L'étude de la représentation littéraire du corps humain dans les oeuvres de François Rabelais et de Francisco de Quevedo offre de très riches possibilités, pas seulement à cause de l'indéniable importance du sujet dans leurs oeuvres et de l'extraordinaire créativité linguistique dont leurs discours comiques témoignent, mais aussi parce que la représentation littéraire du corps humain est un terrain où l'on peut observer avec une spéciale clarté la synthèse que chacun d'eux a produite entre une vaste formation culturelle de base humaniste et leur attachement à l'héritage de la culture comique traditionnelle. L'absence d'études comparatives entre ces deux écrivains et la presque inexistence d'études sur la réception de Rabelais chez les hispanophones ont déterminé le besoin de commencer le travail par la considération de ces problèmes. Comme complément, pour une meilleure connaissance des problèmes de réception de l'oeuvre de Rabelais chez les hispanophones, on a aussi présenté un panorama des traductions en espagnol de ses livres, depuis 1905 (date de publication. de la première version de Gargantua) jusqu'à nos jours. Dans la deuxième partie de cette thèse, on a examiné l'apport de Mikkail Bakhtine en ce qui concerne la représentation du corps dans les oeuvres comiques de l'époque, (incontournable pour nos objectifs, du moment que ce thème occupe une place exceptionnelle dans l'ensemble du système sémiotique qu'il présente), et la façon dont les sciences naturelles et les préceptives artistiques de cette période se proposent de décrire le corps pour y découvrir les liens de ressemblance qui, tout en l'unissant à l'ensemble du macrocosme, permettent d'y déceler les plans divins. A partir de ces considérations et du relèvement, dans les oeuvres de Quevedo et de Rabelais, des images où le corps humain est mis en rapport avec des éléments non humains, on les a décrites et proposé une classification des images déshumanisantes, qui établissent des relations analogiques (de ressemblance ou d'identité) entre deux termes appartenant aux classes humain/non humain, pas seulement différentes mais encore complémentaires du point de vue logique. On a ensuite analysé les effets d'ensemble de ce système dans les grandes lignes compositives du portrait (transformisme et fragmentation) pour différencier l'attitude de chacun des auteurs étudiés vis à vis de ce qui concerne la vie matérielle de l'homme.

Mémoire numérisé par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

Ce travail propose de considérer l’oeuvre de Jarry comme une déformation, simple ou indirecte, de textes antérieurs écrits par autrui. Afin de décrire et d’analyser les différents aspects de son travail de seconde main, d’établir une typologie de ses formes et de ses pratiques, nous adoptons ces deux approches : l’intertextualité et l’historicité. D’une part, nous distinguons les deux formes de son écriture, allusive et dynamique : la réécriture comme production linéaire et le bricolage comme production combinatoire. D’autre part, nous situons l’oeuvre de Jarry dans un temps et un lieu déterminés. En dépit de la forte singularité de la personne de Jarry, ses textes sont indissociables des contextes qui caractérisent la fin du XIXe siècle. On ne saurait comprendre en effet le véritable enjeu de sa littérature au second degré sans tenir compte de ses multiples références à la philosophie occulte, à l’idéalisme subjectiviste, à l’esthétique archaïsante ou encore à la politique des faits divers. / This study sets out to consider Jarry’s works entirely as a deformation of texts written by others, whether direct or indirect. In order to describe and analyze the various aspects of this “creation at secondhand” and establish a typology of its forms and practices, we have approached it from the dual angle of the intertextual and the historical. In the first case we can discern both an allusive form and a dynamic form of Jarry’s writing: rewriting as a linear product and bricolage as a patchwork product, uniting various elements. In the second case we have situated Jarry’s work in the specific time and place of their appearance. Despite Jarry’s very individual personality, his texts cannot be taken out of the context that binds them to the end of the nineteenth century. It is impossible to understand the real issues underlying his literature of allusion without taking his many references to occult science, idealism and the prevailing archaizing aesthetics into account, to say nothing of the politics of “faits divers’’, the newspaper sensations of the day.

