Ce texte accompagne les oeuvres qui ont fait fobjet d'une recherche création à la maîtrise en arts visuels. Maille par maille, il rend compte du processus qui a sous tendu mon travail ainsi que le parcours que j*ai emprunté pour y parvenir. Mes sculptures abordent les notions d'accumulation, d'empilement et de répétition. Elles ont fait l'objet d'une exposition dans un lieu intime transformé pour l'événement, à savoir mon propre atelier. Ce texte témoigne du lien affectif que j'entretiens avec l'oeuvre et de ma capacité à faire partager cette expérience avec les spectateurs.

L'œuvre de Louis Sébastien Mercier, volumineuse et composite, n'a suscité que trop rarement un intérêt pour une analyse d'ensemble. Si l'empreinte importante laissée par les habitudes de promeneur et d'observateur de l'auteur dans ses ouvrages principaux frappe immédiatement celui qui les parcourt, ces occupations quotidiennes ont également influencé la forme de l'oeuvre qui, dès lors, se trouve faite de miettes et de fragments récoltés au gré des déambulations journalières du littérateur, au gré de ce qui aura capté ou non son regard. S'ensuit une perception contradictoire entre l'oeuvre et les miettes qui la forment, comme si un ensemble cohérent ne pouvait naître de la forme morcelée de ses parties. Or, et au-delà de ce premier constat paradoxal assez flagrant pour quiconque se plonge dans les écrits foisonnants de Mercier, notre thèse veut montrer comment la préoccupation de l'auteur d'inscrire le présent a pu avoir un impact direct sur son oeuvre entière - autant dans le fond que dans la forme - au point de constituer, dans une certaine mesure, un dénominateur commun à l'ensemble qui permet de former un tout conséquent quoiqu'hétérogène. De la présence presque martelée du corps à l'omniprésence d'une plume témoin, l'oeuvre se déploie autour d'un but précis : observer la marque du temps sur les choses et les hommes. Mercier sème ses phrases au quotidien, marque le temps de ses pensées, utilise son oeuvre comme un journal de bord dans lequel il inscrit chaque instant comme autant de traces de la vie qui s'écoule, avec tous les paradoxes que peut contenir une écriture qui accumule sans rien retrancher de la parole déjà répandue dans le monde. L'oeuvre devient ainsi à la fois preuve et témoignage de l'évolution d'une pensée autant que du temps qui fuit, et non un simple amas disparate à ne consulter qu'en pièces détachées. Par l'impact de la perception du présent sur l'oeuvre entière - y compris dans sa part historique et anticipatrice -, c'est toute la singularité et la cohérence de la plume de Louis Sébastien Mercier, prise entre paradoxes, fragments et rapidité, qui se donne à lire.

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Comme un chef trouverait ridicule qu'un client qui goûte son plat lui demande de décrire la saveur et pourquoi il le fait, certains artistes ne veulent pas s’asseoir et interpréter leurs œuvres à la place du spectateur. Surtout que les artistes ont d’autres raisons de rester silencieux: peut-être que les œuvres elles-mêmes sont des objets obscurs auxquels les artistes veulent échapper ou que celles-ci répondent à des questions non résolues. Les œuvres seraient des réflexions non avouées. Cependant, une relation s’établit entre les artistes et leurs pratiques. Je la découvre à travers ma démarche de création en maîtrise, accompagnée de tous les questionnements techniques et émotionnels, que je termine avec mon exposition – Rivière absente. Pour décrire mon cheminement, je commence par une interprétation du concept de symbiose. Ce concept s'applique à l'ensemble des installations de mon exposition. Deuxièmement, j'analyse l’influence de l’animation et de la vidéo sur ma production en accordant plus d'importance à l'œuvre finale et son échange avec le spectateur qu'au médium lui-même. À la fin, j’analyse l'ensemble des sentiments et des réflexions sur la notion de nostalgie qui donne naissance à mes scénarios et à ma pratique. En plaçant cette partie à la fin, je tente de mettre en avant-plan les émotions que l'œuvre transmet tout en mettant de côté l'analyse technique.

Tableau d’honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2014-2015 / Cette étude prend pour objet la pratique sculpturale de l’artiste québécois David Altmejd, né en 1974. Aménageant des paysages bigarrés s’articulant autour de la rencontre d’une affluence d’objets, de matériaux hétéroclites et personnages étranges, Altmejd conçoit ses sculptures comme de petits mondes à part qui toujours semblent traversés par une énergie transformatrice. L’enjeu de cette recherche est de mettre en lumière les stratégies formelles et conceptuelles par lesquelles l’artiste réinterroge la notion classique de la métamorphose. Par l’analyse des œuvres et du discours de l’artiste, le tout tenant compte de l’expérience du spectateur, cette étude veut montrer comment David Altmejd s’approprie et reformule cette notion de métamorphose dans un langage qui lui est propre. Propice aux échanges et aux communications contre-nature, ce langage permet, selon-nous, de remettre en question certains codes par lesquels nous appréhendons et définissons le mouvement, voire, le monde en mouvement. / This study investigates the sculptural practice of David Altmejd, an artist from Québec born in 1974. Setting up mixed landscapes, in which are blended numerous objects, heterogeneous materials and strange characters, Altmejd creates sculptures as if they were small worlds in themselves, expressing their own transformative energy. We will seek to unveil the formal and conceptual strategies that the artist uses to re-examine the classical notion of metamorphosis. Taking into consideration the experience of the spectator, we will analyse David Altmejd’s work and speech in order to demonstrate how he manages to grasp and reformulate the notion of metamorphosis using a language of his own: permeable to exchanges and communications that go beyond our natural way of seeing things, a language that enables him to challenge some of the codes traditionally used to apprehend and define movement, and, extensively, the world itself.

