les influences des violoneux ayant habité ou séjourné sur le territoire depuis la traite des fourrures jusqu’à l’industrialisation, de même qu’un recensement de plus d’une centaine de violoneux du Saguenay-Lac-St-Jean depuis la colonisation, et un lexique endogène de la terminologie des violoneux étudiés. / The Saguenay-Lac-St-Jean region is an enclave, and this fact contributed, through the years, to the isolation of the populations established there. This isolation is a factor that would have contributed to the presence of cultural distinctiveness amongst the inhabitants of the region. This cultural specificity has been observed in many fields of research, such as genetics, linguistics, culinary traditions, history and music. This thesis documents the musical element of culture in the region of Saguenay-Lac-St-Jean, through the analysis of style and repertoire of four fiddle players from the region. The classification of repertoire and the identification of different playing techniques, highlight both common and individual elements featured in the music of these four fiddlers. The research also contains a historical overview of the people who lived in or crossed the region, from the period of fur trading to industrialisation, and how they could have influenced the music in this region. Additionally, this research contains a census of over 100 fiddle players who have inhabited or passed through the region since colonisation, as well as a lexic explaining over 70 terms and expressions used by the fiddle players of Saguenay-Lac-St-Jean.

Ce mémoire aborde la récupération de la musique à des fins politiques en interrogeant le rapport ambigu entre propagande et diplomatie musicale pendant la Guerre froide. Centrée principalement sur la production musicale aux États-Unis dans les années 1950, l’étude s’attarde aux stratégies adoptées, autant par des musiciens jazz que classique, pour critiquer et dénoncer les politiques discriminatoires d’une chasse aux sorcières communistes lancée par le sénateur républicain Joseph R. McCarthy (1908-1957). Elle montre également comment les dirigeants des États-Unis ont cherché à encenser les valeurs américaines en promouvant internationalement le jazz comme symbole démocratique, en particulier contre l’Union soviétique. Les deux premiers chapitres servent à camper le décor : le premier chapitre brosse par une mise en contexte un portrait politique et historique de la Guerre froide – en partant du postulat que celle-ci trouve ses racines dans la Révolution d’octobre 1917 –, et introduit le contexte sociopolitique des années 1950 en mettant l’emphase sur l’importante influence qu’a eue le maccarthysme, conception politique anticommuniste du sénateur McCarthy, sur la vie américaine. Le deuxième chapitre, également de mise en contexte, établit les différences entre les politiques culturelles américaines et soviétiques. Ce chapitre présente le Cultural Presentations program, le programme d’échanges culturels subventionné par le département d’État, de même que les relations culturelles officielles entre les États-Unis et l’URSS de 1958 à 1985. Les deux derniers chapitres présentent des études de cas afin d’illustrer l’impact sociopolitique sur la vie et la production musicales des années 1950. Le troisième chapitre analyse la présence du jazz au sein du Cultural Presentations program et retrace le parcours de quatre grands musiciens jazz ayant pris part au programme pour faire rayonner le jazz à l’international, tout en soulignant l’ironie d’utiliser des Afro-Américains comme représentants de la démocratie d’une Amérique ségrégée. Le quatrième chapitre traite spécifiquement du genre lyrique américain et des critiques du maccarthysme inscrites dans certaines œuvres de ce répertoire. Une attention particulière est portée à l’opérette Candide de Leonard Bernstein (1918-1990), en raison de l’engagement politique notoire du compositeur et du propos explicitement politique de l’œuvre. Cette recherche vise, en somme, à faire un état des lieux de la récupération politique de la musique en mettant en relation deux visions différentes de son utilisation aux États-Unis / This thesis addresses the subject of the political employment of music by questioning the ambiguous relationship between propaganda and musical diplomacy during the Cold War. Focusing mainly on the musical production in the United States in the 1950s, this study examines the strategies adopted by both jazz and classical musicians to criticize and denounce the discriminatory policies of this communist witch-hunt embodied by Republican Senator Joseph R. McCarthy (1908-1957). It also shows how U.S. leaders have sought to promote American values by internationally promoting jazz as a democratic symbol, particularly against the Soviet Union. The first two chapters serve to set the stage: the first chapter provides a contextualized political and historical portrait of the Cold War – starting from the premise that it is rooted in the October 1917 Revolution –, and introduces the socio-political context of the 1950s by emphasizing the important influence that McCarthyism, the anti-communist political conception of Senator McCarthy had on American life. The second chapter, also contextualizing, establishes the differences between American and Soviet cultural policies. This chapter introduces the Cultural Presentations program, the cultural exchange program funded by the Department of State, as well as the official cultural relations between the United States and the USSR from 1958 to 1985. The last two chapters focus on case studies to illustrate the socio-political impact on music life and productions in the 1950s. The third chapter discusses the presence of jazz in the Cultural Presentations program and traces the journey of four great jazz musicians who took part in the program to promote jazz internationally, while highlighting the irony of using African Americans as representatives of democracy in a segregated America. The fourth chapter deals specifically with the American operatic genre and the criticisms of McCarthyism in some works of this repertoire. Particular attention is paid to Leonard Bernstein’s (1918-1990) operetta Candide, due to the composer’s notorious political commitment and the explicitly political purpose of the work. This research aims to take stock of the political usage of music by linking two different visions of its use in the United States.