Suite à l’essoufflement du vers libre, et plus généralement à l’idée d’une crise de la poésie, un ensemble de poètes s’est attaché, dès les années 1960, à une redéfinition du genre, dans le sens d’un renouvellement du poème à partir de ses traditions. Paul Louis Rossi fut de ces écrivains, et un large pan de son oeuvre littéraire témoigne de son investissement dans cette recherche. Pratique de formes fixes, dimension épique de certains livres engagés dans une réécriture de l’histoire, il est évident que l’entreprise du poète s’inscrit dans une démarche que l’on pourrait qualifier de modernité archaïque.S’agissant d’inscrire le poète dans ce contexte, cette étude voudrait aussi mettre au jour une dimension plus personnelle de ce rapport au passé et à la mémoire, l’auteur développant une pensée du temps qui se situe visiblement à la croisée du biographique, de l’esthétique et de la métaphysique, et qui semble à l’origine même de son projet littéraire. Dans une analyse à la fois synchronique et diachronique, il s’agira de mettre en perspective cette pensée du temps et son expression rhétorique et formelle / Following the free verse's decrease, and the idea of a crisis in poetry in its globality, some poets worked, from the early 60's, on a new definition of the genre, in the way of a renewal from its tradition.Paul Louis Rossi was one of these writers, and a large part of his work is representative of his personnal investment in this research. Practice of formes fixes, epic dimension of some books engaged in rewriting history, obviously the poet's approach is a process that could be termed archaic modernity.. With regard to place the poet in this context, this study will expose the personnal dimension of hisrelation to past and memory, in which the author developps a thought of time that is patently at the crossroadsof autobiography, aesthetics and metaphysics, and seems to be the origin of Paul Louis Rossi's literary project. In an analysis both synchronic and diachronic, this time thought and its formal and rhetorical expression will be put into perspective

Au cours des années cinquante et au début des années soixante, plusieurs critiques d’art proclamaient que la période des combine-paintings de Robert Rauschenberg était une renaissance du mouvement révolutionnaire dada. En effet, dans plusieurs articles de l’époque, on note une utilisation fréquente du terme "néo-dada" pour faire référence à la production de Rauschenberg. Au milieu des années soixante, cependant, une nouvelle tendance critique émergeait condamnant cette catégorisation. Les tenants de cette nouvelle orientation voyaient Rauschenberg non plus comme un néo-dada mais comme un précurseur du Pop. Tout en reconnaissant la validité de ces deux positions critiques, je tenterai de démontrer, dans les pages qui suivent, que ni l’une ni l’autre expliquent de façon adéquate la période des combine-paintings et le projet artistique qui l’a initiée. Après avoir examiné les points de vue de quelques représentants de ces deux tendances antagonistes, je démontrerai que la valeur essentielle des combine-paintings ne peut être reliée ni au dada ni au Pop. En effet, à la différence du mouvement dada qui rejetait l’institution de l’art et du mouvement Pop qui s’intégrait, d’une façon cynique, à celle-ci, les combine- paintings de Rauschenberg s’inscrivent dans l’institution de l’art de manière à la subvertir et reformule ainsi le projet de l’avant-garde historique qui consistait à combler la brèche entre le statut autonome de l’art et la vie quotidienne. Signatures : Louise Gauthier: Elliott / During the late 1950s and early 1960s, many critics believed that Robert Rauschenberg’s combine-painting period was a revival of the revolutionary Dada movement. Indeed, in many articles, critics referred to the combines as "neo-dada". In the mid 1960s, however, a new wave of criticism began to surface which strongly criticized this categorization. Rather than considering Rauschenberg as a neo-dadaist, these critics saw him as a precursor to Pop. The purpose of this paper will be to show that while both critical perspectives contain some elements of truth, neither one adequately explains the combine-paintings and the basic artistic project that motivated them. After examining the points of view defended by some representatives of these opposed perspectives, I shall argue that the essential value of Rauschenberg’s combine-paintings does not lie in their relationship to either Dada or Pop. Unlike Dada’s total rejection of the institution of art in bourgeois society and Pop art’s cynical acceptance of it, Rauschenberg’s combine-paintings work within the institution of art in order to subvert it, thus reformulating the historical avant- garde’s unfinished project of breaking down the distinction between art as an autonomous entity and day-to-day life. / Montréal Trigonix inc. 2018