Devant certaines réalités de nature complexe qui nous plongent dans une incompréhension inconfortable apparait la nécessité de mettre en place un système organisationnel qui saura mettre fin à ce désordre. Plusieurs systèmes de classement sont en mesure de gérer une complexité, mais très peu y parviennent en incluant la totalité des composantes du problème. Cette problématique de l’inclusion constitue l’un des enjeux primordiaux de ma recherche. La complexité située au cœur de mon projet est composée de milliers de dessins issus d’une méthodologie rigoureuse, à la limite de l’automatisme et dépourvus d’intention. Il en résulte des signes informes, à mi-chemin entre abstraction et représentation, à partir desquels ont été explorées différentes avenues systémiques prenant la forme d’un mur de classification, d’un livre d’artiste, d’un film d’animation, de divers recueils d’archive et d’une sculpture en laine crochetée. Tout cela dans une attitude d’ouverture et de flexibilité. Une expérience esthétique naitra alors.

Tableau d'honneur de la Faculté des études supérieures et postdorales, 2015-2016 / Le texte qui suit fait état des recherches et explorations réalisées dans le cadre du programme de maîtrise en arts visuels. Il trace le développement d’une pensée émergeant d’un dialogue entre mon processus de création, les travaux réalisés et certains concepts et idées liés tant au discours philosophique, artistique, qu’au domaine de l’architecture et de la mode. Ce discours reflète les différentes dimensions actuelles de ma pratique, leurs modulations et ouvertures, afin de motiver un corpus matérialisant un usage non normé des patrons de couturière. Constitués de dessins et d’assemblages, les travaux présentés découlent d’une démarche exploratoire caractérisée par un travail de déconstruction, d’hybridation et de réagencement des patrons et de ses codes, donnant lieu à une reconfiguration de l’organisation et de la structure du vêtement. Appréhendé comme doublure, le vêtement se présente comme un objet ouvert et indéterminé qui, troublant à la fois les modèles identitaires et l’organisation du corps usuels, invite à bâtir de nouvelles façons de percevoir le sujet.

Alors que la langue du discours utilitaire s'articule autour de notions et de concepts pour des fins de de communication, la langue de la poésie sourd de l'intériorité de l'être. Elle soutient le poète en marche vers l'apprentissage de la parole vivante, laquelle s'incarne dans son histoire personnelle et sa relation au monde. Marier la source et la blessure rassemble des textes poétiques où gravitent les thèmes de la tristesse, de l’angoisse, de la révolte et de l'espoir. Des moments de clarté, un souffle d'énergie, des instants d'apaisement. Un passage de l'ombre à la lumière. Au cœur de ce pèlerinage à la rencontre de soi et de l'autre, s'exprime un désir d’accomplissement. Pour soutenir cet ensemble de textes, on trouvera un propos sur le mouvement surréaliste et l'apport de Pierre Reverdy à la poésie contemporaine. Puis, entre l'essai et les notes d'un journal de lecture de poésie, s'ajoute une partie réflexive sur démarche d'écriture poétique.

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Ce mémoire en recherche-création regroupe une exploration de l’écriture poétique et une étude des transformations permettant le passage du poème vers la chanson dans 12 hommes rapaillés chantent Gaston Miron. La première partie de ce mémoire consiste en un recueil de poèmes, L’absence aura tes yeux, dont l’écriture concorde avec la période la plus active de mon travail de recherche sur Gaston Miron. Dès le début de la rédaction de ce mémoire, j’ai souhaité être attentive à la présence de Miron dans mon travail poétique afin de rendre compte de son influence dans ma démarche créatrice. Mon recueil se veut donc une sorte de témoin de cette relation particulière que j’ai vécue avec le poète et son oeuvre tout au long de mon travail de recherche et d’écriture. En apprivoisant Miron, c’est ma propre expérience de l’écriture que j’ai revisitée, et sa présence a teinté, intimement, ma vision de la poésie et mon rapport personnel à ce genre littéraire. Les passages en italique dans mes poèmes sont par ailleurs des emprunts poétiques à Gaston Miron. L’absence aura tes yeux est le récit de la destruction, celle devant laquelle nous sommes impuissants, mais aussi celle que l’on s’assène à force de rigueur envers soi-même. D’un doux contrepoids, c’est aussi le récit de l’amour incandescent, celui dont la lumière pénètre jusque dans les bas-fonds de l’âme pour réparer les choses que l’on croyait brisées. La deuxième partie de ce mémoire consiste en l’analyse du projet 12 hommes rapaillés chantent Gaston Miron entrepris par Gilles Bélanger et qui a été réalisé à partir des poèmes issus des recueils L’homme rapaillé et Poèmes épars. J’y observe les caractéristiques formelles de la poésie de Miron, mais aussi les manipulations qui ont permis la transformation de certains de ses poèmes en chansons.