Ce mémoire décrit une approche interdisciplinaire transposée à la composition musicale, s’appuyant sur le texte et les arts visuels, en passant par des principes humanistes. L’interdisciplinarité artistique est élaborée dans trois sections : premièrement, les arts visuels comme guide sonore explore les liens théoriques, esthétiques et philosophiques entre la musique et les arts visuels. Deuxièmement, la textualité à l’œuvre musicale élabore l’importance des mots et du langage comme guides aidant le compositeur et l’auditeur dans l’expérience musicale. Troisièmement, musique inclusive examine la musique folklorique et d’autres techniques de composition musicale avec l’intention de communiquer et de transmettre un message précis à l’auditeur. Ces trois idées sont ensuite appliquées dans une analyse détaillée de mes compositions musicales écrites dans le cadre de la maîtrise sous la supervision de Denis Gougeon. / This memoire describes an interdisciplinary approach to musical composition using text and visual arts based on the principles of humanism. Artistic interdisciplinarity is elaborated in three sections: Firstly, Visual Arts as a Sonic Guide explores the theoretical, esthetic, and philosophical connections between music and visual arts. Secondly, The Textuality of the Musical Work elaborates the importance of words and language to lead the composer and the listener within the musical experience. Thirdly, Inclusive Music examines folkloric music and other compositional techniques that possess the intention of communicating and transmitting a specific message to the listener. These three ideas are then applied in a detailed analysis of my musical compositions written during the frame of my master’s under the supervision of Denis Gougeon.

La façon dont les bandes sonores ont été abordées dans le cinéma péruvien au cours des dernières décennies a changé. Depuis l'apparition des techniques numériques de réalisation de films en 1996, les films ne suivent pas les mêmes conventions qui ont été établies durant la seconde moitié du XXe siècle. Cette étude vise à comprendre comment les musiques afro-péruviennes et créoles péruviennes traditionnelles ont été utilisée dans la bande originale des longs métrages commerciaux péruviens entre 1996 et 2015. Après l'observation de 113 des 146 films péruviens commercialisés au cours de cette période, les 13 films contenant de la musique afro-péruvienne ou créole traditionnelle ont été sélectionnés afin d'analyser leur bande sonore. Chaque analyse se concentre sur les aspects généraux du film, la musique diégétique et les chansons, le style et le concept, les techniques de composition et présente une évaluation de la bande sonore. La comparaison des résultats des analyses a montré que la façon dont la musique traditionnelle a été utilisée dans le cinéma péruvien a changé par rapport aux décennies précédentes et que certains modèles de son utilisation sont apparus. / The way soundtracks have been approached in Peruvian cinema during the last decades has changed. Since the apparition of digital filmmaking techniques in 1996, movies don’t follow the same conventions that were established during the second half of the 20th century. This study aims to understand how traditional Afro-Peruvian and Peruvian creole music has been used in the soundtrack of commercial Peruvian feature films between 1996 and 2015. Based on the observation of 113 of the 146 commercially released Peruvian films during this period, the 13 movies that contain traditional Afro-Peruvian or creole music were selected in order to analyse their soundtrack. Each analysis focuses on general aspects of the film, the source music and songs, the style and concept, the compositional techniques and presents an evaluation of the soundtrack. The comparison of the results from the analyses showed that the way traditional music has been used in Peruvian cinema has changed in relation to previous decades and that some patterns in its use have appeared.