Ce mémoire est composé de deux sections, une de création et l’autre de réflexion. La première consiste d’un roman de fantaisie satirique, Incompetent Gods (écrit en anglais) et la deuxième d’un essai à propos de ce genre. Incompetent Gods - Dans une dimension parallèle, créée par les dieux écœurés de l’athéisme régnant dans la nôtre, immortels et mortels vivent ensemble en cacophonie. Leurs relations sont étroitement surveillées par la compagnie Dieux Inc. qui emploie et contrôle la plupart des divinités. Son PDG, la reine Louhi Pohjola, court un grave danger car Goblin et son souverain-fifre Japhet essaient de se débarrasser d’elle afin de conquérir le monde. Ce récit satirique, en utilisant la transvalorisation de mythes anciens, la parodie de lieux communs présents en fantaisie, la transposition de dieux dans un contexte corporatif et des jeux de langage, se veut une critique de notre société, de nos valeurs et de nos utopies. Effets de miroirs. De la satire en fantaisie - Cet essai présente une étude littéraire de l’œuvre de Terry Pratchett, un des géniteurs de la fantaisie satirique contemporaine, suivie d’une réflexion sur le processus de création. Cela dans le but de répondre à deux questions : comment se moquer d’une chose alors qu’on en évoque une autre? Et comment créer un effet de reconnaissance entre le merveilleux et le réel? Idéalement, ceci permettra d’offrir une nouvelle perspective sur ce genre si mal apprécié. / This thesis is made up of two parts. The first one, Incompetent Gods, is a short satirical fantasy novel written in English. The second part consists of an essay about the genre. Incompetent Gods - In a parallel world, created by the gods sickened with the atheism in our dimension, mortals and immortals live together in cacophony. Their relations are monitored by Gods Inc., a huge multinational that employs and controls most divinities. Its CEO, Queen Louhi Pohjola, is in grave danger, for in order to conquer the world, Goblin and his side-king Japhet are doing all they can to get rid of her. By devaluing old myths, parodying the clichés of fantasy, transposing gods into a corporate context and playing with language, this satirical fable aims to critique our society, our values and our utopias. Effets de miroirs. De la satire en fantaisie - This essay (in French) presents a literary study of the works of Terry Pratchett, one of the most famed authors of contemporary satirical fantasy, and a reflection on the creative process that answers two questions: how to ridicule one thing while evoking another? And how to create a mirror of reality through the use of fantasy? Ideally, this will give new insights into this badly perceived genre.

Tableau d’honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2013-2014. / Période négligée de l’histoire littéraire, les années 1860 à 1930 ont apparu aux critiques de la modernité comme un âge de l’irréalité dont le patriotisme de Louis Fréchette et la mélancolie d’Émile Nelligan témoignaient de deux manières opposées, irréconciliables, sinon dans un même exil, une même absence à soi et à la vie immédiate. Cette thèse revient d’abord sur l’émergence et l’évolution de ce rapport des modernes au passé littéraire canadien-français, puis retrace une lignée considérable de poètes qui furent indifférents au patriotisme sans pour autant tomber dans l’isolement pathétique. Dans un premier temps, il faut relativiser la prépondérance de la poésie patriotique : Louis Fréchette et Nérée Beauchemin ont aussi écrit de la poésie lyrique et descriptive. La plupart des poètes de la fin du XIXe siècle pouvaient, d’un poème à l’autre au sein d’un même recueil, passer de la célébration des héros de la Nouvelle-France à l’observation directe du peintre. Cette dernière tendance prévaut dans les œuvres d’Alfred Garneau et d’Eudore Évanturel, qui ont en commun de faire passer le monde du statut de support idéologique à un lieu de présence imprescriptible, ouvert. Après une analyse de leurs poèmes dans la production littéraire de la seconde moitié du XIXe siècle, la thèse s’attarde dans les trois chapitres suivants aux parcours individuels de trois poètes majeurs du siècle suivant en les situant dans l’évolution de la littérature canadienne-française : Albert Lozeau, Jean-Aubert Loranger et Alfred DesRochers. Chacun à leur manière, ces poètes opèrent une objectivation du monde tout en interrogeant la nature de leur relation avec lui. Avec eux, sans doute à cause de la primauté accordée par le symbolisme à l’imagination créatrice, la réalité sensible est intériorisée, engagée dans un dialogue ou présentée directement comme une manifestation de conscience. Au final, il est possible de reconstituer une tradition poétique marquée principalement par une solitude retirée et une attention soutenue à la vie présente, tradition qui trouve son aboutissement dans l’œuvre de Saint-Denys Garneau.

Tableau d'honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2019 / La présente étude propose d'approcher la pratique sculpturale de l'artiste américain Brian Dettmer. Désarticulés, scellés avant d'être soigneusement découpés, les livres qui constituent la matrice de son travail échangent leur aspect traditionnel contre des formes inusitées n'ayant de cesse de subvertir les propriétés structurelles et esthétiques de l'objet. Résolument délinquants, ces ouvrages altérés, encore aujourd'hui marqués de l'empreinte du premier codex, voient leur caractère survivant ouvrir à un questionnement sur le rapport que nous entretenons avec le livre à l'ère du numérique. Une relation conflictuelle, oscillante, qui sous-tend la démarche de Dettmer dont le discours, indissociable de sa pratique, porte à considérer la forme livresque tel le symptôme de changements socioculturels profonds. Tressant anthropologie, philosophie et sociologie, l'enjeu de cette recherche multidisciplinaire est de mettre au jour les chemins de pensée empruntés par l'artiste pour instaurer un dialogue entre l'objet-livre et l'environnement informationnel dématérialisé qui lui disputerait son statut de gardien de la connaissance. C'est donc par une attention accordée aux propos de Dettmer, à la matérialité de ses sculptures et aux effets épistémologiques qu'elles induisent que notre analyse tente de donner corps à cette rencontre entre deux dispositifs du savoir. / This study focuses on the sculptural practice of Brian Dettmer. Disarticulated, sealed prior to being carefully carved, the books at the center of the artist’s practice forego their traditional aspect and take on strange forms that relentlessly subvert the structural and esthetical proprieties of the object itself. Definitely delinquent while still bearing to this day the imprint of the first codex, these altered objects, through the survival of their fundamental quality, question the relationship we have with books in the digital age. Conflictual, oscillating, this relationship underlies the process of the artist, whose own discourse, always tightly related to his practice, sees in the book format a symptom of deep sociocultural changes. Drawing from anthropology, philosophy and sociology, this multidisciplinary study intends on revealing the pathof thought used by Dettmer in his effort to establish a dialogue between the “object-book” and the dematerialized informational environment, the latter contending the former’s claim to the guardianship of knowledge. Through a careful consideration of the artist’s commentaries, the materiality of his sculptures and the epistemological effects they induce, our study ultimately explores the encounter between these two different devices of knowledge.

La conscience d’un individu se développe au fil du temps par expérimentation, imitation et conditionnement. Sa compréhension du monde se construit à partir de déductions logiques qui s’appuient à la fois sur un désir d’acceptation sociale et sur son émotivité propre. Pour conserver l’équilibre psychique ainsi acquis, l’attitude qu’il adopte, dictée par cette vision du monde, peut devenir de plus en plus rigide. Il serait cependant possible de prendre en charge l’évolution de la conscience par une mise en mouvement volontaire de l’esprit. Celle-ci permettrait la participation positive de l’inconscient à l’évolution des connaissances et ainsi faciliterait l’adaptation de l’attitude aux constants changements de l’environnement. Pour moi, la peinture représente un outil favorisant ce dynamisme psychique.

Tableau d’honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2010-2011 / Dans une perspective épistémocritique, notre étude entend montrer que, parce qu'ils procèdent tous deux de la même épistémè - une épistémè déterminée par la crise de l'interprétation qui sévit à leur époque -, les textes de Rabelais et de Galilée trouvent à s'éclairer l'un l'autre en certaines parts, et ce, malgré le fait qu'ils appartiennent à des champs distincts du savoir. S'étendant depuis le XVIe siècle jusqu'au siècle suivant, la crise de l'interprétation dont il est question comporte deux aspects majeurs : la révision des canons exégétiques de l'époque et le passage du commentaire à l'expérimentation. Pour se rattachés spécifiquement à l'un ou à l'autre de ces aspects de la crise, les textes de Rabelais et de Galilée confirment le commun rapport qu'ils entretiennent avec elle de même qu'avec l'épistémè qu'elle a su en partie déterminer. De là, la filiation épistémique desdits textes peut être posée. Elle se vérifie en observant l'usage significatif qu'ont fait Rabelais et Galilée de la fiction linguistique et du dialogue. Propres à l'épistémè qu'ils partagent, ces deux types d'usage constituent la base sur laquelle pourront être rapprochés, s'éclairer et se comprendre les textes de Rabelais et de Galilée.