No description available.

Ce mémoire porte sur le fruit de mon travail accompli lors de ma maîtrise en composition instrumentale de l’Université de Montréal. J’y présente mon approche poétique envers lacomposition où des expériences imaginées de paysages et de déroulements sont évoqués par des éléments musicaux. J’y discute également des méthodes que j’utilise pour parvenir aux agencements intervalliques afin de créer ces expériences. J’y traiterai aussi de ma nouvelle approche intervallique vis-à-vis la modalité à travers les modes multicycliques, la majorité de mon travail ayant été le développement de ce système. J’y aborderai ensuite les explorations hors mode dans des stades moins avancés, mais qui m’ont amené des solutions pour des procédés intervalliques moins réalisables dans un contexte strictement modal, à travers des traitements de cellules, des jeux d’intervalles purs et des sonorités provenant des idiomes folkloriques Européen de l’est, précisément des Balkans. Enfin, j’analyse également la forme de chaque œuvre composée lors de ma maîtrise en approfondissant davantage sur l’imaginaire extramusical qui détermine la forme ainsi que le caractère de chaque groupe thématique, y compris le choix du mode s’il y a lieu. / This memoir elaborates on the outcome of my work during my master's degree in the instrumental composition program of Université de Montréal. It begins with a presentation of my poetic approach towards composition, where experiences of landscapes and happenings within them are illustrated through musical devices. What follows is a discussion of all methods I apply to harness the power of intervals to create these experiences. A significant chapter will be devoted to a rather intervallic approach towards modality in the form of multicyclical modes, as most of my work of this master's degree focuses on development of their use. The next chapter focus on all my explorations outside the modal structures, which are at earlier stages of development but have already given me solutions to procedures that are less applicable in a strictly modal context. That includes the treatment of cells, working with just pure intervals and integration of colours derived from the folk traditions of Eastern Europe, more specifically the Balkans. Finally, there will be a chapter that analyzes every individual work included here while digging deeper into the extra-musical imagination behind every work, determining its form and the character of all the sections including the mode of choice if there is one.

Ce mémoire porte sur la convergence des compositeurs français Georges Migot (1891-1976) et André Jolivet (1905-1974) au cours des années 1930 sur le plan de leurs idées en esthétique musicale, de leur démarche compositionnelle, et de leur implication administrative sur la scène musicale parisienne. Ceci a pour but de mieux comprendre l’amitié spéciale entre Migot et Jolivet, mesurer son influence sur leurs personnalités musicales, observer son impact sur leur engagement commun au sein de la société de concert La Spirale, et, plus globalement, évaluer sa portée sur l’ensemble de la scène musicale française. Actuellement, Stravinsky, Ravel et le Groupe des Six prennent une grande place dans les histoires de la vie musicale française de l’entre-deux-guerres. Ultimement, cette étude cherche à favoriser une meilleure compréhension de la variété des manifestations musicales dans le Paris des années 1930. Le premier chapitre de ce mémoire examine les idées esthétiques respectives de Migot et Jolivet et discute leurs similitudes. Le deuxième chapitre se penche sur l’engagement des deux compositeurs au sein de la société de concert La Spirale (1935-1937). Relativement peu étudié, cet organisme est néanmoins connu pour avoir servi d’incubateur au groupe La Jeune France (1936-1942), une association réunissant Olivier Messiaen, Daniel-Lesur, André Jolivet et Yves Beaudrier. À travers l’examen des activités de La Spirale, ce mémoire propose non seulement une liste revue et corrigée de toutes les œuvres présentées dans ses concerts, mais rend également compte de la nature de l’engagement de Jolivet et Migot en son sein. Finalement, le troisième chapitre propose une analyse comparative d’une sélection de mouvements tirés de deux recueils pour piano solo de Migot et Jolivet, respectivement Le Zodiaque (1931-1932) et Mana (1935). Les analyses se concentrent sur les structures de hauteurs et l’organisation motivique (pratiques modales ou sérielles, constructions accordiques inspirées par la série des harmoniques, procédés motiviques) et sur les proportions temporelles. Dans certains mouvements, les événements structurels semblent être gouvernés par des notions mathématiques telles que le Nombre d’or ou les nombres de la suite de Fibonacci. / This Master’s thesis explores the convergences between the French composers Georges Migot (1891-1976) and André Jolivet (1905-1974) during the 1930s, in terms of their respective musical aesthetics, compositional techniques, and involvement in the Parisian music scene. The aim is to provide a clearer picture of the relationship between Migot and Jolivet, to evaluate its influence upon their musical ideas and shared interest in the development of the concert society La Spirale, and to assess its significance in the wider sphere of French music. Currently, music history of this period is saturated with writings on Stravinsky, Ravel, and the Groupe des six. This study seeks to provide a better understanding of the other various musical manifestations in 1930s Paris. The first chapter of this thesis consists of an examination of Migot and Jolivet’s respective aesthetics ideas and a discussion of their similarities. The second chapter explores a shared project of the two composers: the concert society La Spirale (1935-1937). While largely un-studied, this organization is known for having given rise to the group La Jeune France (1936-1942), an association formed by Olivier Messiaen, Daniel-Lesur, André Jolivet, and Yves Beaudrier, as the first three also took part in the executive of the former society. Through an exploration of La Spirale’s activities, this thesis not only provides a complete and revisited list of all works performed at its concerts, but also qualifies the involvement of Jolivet and Migot. Finally, this research will conclude with a comparative analysis of select movements from solo piano collections by Migot and Jolivet, Le Zodiaque (1931-1932) and Mana (1935), respectively. While Migot uses a more modal language to convey his lyrism, Jolivet employs an emancipated post-tonal idiom. This analysis will take into consideration pitch and motivic structure (modal and serial practices) and temporal sequences. Moreover, it will provide an examination of the use of the Golden Mean and the Fibonacci series in some pieces.

Dans la dernière décennie, la profonde mutation de l’industrie musicale québécoise impose aux artistes le renouvellement de l’offre à travers de nouveaux lieux virtuels désormais fréquentés par les consommateurs. Longtemps tenus à l’écart de la culture de masse, les artisans du rap québécois développent cependant depuis déjà plusieurs années des stratégies maximisant ces nouvelles possibilités offertes par le Web. La présente recherche met donc en lumière le rôle structurant joué par le numérique dans le développement du rap québécois alors que ses artistes n’ont eu d’autres choix que d’optimiser les outils de promotion et de diffusion alternatifs. En posant d’abord un regard sociohistorique sur l’articulation autonome du mouvement hip-hop dans la province, nous identifierons les raisons de sa marginalisation et le rôle qu’y ont joué les dispositifs virtuels. Nous nous pencherons ensuite sur la forte croissance des pratiques de consommation numériques des publics québécois depuis 2000, encore plus marquée chez les publics ayant démontré un goût pour le rap. Puis, nous étudierons les dynamiques communicationnelles qui se développent entre les rappeurs et leurs publics au sein des communautés Web. Ainsi, nous retracerons la construction d’activités alternatives au sein du réseau qui permet au rap de s’implanter au Québec. Nous serons alors en mesure de mieux comprendre les comportements novateurs qui permettent au genre de faire face aux défis actuels de l’industrie musicale de la province. / In the past decade, profound transformations of Quebec’s music industry forced artists to channel their service offer through new virtual spaces henceforth frequented by their audiences. For a long time, Quebec’s rap artists were excluded from mainstream culture and had no other choice but to work apart from the industry’s principal broadcasting channels. This resulted in the articulation of an autonomous network developed since the early 2000s in the virtual environment. This research therefore highlights the structuring role played by digital technology in the development of Quebec’s rap scene, while its artists have had no choice but to optimize alternative promotional and distribution tools. Going back on Quebec’s history of the hip-hop movement through its social dynamics, we will identify the reasons for its marginalization and the role that virtual apparatus have played in it. We will then study the strong growth of digital consumption practices by Quebec audiences since 2000, which has been even more marked among audiences who have demonstrated a taste for rap. In the end, we will look at the communicational dynamics developed between rappers and audiences within Web communities. Thus, we will trace the elaboration of alternative activities within the network that allowed rap to take root in Quebec. We will then be able to better understand the innovative digital behaviours that helped the genre to meet the current challenges of the province’s music industry.

Mémoire en recherche-création / Creative dissertation / Cette thèse de maîtrise traite du processus créatif et de la recherche qui y est associée afin de produire deux performances en direct dans le domaine de la musique électroacoustique. À l’aide de ces deux œuvres, mon intention était de concevoir une pratique artistique qui réunit plusieurs modes autour de la gestuelle et du son, influencée par des algorithmes. Une tentative approfondie d’extraire un processus de composition à partir des réactions de la matière en vibration englobe une grande partie de la recherche. Cette recherche découle de ma transition d’une pratique artistique basée sur la représentation (soucieuse des haut-parleurs, manettes et boutons) vers une pratique imprégnée par la performance (soucieuse de la transformation continuelle du son en relation avec les modulations de la matière). Tout au long de cette recherche, j’ai mené un examen approfondi des rythmes au-delà de la pure mesure de leurs expressions musicales, pour considérer les nombreuses notions du rythme qui se dévoilent dans les interactions quotidiennes de l’expérience vécue. Les micro-rythmes perçus par l’oreille comme des textures, les gestes répétitifs perçus par l’œil comme un mouvement linéaire et les rythmes observés lors de circonstances sociales communes, comme la cadence de la conversation sont, parmi les caractéristiques du rythme qui ont suscité mon intérêt. Le tout se situe dans un récit historique éclairé qui étudie l’influence de l’algorithme et de la matière tout au long de la musique et de l’art sonore du XXe siècle. La recherche conceptuelle est enrichie par des expériences exhaustives en composition algorithmique, analyse gestuelle et modélisation gestuelle. Dans chacun de ces domaines, bien que soutenue par des lectures fondamentales en philosophie et en art, une approche primaire de la création s’est faite dans un processus « réfléchir-en-faisant » qui ont généré de nombreuses ex- périences tant avec la matière physique qu’avec la conception d’instruments numériques. Au- delà de la création des performances qui constituent la base des résultats de cette recherche, un vaste ensemble d’outils interopérables d’analyse gestuelle en temps réel, de modélisation, de composition algorithmique et de traitement du son a été développé et publié pour l’environnement Max/MSP. / This master’s thesis concerns the creative process and related research for the production of two live performances in the domain of electroacoustic music. Across the creation of the two works, my intention has been to develop a unified multi-modal gesture, sound, and algorithm influenced performance practise. Encompassing the largest portion of the research is an earnest attempt to derive compositional process from the behavior of vibrating matter. This research is precipitated by my movement from an artistic practice based on representation (concerned with speakers, knobs, and buttons) towards a practice steeped in performance (concerned with the continuous transformation of sound correlated to material modulation). Across this research, an in-depth investigation was conducted into rhythms beyond their purely metric musical manifestations, and into the numerous alternative notions of rhythm which are revealed through daily interactions and lived experience. Rhythmic artifacts of interest have included micro-rhythms perceived by the ear as textures, repetitive gestures perceived by the eye as linear motion, and rhythms observed in ordinary social situations such as the cadence of conversation. This is all situated within an informed historical narrative which considers the influence of the algorithm and material primarily across 20th century music and sound art. The conceptual research is augmented by extensive experiments in algorithmic composition, gesture analysis, and gesture mapping. In each of these areas, though tied to fundamental readings in philosophy and art, a primary approach to creation has been thinking-through-making, which has led to extensive experimentation with both physical materials and digital instrument design. Beyond the performance creations which form the basis of this research output, a large set of interoperable tools for real-time gesture analysis, mapping, algorithmic composition, and sound processing was developed and published for the Max/MSP environment.